Техника исполнения рисунка: Техники изобразительного искусства

Техники изобразительного искусства

24.06.2019

Автор: Марион Бодди-Эванс

01 из 14
Техника живописи: ручки и акварель
Если вы когда-нибудь задумывались «как художник это сделал?» и ищете ответы, тогда вы находитесь в нужном месте. Эти фотографии различных методов рисования помогут вам выяснить, что было использовано для создания различных эффектов и стилей живописи, а также как научиться делать это самостоятельно.

Эти перья были нарисованы акварелью поверх водонепроницаемых или перманентных черных чернил.

Самое важное, что нужно помнить при работе с ручками и акварелью, это то, что чернила в ручке должны быть водонепроницаемыми, иначе они размажутся при нанесении акварели. Это кажется очевидным, знаю, но если у вас под рукой есть разные ручки легко ухватиться за ту, что не является водонепроницаемой или перманентной. Этикетка на ручке всегда скажет Вам о ее свойствах.

В зависимости от ручки и бумаги, возможно, придется подождать минуту или две, чтобы чернила полностью высохли, прежде чем добавить акварель.

Если чернило не полностью сухое, Вы сразу это увидите, потому что оно немедленно растечется. К сожалению, после того, как это произошло, вы не можете исправить этого, поэтому придется начать снова, скрыв его под непрозрачной краской. Гуашь смешивается с акварелью или, если у вас есть туба «белой акварели», она тоже хорошо подойдет.

Можете ли Вы сначала нанести акварель, а уже потом рисовать ручками? Это вполне реально, просто подождите, пока краска высохнет, чтобы чернила не распространялось волокнами бумаги. Лично мне легче сначала работать с ручкой, так проще отслеживать, где я, так сказать, нахожусь на рисунке.

02 из 14
Техника рисования: ручка с водорастворимыми чернилами + мокрая кисть
Этот рисунок создавали с помощью ручки с водорастворимыми чернилами, а также кистью с чистой водой.

Если вы используете ручку и акварель, то обычно это ручка с водонепроницаемыми чернилами, поскольку вы не хотите, чтобы оно размазалось и распространилось изображением.

Но для монохромного рисования, используя ручку с водорастворимыми чернилами, а затем превращая его в жидкие чернила, смазав мокрой кистью, можно создать прекрасный эффект.

Результатом является смесь линий и тонов (два элемента искусства). Степень растворения линии зависит от количества воды, которую вы применяете (насколько мокрой есть кисть), а также от того, насколько агрессивно вы работаете кистью, или насколько бумага поглощает воду. Созданный тон может меняться от очень светлого до достаточно темного. Вы можете полностью «потерять» линию или вымыть из нее тон, не меняя ее характера.

Небольшая практика — и вы быстро почувствуете эту технику. Черный, конечно, не единственный вариант. Ручки с водорастворимыми чернилами бывают разных цветов.

03 из 14
Техника рисования: ручка с водорастворимыми чернилами (цветные вариации)
Чернильный портрет на водной основе
Цветовая вариация в этой работе была создана с одной якобы «черной» ручки!

Работа с мокрой кистью на рисунке, выполненном с помощью ручки, содержащей водорастворимые чернила, превращает линию на кляксу. В зависимости от того, сколько воды вы используете, большая или меньшая часть линии растворяется.

То, какого цвета размытие Вы получите, зависит от чернил; это не всегда такой оттенок, который Вы ожидаете, особенно с более дешевыми ручками. (Потенциальная проблема с использованием дешевой ручки заключается в том, насколько светлым чернила могут быть, но они отлично подходят для экспериментов, просто оберегайте работу от прямых солнечных лучей.) В примере на фотографии я использовал черный маркер «Berol», приобретенный в супермаркете. Как вы можете видеть, он «растворяется» в два цвета. Этот результат, по моему мнению, является достаточно эффективным и выразительным.

Насколько водорастворимым может быть чернило в ручке, зависит от марки, но отправной точкой является поиск таких, на которых не указано «водонепроницаемый», «водостойкий», «перманентный». Важным фактором может быть также длительность сушки чернил на бумаге; некоторые водонепроницаемые ручки немного размазываются, если немедленно нанести на них воду.

04 из 14
Техника живописи: рисование по акварели
Работа с цветным карандашом по акварели является полезным методом для добавления деталей.

Концепция создания рисунка карандашом, к которому вы потом добавляете акварельные краски, является распространенной, но мысль о рисовании поверх высушенной акварели некоторые считают «нечестным». Типа, когда вы начали работать с краской, вы не сможете откатиться на предыдущий этап. Это не так! Разделение между рисованием и живописью является штучным; это произведение искусства, которое создаете вы!

Острый карандаш является идеальным инструментом для добавления мелких деталей, для создания четкого края. Многим людям проще контролировать направление и ширину линии с помощью карандаша, чем кисти. Держание вашей руки на твердом карандаше увеличивает контроль над процессом.

Следите, чтобы кончик карандаша был очень острым и не ленитесь сделать паузу, чтобы заточить его. Вращайте его в пальцах, когда используете, это помогает сохранить его остроту. Если вы действительно ненавидите точить карандаши, начните с полдюжины одинаковых и периодически меняйте их.

В приведенном примере я работал над акварельной картиной (после того, как она высохла!), Используя темно-синий графитовый карандаш. В частности, индиго из диапазона цветов «Derwent», который имеет глубокую темную землянистость, которая отличается от обычных цветных карандашей. Он также является водорастворимым, поэтому очень важно, чтобы акварель была абсолютно сухой! Как вы видите, это позволило мне четко освещать края и вводить тень. Обратите внимание, например, как он видоизменяет рот, создает тень на мочке уха, нижней части воротника и выделяет край рубашки.

Очевидно, вам не нужно использовать водорастворимый карандаш с этой техникой. Это был мой личный вызов перед самим собой, но я также выбрал его в надежде, что могу потом превратить его в краску, если хочу.

05 из 14
Техника живописи: соль и акварель
Эта картина была создана с использованием соли на влажной акварельной краске.

Когда вы бросайте соль на влажные акварельные краски, соль впитывает воду в краску, растягивая краску по бумаге в абстрактные узоры. Используйте соль в больших кристаллах, а не мелкую, чтобы она не поглощалась. Когда краска высохнет, осторожно вытрите соль.

Экспериментируйте с разной степенью влажности вашей акварельной краски и количеством соли. Если краска будет слишком сухой, соль не сможет впитывать ее много. Если же акварель очень развести водой или добавить слишком много соли — вся ваша краска окажется поглощенной.

06 из 14
Техника живописи: лессировка цветов
Эти «сложные цвета» были получены с помощью использования нескольких этапов лессировки.

Если вы смотрите на картину, которая имеет «сложные цвета», где цвета имеют глубину и внутренний отблеск, а выглядят «твердыми» и «плоскими», то они почти наверняка созданы методом лессировки. Это когда несколько слоев цвета наносятся друг на друга, а не используется только один слой краски.

