Рисунки радость: Рисунки карандашом: радость детства. Искусство и антиквариат. Добавила Ольга Дорофеева — VilingStore.net

Из всех многочисленных преимуществ моей работы в качестве искусствоведа для этой газеты не в последнюю очередь это шанс видеть рисунки повсюду — на публичных выставках и в частных студиях, изображение иногда попадает тут же, а затем на страницу (в исполнении Паулы Рего и Кена Киффа, которые каждое утро начинали с рисунков). В высохших старых фолиантах, где пыль танцует на странице, когда вы изучаете 10-секундный набросок смеющейся дочери Гейнсборо. В сводах Лувра, где куратору в белых перчатках пришлось отвернуться от наброска разочарованного актера Домье, чтобы подавить чихание, которое могло сдуть мел.

Я не умею рисовать по каким-либо стандартам, но мой внутренний рисовальщик инстинктивно отслеживает все эти рисунки. Это, безусловно, должно быть обычным первичным побуждением, способом более полного проникновения в образ (и мир).В детстве моей любимой книгой была Кэтрин Сторр « Marianne Dreams », в которой прикованная к постели девушка рисует огрызком карандаша, чтобы скоротать время — сад, дом, фигура у окна — только для того, чтобы обнаружить, что она может перемещаться по этому дому ночью во сне, а затем изменять повествование этих снов днем, когда она рисует и перерисовывает свои картины. Для меня это была настоящая сила рисования.

И вот это искусство украдкой вернулось на сцену. Если вы внимательно наблюдали за происходящим, то заметили рост числа выставок рисунков в последние годы. Не только мастера — Микеланджело в Королевской академии, Рафаэль в Ашмоле, Леонардо да Винчи: жизнь в рисовании, которые в настоящее время проходят в 12 различных залах по всей Британии, а кульминацией является совместная выставка в Королевской галерее в Лондоне. в мае — но рисунки Моне и Дега, Климта и Шиле и Джексона Поллока, Агнес Мартин, Бриджит Райли и Рэйчел Уайтрид. Рисунки Уайтред кажутся мне намного лучше ее скульптур.Когда я был маленьким критиком, один старый коллега однажды посоветовал мне избегать рисования любой ценой, поскольку это были лишь предварительные упражнения. Но некоторые из величайших шоу, которые я когда-либо видел, были полностью составлены из графических шедевров: альбом Гойи Black Border, рисунки Ватто, удивительные иллюстрации Боттичелли к Данте Inferno , в которых ад бурлит, как смерч, под земной корой: уровни театральных балконов, с которых падают крошечные фигурки, спускающиеся в вечную зиму — просто ледяная синяя линия, круг, из которого ни одна душа не может вернуться.

Рисование всегда было круто, всегда близко, незамедлительно, современно. Теперь рисунок вернулся в художественные колледжи по всей стране. Каждый год Королевская школа рисования получает сотни заявок на свой уникальный курс «Год рисования», который позволяет аспирантам рисовать днем ​​и ночью бесплатно и при постоянной поддержке преподавателей, которые также проводят публичные занятия по натюрмортам, интерьерам, драпировкам. рисунок и рисование жизни чернилами, углем и даже iPad.

Коллекции рисунков собраны как государственными музеями, так и частными коллекционерами. Последние часто уступают первым. Рисунки Дюрера, в том числе несравненного зайца, дрожащего от жизни в каждой линии, являются частью великолепной коллекции, основанной герцогом Альбертом Саксен-Тешенской в ​​1776 году, которая теперь включает в себя миллион шедевров на бумаге. Венский музей Альбертина одолжил их удачливым галереям по всему миру, точно так же, как наш Британский музей рассылает миру свою великолепную коллекцию рисунков. Покойный миланский ювелир Пино Раболини, следуя примеру герцога в 1960-х годах, собрал серию рисунков от Де Кирико и Моранди до искусства повера и не только. Это не что иное, как обзор итальянского искусства ХХ века. Он включает в себя чудеса, сделанные с помощью булавочных уколов, маркеров DayGlo, восковых мелков, ручек Rotring и даже соединений железа (вернемся к Lascaux). Вы можете увидеть их в лондонской коллекции Estorick Collection.

Этой весной в лондонской галерее Saatchi открывается первая художественная ярмарка, полностью посвященная современным и современным рисункам.На Draw Art Fair будут представлены работы Фрэнсиса Бэкона, Люсьена Фрейда и Фрэнка Ауэрбаха, а также европейских мастеров от Жана Дюбюффе до Фрэнсиса Пикабиа. Основатель ярмарки, Лоран Будье, который также основал Le salon du dessin contemporain в Париже, любит цитировать безупречного гения Энгра, бога поколений рисовальщиков от Дега до Хокни, о сути рисования. «Рисовать — это не просто воспроизводить контуры; рисунок — это тоже выражение, внутреннее содержание… Рисунок — это чистота искусства.

В молодости, живя в Риме, Энгр суммировал лица английских эмигрантов карандашом, настолько гибким и лаконичным, что он мог заработать достаточно денег, чтобы поддержать его новая семья на нескольких быстрых сеансах в день. Рисунки предназначены для продажи, как и картины, но, возможно, по многим другим причинам. Дюрер обнажился и указал на то место на боку, где было больно, специально для того, чтобы врач мог диагностировать его состояние.Шиле неоднократно рисовал себя в тюремной камере, чтобы записывать каждый день своего заключения. Он также нарисовал своего друга и наставника Густава Климта в виде трупа в морге, вспоминая красивое лицо Климта после смерти, как если бы он не мог попрощаться.

