20 самых известных художников мира и их знаменитые картины
Рафаэль Санти (1483 – 1520)
Рафаэль был творческой, всесторонне развитой и одаренной личностью, поэтом и величайшим художником, чьи работы очень ценились в Ватикане. Это один из величайших художников мира, который нашел особую манеру изображения пространственной перспективы, как в «Обручении Девы Марии».
Известные работы:
«Святой Георгий и дракон» (1506).
«Донна Велата» (1515).
«Диспут о Святом Причастии» (1510).
«Преображение Господне» (1520).
«Сикстинская Мадонна» (1512).
В «Сикстинской Мадонне», самом известном его шедевре, впечатляет буквально все – от одухотворенного лица девственницы до прорисовки «облака свидетелей» духовного мира. Одна из «простеньких» его графических работ была продана на аукционе Сотбис за 30 млн фунтов стерлингов.
Рембрандт Ван Рейн (1606 – 1669)
Среди самых известных художников он считается менее знаменитым, но ему удалось опередить время и внести свою лепту в мировую сокровищницу:
«Даная» (1647).
«Ночной дозор» (1642).
«Саския в образе Флоры» (1634).
«Блудный сын в таверне» (1635).
«Возвращение блудного сына» (1669).
В Эрмитаже выставлено «Возвращение блудного сына», знаковое полотно на библейский сюжет. Это вечная тема взаимоотношений отцов и детей, где четко видно – сострадание отца к неразумному юноше превыше справедливого гнева владельца большого имения.
Сальвадор Дали (1904 – 1989)
Самый эпатажный среди наиболее известных художников – Сальвадор Дали, с его особым способом мышления и трансформации образов. Многие, впервые разглядывая его полотна, восклицают: «Как можно было до такого додуматься?!». Сложно забыть его работы, особенно лихо закрученные усы с автопортрета и эти текущие циферблаты.
Известные работы:
«Постоянство памяти» (1931).
«Архитектонический «Анжелюс» Милле» (1933).
«Распятие Христа» (1954).
«Живой натюрморт» (1956).
«Лик войны» (1941).
Испанец Сальвадор Дали был одинок из-за широты ума, сложным для понимания обывателями.
Он был сюрреалистом, гением, но только не безумцем.
Сандро Боттичелли (1445 – 1510)
Один из наиболее значимых мастеров Возрождения внес большой вклад в развитие особой манеры флорентийской школы живописцев. Пример – «Поклонение волхвов» на библейский сюжет.
Известные работы:
«Благовещение» (1490).
«Поклонение волхвов» (1482).
«Мистическое Рождество» (1501)
«Аллегория силы» (1470).
«Рождение Венеры» (1485).
«Рождение Венеры» из пены морской – одно из всемирно известных полотен самого выдающегося художника XV века. Сегодня это один из наиболее растиражированных образов.
Поль Гоген (1848 – 1903)
Рассказывая о великих художниках мира, нельзя не вспомнить о французском живописце Гогене. Его считают противоречивой фигурой в искусстве, в основном из-за влияния этнических мотивов на его манеру, как в полотне «День божества» (Таити).
Известные работы:
«День божества» (1894).
«Борьба Иаков с Ангелом» (1888).
«Желтый Христос» (1889).
«Больше никогда» (1867).
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём?» (1898).
Светское общество осуждало его за женитьбу на таитянке. Островитяне его боялись, видя в нем «демона», из-за которого они страдали бессонницей. Коллеги не принимали новаторства его полотен, обвиняя в расизме и женоненавистничестве. Но это не помешало ему войти в золотую двадцатку гениальных художников.
Микеланджело Буанаротти (1475 – 1564)
Он был итальянским художником в расцвет эпохи Возрождения. А еще он был непревзойденным скульптором и архитектором, украсившим Рим своими шедеврами. Каждое утро в Ватикан стекаются толпы туристов, чтобы восхищаться изваянием Матери Иисуса Христа, только что снятого с креста.
Известные работы:
Базилика Св.Петра в Ватикане.
«Фреска «Страшный суд» (1541).
«Давид», мраморная статуя (1504).
«Пьета», скульптура (1499).
«Сотворение Адама» (1512).
Две соприкасающиеся кисти руки – шедевр, который не смогли превзойти другие всемирно известные художники. Это фрагмент фрески «Сотворение Адама», где зрителей смущает не только откровенная нагота, но и пупок на животе юноши. Его не должно быть у существа, появившегося на свет не в результате рождения из материнской утробы, а по замыслу сотворения первых людей.
Густав Климт (1862 – 1918)
Среди великих австрийских художников почетное место занимает один из самых ярких представителей европейского модерна. Его «Поцелуй» и «Золотая Адель», написанные в особой манере, входят в 20-ку самых дорогих картин, проданных на аукционах после смерти гения.
Самые известные работы:
«Поцелуй» (1908).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» (1907).
«Юдифь и голова Олоферна» (1901).
«Портрет Адели Блох-Бауэр» был выкраден нацистами. Он выставлялся в картинной галерее, был продан на закрытых торгах за 135 млн долларов. Но его законная владелица, получившая шедевр по наследству, смогла отсудить право обладания и по-своему распорядится репродукцией.
Эдвард Мунк (1863 – 1944)
Никому из великих художников не удавалось запечатлеть на полотне запахи и звуки. Но есть одно исключение – глядя всемирно известный шедевр норвежца Мунка, слышишь внутри себя этот полный тревоги и отчаянья, пронзительный «Крик». Образ был навеян переживаниями от посещения сестры в сумасшедшем доме, стоявшего возле бойни. Смешанные звуки умалишенных и обреченных животных порождали в нем ужас, дополненный ожиданием той же участи.
Картины Мунка:
«Крик» (несколько версий).
«Танец жизни» (1900)
«Мадонна» (1895).
«Меланхолия» (1896).
Имя Мунка упоминалось в серии нашумевших ограблений картинных галерей. «Крик», «Мадонну» и другие работы разыскивали месяцами, пока не вернули. Но самым узнаваемым остается вытянутое лицо плывущей фигуры на мосту Осло в Христиании. Кто это или что это? Эксперты так и не пришли к единодушному мнению. Но образ растиражирован в кино и поп-арте.
Поль Сезанн (1839 – 1906)
Творчество французского живописца имело огромное влияние на известных мировых художников эпохи постимпрессионизма ХХ века.
Благодаря творческим изысканиям, лучшие работы написаны в разной манере.
Известные работы:
«Молодая итальянка» (1896).
«Пьеро и Арлекин» (1888).
«Берег Марны» (1888).
«Игроки в карты» (1893).
«Гора Сент-Виктуар и Черный замок (1906).
Уход от масляных красок и работа акварелью принесла еще больше легкости его творениям. Приверженцы классики его так и не поняли, но это не умаляло его таланта.
Эдуард Мане (1832 –1883)
У знаменитых художников часто бывает, что мировое признание приходит после разгромной критики одной из самых «провальных» работ. Один из родоначальников французского импрессионизма. Эдуард Мане картиной «Олимпия» бросил вызов фальшивому пуританству общества. Никому до него не удавалось так реалистично отражать мысль и едва уловимые эмоции, преображающие лица его натурщиц. Он высмеял нравы общества, тайно мечтавшего о разврате и вседозволенности, но тщательно прикрывавшего свою сущность фраками и оборками.
Какими только эпитетами не обсыпали обнаженную натуру, лишенную изъянов. Служанку на заднем плане даже сравнивали с самкой гориллы. Однако это полотно входит в сокровищницу мирового искусства, и это одна из самых узнаваемых работ того времени.