Ключ к успешной лессировке заключается в том, чтобы не красить новый слой, пока текущий НЕ БУДЕТ сухой. Если речь идет о акриловых красках или акварели, то вам не придется ждать очень долго, чтобы это произошло, а вот с масляными красками вам нужно быть терпеливыми. Если вы будете писать поверх еще мокрой краски, слои будут смешиваться, и вы получите физическую, а не оптическую смесь цветов.

07 из 14
Техника живописи: капельная
Этот эффект был создан, позволяя жидкой краске капать на холст, а после высыхания результат покрыто лессировкой.

Добавление капель в картину, намеренно или случайно, может дать результат, интригующий и интересный для зрителя. Если вы пишете жидкой краской на вертикальном полотне, например, когда работаете на мольберте, а не на полу / столе, то вы можете использовать гравитацию, чтобы добавить этот якобы случайный элемент живописи. Набирая большое количество жидкой краски на кисть, а затем нажав им на полотно и не перемещая его, вы получите небольшое пятно краски на холсте.

Через достаточно большое количество краски, сила притяжения тянет ее вниз ручейками.

Вы можете помочь этому процессу, нажав на краску пальцами, или дуя, чтобы начать ее движение. (В направлении, в котором хотите получить этот эффект). Если работаете с большим количеством краски, вы можете вращать холст, чтобы манипулировать, куда двигаться каплям.

На фото изображен фрагмент картины, который называется «Дождь/Огонь», созданная она акрилом. Когда начальный слой красного был не совсем сухим, я нанес оранжевую краску и позволил ей стекать вниз. Если посмотрите на верхнюю часть работы, вы можете увидеть, где я размещал мою кисть. Когда краска капала вниз, она смешалась с еще влажной красной краской. Затем методом лессировки я добавил слой темно-красного цвета, как только все было сухое, поэтому капли более оранжевые в верхней части, чем снизу.

Если вы работаете с маслом, разбавляйте краску спиртом. если вы
используете акрил, подумайте об использовании медиумов, если не хотите сделать краску слишком жидкой. Альтернативно, используйте жидкий акрил.

В случае с акварелью не имеет значения, сколько воды добавляется в краску. Вы можете управлять направлением капель краски с помощью кончика чистой, влажной кисти.

08 из 14
Рисование с помощью гравитации
Вы можете зайти с предыдущей техникой живописи (капельной) еще дальше, используя среду, которая помогает краске разноситься и течь. С помощью силы притяжения распространяйте краску полотном, наклоняя и переворачивая его, чтобы изменить направление.

На фото изображены два морских пейзажи, которые я писал, повернув большое полотно на 90 градусов, чтобы краска была растянута силой притяжения. Результат отличается от того, который создается кистью: более свободный, более случайный, более органичный. Жидкая краска, которая растекается, должна стать краем моря, пульсациями на мели у берега. Как только она просохнет, я могу повторить процесс с другим тоном. После этого я разбрызгиваю белую пену на берегу.

Для акриловой краски разные производители изготавливают средства, снижающие вязкость краски, поэтому она легко растекается. Это не научное описание, но я считаю, что медиум делает краску более приспособленной к таким методам рисования, чем обычная вода. Для масляной краски добавления растворителя или алкидного медиума лучше стимулирует растекание краски.

Я перемешиваю медиум и краску на моей палитре, а уже потом кистью наношу на картину. Или я наношу немного медиума непосредственно на полотно с еще влажной краской. Каждый с этих способов создает разный результат; эксперименты научат вас, что вы можете получить. Помните: если вам не нравится результат, вы всегда можете перерисовать нужный фрагмент.

Это совсем не катастрофа, а лишь шаг в процессе творчества!

09 из 14
Техника живописи: слои краски (не смешанные)
Фото разных оттенков голубого, использованных в написании моря
Море в этой картине создавалось с помощью наложения различных оттенков голубого друг на друга, с минимальным смешиванием.

Море часто мерцает светом, изменяя цвета и тона, когда мы смотрим на него. Чтобы попытаться уловить это, я использовал различные оттенки синего и белый в разбитых слоях, так что некоторые из них просматриваются сквозь другие, это выглядит значительно лучше, чем рисование моря хорошо смешанными цветами, последовательно.

Темный голубой — это прусский голубой, которых может быть разведен акриловой краской или чернилами. Светлый синий цвет — церулевий голубой и самый светлый — бирюзовый кобальт. Там также использованы морские синие акриловые краски. Плюс титановый белый и, на небе и переднем плане, немного умбры.

Я частично использовал краску прямо из тубы, разведенную водой, лессировку и акриловый медиум. Добавлял белый цвет, чтобы сделать прозрачный синий темнее и увеличить вариации цвета.

Голубые цвета наносились один на другой, иногда длинными мазками, иногда короткими. Направление здесь важно и должно отражать тему. Здесь я работал горизонтально, следуя за горизонтом, и двигаясь чуть ближе к береговой линии, поскольку волны естественно искривляются.

Я избегал полного смешивания цветов (а это обычное искушение во время рисования мокрым по мокрому). Каждый цвет проявит себя и позволит отдельным участкам заглянуть через слои. Лучше смешивать меньше, чем слишком много. Если в конечном итоге вы получите «жесткий», навязчивый край, вы можете смягчить его, нанеся немного другого синего оттенка, а затем смешать их.

Пишите слой за слоем, добавляйте и скрывайте. Не ожидайте, что все удастся с первого раза, не устраняйте то, что выглядит плохо, работайте над тем, чтобы исправить этот фрагмент. Все это добавляет глубины законченному полотну. Я люблю работать над картиной в течение нескольких дней, это дает время для краски полностью высохнуть и оценить то, что я сделал. Не забывайте регулярно отходить подальше от полотна, поскольку картина выглядит совсем другой на расстоянии и вблизи.

10 из 14
Техника живописи: смешивание цветов
Мягкий переход цвета в этой картине был сделан путем смешивания краски, когда она еще была влажной.

Если вы сравните глубокий оранжевый цвет солнца с тем, что на вершине холма в этой картине, вы увидите, что холм имеет очень четкие, жесткие края, тогда как солнце — наоборот сливается с оранжевым и желтым цветом. Это делается путем смешивания цветов, пока они еще влажные.

Если вы рисуете маслом или пастелью, у вас есть много времени для смешивания.
Если вы работаете с акрилом или акварелью, вы должны работать очень быстро. Чтобы смешать цвета, нанесите те, которые должны быть расположены рядом друг с другом, а потом возьмите чистую кисть и осторожно пройдитесь ею там, где пересекаются эти два цвета.

11 из 14
Техника живописи: переливающаяся масляная пастель как фон для живописи
Фото золотого фона для рисования или печати с помощью переливающейся масляной пастели.
Фон для этого линопринта был создан с помощью золотой масляной пастели.