Луиза Буржуа рисовала, чтобы расслабиться. Ее Рисунки Бессонницы с великолепными синими реками, текущими среди алых гор, были созданы для достижения мира в бессонные темные часы. Мишо нарисовал свои галлюцинации, вызванные наркотиками, для освобождения, передавая непредсказуемую дрожь прямо на страницу чернилами.Гойя нарисовал то, чему был свидетелем, чтобы запечатлеть ужасные ужасы войны; «Я видел это», — пишет он на страницах альбома «Черная граница».

На разрушительных автопортретах великой немецкой художницы Кете Коллвиц рисунок, призванный выжить, — голова в руке, в трауре, голоде, нищете и войне. И рисование в старости — Дега, почти слепой в свои 80, почти ничего не делал, кроме рисования. Однажды в 80 лет японского мастера Хокусая нашли плачущим за своим рабочим столом, потому что он еще недостаточно научился рисованию.Три года спустя он нарисовал себя, подняв одну руку высоко, как указатель, и весело указал пальцем вперед. Он известен как Old Man Mad About Drawing .

Рисунок отражает исторический момент до и после появления фотографии. Набросок, сделанный всего в нескольких дюймах от Карла I во время судебного процесса перед парламентом, показывает, что король измучен и раздражен, но непреклонен перед своей судьбой. Давид в революционном Париже нарисовал Марию-Антуанетту на пути к гильотине, с вылетевшими зубами, запавшим ртом и стриженными под кепкой волосы.В рисунке присутствует не только шок, но и человечность, и, возможно, среда создана для этого: разум передает свои первые наблюдения и чувства прямо в руку.

Генри Мур, официальный художник Второй мировой войны, нарисовал шпалы, укрывавшиеся на станциях лондонского метрополитена во время воздушных налетов. Их тела, головы и конечности объединены в волнообразных ритмах рисунка Мура: кажется, будто его рука успокаивает. Эти хрупкие памятники человеческой выносливости во многих отношениях более могущественны, чем его бронзовые скульптуры из замша.

Рисунок записывает, что живопись может упустить. Подумайте о младенце Рембрандта, который учится ходить, маленькие запястья поддерживаются двумя любящими женщинами; или его ребенок убирает оставшиеся волосы терпеливого старика. В каждом эскизе есть дыхательная непосредственность. Молодая жена Рембрандта Саския причесалась, засыпала или соблазнительно оглядывалась на мужа, писала собака, проезжали мимо двое друзей — и все это с интенсивной концентрацией, словно фразы в дневнике.

Рембрандт гуляет по деревне в 1664 году и видит подростка, который висит на виселице, повешенного за случайное убийство своей хозяйки. Черты ее бедного лица едва сформированы, носки дырявые. То, что заставило его нарисовать сцену, несомненно, та же навязчивая страсть к миру во всей его правде, красоте и несправедливости, почти воинствующий натурализм, который заставляет его рисовать собственное испорченное лицо, погружаясь в одинокий век.

Смогли бы мы так хорошо знать мысли Рембрандта без рисунков, многие из которых были обнаружены в личных папках после его смерти? Это чудо, что так много произведений искусства на хрупкой бумаге — и в таких ускользающих материалах: серебрянка, мел и пастель, блеклый карандаш и мел — действительно сохранились.Рисунки теряются из-за плесени, пламени, переездов домов, начертаний других или прямого самоуничтожения. Итальянский мастер Бернини разорвал великолепный рисунок автопортрета со своей любовницей пополам, когда она имела наглость покинуть его. Микеланджело уничтожил множество рисунков в последние месяцы своей жизни.

Ассистент описал Микеланджело примерно в то время, когда он стоял босиком и часами рисовал с принуждением, которое заставило его потерять сознание. Эти поздние изображения мелом, пересматриваемые снова и снова, пока они не кажутся весьма призрачными, изображают смерть Христа и напоминают тихие молитвы.Среда и масштаб для Микеланджело столь же сильны, как и любая фреска сикстинского размера. И почти самое маленькое изображение среди его рисунков — это его величайшая эмблема — рука Бога, протянувшаяся к Адаму в году The Creation . Не больше дюйма, но это молния чистого зачатия. Рука нарисована из жизни; возможно, это было собственное произведение Микеланджело.

Для современного глаза эти рисунки — не просто предварительные изображения, а автономные произведения искусства. Идея рисования как простой репетиции, несомненно, родилась у Микеланджело и Леонардо.Это правда, что некоторые более поздние художники скрывали свои рисунки. Гоген пришел в ужас, когда критик попросил показать его альбомы. «Мои рисунки? Никогда! Это мои письма, мои секреты ». Но даже в эпоху Возрождения, когда бумага, наконец, стала доступной, художники дарили или продавали свои рисунки коллекционерам, которые восхищались их даром иллюзий. Просто уметь нарисовать идеальный круг от руки было достаточным подвигом, чтобы привлечь толпу во флорентийском дворе.

Так и осталось. Дети просили моего отца-художника рисовать круги, которые он затем превращал в планеты, летающие шары или фантастические фрукты, что бы они ни пожелали.Увидеть мир, преобразованный в двухмерные изображения, материализуемый на странице с помощью скромного 2B, — это, в конце концов, свидетельство магии.