Известные полотна:
«Олимпия» (1863).
«Бар в «Фоли-Бержер» (1882).
«Аржантей» (1874).
«Балкон» (1868).
«Портрет Берты Моризо» (несколько полотен).
Существует несколько портретов Берты Моризо, его возлюбленной. Еще вначале своих творческих поисков Мане перешел от живописи к портрету. Эксперты так и не пришли к единодушному мнению в том, является ли полотно «Любитель абсента» автопортретом или зарисовкой незнакомца.
Иероним Босх (1450 – 1516)
Самым непонятным для современников и потомков среди известных художников эпохи Возрождения остается Босх. Его картины – аллегорическое изображение библейских образов и сцен ада с мифическими существами, наполовину людьми и полу-демонами одновременно.
Известные работы:
Триптих «Сад земных наслаждений» (1510).
Цикл «Блаженные и проклятые» (1505).
«Искушения Святого Антония» (1506).
«Семь смертных грехов» (1480).
«Несение креста» (1500).
«Брак в Кане Галилейской» (1501).
Жизненный путь человеческих душ, со времен грехопадения Адама и Евы, была его любимая тема. Путь от земных наслаждений до адских мук – в слегка ироничных, но таких узнаваемых картинах Иеронима Босха. Впечатляют также лица, изображенные в массовых сценах, на библейские сюжеты. Его последователи научились писать в подобной манере, но так не смогли превзойти великого мастера.
Анри Матисс (1869 – 1954)
Матисса считают основоположником и ярким представителем школы фовизма во французской живописи. Попытки передать настроение через цвет сделали его одним из самых ярких новаторов ХХ века. Матисс своими известен творческими изысканиями, поэтому некоторые его работы больше похожи на полотна других живописцев.
Танец из 5 красных фигур – самое известнее полотно, его используют в качестве эмблемы международных мероприятий.
Другие работы:
«Радость жизни» (1906).
«Женщина в шляпе» (1905).
«Роскошь, Спокойствие и Наслаждение» (1905).
«Голубая обнаженная» (1907).
Художники-импрессионисты, современники Анри Матисса, в чем-то тоже повлияли на творческие изыскания великого художника, но он остался верен своему направлению.
Фрида Кало (1907 – 1954)
Мир знает много талантливых живописцев. Но в 20-ке гениев есть только одна женщина с мужским характером – мексиканка Фрида Кало. Она писала, в основном, автопортреты, но в разных образах, дополненных аллегорией.
Известные работы:
«Две Фриды» (1939).
«Натюрморт «Да здравствует жизнь» (1951).
«Обнимая любимца мира» (1949).
«Размышляя о смерти» (1943).
«Корни – 2» (1943).
Художница прожила нелегкую жизнь, у нее было слабое здоровье, но Фрида занималась боксом даже с полиомиелитом, будучи бойцом по натуре.
Она имела неуемную фантазию и особый почерк, которому позавидовали бы многие начинающие живописцы. Она писала свои полотна на грани сюрреализма, символизма и натурализма.
Франсиско Гойя (1746 – 1828)
Типичный представитель эпохи романтизма. При дворе испанского короля Гойя быстро утратил свой идеализм, присущий многим великим художникам. Видя человеческие пороки, не мог оставаться прежним. В своих полотнах изображал грешное и святое – «Экстаз Св. Антония».
Некоторые картины:
«Шабаш ведьм» (1798).
«Маха обнаженная» (1800).
«Сумасшедший дом» (1819).
«Свадьба» (1792).
«Распятие Христа (1780).
«Сострадание» (1774).
Как художник, Гойя был очень плодовитым. За 82 года жизни он оставил миру больше сотни полотен высокого художественного уровня. Испанец с тонкой душевной организацией и ранимой душой смотрел на мир доверчивыми глазами. Но, в отличие от большинства всемирно известных художников, сумел разбогатеть на своем творчестве и дорасти до должности придворного портретиста.
Знаменитые художники очень разные по тематике работ и стилю изображения. Многие работы узнаваемые, над другими репродукциями горами спорят эксперты, обсуждая, подлинник это или хорошая копия. Сегодня любую картину можно найти на просторах интернета, сделать компьютерную версию для раскраски по номерам, распечатать на обоях или сделать вышивку. Но нельзя претендовать на авторство, потому что все знают, что это Ван Гог, Рембрандт, Мунк или Пикассо.
Смотрите также:
Картины Клода Моне
Картины Леонардо да Винчи
Картины Винсента Ван Гога
Картины Пабло Пикассо
Картины Питера Пауля Рубенса
Картины Пьера Огюста Ренуара
Картины Рафаэля Санти
Картины Рембрандта Ван Рейна
Картины Сальвадора Дали
Картины Сандро Боттичелли
Картины Поля Гогена
Картины Густава Климта
Картины Анри Матисса
Картины Поля Сезанна
ТОП 35 самых дорогих картин мира
“Как можно отдать столько денег за одну картину?” — спросите вы, глядя на самые дорогие картины мира и баснословные ценники.
Миллионеры и миллиардеры отдают полцарства за шедевры живописи, а нам остается лишь удивляться их прихотям.
Самые дорогие картины всех времен, ушедшие с молотка на аукционах
В этом рейтинге оказались картины, за которые не пожалели отдать десятки и сотни миллионов долларов. Возможно, вы удивитесь, что здесь нет знаменитой “Джоконды” и других великих произведений. Дело в том, что мировые шедевры часто принадлежат государственным музеям и не выставляются на аукционах. Поэтому в частных коллекциях оказываются более современные произведения. Разумеется, встречаются исключения из правил. Первая картина в списке — яркое тому подтверждение.
Леонардо да Винчи, “Спаситель мира” — $450,3 млн
Долгие годы картина считалась утраченной, а когда наконец нашлась — её подлинность не признавали годами. В 2017 году аукционный дом “Кристис” всё-таки назвал “Спасителя мира” последним произведением да Винчи, которое отдается в частные руки.
Виллем де Кунинг, “Обмен” — $300 млн
Картина нидерландского художника была продана на торгах в 2015 году американскому миллиардеру Кеннету К. Гриффину. Необычный шедевр, по словам автора, отражает уродливую реальность послевоенного времени.
Поль Сезанн, “Игроки в карты” — $250 млн
Полотно выполнено в классическом стиле, поэтому её сюжет не вызывает недоумения. Французский художник Сезан создал серию из 5 картин, на которой мужчины играют в покер. Четыре из них находятся в музеях Америки и Европы, а пятая до 2011 года принадлежала греческому миллиардеру.
Поль Гоген, “Когда ты выйдешь замуж?” — $210 млн
Поль Гоген работал биржевым брокером в Париже. Устав от серости и бездуховности города, он решился на отважный шаг и отправился на Таити. В экзотической стране Поль нашел себя и стал художником. На полотне изображена его тринадцатилетняя жена, в которую он беспамятно влюбился.
Яркие краски полотна привлекли Рудольфа Штехлина, который купил её в 2015 году на частных торгах. Мировой общественности сообщили, что счастливчик приобрел шедевр за 300 млн. Однако вскоре выяснилось, что итоговая цена оказалась на 90 млн меньше, опустив тем самым картину на четвертое место в рейтинге.
Джексон Поллок, “Номер 17А” — $200 млн
Американский миллиардер Кэннет Гриффин купил полотно Поллока за рекордную сумму у фонда Дэвида Гэффина.