Одной из проблем в работе с золотой краской может быть получение ровного, гладкого результата. Поэтому для этого линопринта я использовал переливающиеся пастели, которые затем хорошо смешал пальцем. Еще одно преимущество заключалось в том, что мне не приходилось ждать, пока она высохнет, прежде чем на нее нанести трафарет.

Примечание: я использовал для трафарета на фоне с масляной пастели рельефные чернила на масляной, а не на водной основе. Пастель слегка стирается, если вы прикоснетесь к ней, поэтому ваше произведение должно быть защищено под стеклом.
Сфокусируйте свет правильно и переливающаяся пастель на фотографиях будет выглядеть очень красиво, поэтому делать принты из подобных иллюстраций, безусловно, вариант!

12 из 14
Техника живописи: разбрызгивание
Эта фотография показывает две детали из морского пейзажа, где береговая линия была нарисована с помощью техники разбрызгивания поверх сграффито.

В следующий раз, когда вы будете менять свою зубную щетку, не выбрасывайте старую, а положите ее в артбокс. Это идеальный инструмент для разбрызгивания. Вы погружаете кисть в жидкую краску, направляете ее на рисунок, потом делаете движение пальцем (или ножом / ручкой другой кисти) вдоль щетины. Не забудьте сделать это от себя, чтобы краска полетела в противоположную сторону от Вас.

То, что дает эта техника — это распыление мелких капель краски. Если вам нравится абсолютный контроль, это, пожалуй, не та техника, которой вы будете пользоваться. Хотя даже с практикой Вы можете направлять, куда краска примерно полетит, но она любит распыляться вокруг и добраться до мест, к которым не ожидаете.

Размер капель зависит от того, насколько жидкой является краска, от того, сколько ее попало на зубную щетку, и от того, как она двигается. Вам не обязательно использовать именно зубную щетку для разбрызгивания, любая другая плотная щетка подойдет. Попробуйте этот метод сначала на странице Вашего скетчбука для рисования или просто на куске бумаги. А если Вы делаете это на картине, которая полностью высохла, вы всегда можете стереть краску и попробовать еще раз. (Хотя, если вы используете акрил, не медлите, поскольку эта краска быстро высыхает.)

Чтобы не распылять краски в определенной области, замаскируйте ее. Самый простой способ — удерживать бумагу/ткань, прикрывая участок, который не желаете забрызгивать.

13 из 14
Техника живописи: водорастворимый графит / карандаш
Эта учебная работа была создана с помощью водорастворимого графита.

Сначала были нарисованы линии, а затем использована смоченная водой кисть, чтобы превратить часть графита на краску. Я также подхватил немного цвета кистью прямо с карандаша, а также порисовал карандашом на еще мокрых участках бумаги. Техника такая же, как и в случае с цветными карандашами, за исключением того, что вы работаете только в серых тонах.

Если вы будете использовать на сухой бумаге водорастворимый графитовый карандаш, он даст такие же результаты, как и обычный. Пройдитесь по нему кистью с водой — и графит превратится в серую прозрачную краску, как акварель. Работа с ней на мокрой бумаге дает мягкую, широкую линию, которая расплывается по краям.

Водорастворимые графитовые карандаши имеют разную степень твердости, в деревянном корпусе, или же в форме палочек. Второй вариант имеет следующее преимущество — Вам не нужно останавливаться, чтобы заточить его. Просто оторвите кусочек обертки, чтобы открыть больше графита. Также Вы можете затачивать графитовую палочку с помощью точилки, как обычный карандаш или еще более простой метод — быстро заточите ее о бумагу.

14 из 14
Техника искусства: гуашь и цветной карандаш
Смешанная техника изобразительного искусства, сочетающая гуашь с цветным карандашом
Будучи непрозрачным, слой краски гуашь скрывает любые отметки карандаша под краской гораздо лучше, чем акварель. Но вы можете работать карандашами и поверх нее (графитовыми или цветными), даже по еще влажной краске.

Как вы можете видеть на фрагментах картины, детали, созданные коричневым цветным карандашом по краске гуашь, варьируются. В некоторых местах он вытеснил краску, но не оставил никаких отметок карандашом на бумаге. В других местах он переместил краску и оставил коричневую линию. (Оба этих случая можно назвать техникой сграффито). Там, где краска была сухой, цветной карандаш оставил линию на поверхности краски. Таким образом, один карандаш может создавать различные эффекты с краской.

Я понимаю, фиолетовый — это не тот цвет, который ассоциируется с хорошим здоровьем, и его применение может показаться странным выбором для рисования человеческой фигуры. Но к концу сеанса я использовал остатки краски и не хотел браться за новую. Как ни крути, но пурпурный лучше, чем зеленый лимон, который можно увидеть в районе плеча. Это безусловно нездоровая бледность! Я попытался сосредоточиться именно на тоне, а не на оттенках, и затем использовал карандаш, чтобы добавить немного выразительности в форму фигуры.

Источник: https ://www. liveabout.com/fine-art-painting-techniques-4122812

Основы рисунка — А.

Ф. Шембель

Техника рисунка

Огромное значение в изобразительном искусстве имеет система средств и способов передачи зрительных образов всех объектов реального мира. Мастерское исполнение рисунка или картины соответствующими техническими средствами не оставит равнодушным никого. Бывают, конечно, исключения, когда блестящее внешнее исполнение прикрывает откровенно равнодушную позицию художника, и тогда зритель разочарованно воспринимает даже эффектность и артистизм линий, штрихов, красочных мазков. Следовательно, произведения искусства сочетают как глубокое жизненное содержание, так и совершенную художественную форму.

Под техникой рисунка понимается система графических средств и технических способов (приемов), которую рисующий использует в своей работе по созданию специфических изображений, выполняемых с учебными либо творческими целями.

Овладение техникой рисунка немыслимо без организации рабочего места — от наличия карандаша и бумаги до выбора точки зрения на натурную постановку. Упущение какого-то элемента, а они все важны, нарушает необходимый распорядок занятия и уводит рисующего от налаженного ритма работы.

Вы обязаны всесторонне и придирчиво оснастить себя всем необходимым для предстоящей работы с натуры: два специально заточенных карандаша (ТМ, М), мягкая резинка, плотная белая бумага, прикрепленная к мольберту — подставке для рисования сидя (рис. 9).

Рис. 9

Расстояние между вами и натурной постановкой всегда должно равняться примерно трем размерам рисуемого предмета, а от вашего глаза до перпендикулярно к нему расположенного листа бумаги — длине вытянутой руки. Такие интервалы являются оптимальными.

Освещенность рабочего места также имеет значение, ибо рисунки в отличие от живописи часто выполняют при искусственном свете. Старайтесь расположиться по отношению к источнику света так, чтобы он находился слева и несколько впереди.