Рисование в последнее время превратилось в перформанс, когда собираются вместе массовые люди или художники, создающие произведения, живут на глазах у публики. Но прецеденты уходят навсегда. Пикассо вживую нарисовал на стекле камеры с другой стороны, снимая это событие. В 18 веке французский художник Ватто сделал множество рисунков танцоров, актеров, странников, коллег-художников — своего близкого круга.Воздушный и ловкий, с проволочной линией, проворно движущейся по странице, этот рисунок мелом был больше, чем просто формой частной репетиции, он сам по себе был публичным представлением. Ватто хранил их в томах и везде брал с собой для показа. Они были желанными и проданными при его жизни.

Если бы не оборка в стиле рококо на запястье, рисунок рук Ватто выглядел бы так же современно, как тот же предмет, нарисованный Мане, Ван Гогом или Пикассо. Рисунок выходит за рамки эпох и времени.Даже самый седой старый мастер при рисовании может смотреть в ногу со временем; а рисунок, на завершение которого уходили дни, может выглядеть таким же свежим, как рисунок, сделанный за секунды.

Рисовать — значит видеть, учиться, понимать. Об этом думается на странице; чистое открытие, по выражению Джона Бергера. Он может описывать свою собственную историю, испытания, ошибки и исправления, стремительное движение или замедление, нерешительность или резкость, возможно, наконец, триумфальную. Он попадает на страницу живым и прямым, мозгом до кончика или заостренным кончиком, без каких-либо препятствий, связанных с любыми другими носителями.Это традиция, но не великая; бедные могут делать это так же хорошо, как и богатые. В 20 веке он расширяется, чтобы встретить каждое новое движение: кубизм, абстрактный экспрессионизм, минимализм, поп. Рисунок вечнозелен, всегда обновляется.

Пауль Клее назвал это прогуливающейся линией, так как он испытал рисунок на самых элементарных формах. Точка — это глаз, рот или луна. Еще два и появляется пейзаж.Точки превращаются в линию, которая становится канатом, улицей, ровной поверхностью озера или насестом для его щебечущего птичьего собрания.

Три линии пересекают страницу, и появляется река, закручивающаяся с малейшими линейными колебаниями. Треугольник образует пирамиду или проплывающую яхту. Клее творит миры с простейшими знаками. Пиктограммы, иероглифы, высокое искусство: его блестящие видения соединяют древнее с современным.

Джексону Поллоку нравились тонкие черные линии Клее и его колючая непочтительность.Пикассо изучал графику Гойи от начала до конца. Любой канон классических рисунков обязательно включит обоих художников, а также сотни других шедевров ярких исполнителей на бумаге.

Вспомните « Молящиеся руки » Дюрера, написанные чернилами и мелом, поднимающиеся к небу, как надежда, которую они изображают; или его первый сохранившийся рисунок, сделанный в 13 лет, автопортрет в серебряной оправе под сложнейшим трехчетвертным углом. Подумайте обо всем, что написал Леонардо, от нерожденного ребенка, спрятанного в утробе своей матери, до V итрувианского Человека , вечно кружащегося в своем собственном пространстве.Или удивительно описательная линия Гольбейна в портретах, улавливающая малейшее беспокойство в глазах или проблеск юмора во рту, закулисные характеристики, которые заставляют его натурщиков жить и прямо в нашем настоящем.

Некоторым нравятся рисунки Джаспера Джонса, просто сделанные его пальцами, как наши предки на темных стенах пещеры. Или изящные рисунки Матисса, волнообразные, как женские формы, которые они изображают. Или изумительно лаконичные линии цитрусовых Эллсуорта Келли, почти так же близкие к абстракции, как и его картины.

Другие предпочитают странный ночной свет черных набросков конте карандашом Сера, сцены Парижа, проникающего сквозь атмосферу полной таинственности на мелкозернистую бумагу. Или изысканные ритмы оп-арта рисунка Бриджит Райли, раскачивающегося или искрящегося на странице. Или взрывные настенные работы Джули Мехрету, сделанные на подъемном кране, стремящиеся к какой-то критической кульминации.

Рисунки Ван Гога для меня — шедевры оригинальности и изобретательности: линии, бегущие по холсту в темный день, так что вы понимаете, что дождь в некотором роде сравним с рисунком художника.Седильи и дефисы, пятнышки и поразительные чернильные векторы, которые указывают на сияющий урожай, жару и восходящее небо над головой. Бесконечное множество обозначений.

Возможно, у всех нас есть рисунок, который говорит с нами на частном языке — таинственные залитые лунным светом пейзажи Сэмюэля Палмера, Голубь мира Пикассо , собаки Дэвида Хокни, чудесные рисунки белых лошадей Эрика Равилиуса, которые сами по себе были вырезаны на фоне пейзажа. Для меня это трагикомический рисунок 80-летнего Гойи, на котором старик балансирует на двух палках, которые он держит, как будто пробует новомодные лыжи.«Aún Aprendo» написано сверху; Я все еще учусь…

Так же и с рисованием, самым свободным и первым из видов искусства. Сделать это можно кончиком пальца в песке или запотевших окнах автобуса. Клочок бумаги плюс огрызок карандаша — и вы тоже можете быть художником. Альбом для рисования, а еще лучше, — это мир бесконечного прощения, в котором вы можете экспериментировать вечно. Nulla dies sine linea — ни дня без линии, как говорит Плиний. Пробуйте снова и снова, погрузившись в мысли и линии, идя куда угодно, без ограничений и всегда продолжая учиться.