Чтобы написать этот шедевр, живописец расстелил холст на полу и расплескал по нему краску. Рисунок в виде паутины создавался вовсе не кистью, а ударами веревки.
Густав Климт, “Водяные змеи II” — $187 млн
Увы, точная цена этого произведения неизвестна, так как она была продана на закрытых торгах. Но разные источники утверждают, что сумма эта составила именно $187 млн. На полотне изображены прекрасные девушки, чьи изящные фигуры наталкивают на мысль о грации змей. Картина Климта не лишена эротики, но сам живописец говорил, что всё эротическое — это искусство.
Марк Ротко, “Фиолетовое, зеленое и красное” — $186 млн
Яркий представитель экспрессионизма родом из Латвии Ротко обожал игру цвета. Что хотел сказать художник, создавая эту картину? Мы вас разочаруем, но автор ничего не хотел донести смотрящему. Его задача, как и любого экспрессиониста, вызвать определенные эмоции с помощью необычного сочетания цветов.
Пабло Пикассо, “Алжирские женщины” — $179,365 млн
В этом рейтинге Пикассо будет встречаться неоднократно, ведь легендарный абстракционист обожаем ценителями искусства. Самая дорогая картина автора представляет собой лишь часть серии полотен с алжирскими женщинами. Художник создавал их больше года, пытаясь превзойти успехи своих современников — соперников по цеху. В 1997 году картину купили за $32 млн, а к 2015 году её стоимость поднялась до $180 млн. Вице-премьер государства Катар без раздумий отдал такую сумму аукциону “Кристис”.
Амедео Модильяни, “Лежащая обнаженная” — $170,4 млн
Модильяни — яркий пример непризнанного гения. Он умер молодым в нищете и бесславии, и только после смерти его труды оценили по достоинству. На этой картине, как и на многих других, изображена муза и супруга живописца. В 2015 году полотно приобрел анонимный покупатель, не пожалев баснословной суммы.
Рой Лихтенштейн, “Шедевр” — $165 млн
Самая дорогая картина в мире, выполненная в стиле поп-арт. Большая часть средств вырученных с аукциона «Шедевра» Лихтенштейна направлена в фонд поддержки реформы уголовного правосудия. Представитель фонда заявил, что искусство имеет значимость на стене, но еще большую — после монетизации.
Рембрандт ван Рейн, “Портреты Мартена Сольманса и Опьен Коппит” — $160 млн
Рембрандт — один из величайших художников всех времен. Не так давно два портрета руки мастера была продана семьей Ротшильдов. Лувр купил её совместно с художественным музеем Рейксмузеум (Амстердам).
Амедео Модильяни, “Лежащая обнаженная” — $157,159 млн
Произведения итальянского мастера в жанре ню весьма самобытны. Живописец одним из первых акцентирует внимание на эмоциональной правдоподобности обнаженной натуры.
В его работах нет искусственных шаблонов — только естественность.
Пабло Пикассо, “Сон” — $150 млн
Героиня полотна — одна из многочисленных любовниц Пикассо. Произведение отличается тем, что было написано всего за один день. При этом картину называют шедевром сюрреалистического жанра. Сегодня полотном владеет известный коллекционер Стивен Коэн.
Фрэнсис Бэкон, “Три эскиза с Лусиеном Фрейдом” — $142,4 млн
Колоссальная стоимость этих произведений определена двумя факторами. Во-первых, это ранняя работа художника, созданная во время учебы в колледже. Она ярко отражает уникальную манеру автора, при которой детализированный образ человека заключается в геометрически правильные фигуры. Во-вторых, части триптиха долго ходили по свету порознь и только в 2013 году были собраны вместе и выставлены на торги.
Джексон Поллок, “Номер 5” — $140 млн
Наличие именно таких картин в списке самых дорогих и вызывает недоумение у публики.
Объяснение феномену Поллока вполне обоснованно: важно не то, что на картине, а то, как её писали. Художник работал не кистью, а куском картона, ножом и даже совком. Масло смешивал с битым стеклом и песком, создавая необычный рельеф. Манера живописца приглянулась ценителям искусства во всем мире, сделав Поллока одним из самых известных творцов Америки.
Виллем де Кунинг, “Женщина III” — $137,5 млн
Долгое время полотно со странной и весьма уродливой женщиной хранилось в Тегеранском музее. Но после введения в стране строгих законов морали от картины решили избавиться. Новый владелец видел в необычном женском образе особу королевских кровей, напоминающую ему “Даму с горностаем”. Несмотря на любовь к произведению, он продал полотно американцу Стивену Коэну за баснословные деньги.
Густав Климт, “Портрет Адели Блох Бауер” — $135 млн
Шедевр Климта привел к конфликту государственного масштаба и одному из знаменитейших судебных разбирательств в истории.
Адель Блох-Бауэр перед смертью изъявила желание отдать свой портрет австрийскому музею. В своем завещании муж Адели отменил дарение, а вскоре картина попала к нацистам. С большим трудом Австрии удалось выкупить портрет обратно, но объявилась племянница Блоха и решила вернуть шедевр домой. Она выиграла процесс против целой республики, как утверждают, из сентиментальных соображений. Перед смертью новая владелица шедевра продала его галерее в Нью-Йорке.
Эдвард Мунк, “Крик” — $119,992 млн
“Крик” Мунка — представитель экспрессионизма, заметно повлиявший на поп-культуру. Достаточно того, что знаменитая маска из одноименного фильма была создана по образу и подобию полотна. Бытует мнение, что художник написал картину под воздействием психического расстройства, от которого страдал всю жизнь. Кстати, существует 4 одинаковых “Крика”. Тот, что был продан в частную коллекцию, выполнен пастелью.
Амедео Модильяни, “Лежащая обнаженная с голубой подушкой” — $118 млн
Полотно, написанное в начале XX века, ушло с молотка в 2012 году и перешло во владение Дмитрию Рыболовлеву от Стивена Коэна.
Пабло Пикассо, “Девочка с цветочной корзиной” — $115 млн
Ещё один знаменитый шедевр Пикассо, попавший в самые дорогие картины современности. Это одно из 4 полотен стоимостью свыше 100 млн долларов. Однозначно, коллекционеры обожают творчество Пикассо и считают обладание его работами престижем.
Жан-Мишель Баския, Без названия — $110,5 млн
И снова у вас в голове промелькнул вопрос: “Почему так дорого за ЭТО?”. Необычная работа американского граффити-художника выполнена в стиле неоэкспрессионизма. На полотне мы видим черные контуры головы на голубом фоне. Сложно объяснить успех этой работы. Чтобы добраться до сути, нужно изучить биографию автора: от жизни уличного художника в Нью-Йорке до обложки The New York Times Magazine.
Джаспер Джонс, “Флаг” — $110 млн
Американский художник создал картину с патриотическим сюжетом в 24-летнем возрасте.
Автор признается, что однажды ему приснился сон, где он рисует американский флаг. После пробуждения художник тут же сделал сновидение вещим.
Пабло Пикассо, “Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев” — $106,482 млн
На картине изображена любовница Пикассо, с которой он проводил время втайне от жены. В 1951 году одна из самых известных работ художника попала в руки супругов Броуди. За все годы владения пара показала картину общественности всего один раз. Через 60 лет после приобретения Броуди продали полотно в 5000 раз дороже её прежней стоимости.
Барнетт Ньюман, “Свет Анны” — $105,7 млн
Картина написана в честь Анны — матери Ньюмана, покинувшей этот мир тремя годами ранее. В чем суть произведения? Почему так дорого? Знатоки искусства объясняют феномен потрясающим эффектом, который создает цвет. Говорят, что холст нужно рассматривать вблизи, медленно продвигаясь от одного края к другому и погружаясь в глубину красного кадмия.