Итак, учебные рисунки в наших условиях выполняются графитным карандашом. Техника работы этим инструментом для рисования имеет свои достоинства, выражающиеся в немедленном применении, в оставлении на бумаге любых по толщине линий, в реакции на малейшее изменение давления или направления движения руки рисующего, в исправлении рисунка резинкой в какой угодно момент работы.

У графитного карандаша есть некоторые незначительные минусы: металлический блеск следа, сравнительно медленное заполнение тоном поверхности бумаги, относительно слабые возможности создания богатства и глубины оттенков тона и разнообразнейших градаций фактуры. Но тем не менее графитный карандаш остается незаменимым средством учебного рисования. В заточке карандаша особых рекомендаций нет. Здесь вы можете сообразовываться со своим умением.

Вопрос о том, как держать карандаш в руке, не праздный, ибо это связано с принципами и правилами построения рисунка, а также дальнейшей проработки деталей рисунка, приведения его в окончательный вид. В самом начале работа ведется почти вытянутой рукой, когда положение инструмента совершенно немыслимо, если держать его как ручку при письме, а требует навыка размещения карандаша, свободно лежащего между тремя пальцами (рис. 10). И наоборот, при проработке рисунка карандаш невозможно держать иначе, а только как при письме. При разных способах положения этого инструмента ваша кисть не должна напрягаться и вообще вся рука — не утомляться, если взять за основу свободное и легкое движение её: от плеча до минимального вращения запястья.

Самое основное в технике рисования — это, конечно, стремление рисовальщика показать в работе карандашом на бумаге все возможное разнообразие линий, штрихов, тональных пятен, из сочетания которых складывается индивидуальная манера исполнения, смело и неповторимо выраженная в законченном рисунке. Путь к такой манере, естественно, длинный и трудный, связан с волей, многократными усилиями, где не должно быть места разочарованию при первых неудачах.

Рис. 10

Каждому из вас придется упражняться в многократном проведении карандашным грифелем на бумаге самых разных линий — узких и широких, длинных и коротких, прямых и кривых, ломанных и извилистых, непрерывных и прерывающихся, с нажимом разной силы, вверх, вниз, вправо, влево с наклоном «к себе» и «от себя», и т.д.

Рисующий должен добиться в изображении передачи светотеневых отношений натуры и имитации материальных поверхностей предметов, так называемой фактуры. Все это достигается средствами создания тона. При передаче тональности необходимы карандаши различной степени твердости и мягкости, а также бумага с той или иной зернистостью поверхности. Еще нужно понимать, что даже большим мастерам рисунка никогда не удается добиться в изображении соответствия подлинному свету и естественной фактуре вещей. Художники добиваются лишь пропорциональных натуре отношений, к этому нужно стремиться и вам, чтобы создавать грамотные изображения. Большего правдоподобия в рисунке мы достигнем, когда не будем «гоняться» за эффектами света, бликами и красивыми мягчайшими переходами тонов, а лишь при условии того, как справимся с требованиями компоновки, построения и передачи объемной формы с последующим обобщением изображения.

Итак, рабочее место организовано, постановка натуры осуществлена, и вы начинаете рисунок.

Вскоре изображение закомпоновано, определены верные пропорции объекта, сделан конструктивный анализ формы, и теперь предстоит воплотить сложившийся образ конкретными изобразительными средствами карандашного рисунка, какими являются линии, штрихи и светотеневые отношения. От того, как вы примените определенные способы наложения штрихов, зависит в конечном итоге выявление образа постановки. На рисунке получается сходство с предметами натурной постановки, если рисующий владеет техническими приемами изображения.

В технике рисунка, выполняемого графитным карандашом, его автор, найдя определенные приемы, уверенными движениями инструмента по бумаге убедительно и просто решает тоном форму, испытывая при этом по-настоящему творческое удовлетворение. Достигнув первоначальных успехов, не останавливайтесь, а совершенствуйтесь, внимательно изучайте творческий опыт и блестящее мастерство больших художников. Художник Константин Федорович Юон писал: «В процессе работы чувства художника направляются не только на восприятие внешнего мира — они в то же время касаются и понимания качеств и свойств самих материалов и орудий производства, всех их потенциальных особенностей для использования нужный момент» (Юон К. Ф. Об искусстве. М., 1959. Т. 1. С. 93).

Техника рисунка и, в частности, приемы работы карандашом тесно связаны со всем учебным процессом, так как мысли и чувства рисующего находят материальное воплощение в созданном сочетании штрихов и тональном решении изображения и, в конечном итоге, в достигнутой образности.

При овладении техникой рисунка нужно выполнять как длительные изображения, так и краткосрочные — наброски и зарисовки. Наброски и зарисовки помогают воспитать умение быстро воспринимать натуру, найти индивидуальную манеру карандашного изображения.

Возможность выработки манеры рисования реализуется лишь в том случае, когда все линии и штрихи, составляющие рисунок, подчинены строгой дисциплине изображения. Штрих случайный, небрежный, условный, заполняя какую-то часть поля изображения, не столько передает форму соответствующего предмета, сколько отделяет данный участок по тону от соседних, более светлых или тёмных. Чтобы этого не случилось, установите для себя одно непреложное правило: всякий след карандаша должен прежде всего что-то изображать, передавать какую-то форму, и только как следствие этой изначальной его функции выявится его место в игре света и тени. При этом чем точнее штрих как формообразующий элемент, тем богаче возникающие от взаимодействия множества штрихов градации светлого и темного. Вы не сразу убедитесь в существовании этой закономерности, но со временем предчувствуете её. Следовательно, штрихом надо рисовать, заполняя пространство листа, чувствуя форму.

Для того чтобы овладеть техникой рисунка, нужны соответствующие усилия, связанные с многократными специальными упражнениями для руки. Но развитие чисто технических навыков никак не обходится без усвоения правил и анализа закономерностей основных способов изображения. Только благодаря такому отношению к рисованию вы сможете постичь эстетическую ценность взаимодействия содержания и формы, познать изобразительные и выразительные возможности того или иного художественного материала.

<<<�предыдущая вверх следующая>>>

Техника живописи Вермеера: Рисунок

Техника живописи Вермеера

• Обзор техники живописи Вермеера
• Подготовка опоры
• Изобретение (чертеж)
• Мертвая окраска
• Обработка и ретушь
• Остекление

---

• Палитра Вермеера
• Перспектива Вермеера
• Студия Вермеера

Понятие «изобретать» в семнадцатом веке соответствует первоначальному рисунку или наброску, выполненному непосредственно на холсте художника. Этот вид рисунка служил для фиксации наиболее существенных контуров предметов и ориентиром для последующих этапов работы. Использовались мел, уголь, темпера и масляные краски различных тонов. Поскольку предварительный рисунок неизбежно был покрыт последовательными слоями непрозрачной краски, он оставляет мало материальных свидетельств, и поэтому наши знания о процедуре рисования Вермеера в основном спекулятивны. Хотя Самуэль ван Хугстратен, художник и теоретик искусства того времени, подчеркивал, что этот первоначальный рисунок следует держать свободным, сомнительно, что Вермеер последовал его совету.