Ярмарка Draw Art Fair в галерее Saatchi, Лондон, 17-19 мая; Кто боится рисовать? находится в коллекции Estorick в Лондоне до 13 июня; Леонардо: «Жизнь в рисовании» в Королевской галерее, Лондон, 24 мая — 13 октября; Портрет художника: Кете Коллвиц будет в Британском музее, Лондон, 12 сентября — 12 января 2020 года

Почему я рисую: два писателя и кинорежиссер о том, что для них значит рисунок

Дебора Моггач , писатель: «Всякий раз, когда я переезжал в новое место, я рисовал фрески на стенах… даже плохие фрески делают комнату довольно волшебной»

Моя мать и сестра были иллюстраторами детских книг, поэтому я рос рисовал и рисовал.Как ни странно, последние 20 лет или около того я прекратил заниматься, что очень досадно — это было связано с написанием книг и воспитанием детей, и все это становилось слишком сложным. Но я довольно нагляден — я всегда вижу сцену в романе, когда пишу: я вижу комнату и узор на ковре.

Раньше я писал от руки на правой стороне тетради формата А4 в кольцевом переплете, а на левой стороне рисовал гротескные лица с огромными носами, вьющимися волосами и морщинами, а иногда и красивыми, молодыми, обнаженными. женщины.Я бы заставил этих существ ползать повсюду: они были бы своего рода страницей подсознания, где мой мозг ослабил бы свои связи. Я считаю, что такое расположение очень полезно, оно помогает с концентрацией. Они не были иллюстрацией того, что я делал, это было скорее путешествие в мир фантазий.

Каждый раз, когда я переезжала в новое место для жизни, я рисовала фрески на стенах, так как это экономило на покупке картин: даже если фрески довольно плохие, они делают комнату довольно волшебной.Я рисовал сцены джунглей Дуанье Руссо с цаплями и зебрами по всем стенам. Еще я однажды расписал автомобиль Renault 4. Еще я делал то, что копировал линию офортов Дюрера за линией: готовый продукт мог быть абсолютно безнадежным, но дело было в процессе. Интервью Кэтрин Бромвич

Роман Деборы Моггач The Carer опубликован Tinder Press 11 июля по цене 16,99 фунтов стерлингов. Чтобы сделать предварительный заказ на сумму 14,95 фунтов стерлингов, перейдите на сайт guardianbookshop.com или позвоните по телефону 0330 333 6846.Бесплатная доставка по Великобритании на сумму более 15 фунтов стерлингов, только онлайн-заказы. Минимальная цена заказа по телефону составляет 1,99 фунтов стерлингов

Джонатан Летем, писатель: «Рисование отличается от письма тем, что это действие тела»

Мой папа художник: на многих моих детских рисунках я стою шатко. в моих пеленках рядом с ним в студии. Я закончил тем, что пошел в специальную музыкальную и художественную школу в Нью-Йорке, когда мне было 14 лет, как вундеркинд-художник — казалось, это была моя естественная личность. Но после учебы в колледже я начал писать свой первый роман, и это мгновенно перевернуло мою жизнь как художника.Наименее хорошо в картинах или рисунках отражается течение времени, и я всегда расстраивался, когда рисовал, потому что не мог заставить истории разворачиваться во времени так, как я хотел. Когда они были наиболее реализованы, мои рисунки и картины были полны повествовательных элементов — персонажей, неявных ситуаций, слов. Как будто мое повествование пробивалось к жизни.

У меня есть несколько ключевых художников, с которыми я очень сильно отождествляюсь в своем творчестве: итальянский сюрреалист Джорджо де Кирико, абстрактный экспрессионист Филип Густон, MC Эшер, а также художники комиксов, такие как Роберт Крамб и Джек Кирби.Что меня поражает в рисовании, которое так отличается от письма, так это то, что это действие тела: вы создаете что-то физическое, с помощью мускулов, руками и пальцами. Когда ты сидишь и сочиняешь рассказы на языке, на клавиатуре, ты словно труп с этими подергивающимися пальцами. Вот чего мне не хватает: страницы, линии, того, какой карандаш вы выбираете, нужен ли вам ластик, используете ли вы кусок древесного угля или, возможно, цветные карандаши.

Как ни странно, я вернулся к этому.У меня есть два мальчика, которых я начал рисовать, когда они были очень маленькими: коровы, динозавры и монстры. Оба они стали детьми, которые рисуют — когда я был в их возрасте, я рисовал много любительских пятистраничных комиксов с моими собственными супергероями, и сейчас они делают именно это. KB

The Feral Detective Джонатана Летема публикует Atlantic (16,99 фунтов стерлингов). Чтобы заказать копию, зайдите на сайт guardianbookshop.com или позвоните по телефону 0330 333 6846. Бесплатная доставка по Великобритании свыше 15 фунтов стерлингов, только онлайн-заказы.Минимальная цена заказа по телефону составляет 1,99 фунтов стерлингов

Майк Фиггис, кинорежиссер: «Если вы рисуете что-то, у вас больше к этому отношения»

Когда мне было около девяти лет, я начал копировать политические карикатуры из газет, и я » Я вел записные книжки с подросткового возраста до наших дней. Сначала я пытался делать очень жесткие рисунки, а затем понял, отчасти благодаря рисункам Матисса и Хокни, что можно немного расслабиться. Я немного фетишизирую магазины канцелярских товаров и записных книжек. Мне нравится бумага с шероховатой поверхностью, чтобы она не проступала. Я начал использовать китайскую водяную кисть, которая мне очень нравится, и я только что купил японскую ручку с густой струей черных чернил, которая отлично подходит для быстрого рисования.