Энди Уорхол, “Серебряная автокатастрофа (Двойная авария)” — $105,4 млн
Вторая картина короля поп-культуры 60-х Уорхола, ценник на которой перевалил за 100 миллионов. Для создания “Серебряной автокатастрофы” автор использовал фото реальных дорожных аварий. Он многократно продублировал снимок методом шелкографии, расположив коллаж в левой части холста рядом с серебристой монохромной поверхностью.
Поль Сезанн, “Вид на гору Сент-Виктуар из рощи в Шато-Нуар” — $100 млн
Когда Детройт погряз в долгах, некоторые кредиторы предложили продать коллекцию мировых шедевров Института искусств для погашения задолженностей города. Институт решил продать картину Сезанна, но с совершенно другой целью. $100 млн, вырученные с тайной сделки, пошли на сохранение и реставрацию оставшейся коллекции.
Пабло Пикассо, “Мальчик с трубкой” — $104,168 млн
Одна из ранних работ Пикассо продана в 2004 году на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке.
Произведение “розового” периода творчества художника изображает парижского мальчика. Искусствоведы были поражены столь большим интересом коллекционеров, поскольку. полотно написано в манере, не свойственной пионеру кубизма.
Энди Уорхол, “Восемь Элвисов” — $100 млн
Энди Уорхол является олицетворением поп-культуры 60-х. Героями его полотен неизменно выступали американские звезды и богема Нью-Йорка. На самом дорогом холсте художника изображен Элвис, выполненный в технике шелкографии. Король рок-н-ролла словно оживает, размноженный в кадрах кинопленки.
Рой Лихтенштейн, “Медсестра” — $95,4 млн
Еще одна знаменитая работа новатора поп-арт искусства. Манере художника до сих пор подражают почитатели, используя, как и он, образы из комиксов и рекламы. “Медсестра” — одна из 5000 картин, скульптур и арт-объектов американского мастера.
Пабло Пикассо, “Дора Маар с кошкой” — $95,216 млн
Пабло Пикассо не уставал черпать вдохновение в своих любовницах.
На полотне изображена Дора Маар — художница и фотограф, которая провела с живописцем 9 лет. В 2006 году полотно перешло во владение неизвестному русскому коллекционеру.
Тициан, “Диана и Актеон” — £50 млн
Легендарное произведение венецианского мастера Тициана, на котором Актеон застает обнаженную богиню. В 2008-2009 годах была выкуплена национальными галереями Великобритании. Планируется, что полотно будет попеременно появляться в Эдинбурге и Лондоне в течение пятилетнего периода.
Густав Климт, “Портрет Адели Блох-Бауэр II” — $87,936 млн
Второй портрет аристократки, написанный Климтом. Полотно продано через несколько месяцев после первой версии. Это портрет Блох-Бауэр из числа четырех произведений, за которые в 2006 году выручили в общей сложности $192 млн.
Марк Ротко, “Оранжевый, красный, желтый” — $86,882 млн
Не ищите глубокий смысл и тайный подтекст в этом произведении.
Художник предупреждал, что только цвет выступает главным героем произведения. Интересно, что живописец начинал с сюрреализма, но затем отказался от предметности. Сначала его картины были яркими, затем краски сгущались и под конец жизни стали почти черными.
Фрэнсис Бэкон, “Триптих” — $86,2 млн
Картина изображает Ореста, преследуемого фуриями. Под этим персонажем автор подразумевал самого себя, а фурии олицетворяли душевные терзания мастера. Художник был очень популярен во всем мире, особенно в послевоенное время. Забавно, что только англичанам творчество живописца не пришлось по душе. Маргарет Тетчер и вовсе называла его работы “ужасающими”.
Казимир Малевич, “Супрематическая композиция” — $85,8125 млн
Кто-то надеялся увидеть здесь “Черный квадрат” Малевича, но это знаменитое произведение вряд ли когда-то покинет Третьяковскую галерею. А вот “Супрематическая композиция” в течение XX века постоянно каталась по мировым выставкам.
Стоят ли они своих денег?
Самые дорогие картины современных художников вызывают, в лучшем случае, недоумение. Немного умереннее пыл обывателей касательно работ легендарных классиков, писавших до 19 века. Но если углубляться в суть вещей, эти произведения имеют за плечами необычные истории или были написаны столь же необычными мастерами. За хаотичными кляксами и искусными фигурами стоят живые эмоции, которых так жаждут миллионеры и простые обыватели. А стоят ли они таких огромных денег? Пожалуй, каждый решает за себя. Для кого-то красный — просто красный, а для кого-то — бездонный источник вдохновения.
Команда сайта Print4you.com.ua
Сколько существует стилей рисования? Полный список и изображения — Enhance Drawing
Как начинающему художнику-рисовальщику, пытающемуся найти свой стиль, мне нужно было вдохновение. Поэтому мне стало интересно, сколько стилей рисования существует сегодня? И после нескольких часов поиска и перечисления всех стилей рисования я обнаружил вот что:
Существует 22 основных стиля рисования, от реализма и поп-арта до технического рисунка и кубизма, из которых возникает множество других подстилей рисования.
Поскольку все художники-рисовальщики разные и существует множество инструментов для рисования, подстили рисования бесчисленны. Новые стили рисования рождаются каждый день.
Теперь вы знаете номер, но не стили рисования. Если вы хотите увидеть список всех основных стилей рисования, вы можете найти его ниже!
Вот список основных стилей рисования, включая век, в котором они начали появляться, и страну, в которой они родились.
Если вы хотите увидеть фотографии каждого стиля, вы можете найти их под списком!
| Чертеж Стиль | Первое появление | Country | |||
| 1. Academic/Classical | 16th Century | Italy | |||
| 2. Cartoon | 19th Century | United Kingdom | |||
3. Manga | 19th Century | Япония | |||
| 4. Комиксы | XIX век | Швейцария | |||
| 5. Наброски | 73 000 лет назад | 0017 | 6. Doodling | 40 000 лет назад | FRANCE |
| 7. Гестурный | XIX век | Франция | |||
| 0023 | South Africa | ||||
| 12. Pointillism | 19th Century | France | |||
| 13. Anamorphic | 15th Century | Italy | |||
14. Fashion | 16th Century | France | |||
| 15. Абстракция | 12 век | Китай | |||
| 16. Нуво | 19 век | Франция | |||
| 19. Импрессионизм0023 | 19th Century | France | |||
| 18. Surrealism | 20th Century | France | |||
| 19. Modernism | 20th Century | France | |||
| 20. Pop Art | 20th Century | United Королевство | |||
| 21. Кубизм | 20 век | Франция | |||
22. Ар-деко | 20 век | Франция
1. Академический рисунок
«Сотворение Адама» МикеланджелоСтиль академического рисунка довольно легко определить, если посмотреть на пример. Художники 15 века и позже часто использовали этот стиль рисования. Но этот стиль рисования стал более распространенным, когда художественные университеты начали использовать этот стиль для обучения новых художников в начале 16 века во время Ренессанса. Это очень реалистичный стиль рисования.
2. Мультяшный стиль
Street Wall Cartoons Мультфильмы. Все знают мультфильмы. Этот замечательный стиль рисования был впервые представлен в Соединенном Королевстве с использованием очень реалистичных изображений, но затем со временем изменился до того, что мы знаем сейчас. Художники-мультипликаторы объясняют, что для создания мультяшных персонажей вы начинаете с личности и эмоций персонажа, а затем делаете рисунок, ярко представляющий их.