рис. 1 Аллегория Добродетели (фрагмент)
Корреджо
Холст, темпера, 149,5 х 85,5 см.
Галерея Дориа Памфили, Рим

Пример подрисовки, выполненной тонкой коричневой краской, можно наблюдать на детали слева от незаконченной картины Корреджо (рис. 1).

«В мастерской художника на загрунтованном холсте, вероятно, сначала делали бы подрисовку, во время которой более или менее точно намечалось намеченное изображение. Это можно было бы сделать черным мелом на светлом тонированном грунте, но белым мелом лучше работать на наиболее цветные (красные или серые) грунты. Подрисовку по цветному грунту чаще всего делали каким-либо светлым средством, таким как тонкая, почти чернильная свинцовая белила или тонкая суспензия мела в воде. Академическая традиция предписывала, что esquisse или ébauche следует наносить белым мелом, который можно стереть влажной тряпкой или губкой для облегчения исправления. Дополнительным преимуществом мела является то, что его показатели преломления настолько близки к показателям связующей среды, что при соприкосновении с маслом его уже не видно». ¹ Такой рисунок можно наблюдать на холст (рис. 2) в Вермеере Искусство живописи

ГЛЯДЯ ЧЕРЕЗ ПЛЕЧО ВЕРМЕЕРА

Полная книга о технике и материалах живописи 17-го века с особым акцентом на картину Иоганна Вермеера .

по Jonathan Janson | 2020

Взгляд через плечо Вермеера представляет собой всестороннее исследование материалов и техник живописи, которые сделали Вермеера одним из величайших мастеров европейского искусства.

Благодаря квалификации автора как профессионального художника и знатока Вермеера каждый аспект XVII века и практики живописи Вермеера, включая подготовку холста, черновой рисунок, малярный рисунок, лессировку, палитру, кисти, пигменты и композицию, изложен в ясной форме. , понятный язык. Также исследуется ряд ключевых вопросов, связанных непосредственно со студийными методами Вермеера, таких как камера-обскура, организация студии, а также то, как он изображал настенные карты, напольные плитки, картины в картинках, ковры и другие его наиболее определяющие мотивы. . Каждая из 24 тем книги сопровождается обильными цветными иллюстрациями и диаграммами.

Наблюдая с близкого расстояния мастерскую Вермеера и его выдающихся современников, читатель получит конкретное представление о методах и материалах живописи 17-го века и по-новому взглянет на 35 произведений искусства Вермеера, которые раскрывают неразрывное единство ремесло и поэзия.

Несмотря на то, что книга не написана как практическое руководство, художники-реалисты найдут настоящий кладезь технической информации, которую можно адаптировать практически к любому стилю фигуративной живописи.

Просмотр плеча Vermeer’s
Автор : Джонатан Янсон
Дата : 2020 (Второе издание)
страницы : 294
Иллюстрации : 200-плюс иллюстрации и диаграммы
: 200-плюс. ePUB | AZW3
29,95 $

---

СОДЕРЖАНИЕ

1. Обучение Vermeer, техническое образование и амбиции
2. Обзор технической и стилистической эволюции Vermeer
3. Слава, оригинальность и тематика
4. Реальность или иллюзия: существовали ли интерьеры Вермеера?
5. Цвет
6. Состав
7. Мимеси и иллюзионизм
8. Перспектива
9. Камера-обскура Vision
10. Свет и моделирование
11. Студия
12. Четыре основных мотива в творчестве Вермеера

13. Драпировка
14. Покраска плоти
15. Холст
16. Заземление
17. «Изобретение» или чертеж
18. «Мертвая окраска» или подмалевок
19. «Обработка» или окончательная обработка
20. Остекление
21. Среды, связующие вещества и лаки
22. Нанесение краски и консистенция
23. Пигменты, краски и палитры
24. Кисти и кисти

Сохранилось очень мало следов первоначального рисунка Вермеера. В Женщина, держащая баланс , существует достаточно доказательств, чтобы полагать, что художник сначала «обдуманно применил тонкие линии. художники используют эскиз в качестве отправной точки, свободно изменяя формы в конечном изображении. Но всякий раз, когда можно было наблюдать линии, разработанные Вермеером, было ясно, что его окончательные слои краски очень близко соответствовали эскизу». ²

рис. 2 Искусство живописи (фрагмент)
Йоханнес Вермеер
в. 1662–1668
Холст, масло, 120 х 100 см.
Художественно-исторический музей, Вена

Когда-то считалось, что Вермеер раскрыл некоторые из своих рабочих методов рисования в Искусство живописи . На ровно тонированном холсте тонкими мазками белой краской или мелом нанесены контуры развевающегося костюма модели, а лавровый лист начал раскрашиваться различными оттенками синего.

Однако существует много несоответствий между реальными рабочими привычками, которые можно увидеть на изображениях мастерских художников семнадцатого века, и теми, которые проиллюстрированы в Искусство живописи . Микроскопическое исследование картины показывает, что рисунок Искусство живописи выполнен тонкими коричневыми линиями, контрастирующими со светлым рисунком картины на мольберте художника. «Тот факт, что Вермеер изобразил художника, начинающего с одного только лаврового венка, вероятно, следует рассматривать как меру иконографического значения венка, а не какое-либо буквальное свидетельство того, что, например, Вермеер рисовал фигуру сверху вниз». ³

Практически на каждом рендеринге мастерская художника рядом с работающим художником изображался шкаф, в котором хранились кисти, пигменты, растворители и масляные эссенции. Было бы трудно представить себе художника на картине Вермеера, вставающего и делающего несколько шагов только для того, чтобы почистить кисть или набрать побольше пигмента, — жесты, которые повторялись бы сотни раз по дуге процесса рисования. Костюм, который носил художник, остался в прошлом; ничего подобного нельзя найти на других картинах того же периода. Более того, судя по предварительному рисунку на холсте, труба, которую держит модель, не может уместиться в пределах холста перед ним. Хотя некоторые из указаний, данных Искусство живописи техники художника могут быть фактическими, другие должны были выполнять символические или декоративные функции.

Удивительно, но ни один рисунок Вермеера не сохранился, особенно если принять во внимание сложность его композиций и исключительную точность контура, масштаба и перспективы. Гораздо практичнее и экономичнее выполнять предварительные наброски на бумаге, которые можно легко исправить или переделать, чем отрабатывать рисунок прямо на холсте. Сохранилось несколько примеров подготовительных рисунков современников Вермеера, таких как Питер Сандредам, которые представляют сложные церковные интерьеры. Тот, который приписывается художнику из Делфта Ван Влиту, виден справа.