Я брал интервью у Джона Бергера перед его смертью, и он говорил о важности связи между глазом, мозгом, рукой и бумагой — что это духовная вещь, психологически очень важная. Один из моих эскизов — это рисунок моей матери, который я сделал на похоронах отца — фотография никогда не была бы такой же.Когда вам будет 70 или 100 лет, будете ли вы оглядываться на свой компьютер, который больше не будет работать, и вы, вероятно, все равно потеряете все эти файлы? Если вы рисуете что-то, у вас остается более яркое воспоминание об этом моменте и более тесная связь с ним. Было время, когда от художников требовалось иметь базовые навыки во всех жанрах — рисовании, фотографии, музыке — как способ понимания общей картины. К сожалению, этого уже нет, поскольку нас заставляют специализироваться на чем-то одном. На самом деле, сейчас я снимаю документальный фильм о Ронни Вуде, гитаристе Rolling Stones, который очень хорошо рисует, и я сосредоточился на этом в фильме. KB

Открывая заново радость рисования

Интерес к рисованию появился у меня в детстве. По утрам в субботу перед рассветом, когда остальные члены моей семьи спали, меня можно было застать перед телевизором с бумагой и карандашом, когда я смотрел шоу под названием «Мир природы капитана Боба». Это было обучающее шоу рисования, которое транслировалось по местному каналу в районе Бостона еще в семидесятых и восьмидесятых годах (да… давным-давно).

Каждую неделю капитан Боб брал сюжет с натуры и учил зрителей рисовать его.В то же время он научит вас всему, что вы когда-либо захотите узнать об этом конкретном животном. Было удивительно, как он мог превращать простые линии и формы в удивительные, похожие на живые рисунки. Вскоре я решил научиться делать это сам. Я настраивался каждую неделю, чтобы увидеть, какое животное капитан Боб собирался нарисовать следующим. К концу каждого выступления я сравнивал свой рисунок с рисунком капитана Боба. Большую часть времени мой рисунок был далек от истины. Но я продолжал работать над этим после каждого выступления.Со временем я смог значительно приблизиться к реалистичности, которую он мог передать.

Что случилось с капитаном Бобом?

Я был удивлен, обнаружив, что на YouTube не так много видеороликов этого шоу, кроме двух роликов, представленных ниже. Жаль, что владелец этого архива шоу не решил поделиться этим контентом с публикой.

«Природный мир капитана Боба» вдохновил меня не только научиться лучше рисовать, но и вдохновил меня интересоваться искусством на протяжении всех школьных лет, а затем пойти в художественную школу и изучать графический дизайн.

Детские воспоминания о рисовании с капитаном Бобом напомнили мне о простых радостях, которые я привык получать от рисования просто ради рисования. Однако с годами я понял, что на рисование у меня уходит очень мало времени. На самом деле, если не считать некоторых простых набросков, я просто рисовал совсем мало. Эти воспоминания вдохновили меня снова сделать рисование неотъемлемой частью моей жизни. Хотя я не могу рисовать каждый день, я действительно стараюсь рисовать, когда позволяет время. Когда я могу регулярно рисовать, я обнаруживаю, что это меняет правила игры.

Некоторые преимущества рисования

• Видеть повседневные вещи по-другому : Когда я решаю что-то рисовать, я склонен видеть то, что я рисую, иначе, чем если бы я снимал фотографию того же объекта. Я действительно нахожу время, чтобы рассмотреть каждую мельчайшую деталь. Затем я принимаю сознательное решение о том, как я собираюсь записать каждую из этих деталей ручкой на странице.
• Осведомленность о настоящем состоянии : Любой, кто знаком с практикой внимательности или медитации, знает, что пребывание в моменте — одно из основных преимуществ этой деятельности.Я обнаружил, что когда рисую, я успокаиваю свой разум. Напряжение дня уходит на второй план, и мой разум сосредотачивается на наблюдении за предметом, который находится передо мной в этот момент.
• Становление более расслабленным : Когда я рисую, я испытываю повышенное состояние расслабления, которое отличается от того, если бы я просто лежал на диване перед телевизором.

Сделайте рисование привычкой

Даже если вы не считаете себя художником, я рекомендую вам найти время для рисования.Просто начните с ручки и листа бумаги (посетите мою страницу ресурсов, чтобы узнать о моих инструментах для рисования). Найдите тихое место и выберите предмет, который вас не ошеломит, например стул или вазу с фруктами. Начните медленно и не бойтесь ошибаться. Главное — отложить суждение о строках, которые вы нанесете на бумагу. Не ждите совершенства. Просто запишите то, что вы видите, так, как вы это видите. Вначале вы испытаете некоторое разочарование. Это совершенно естественно. Но если вы будете постоянно повторять этот процесс, я уверен, что вы начнете получать те же преимущества и удовольствие, которые я испытывал от регулярного рисования.

Посетите некоторые из этих веб-сайтов, чтобы получить больше вдохновения:

Радость «плохого» искусства — убей своих любимых

Иногда хочется поистине виртуозного искусства. Искусство, сочетающее концептуальные идеи с техническим стилем и передающее вечные философские истины в остром, но непринужденном стиле. Картины, которые пробуждают тонкости психики и передают послания, вызывающие эмоции глубоко внутри человека. Произведения такой проницательности, такой инстинктивной человеческой привлекательности, что они бросаются в глаза и захватывают душу даже самого измученного зрителя.