В этом стиле рисования не так много строгих правил, поэтому почти каждый мультфильм, который вы видите, совершенно другой и уникальный, но вы все равно понимаете, что это мультфильм.
Волшебный мир стиля рисования манги зародился в Японии, увеличив, среди прочего, его популярность во всем мире. Этот стиль рисования используется для рассказывания историй любого типа, и если история становится популярной, анимационная студия создает по ней аниме. Аниме для Японии то же, что мультфильм для США.
Манга — мой любимый стиль рисования!
4. Стиль комиксов Найдено в Unsplash — Бретт Джордан Фантастическая вселенная комиксов зародилась в Швейцарии и быстро стала очень популярной во всем мире. Так же, как манга, стиль комиксов также используется для рассказывания историй. Охват комиксов огромен, и мы видим, насколько эти старые истории все еще очень актуальны на больших экранах.
Комиксы обычно рисуются раздел за разделом, сопровождаясь текстами.
5. Эскиз
Эскиз – это обычно то, с чего каждый художник-рисовальщик начинает рисовать. Он фокусируется на рисовании фигур и руководящих принципов без добавления особых деталей. Когда эскиз готов, художник определяет каждую линию и добавляет в рисунок все необходимые элементы. Хотя это скорее процесс рисования, чем стиль, многие художники предпочитают оставлять свои творения в виде эскизов.
6. Дудлинг
Дудлинг — это стиль, представляющий бессознательное творчество художника. В отличие от эскизов, каракули обычно представляют собой законченный рисунок. Создание каракули требует задачи, занимающей ваш разум. Если ваше внимание переключается на процесс рисования, значит, вы не рисуете. Отличный способ попрактиковаться в рисовании — это послушать подкаст, выступление или аудиокнигу и начать рисовать, пока вы все еще сосредоточены на том, что слушаете, а не на том, что делаете.
7.
Жестовое рисованиеСтиль рисования жестами состоит из рисования поз человека или фигуры. Художники-рисовальщики используют этот стиль, чтобы улучшить свое понимание человеческого тела или любого другого объекта изучения, который они хотят изучить. Как правило, художники заканчивают жестовый рисунок всего за 10 секунд и до 5 минут.
8. Технический чертеж
Технический чертеж является одним из самых точных и точных стилей, и он значительно помогает в архитектурной и инженерной отраслях. Этот стиль рисования — отличный способ узнать о перспективе.
9. РеализмПродолжать рисовать в реальном мире — это тоже другой стиль. Здесь мы хотим сосредоточиться именно на том, что находится перед нами, и максимально точно изобразить человека, животное или предмет.
10.Гиперреализм
Вы бы не поверили, что это рисунок, если бы я показал вам готовую работу без обработки. Один из художников, которыми я восхищаюсь больше всего: Sensazioni Диего Кои.
Вы думали, что художникам достаточно реализма? Ну, это не так. После реализма следует гиперреализм. Этот стиль фокусируется на рисовании почти как на принтере или фотоаппарате и прорисовывает даже мельчайшие детали. Здесь художники изучают, как наши глаза воспринимают реальность.
11. Штриховой рисунок
Стиль штрихового рисунка говорит сам за себя. Это относится к рисункам, выполненным только линиями. Здесь основное внимание уделяется использованию линии одинаковой длины и тона и формированию из нее фигуры. Большинство штриховых рисунков обычно однотонные, но вы также можете использовать линии разных цветов.
12. Пуантилизм
Олень (мое любимое животное), нарисованный необыкновенной женщиной в подарок. Спасибо, Диана Пардо!Пуантилизм — это техника живописи/рисунка, в которой художники создают изображения, используя только точки. Эти точки могут быть любого цвета или узора, но в идеале они должны напоминать реальную фигуру.
Интересный факт, связанный с названием этой техники, заключается в том, что когда она была впервые представлена, искусствоведы того времени назвали ее пуантилизмом, чтобы высмеять метод.
Тем не менее, это оказалось исключительно уважаемым художественным движением.
13. Анаморфный рисунок
Анаморфный рисунок, видимый с трех разных точек зрения.Иллюстрации Anamorphosis — это рисунки, которые хорошо видны только под определенным углом. Если вы посмотрите на них под неправильным углом, вы увидите только непропорциональный рисунок. Леонардо да Винчи нарисовал анаморфотный глаз, используя эту технику; вы можете увидеть это в 8-секундном видео ниже!
14. Рисование одежды
До того, как у всех появилась камера, людям нужен был способ представить, как одежда будет выглядеть на них, так родился стиль рисования одежды. Основное внимание здесь уделяется одежде, а тела обычно удлиненные.
15. Абстрактный рисунок
Абстрактное искусство представляет собой нечто, что может существовать, но не является полностью реальным — логика, стоящая за ним, заключается в попытке создать визуальную иллюзию реальности.
Конечно, искусство само по себе является представлением того, как человек видит мир, поэтому абстрактное искусство не имеет границ и может быть совершенно разным от художника к художнику.
16. Ар-нуво
Зодиакальный календарь Альфонса МухиАр-нуво было художественным направлением, которое сосредоточилось на формах и движении. Чтобы рисовать с помощью этой техники, художник собирает формы природных объектов, таких как растения и цветы, и применяет их по всему рисунку. Асимметрия обычна в этом стиле рисования.
17. Импрессионизм
Клод Моне, Impression, soleil levantХотя это скорее стиль живописи, чем стиль рисунка, импрессионизм нельзя исключить из этого списка. Его основная цель заключалась в том, чтобы сосредоточиться на свете и его меняющихся качествах, чтобы произведение казалось движущимся.
18. Сюрреализм
Макс Эрнст, Знаменитый слон, 1921 Сюрреализм — это форма искусства, в которой различные предметы из реального мира комбинируются для создания чего-то невообразимого. Сюрреалистический рисунок призван пробудить воображение и заставить вас отправиться в другую реальность, которую Андре Бретон назвал «сверхреальностью».
Модернизм действительно был почти комбинацией всего, реакцией на реализм и его учения. Модернизм был сосредоточен на создании чего-то нового все время, поэтому почти все, что представляло что-то новое в то время, могло считаться модернизмом. Большинство картин и рисунков этого движения были абстрактными.
20. Поп-арт
Таким образом, поп-арт был реакцией на модернизм и постмодернизм. Он был направлен на использование популярных изображений и их массовое производство в качестве маркетинговых материалов или комиксов. Он хотел полностью уйти от элитарного искусства, которым наслаждались лишь немногие, и создать искусство, которое понравилось бы массам.
21. Кубизм
Пабло Пикассо, 1910, «Девушка с мандолиной» Кубизм очень интересен, и как создать рисунок в кубистическом стиле довольно легко понять. Суть кубизма заключается в том, чтобы взять объект, проанализировать его, а затем разбить на части.
Как только вы это сделаете, абстрактно соберите все заново. Зачем смотреть на объект с одной точки зрения, если можно видеть во всех сразу? Это был кубизм.
22.
Ар-декоВы когда-нибудь смотрели последнюю версию «Великого Гэтсби»? Этот фильм является полным представлением ар-деко. Этот стиль рисования представляет собой сочетание современных стилей и богатых материалов. Его главная цель — проиллюстрировать гламур, роскошь, изобилие и веру в технологический и социальный прогресс.
Нашли ли вы какой-нибудь стиль рисования, который вам понравился?