рис. 3 Изабелла д’Эсте (фрагмент)
Леонардо да Винчи
1500
Бумага, черный и красный мел, желтый пастель, 63 х 46 см.
Musée du Louvre, Paris

Затем подготовительный рисунок можно было перенести на холст несколькими способами. Одним из наиболее распространенных и эффективных способов было проколоть булавкой ряд отверстий по линиям рисунка. Затем рисунок накладывался на холст, и мелкий порошок древесного угля осторожно фильтровался через отверстия для булавок с помощью пушера. ⁴ Когда рисунок был снят с холста, отфильтрованная угольная пыль указала линии рисунков. Затем художник прошелся кистью и краской, чтобы зафиксировать линии более прочно. Эту процедуру хорошо видно на подготовительном рисунке Леонардо к портрету Изабеллы д’Эсте (рис. 3).

Используя эту простую технику, фресковый художник мог перенести большой рисунок на сырую штукатурку за несколько минут. Та же техника использовалась для передачи мельчайших деталей небольших размеров, а также рисунков, которые украшали знаменитое производство фарфора в Делфте.

Если бы Вермеер использовал технику прыжка, он, скорее всего, не сохранил бы карикатуры. Очень мало осталось от голландцев семнадцатого века. Однако возможно, что Вермеер смог передать окончательный образ своей композиции, даже не реализовав какой-либо подготовительный рисунок. Филип Стедман в своем исследовании использования Вермеером камеры-обскуры (своего рода предшественника современной фотокамеры, широко известной художникам во времена Вермеера) предполагает, что художник проследил изображение, проецируемое камерой-обскурой, прямо на холст. Камера-обскура сделала бы подготовительные рисунки излишними. Хотя некоторые ученые категорически не согласны с аргументами Стедмана, большинство признало, что они имеют рациональную основу и соответствуют живописным и выразительным целям Вермеера. (Подробную информацию по этому вопросу см. в статье Стедмана 9.0028 Камера Вермеера: раскрытие истины, стоящей за шедеврами , или посетите его веб-сайт по адресу: http://www.vermeerscamera.co.uk/home.htm.)

Хотя никаких подготовительных или окончательных рисунков Вермеера на бумаге не сохранилось, это не обязательно означает, что он не производил их в то или иное время. Рисунки, хотя и собранные в то время более утонченными знатоками, не имели такой ценности, как сегодня, и, учитывая, что подготовительные рисунки Вермеера могли быть выполнены в более схематичном, а не выразительном стиле, вполне разумно, что они не были считается большой ценностью. Отдельный «фолиант», подобный тем, что перечислены в описи смерти художника, мог содержать его драгоценные рисунки и мог быть утерян или уничтожен.

† СНОСКИ †

1. Ари Валлерт и Виллем де Риддер, «Материалы и методы живописи Свертса», в Майкл Свертс: 1618–1664 , Зволле, 2003, 40.
2. Мелани Гиффорд, «Живопись светом: недавние наблюдения за техникой рисования Вермеера», в Vermeer Studies , ред. Иван Гаскелл и Мишель Йонкер, Национальная художественная галерея Вашингтона, округ Колумбия, Нью-Хейвен и Лондон: издательство Йельского университета, 1998, 187.
3. Брайан Дж. Вольф, 9 лет0028 Вермеер и изобретение зрения , Чикаго: University of Chicago Press, 2001, 196.
4. Интересно, что эта техника прыжка до сих пор используется художниками-вывесками. Единственными современными улучшениями являются [1] колесо набрасывания и [2] электрическая машина набрасывания, которая пробивает отверстия с помощью электрической искры. К этим дорогим машинам следует относиться с осторожностью, поскольку, когда они заведены до максимума, необходимого для прокалывания нескольких слоев или толстой бумаги, они вызывают неприятный шок.

Die wichtigsten Techniken zum Zeichnen auf Papier

Ресурсы Die wichtigsten Techniken zum Zeichnen auf Papier

Das Zeichnen auf Papier ist ein elementares Verfahren, um Zeichnungen anzufertigen, zu üben und das Zeichnen zu lernen. Doch trotz der scheinbaren Einfachheit der verschiedenen Techniken muss jeder Zeichner, der einen Schritt weiter gehen möchte, mit dem verwendeten Material und den Effekten, die es liefert, vertraut sein. Welche Techniken sollte man anwenden, um mit dem Zeichnen auf Papier zu beginnen? Welche Werkzeuge sollte man verwenden? Wir geben Ihnen alle wichtigen Informationen, die Sie brauchen, um sich Klarheit zu verschaffen.

Zeichnen auf Papier, eine uralte Technik

In der Geschichte der Zeichenkunst ist das Arbeiten mit einem Stift und einem Blatt Papier eine Art des Zeichnens, die schon immer verwendet wurde, um die Grundlagen des Zeichnen zu erlernen. Seit der Erfindung des Papiers haben sich die sogenannten Trockentechniken vervielfacht. Zwar wurde der Silberstift, der Vorläufer des Graphitstifts, schon seit der Antike verwendet, doch erlebten diese Techniken ab der Renaissance einen enormen Aufschwung, als Wissenschaftler und große Maler sie ausgiebig für ihre Skizzen, Studienzeichnungen von Lebethenzthewesen oder Porträtsten Heute gibt es eine Vielzahl von Techniken, von Kohle über Pastell bis hin zum einfachen Graphitstift, die eine große Vielfalt an Effekten und Renderings ermöglichen. Wenn Sie jede dieser Techniken beherrschen und sie vielleicht sogar miteinander mischen, können Sie erstaunliche Ergebnisse erzielen, von der Anfängerzeichnung bis hin zu den realistischsten Werken. Das Zeichnen mit einem Stift auf einem Blatt Papier ist intuitiv und erfordert im Vergleich zur Malerei eine bescheidene Ausrüstung, die sich jedoch mit der Zeit und der Erfahrung erheblich erweitern lässt.

Repaper

So einfach wie Papier und Stift, so leistungsfähig wie ein Grafiktablett

Энтдекен

Die wichtigsten Techniken zum Zeichnen auf Papier

Der Graphitstift, der am häufigsten verwendete Stift

Wenn man vom Zeichnen mit einem Stift spricht, meint man zuerst den Graphitstift. Er ist vielseitig einsetzbar und eignet sich hervorragend für Hobbyzeichnungen oder Skizzen, um Kontraste zu variieren. Es gibt eine ganze Reihe von solchen Stiften, und die Wahl hängt davon ab, был man machen möchte. Bei дер Auswahl де Richtigen Stiftes sollte man auf die Härte des Stiftes achten. Der vielseitig einsetzbare Standardbleistift, der beim Zeichnen am häufigsten verwendet wird, ist der HB-Bleistift. Er liefert den Strich, den wir alle kennen, und es ist dieser Bleistift, den wir je nach Region allgemein als «Bleistift», «Grauer Bleistift» или «Holzstift» bezeichnen. Es gibt aber noch viele andere Arten von Graphitstiften mit ganz unterschiedlichen Spitzen. Für Schwarz-Weiß-Zeichnungen mit dunklen, dicken Konturen eignen sich weiche Minen mit Bleistiften des Typs B (der Weichheitsgrad reicht von B für den am wenigsten weichen Bleistift der Palette bis 9B für den dicksten und dunkelsten). Diejenigen, die einen zarten Strich mit viel feineren, klareren und präziseren Grautönen bevorzugen, können mit einem Bleistift mit harter Mine von H bis 9H die Details und leichten Schattierungen ausführen, die Ihrer Zeichnung mehr Relief verleihen. Sie sollten eine ganze Reihe dieser Bleistifte besitzen, um sich allen Zeichenstilen widmen zu können.