В такие моменты желания я часто обращаюсь к произведениям искусства, которые считаю классикой. И когда я говорю «классика», я, конечно же, имею в виду популярные рисунки динозавров Tumblr Pterrible.

Я не всегда считал, что штриховые рисунки, раскрашенные в цифровой форме, достойны места рядом с Боттичелли и Пикассо; но цифровые произведения искусства, такие как Pterrible Dinosaur Drawings, намного больше, чем сумма их нацарапанных частей. С каких это пор эмоции выражаются так ясно, так проницательно, как через эти борющиеся с зеленоватым оттенком идеограммы? Когда праздничный динозавр (пинозавр?) Прославляет христианскую традицию в рамках современных потребительских параметров, они являются таким же «настроением», как индейка в фильме Роберта Брейтуэйта Мартино «Рождественская корзина » — проклятый снобизм масляных красок.

Художникам комиксов исторически приходилось вторгаться извне и бороться за то, чтобы галереи воспринимали их всерьез просто потому, что они прибыли позже. Более того, у комического искусства есть багаж: в частности, политические карикатуры всегда были противниками истеблишмента, вызывали споры и бросали вызов элитным классам и существующему положению вещей — рассмотрим, например, печально известный журнал Punch . Исключение такого искусства из истеблишмента когда-то было приоритетом для руководителей. Хотя комическое искусство больше не ассоциируется автоматически с противоречиями или безнравственностью, его восприятие остается под влиянием прошлых представлений.Мультяшные динозавры остаются любимыми в массах, но не в галереях.

Если ценность произведения искусства в какой-то степени связана с подорожанием из-за дефицита, цифровое искусство всегда рискует оказаться в невыгодном положении.

Проблемы, с которыми сталкивается цифровое искусство и легко воспроизводимые работы, такие как мультфильмы, также усугубляются технологиями 21 века. Например, может быть только один оригинал картины маслом, тогда как распечатку или цифровой файл мультфильма можно легко получить и распространить — на самом деле настолько легко, что такое искусство может восприниматься как менее редкое и, следовательно, менее ценное. чем более традиционные формы искусства.Действительно, многие современные начинающие художники делятся своими работами через Instagram, чтобы привлечь внимание и расширить аудиторию. Если ценность произведения искусства в какой-то степени связана с повышением цен из-за дефицита, цифровое искусство всегда рискует оказаться в невыгодном положении.

Таким образом, в этом смысле «успех» в цифровом искусстве — например, рисунки Элли Брош из «Полтора гиперболы », Дэвида Шригли и Алекса Норриса из веб-комикса «О нет» — контекстуализирован. благодаря популярности в Интернете, а не в художественных галереях.«Теоретически институты современного искусства охватывают все виды современного искусства, — пишут исследователи Берил Грэм и Сара Кук, — но на практике нет». Даже Брюс Петти, один из самых известных художников-карикатуристов Австралии, критиковал карикатуры как будучи, по большому счету, «ужасающей аббревиатурой… сильной по влиянию, случайной по точности и эстетике».

Этот вопрос эстетики, пожалуй, наиболее интересен.Если эстетика нравится аудитории, не означает ли это, что произведение искусства получилось? В самом деле, почему нельзя считать современное цифровое искусство классикой? А в мире искусства, наводненном всем, от масел до зубной пасты, от мадонн до велоцирапторов, что вообще можно назвать «хорошим искусством»?

*

Размышляя о том, как мы судим об искусстве, я часто вспоминаю еще один из моих любимых современных классиков — это произведение вневременной религиозной иконографии. Он покорил сердца и умы и принес радость миллионам людей.Естественно, я имею в виду неподражаемую испорченную фреску, иногда известную как Ecce Mono («Узрите обезьяну») в церкви Святилище Милосердия в Борхе, Испания.

Неприхотливое произведение искусства, Ecce Mono , было создано в результате добросовестной попытки восстановить церковную фреску Ecce Homo («Узрите человека», около 1930 года) испанского художника Элиаса Гарсиа Мартинеса. Однако фреска с изображением Христа Мартинеса была в буквальном смысле затмена серьезными реставрационными усилиями местной восьмидесятилетней Сесилии Хименес, которая, возможно, сейчас является одним из самых известных ныне живущих художников Испании.

Поразительным аспектом этой истории является тот факт, что Ecce Mono стал главной достопримечательностью. Борха с населением всего 5000 человек ежегодно привлекает до 30 000 туристов, что делает город беспрецедентным. С тех пор в городе открыт центр для посетителей, посвященный этой фреске, в комплекте с официальными фресками, начиная от чашек и заканчивая одеждой.

По иронии судьбы, Ecce Mono пользуется гораздо большей популярностью, чем его технически более сложный предшественник.Как и The Last Supper , он узнаваем с первого взгляда. Как и у Mona Lisa , его лицо украшает память и вдохновляет на создание мемов и других почтений.