Поделитесь в комментариях, мне будет интересно это услышать. Кроме того, если вы хотите, чтобы я добавил информацию или изображения других стилей рисования, дайте мне знать!
Список из 10 основных рисунков и чему они нас учат
Поделиться:
Величайшим рисовальщиком в мире могла быть ученица другого художника в стиле рококо во Франции, рисовальщик эпохи Возрождения, ставший невидимым под взглядом признанного мастера из более могущественного близлежащего города-государства, или скромный инструктор по искусству, в настоящее время работает в Миннесоте.
Выбор 10 лучших ящиков всех времен — салонная игра сомнительной ценности. Вместо этого мы решили подсчитать, сколько раз исторические личности упоминались или воспроизводились в первых 10 выпусках 9 выпусков.0327 Drawing журнал и продемонстрируйте их с яркими комментариями от вдумчивого работающего художника и представителя одного из самых уважаемых художественных учреждений в стране.
Каждый из 10 художников, представленных здесь, предлагает рисунки изысканной красоты; но, что более важно для наших целей, каждый из них предлагает идеи и уроки, которые может использовать любой рисовальщик. Мы исследуем, почему работа этих людей так вдохновляет.
Леонардо да Винчи
Голова молодой женщины Леонардо да Винчи , металлический наконечник, перо и коричневые чернила, кисть и коричневая заливка, выделенная белой гуашью, 11 x 7 1/2. Собрание Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Рисунок черным мелом в левом нижнем углу был нарисован другим художником.
«Он дразнит вас маленьким уголком глаза», — комментирует Рубинштейн. — Он мог бы дать тебе полный профиль, но не сделал этого. Леонардо изолировал некоторые части и ударил по ним, а другие части отпустил. Это не портрет конкретного человека; это идеализированная форма. Как сказал Кеннет Кларк, с классической точки зрения обнаженная натура не относится к конкретному человеку. Это не портрет, это дизайн». Леонардо да Винчи (1452–1519) был первой бесспорной суперзвездой искусства, и его гениальность бесспорна. Но Эфраим Рубенштейн, художник, преподающий в Лиге студентов-художников Нью-Йорка на Манхэттене, смешивает свое восхищение Леонардо с тем, что даже этот великий ренессанс не появился из вакуума.
«Леонардо так много получил от Андреа дель Верроккьо, которая была потрясающим учителем, — говорит Рубенштейн. «Все происходит из традиции; никто не приходит из ниоткуда. Леонардо научился основам сфумато от [своего учителя], среди прочего».
Родившийся внебрачным сыном юриста в тосканском городе Винчи, Италия, Леонардо был ученым, изобретателем, пионером в изучении анатомии и художником шедевров Тайная вечеря и Мона Лиза — прототип человека эпохи Возрождения.
Рубинштейн называет свои строки «сладкими, нежными и изящными. Он не делает ничего, что не имеет самых красивых изгибов». Но именно его альбомы для рисования делают Леонардо новатором.
«Он был одним из первых, кто заговорил о том, чтобы взять блокнот на улицу, — объясняет Рубенштейн. «Леонардо сказал, что вы должны иметь прямой контакт с жизнью и наблюдать за действиями мужчин». Ресурсы :
- Мастер рисования Леонардо да Винчи, с картины Кармен С. Бамбах (Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Леонардо да Винчи: Полное собрание картин и рисунков Франка Золлнера и Йоханнеса Натана (Ташен, Кельн, Германия)
Микеланджело Буонаротти
Голова молодого человека (?) Микеланджело , ок. 1516 г., красный мел, 8 х 6 1/2. Собрание Ashmolean Museum, Оксфорд, Англия. «Этот рисунок предполагает влияние Леонардо, — говорит Рубенштейн. «Это более тонально и деликатно, чем многие другие его рисунки». Его потолок Сикстинской капеллы — одно из самых знаменитых достижений в истории искусства, но те, кто интересуется рисунками, сосредоточатся на более чем 90 работах мелом и тушью, которые Микеланджело (1475–1564) создал в рамках подготовки к этому и другим заказам.
Некоторые художники проводят параллель между работами этого итальянского мастера и фантастическими мускулистыми формами из комиксов. Но если какой-либо начинающий рисовальщик за последние 50 лет с восхищением подходил к волнообразной человеческой анатомии в комиксах, то к работам Микеланджело он отнесся с благоговением.
«С его мастерством в живописи, скульптуре и архитектуре ни один художник — за возможным исключением Леонардо — не был более технически одаренным», — говорит Рода Эйтель-Портер, заведующая отделом рисунков в библиотеке Моргана в Нью-Йорке. .
«Его фигуры всегда напрягаются», — замечает Рубенштейн. «Они стремятся к чему-то, но связаны. Все мышцы напрягаются одновременно, что анатомически невозможно, но глубоко поэтично. Микеланджело создал пейзаж человеческого тела».
Причина логична: Микеланджело был скульптором. Разделение между тактильным и визуальным нарушается; художник видит и рисует в трех измерениях. «Микеланджело [понимал], что конкретная мышца имеет яйцеобразный характер, и он [находил] мелом эту форму», — говорит Рубинштейн, указывая на то, что отметки на его рисунках все больше и больше затачиваются на более законченных участках формы в манера, которая параллельна линиям долота на незаконченной скульптуре.
В одних местах художник расставил грубые штрихи, в других более тщательно определил перекрестную штриховку, а в наиболее законченных местах отшлифовал тон.
Работы Микеланджело отмечены двумя другими чертами: его почти полной преданностью обнаженному мужчине и вездесущей чувственностью в его искусстве. Даже женские фигуры в его работах были смоделированы по образцу мужчин, и даже его драпировка была чувственной.
«Он мог сказать все, что хотел, обнаженным мужчиной», — отмечает Рубинштейн. «Он не отвлекался ни на что другое — ни на пейзажи, ни на натюрморты, ни на женские обнаженные тела. За исключением своей архитектуры, Микеланджело был монолитно сосредоточен на обнаженном мужчине, и даже в его зданиях можно было провести параллели с телом». Ресурсы :
- Рисунки Микеланджело: ближе к мастеру Хьюго Чепмена (издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)
- Уроки Микеланджело, Майкл Бербан (Watson-Guptill Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Альбрехт Дюрер
Рыцарь, Смерть и Дьявол Альбрехт Дюрер , 1513, гравюра, 9 3/4 x 7 3/8.
«Технически это подвиг, которому еще не было равных», — утверждает Рубенштейн. «Возможно, это не самый важный аспект этой гравюры, но поскольку она технически совершенна, Дюрер переходит в другое царство от других граверов». Альбрехт Дюрер (1471–1528), возможно, величайший гравер в истории. Он опубликовал более 350 гравюр и гравюр на дереве и написал не менее 35 картин маслом, создав в процессе более 1000 предварительных рисунков и акварелей.
Дюрер создал ряд широко известных и знаковых гравюр, а нюрнбергский художник пользуется большим уважением и влиянием среди рисовальщиков. Его тонкое изображение форм — нелегкий подвиг с жестким, неумолимым гравировальным инструментом — является причиной, по которой так много рисовальщиков изучают и восхищаются его работами.
«Его рисунок исходит из чувствительности гравера», — комментирует Рубенштейн. «Он не может задать тон; он должен вылупиться. И никто не держит форму с безжалостностью Дюрера».
Он был виртуозным, но, возможно, не новаторским.