Kohlestifte für den Lernprozess

Kohlezeichnungen waren lange Zeit die Grundlage des akademischen Zeichnens, um in Zeichenkursen das Zeichnen zu erlernen. Diese Technik ist в der der École des Beaux-Arts oder in Kunstatelers, die Zeichenkurse anbieten, immer noch weit verbreitet. Es ist in der Tat interessant, die Kohle für die Perfektionierung zu verwenden, um zu lernen, wie man ein Stillleben zeichnet, oder um beispielsweise ein lebendiges Modell zu reproduzieren. Seine Struktur, die sich leicht verwischen lässt, ermöglicht es dem Fortgeschrittenen, Skizzen mit interessanten Texturen anzufertigen. Sie können die Kohle gerade halten und so als Bleistift verwenden, um scharfe Konturen zu erhalten, und dann zu einem Kohlestift übergehen und ihn horizontal verwenden, um flächiges Schwarz für Ihre Füllungen zu erhalten. Sie können auch Ihren Finger oder einen Radiergummi verwenden, um Ihre Linien zu verwischen, sie gleichmäßiger zu machen und Schatteneffekte zu erzeugen. Kohle ist weniger präzise als Graphitstifte und erfordert aufgrund ihrer geringen Fixierung ein grobkörniges Papier (Sie können jedoch einen speziellen Lack auftragen, um Ihre Zeichnungen dauerhaft zu erhalten), aber dank ihrer idealen Eigenschaften ist sie das perfekte Werkzeug, um die Grundlagen des Zeichnens zu erlernen .

Pastellkreide für realistische Zeichnungen

Pastellkreiden lassen sich in zwei große Familien unterteilen: trockene Pastellkreiden und Fettpastellkreiden. Mit trockenem Pastell kann man Zeichnungen hervorheben, indem man z. B. einem Porträt mit Graphitstift weiche Texturen verleiht. Er kann verwendet werden, um ein realistisches Porträt zu zeichnen (das ist seine Hauptverwendung), oder um Landschaften zu zeichnen. Obwohl es ebenfalls ein grobkörniges Papier benötigt, damit sich das Material festsetzen kann, unterscheidet sich das Pastellporträt aufgrund seines Realismus stark vom Kohleporträt, da die größten Meister dieser Zeichenkunsttechnik die Farbabstufungen оптимально beherrschen. Trockenes Pastell kann verwendet werden, indem man die Pigmente mit einem Wattebausch oder einem Tuch abtupft und direkt auf die Zeichnung aufträgt. Es kann auch mit einem Cutter über der Zeichnung mehr oder weniger zerbröselt und dann mit dem Finger oder einem Tuch verwischt werden. Eine ganz andere Technik ist die des Ölpastells. Sie wird am besten verwendet, indem man eine Vielzahl von Punkten oder kleinen Schraffuren macht und die Schichten nach und nach übereinander legt, um eine Abstufung zu erhalten. Dies kann zu künstlerischen Effekten führen, die an impressionistische Gemälde erinnern. Es ist auch möglich, das Ölpastell auszustreichen und die Farben zu mischen. Aber Vorsicht: Ölpastell ist schmutzig und kann schnell verschmiert wirken, wenn Ihr Stift nicht regelmäßig von Verunreinigungen durch das Mischen der Farben gereinigt wird oder wenn die Reihenfolge der Schichten — vom hellsten zum dunkelshalten — nicht wirding.

Rötel für Studienzeichnungen

Rötel, auch wenn er in Vergessenheit geraten ist, ist in erster Linee ein ockerfarbenes Pigment, bevor er zu einem bestimmten Werkzeug wird. In der Renaissance wurde er häufig in Form von Stift, Kreide und trockenem Pastell verwendet, da die Farbe Idealist, um Volumen hervorzuheben. So wurde Rötel vielfach für das beobachtende und technische Zeichnen verwendet. Es gibt viele Werke, in denen Künstler die Rötelzeichnung gewählt haben, um lebende Modelle und Tiere zu zeichnen, zahlreiche Werke rund um den Goldenen Schnitt anzufertigen oder sogar einige Porträts zu zeichnen, wobei das Selbstporträtbebertesta von Leonardo da Vinci. Das Zeichnen von Nackten und des menschlichen Körpers eignet sich besonders gut für die Verwendung von Rötel als Ergänzung zu schwarzem Stein und weißer Kreide, da diese drei Mischtechniken die Fleischseite des Modells perfekt zur Geltung Bringen.

Schwarzstein: ein Einblick in die großen Gemälde

In der Kunstgeschichte wurde der Schwarzstein in der Renaissance lange Zeit verwendet, um die Skizzen für die größten Gemälde anzufertigen. Zeichnen und Malen waren für die damaligen Maler nämlich zwei sich ergänzende Tätigkeiten. Zwar ist das Zeichnen mit Schwarzstein weniger genau als das Zeichnen mit einem Graphitstift, doch ist diese Technik immer noch detaillierter als das Zeichnen mit Kohle. Der große Vorteil des Schwarzsteins ist, dass man den Strich verwischen kann, um Texturen und Schatteneffekte zu erzielen, während der ursprüngliche Strich auf der Zeichnung deutlich sichtbar bleibt. Dies unterscheidet ihn von Pastellkreiden, bei denen die ursprüngliche Linie nach dem Verwischen nicht mehr zu erkennen ist. Da Schwarzstein besser haftet als Kohle oder Pastell, ist er das Ideale Werkzeug, um Ihren Zeichnungen eine andere Kraft zu verleihen.

Buntstifte für eine Vielzahl von Finishing-Möglichkeiten!