Разве это не признаки успеха? Несмотря на то, что Ecce Mono высмеивают как технически ужасную картину, она эффективно работает на уровне, никогда не достигаемом многими классически «лучшими» произведениями искусства. Туристы совершают паломничество в Борху, а Ecce Mono вызывает эмоции у зрителей, рассказывает истории и заставляет задуматься.Несмотря на всю свою техническую изысканность, появление еще одной испорченной фрески вызывает неподдельное ликование. Более того, если бы мы ценили картины, основанные на технических навыках или реализме, прежде всего, Пикассо и Джексон Поллок получали бы гораздо меньше внимания, а реалистические портреты Ань До были бы более признаны во всем мире, чем средневековые картины кошек. Признательность аудитории, известность и туристические деньги не являются автоматически следствием технического качества.

По иронии судьбы, Ecce Mono пользуется гораздо большей популярностью, чем его технически более сложный предшественник.Как The Last Supper или Mona Lisa , он узнаваем с первого взгляда.

Во многом воспринимаемая ценность произведения искусства зависит от художника, разделяющего контекстуальное понимание со своей аудиторией, и эта субъективная форма приписывания ценности на протяжении веков влияла на то, какие произведения искусства канонизировались, сохранялись, продвигались и которые теперь считаются классикой. Итак, прежде чем традиционалисты пикетируют центр для посетителей Ecce Mono , нужно спросить: действительно ли искусство когда-либо оценивалось или оценивалось справедливо и логично? И возможно ли вообще объективное суждение об искусстве?

*

В вирусном арт-меме американский телеведущий г-н Роджерс предлагает мирное послание в мире, полном безудержной конкуренции и монетизации хобби.«Вы любите рисовать мелками?» — спрашивает он, прежде чем открыть пустую страницу. «Я не очень хорош в этом, — объясняет он, — но это не имеет значения».

Так называемое «плохое искусство» — это особый стиль. Его плохие качества обычно связаны не с его посланием (ненавистные или дискриминационные творения являются их собственным типом неискусства), а скорее с его стилем и технической сложностью или их отсутствием. Более формально плохое искусство можно понять через призму жанра «наивное искусство»: искусство, которое характеризуется своей технической простотой и часто неуклюжими, детскими качествами.

Плохое искусство переживает период расцвета, в значительной степени подпитываемого Интернетом. Произведения искусства, передающие социальные комментарии или эмоциональные истины, находящие отклик у аудитории, могут распространяться быстро и широко, охватывая гораздо больше людей, чем картина в галерее. Более того, стилистическая простота плохого искусства означает, что такие произведения часто ясны и по существу, а значит, широко доступны.

Неутешительный характер плохого искусства означает, что планка взаимодействия с ним кажется ниже, а это, в свою очередь, помогает ему созреть для грубой и комичной адаптации и пародии — форм уважения, которые могут помочь оригинальным произведениям искусства сохранить актуальность.

Более того, феномен, который делает пародии на плохое искусство особенно интересными, заключается в том, что некоторые сознательно играют с «плохим» статусом произведений искусства. В то время как большинство пародий являются простыми, грубыми имитациями оригиналов, пародии на плохое искусство, возможно, уникальны как поджанр для изменения структуры пародии: например, вместо того, чтобы рисовать Мона Лизу с помощью зубной пасты, пародии на плохое искусство могут включать создание картины маслом веб-комиксов или мемов. Это «хорошее искусство», созданное из «плохого искусства», которое, в свою очередь, создает, как вы уже догадались, еще больше «плохого искусства».

*

Некоторым цифровым искусствам и карикатурам удается преодолеть разрыв между онлайновым или неформальным искусством и «законным» искусством, поддерживаемым галереями. Дэвид Шригли, например, прокомментировал, как, окончив художественную школу в 1991 году, он получал средние оценки и ничего не продавал на своих дипломах. «Не было прецедента, чтобы люди продавали работы, не относящиеся к фигуративной живописи», — сказал он в интервью 2015 года изданию The Guardian . Однако со временем работы Шригли приобрели культовый характер и, в конечном итоге, получили широкое признание благодаря своей сатирической природе, непочтительности и относительности.Его чувство юмора также удобно сочетается с современным онлайн-юмором, а это означает, что его работа продолжает оставаться актуальной и находить поклонников. Его работы сейчас выставляются по всему миру.

Массовый успех Шригли также напоминает историю Кейта Харинга, чьи работы в стиле поп-арт и граффити появились в Нью-Йорке 1980-х годов. На ранних этапах своей карьеры Харинг рисовал граффити на рекламных щитах в метро со своими рисунками, большая часть которых отстаивала социальные цели, такие как безопасный секс и осведомленность о СПИДе.«Некоторые считали его поп-манипулятором коммерческих СМИ, — писал Rolling Stone, , — в то время как другие относились к нему очень серьезно». Негативная реакция на его работу произошла не в последнюю очередь из-за его непримиримой прогрессивной политики и его идентичности как гея. Отказ от его искусства по причине технического качества был одним из самых трусливых способов его уволить. Однако по мере того, как его политика становится более общепризнанной — подобно тому, как Шригли приобрел культ, прежде чем получил всеобщее признание, — Харинг в конечном итоге стал известен как новаторский поп-исполнитель и уличный художник.

Неутешительный характер плохого искусства означает, что планка взаимодействия с ним кажется ниже, а это, в свою очередь, помогает ему созреть для адаптации, пародии и уважения.

Огромный объем произведений искусства, производимых за небольшие деньги или бесплатно и распространяемых через Интернет, означает, что современные художники могут столкнуться с более серьезными проблемами, чем Шригли или Харинг, в поиске последователей культа или в том, чтобы их считали редкими или уникальными. Тем не менее, слияние интернет-культуры с наивным искусством также открывает беспрецедентные возможности для нетрадиционных авторов.