«Я думаю, что он многое получил от итальянцев», — говорит Рубинштейн, имея в виду визит художника в Венецию, чтобы увидеть друга и изучить искусство и идеи Италии эпохи Возрождения. Но его талант заключался не только в исполнении техники. Дюрер упаковал много содержания в гравюры, такие как Рыцарь, Смерть и Дьявол — в том числе две фантасмагорические фигуры, которые завораживают, но не доминируют над остальной композицией, — но глаз легко улавливает основную идею, когда не лакомится великолепно прорисованными корнями и камушками. Откройте для себя возможности рисования в нашей бесплатной электронной книге «Уроки рисования эскизов». Просто введите свой адрес электронной почты ниже, чтобы начать наслаждаться рисованием таких мастеров искусства!
[fw-capture-inline кампания=”RCLP-confirmation-pencil-sketch-drawing” спасибо=”Спасибо за загрузку!” интерес = «Искусство» предложение = «/wp-content/uploads/pdfs/PencilSketchDrawingGheno.pdf»]
«Вы реагируете на интенсивность и плотность изображения», — говорит Рубинштейн.
«Дюрер [изображал] причудливые явления природы в мельчайших подробностях, и все же он [был] в состоянии сохранить ясность и силу большой композиции при всем этом происходящем. Он [знал], что даже среди корявых деревьев ему [пришлось] немного отступить, чтобы песочные часы [могли] выйти вперед. Он [контролировал] так много — он как жонглер, у которого в воздухе 30 мячей». Ресурсы :
- Полное собрание гравюр, офортов и игл Альбрехта Дюрера Альбрехта Дюрера (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
- Альбрехт Дюрер и его наследие: графические работы художника эпохи Возрождения Джулии Бартрум (издательство Принстонского университета, Принстон, Нью-Джерси)
Питер Пауль Рубенс
Молодая женщина, смотрящая вниз (этюд головы святой Аполлонии) Питер Пауль Рубенс , 1628, черный и красный мел, усиленный белым, ретушь пером и коричневыми чернилами, 16 5/16 х 11 1/4. Собрание Галерея Уффици, Флоренция, Италия.
Красный мелок вызывает теплоту тела на лице субъекта, а черный мелок служит акцентами и изображает волосы. «Совместить эти два тона сложнее, чем вы думаете», — комментирует Рубинштейн. «Сравните это с женщиной Леонардо: это ангел; Рубенс — настоящая женщина. Ты можешь прикоснуться к ней». Художник поворачивал мелок или заострял его, чтобы получить четкую линию, варьируя ширину штрихов и делая точные блики. Согласно стереотипу, художники ведут бедный богемный образ жизни, но Питер Пауль Рубенс (1577–1640) свидетельствует о том, что некоторые художники добиваются огромного успеха. По мнению большинства, Рубенс был уважаемым, богатым и счастливым художником, который также собирал антиквариат, создал большую семью и заключил один или два мирных договора, будучи дипломатом высокого уровня. Он был занятым человеком действия, и на бумаге никогда не рисовали легкомысленно — почти все его рисунки были предварительными набросками для более крупных заказов.
Еще больше поражаешься уверенным, красивым линиям рисунков Рубенса в свете осознания того, что он наверняка сочтет их рабочими документами, непригодными для выставки.
Что делает его особенным, так это «его мастерство в технике рисования мелом», по словам Эйтель-Портер. «Ему понадобилось всего несколько штрихов, чтобы передать не только позу фигуры, но и ее эмоциональное состояние».
Действительно, бельгийский придворный живописец демонстрировал в своих рисунках невероятную легкость с оттенком напыщенности. Его рука была уверена. «Рубенс использовал естественно четкие, уверенные знаки и плавные жесты», — говорит Рубинштейн, который особенно восхищается рисунками художника, выполненными мелом трех цветов. «Красный мел прекрасен, но у него есть ограничение по диапазону — часто нужно использовать черный мел и белый мел, чтобы еще больше увеличить его на каждом конце диапазона значений», — объясняет Рубенштейн. «Это похоже на разницу между аккордом и одной нотой — расширение досягаемости красного мела». Ресурсы :
- Питер Пауль Рубенс: рисунки Анн-Мари С. Логан (Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Питер Пауль Рубенс: гениальное прикосновение Михаила Пиотровского (Prestel Publishing, Мюнхен, Германия)
Рембрандт ван Рейн
Женщина, несущая ребенка по лестнице, Рембрандт , ок.
1636 г., перо и коричневые чернила с коричневой заливкой, 7 3/8 x 5 3/16. Коллекция библиотеки Моргана, Нью-Йорк, Нью-Йорк. «Простыми жестами, движениями и мимикой Рембрандт уловил достоинство повседневной жизни — здесь нежный момент между матерью и ребенком, — говорит Эйтель-Портер, — хотя его изображение совсем не обычное». «Он был наследником Леонардо в том, что всегда делал зарисовки с натуры», — говорит Рубинштейн о Рембрандте (1606–1669). «Его жесты были такими искренними и полными жизни».
Если Рубенс был художником власти и королевского двора, то Рембрандт был художником человечества. Одаренный такой же способностью рисовать линии, голландский художник и рисовальщик умел рисовать очень быстро и уверенно добавлять простые штрихи, которые эффективно создавали темные и светлые узоры.
Неумолимая среда чернил не была помехой для Рембрандта в погоне за сиюминутным действием; задняя часть халата его жены убедительно сметается с лестницы в Женщина, несущая ребенка по лестнице , например.
Матери и дети представляли для художника особый интерес, возможно, отчасти потому, что он потерял троих детей в младенчестве; и смерть его жены прервала счастливый брак.
«Человечность его рисунков… вы не чувствуете ее так сильно в работах кого-либо еще», — замечает Рубинштейн. «Он [казалось] знал, что [чувствовала] мать, что [чувствовал] ребенок — что происходит в этой сцене. И у него [была] спонтанная, невероятная линия, которая могла показать структуру чего-то, и все же [имела] свой собственный каллиграфический смысл». Ресурсы :
- Путешествие Рембрандта: художник, рисовальщик, гравер, Клиффорд С. Экли (МИД Публикации, Бостон, Массачусетс)
- Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. I, Джероэн Гилтайдж (Темза и Гудзон, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. II, автор Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Шарль Лебрен
Этюд Муция Сцеволы перед Порсенной Шарля Лебрена , ок.
1642 г., красный мел на коричневой бумаге, 15 3/4 х 9 1/2. Собрание Schlossmuseum, Веймар, Германия.Шарль Лебрен (1619–1690), стоявший на ногах как в эпоху классицизма, так и в эпоху барокко, был художником, который рано добился успеха и обладал политическими навыками, чтобы оставаться доминирующей фигурой при французском дворе и в Академии до самой поздней жизни. Лебрен был учеником Вуэ и другом Пуссена, и его композиции были построены на основных, простых массах, как в классицизме. И все же его фигуры могли ощетиниться энергией искусства барокко, как показано в змеевидной форме на S 9.0327 этюд для Муция Сцеволы Перед Порсенной .
Святое семейство со святым Иоанном Крестителем Шарля Лебрена , ок. 1648–1650, красный мел с контуром стилуса, 12 1/4 x 10 1/2. Коллекция Прата, Париж, Франция. Лебрен сделал больше, чем кто-либо, для установления однородного французского стиля искусства в течение трех десятилетий XVII века. Он добился этого как с помощью политики, так и с помощью живописи — Лебрен основал Французскую академию в Риме, и к 1660-м годам любой значительный заказ брался за него.
Два рисунка, представленные в этом разделе, хорошо иллюстрируют, как прагматически менялся стиль Лебрена со временем — с художественным и материальным успехом. «Одно изображение показывает простую концепцию всех форм, очень уравновешенных и позированных как Рафаэль; а на другом изображена фигура, которая так сильно борется», — восхищается Рубинштейн.