Der Buntstift wird so verstanden, dass er nur zum Zeichnen für Kinder und Teenager geeignet ist. Das ist aber nicht der Fall! Buntstifte können nicht nur von Anfängern verwendet werden, die das Zeichnen und Kolorieren ihrer Werke erlernen, sondern finden auch ihren Platz in der angewandten Kunst und in Storyboards für Comics or Manga-Zeichnungen zum Beispiel. Man wird die Buntstifte als Abschluss einer Graphitstiftzeichnung verwenden oder — für die Experten in ihrer Verwendung — um eine Zeichnung von A bis Z zu erstellen. Wenn Sie sich auf das Abenteuer einlassen Wollen, sollten Sie Ihr Material gut auswählen, da der Buntstift fast unauslöschlich ist, wenn er einmal auf Papier gelegt wurde. Buntstifte mit einer Mine auf Ölbasis eignen sich für Details und Schraffuren, während Wachsmalstifte perfekt für Farbverläufe geeignet sind. Aquarellpapier мит Satinkörnung ист быстро ein Muss, ум ein nicht цу körniges унд nicht цу unruhiges Ergebnis цу erzielen. Stellen Sie sich den Buntstift als eine heikle Technik vor, die Geduld erfordert und bei der Sie die Schichten gleichmäßig übereinander legen müssen, ohne zu viel Druck auszuüben, um ein zufriedenstellendes Ergebnis zu erzielen. Einige spezielle Lösungsmittel können Ihnen ebenfalls eine große Hilfe sein, um Überblendungen zu erzielen und sicherzustellen, dass Ihre Farbtöne gleichmäßig sind.

Welche Materialien sollte man zum Zeichnen auf Papier verwenden?

Das Papier: Welches soll man wählen?

Das erste, was Sie brauchen, wenn Sie zeichnen möchten, ist eine Papierunterlage, die für die Werkzeuge, die Sie verwenden möchten, geeignet ist. Es scheint offensichtlich, dass Zeichnen und Malen unterschiedliche Unterlagen erfordern, je nachdem, ob Sie einen einfachen Graphitstift verwenden, eine Kohleoder Pastellzeichnung anfertigen oder sogar mit Aquarell- oder Acrylfarben malen möchten. Ebenso wird ein Schüler, der gerade das Zeichnen lernt und sich weiterentwickeln muss, andere Bedürfnisse haben als ein geübter Zeichner. In Bezug auf das Zeichnen gibt es je nach Bedarf eine Vielzahl unterschiedlicher Papiere. Dabei sollte man sich auf drei Dinge konzentrieren: Körnung, Dichte und PH-Wert. Eine feine, glatte Körnung wie Fotopapier ist nicht für trockene Techniken geeignet, sondern eher für feuchte Techniken wie Tinte oder Farbe. In unserer Lage sollten Sie sich für ein Papier mit mittlerer Körnung entscheiden, wie z. B. Druckerpapier, das mit einem Graphitstift verwendet werden kann, oder für ein grobkörniges Papier, das wir alle aus dem Kunstunterricht kennen, wie z. B. Canson-Papier, das für Techniken wie Kohle, Pastell oder schwarzen Stein benötigt wird. Je dicker die Körnung des Papiers ist, desto besser hält das Material an Ort und Stelle und hat einen Reliefeffekt. Auch wenn Trockenmaltechniken für alle Papierstärken geeignet sind, reicht ein Papier mit geringer Dichte (120 g/m2) für schnelle Graphitstiftskizzen aus, aber ein Blatt mit 200 g/m2 или более mehr eignet sich besser für ausgereiftere Zeichnungen. Schließlich wird ein PH-neutrales Papier die Farbtöne Ihrer Stifte langfristig besser bewahren als ein Papier, bei dessen Herstellung Säuren verwendet wurden.

Блаттер или Notizbuch?

Angehende Zeichner sind es zwar anfangs gewohnt, auf unabhängigen Papierbögen zu arbeiten, doch die Verwendung eines Skizzenbuchs erweist sich bald als unverzichtbar. Notizbücher sind perfect, um eine Skizze anzufertigen und unterwegs zu üben. Durch ihr transportables Format können sie nämlich überall hin mitgenommen werden. Das Notizbuch eignet sich zwar eher zum Üben und für kleine Skizzen, aber aufgrund der großen Anzahl von Notizbüchern auf dem Markt sind heute alle Papiersorten erhältlich, sodass Sie jede Technik anwenden können, und bei eingeklebtr Zeichenauberblöcken Bllassen sich Sie auf einem, отдельный Blatt gezeichnet hätten. Zeichenblätter sind etwas größer (meist A4 или A3, während ein Zeichenblock meist A5 hat) и eignen sich daher gut für die Erstellung von Werken, die aufbewahrt werden sollen.

Zubehör nicht vergessen!

Um gut zeichnen zu können, muss man gut ausgerüstet sein! Wenn Sie sich für Standardradierer entscheiden können, um bestimmte Linien auszuradieren, ist der Knetradiergummi am besten geeignet. Mit dem Knetradiergummi lassen sich nicht nur unerwünschte Linien viel effektiver radieren, ohne große Schmutzspuren zuhinterlassen, sondern Sie können den gewünschten Bereich auch einfach abtupfen. Als weiteres Zubehör können Sie auch in einen Zeichentisch investieren, das Äquivalent zur Staffelei beim Malen. Mit einem Zeichentisch können Sie Ihre Arbeit besser organisieren und vor allem bequemer zeichnen, da die Tischplatte neigbar ist.

Оцифровать все дем?

Während bis zu diesem Zeitpunkt das Zeichnen auf Papier auf das Traditionalelle Zeichnen beschränkt war, hat die Digitalisierung Einzug gehalten und bietet, wie das Grafiktablett Repaper von ISKN, Hybrid-Zeichenmaterial an, das es dem Benutzer ermöineglicht Wahl, mit e seinglicht zeichnen und eine Skizze direct auf einem auf der Oberfläche des Grafiktabletts angebrachten Blatt Papier anzufertigen. Wenn Sie также auf Papier zeichnen, werden Ihre Striche Sofort in Photoshop или Ihrer Bevorzugten Grafiksoftware Reproduziert. Diese neue Art von Zeichentablett ist eine Revolution in der Welt des digitalen Zeichnens. Es bietet sowohl dem Anfänger, der auf Papier zeichnet und sich nicht mit der besonderen Hand-Augen-Kodication wohlfühlt, die bei Grafiktabletts ohne Bildschirm erforderlich ist (und bei denen man beim Zeichnen auf den Computerbildschirm und nicht auf die Hand schaut), а также auch dem fortgeschrittenen Künstler, der das Gefühl des klassischen Zeichnens bevorzugt, welches mit einem digitalen Eingabestift nicht wiedererlangt werden kann, die Möglichkeit, seine Skizzen auf Traditionalelle Weise mit seinem Dieblingsstift, an dem ein Magnetring zur Übertgenist gewewebertragung der Bewebertragung gewewebertragung zur zu bearbeiten, auszumalen und die zahlreichen Werkzeuge der Grafiksoftware zu nutzen, um verschiedene Techniken für das Malen und Zeichnen zu erlernen. Die großen Namen des Traditionalellen Zeichnens bleiben übrigens nicht untätig.