«Даже без указания трупа, который поднимает эта фигура, мы чувствуем, сколько усилий ему приходится прикладывать, чтобы удержать этого тяжеловеса». О уверенности Лебрена в обращении с инструментами для рисования ходили легенды; один миф утверждал, что этот сын скульптора начал рисовать в колыбели. Ресурсы :
- Шарль Лебрен: первый художник короля Людовика XIV, Мишель Гаро (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Выражение страстей: происхождение и влияние конференции Шарля Лебрена по общему и частному выражению, Дженнифер Монтегю, (Издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)
Эдгар Дега
Эскиз «Танцовщица в трико» Эдгара Дега , ок.
1900 г., черный мелок, 23 5/8 x 18. Собрание Национального музея, Белград, Сербия. «Обратите внимание, как Дега сделал более темные линии и, таким образом, больше акцентировал внимание на стабилизирующей ноге и на нижней стороне другой ноги, несущей вес», — комментирует Рубенштейн. Переход рисовальщика от рисования четких, детализированных форм к более свободным, более жестовым линиям является обычным явлением, но эти примеры показывают, что эта эволюция у Илера-Жермена-Эдгара Дега (1834–1917) была особенно естественной.
Красота пронизывает обе работы, даже если у типичного зрителя обе работы могут не ассоциироваться с одним художником. «Он пытался определить фигуру на своих ранних рисунках, — объясняет Рубинштейн, — а на более поздних рисунках он отвязывал ее».
Музой Дега была балерина, а движения и движения танца требовали свободных жестовых зарисовок. Рубинштейн отмечает, что даже в быстрых набросках, таких как Этюд танцовщицы в трико, Дега демонстрирует свой талант к композиции — колени почти касаются краев бумаги, а отрицательные формы, образованные конечностями танцора, создают мощный рисунок.
Красота спонтанной композиции выдает многолетний опыт, стоящий за этим исследованием. Ресурсы :
- Дега и танец, Джилл ДеВоньяр и Ричард Кендалл (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Эдгар Дега: жизнь и творчество, Дени Саттон (Rizzoli International Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Винсент Ван Гог
Дикая растительность Винсента Ван Гога , 1889, тростниковое перо, перо, кисть и тушь на тканой бумаге, 18 1/2 x 24 5/8. Собрание Музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды. Это произведение, возможно, является предшественником абстрактного искусства или автоматического рисования. Помимо того, что Винсент Ван Гог (1853-1890) был типичным голодающим художником, он был повитухой в рождении абстрактного искусства, о чем свидетельствует его «Дикая растительность ». Как художник он известен своим ярким и смелым цветом, но риск, на который он пошел в композиции, возможно, в равной степени ответственен за его репутацию.
Для ящиков Ван Гог также важен из-за его марки.
«Ван Гог развил невероятный словарный запас с тростниковым пером, — говорит Рубенштейн. «Он [придумал] язык со всеми этими различными видами знаков: точками, тире, завитушками, длинными и короткими линиями. Но поскольку он [был] в таком контроле, это [имело] смысл. Он [создавал] ритмы. У природы нет таких знаков».
9№ 0003 «Березы Полларда». Винсент Ван Гог , 1884 г., перо, тушь и графит, усиленные непрозрачной акварелью на тканой бумаге, 15 1/2 x 21 3/8. Собрание Музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды.
Сравнение Pollard Birches с Wild Vegetation показывает рост голландского художника от репрезентативного до почти полностью абстрактного. Переход в меньшей степени виден в портрете Зуав , в котором большая часть лица изображена с неким пуантилизмом, а отдельные черты, например, нос, образованы классическими линиями. «Это очень личный язык, который он [придумал]», — комментирует Рубенштейн. «Но сами отметки [завораживают]».
Ресурсы :
- Винсент Ван Гог: рисунки Колты Айвз (Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Ван Гог: мастер-рисовальщик, Сьерраар ван Хейгтен (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Эгон Шиле
Истребитель Эгона Шиле , 1913 г., гуашь и графит, 19 1/4 x 12 5/8. Частная коллекция. Сравните это изображение с «Этюдом Муция Сцеволы перед Порсенной» Лебрена. В Le Brun субъект что-то несет.
У Шиле нагрузка подразумевается — или внутри. «Это очень интроспективно, — говорит Рубенштейн. «Свернутое напряжение, голова повернута, чтобы смотреть прямо на вас, удлиненный торс. Он выглядит диким». Уроженец Австрии Эгон Шиле (1890–1918) был денди в богемной одежде, предполагаемым порнографом, решительным нарциссом и одним из самых провокационных и необычных рисовальщиков современности.
«По сравнению, скажем, с Рембрандтом, диапазон невелик, — говорит Рубенштейн. «Но вы всегда знаете, если что-то Шиле. Как это произошло? Об этом стоит подумать».
«Все его преувеличения глубокомысленны, — продолжает Рубенштейн. «Его искажения на деньгах — углубление бедра, выпуклость бедра, линия, которая явно связана с подколенными сухожилиями. Искажения основаны на очень точных анатомических ориентирах. Вот что делает их такими тревожными. Это, а также тот факт, что скелет часто присутствует».
Шиле оклеветали за некоторые откровенные рисунки несовершеннолетних девушек, но игнорирование всего его эротического искусства может быть ошибкой.
Рубенштейн указывает, что не каждый может успешно заниматься эротикой. Искусство Шиле бросает вызов не только своим предметом, но и положением его предметов, блуждающими линиями, которые вибрируют от напряжения, и буйными красками, которые он использовал.
«Посмотрите на красный цвет рядом с зеленым, проходящий через цифру 9.0327 Истребитель », — отмечает Рубенштейн. — Это говорит о чем-то невыразимом.
Эйтель-Портер соглашается: «Использование им неестественных цветов и его жестовое нанесение краски с видимыми мазками, чтобы подчеркнуть выражение, отличают Шиле». Ресурсы :
- Эгон Шиле: Полное собрание сочинений Джейн Каллир (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Эгон Шиле: рисунки и акварели Джейн Каллир (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Кете Кольвиц
Домашний работник Кете Кольвиц , уголь на желтоватой бумаге, 22 7/8 x 17 5/8. Коллекция неизвестна. Кете Кольвиц (1867–1945) видела много страданий и изображала их с редко встречающимся сочувствием.
Ее муж был врачом для бедных в Берлине, что, вероятно, сыграло свою роль в ее симпатиях к социалистам.
Потеря сына в Первой мировой войне вызвала длительную депрессию. Она также потеряла внука во Второй мировой войне. В результате ее душераздирающие образы матерей, плачущих над умершими младенцами, вызывают резонанс.
«И она была таким замечательным рисовальщиком», — говорит Рубенштейн. «Коллвиц мог так много сделать с помощью простых форм. Здесь могут быть несколько тонких отметин, обозначающих волосы; а потом — бум, ты прикован прямо к этому глазу несколькими сильными линиями.
Кольвиц была в первую очередь художником-графиком, ограничивая свою работу в основном черно-белыми изображениями. «Ее смелый графический стиль отражает огромную человеческую боль и страдания обездоленных», — комментирует Эйтель-Портер. «Это основа ее предмета. Мир, который она изображает, окутан тенью; лишь изредка вводятся цветовые штрихи».
Вторит Рубинштейну: «С такой простотой, с такой экономией средств она внушала большое сочувствие.