Наивное искусство, иногда называемое «искусством аутсайдеров», обычно создается людьми за пределами признанных заведений, у которых нет формального образования или подготовки, которыми обладают многие профессиональные художники. Однако тот факт, что создатели наивного искусства могут не обладать формальной квалификацией и классически отточенными навыками, не означает, что им не хватает сообщений и идей для передачи. Более того, нишевые интернет-субкультуры и сообщества могут стать идеальной отправной точкой для построения карьеры.

Я бы сказал, что отчасти наивное искусство — и плохое искусство — важно поэтому то, что оно обычно практикуется любителями или начинающими, которые могут оказаться в стороне из-за недостатка привилегий или возможностей, а не недостатка. таланта или проницательности.В некотором смысле Интернет помог художникам даже на игровом поле, предоставив им доступ к публике не через галерею, а через учреждение, в которое им, возможно, запретили из-за отсутствия формального обучения или связей. Плохое искусство часто привлекает, потому что тысячи слов, которые изображает изображение, — это слова, которые ранее не передавались. Близоруко игнорировать или отвергать наивное искусство из-под контроля.

*

Принимая во внимание скорость трансформации цифровой культуры и современных ссылок, критики могут возразить, что плохое, но популярное искусство — особенно то, что можно найти в Интернете — не выдержит испытания временем.Например, мемы можно создавать и распространять быстро, а это означает, что они рискуют получить мимолетную популярность и быстро забыться. Точно так же, из-за их зависимости от общих контекстов и онлайн-алгоритмов, работы, начиная от ужасных рисунков динозавров до изящных пародийных портретов сварливого кота, можно было считать слишком преходящими, слишком эфемерными, слишком застрявшими в своем моменте, чтобы выдержать испытание временем.

Я не согласен.

Во-первых, эти произведения уже очень любят, и быть любимым и лелеять, несомненно, является одним из величайших средств достижения потомства: а именно, через упорный труд и поклонение другим.

Во-вторых, Интернет всегда сужает, гомогенизирует и изрыгает культуру, а это значит, что то, что у нас есть сейчас, может быть с нами еще очень долго.

И, наконец, не говорите мне о том, что современное цифровое искусство застряло в своем моменте, когда вся область истории искусства тратит много времени на интерпретацию символов и значений, встроенных в старые картины, и объяснение их современным зрителям. Знаю ли я, что титульный горностай в романе Да Винчи «Дама с горностаем » может символизировать беременность из-за ассоциации ласки и беременности в культуре итальянского Возрождения, если бы я не жил со студентом-историком искусства? Нет, я не буду.Судить о том, находится ли объект на портрете во втором триместре, основываясь на том, держит ли она горностай в белом халате, — это гораздо больше «своего времени», чем очень интересное изображение динозавра, принимающего душ. Не ругайся со мной по этому поводу.

Точно так же, как беременная итальянка 15 века могла почувствовать искру признания, увидев горностай на картине, меня очаровывают, утешают, информируют и развлекают многие произведения цифрового и плохого искусства. Наслаждение искусством таким, какое оно есть, — без анализа его технического качества или положения по шкале высокого / низкого уровня — это способ жить настоящим и связываться с произведениями или искусством непосредственным и интимным образом.Относимость не обязательно подразумевает качество, но она предполагает, что плохое, но популярное искусство предлагает что-то на личном уровне, а именно дар чувствовать, что его видят и понимают. Не каждое произведение искусства может сделать это для каждого человека. Для многих молодых людей в 21 веке такие мультфильмы, как «Жуткие рисунки динозавров» и подобные им, являются нашими горностаями. И мне, например, нравится ценить своих горностаев за то, что они предлагают, и относиться к ним с уважением.

Плохое искусство — это не то же самое, что ужасное, проблемное, ненавистное искусство.Плохое искусство может быть очаровательным, проницательным, эмоциональным и заставлять задуматься. Его можно найти в Интернете, внутри линий, за пределами линий и на лике Христа на церковной стене в Борхе.

Это настоящее искусство; свое собственное определение классики — и мы в аудитории продолжаем наслаждаться и увековечивать его снова и снова.

Распространение радости с помощью рисунков мелом, росписи окон и декораций

Когда пандемия COVID-19 приостановила посещения и роды пациентов, Джуди Хиттл, волонтер хосписа штата Огайо в округе Майами, не смогла навестить свою мать в поместье Пиква.Итак, она решила начать писать мелом сообщения за окном своей матери. От весенних цветов до осенних тыкв и праздничных украшений Хиттл дарит сезонные радости своей матери и другим жителям.

Весной она рисовала цветы на каждом окне пациента. Затем, осенью, она помогала персоналу мыть окна и рисовала тыквы на окнах каждого пациента.

Она продолжала оставлять особые сообщения для своей матери. Осенью она установила пугало за окном своей матери.Совсем недавно она поместила Санта-Гринча в сани с полноразмерной рождественской елкой, которая зажигается ночью, чтобы ее мать и другие жители могли видеть за окном.

«Это что-то, чтобы украсить окно каждого жителя, когда он заперт», — сказал Хиттл. «Я чувствую, что размещение сезонных произведений искусства на их окнах дает им нечто красочное, на что можно смотреть и наслаждаться, одновременно принимая сезонные изменения».

Hittle может идентифицировать себя с семьями, которые не могут видеть своих близких из-за пандемии COVID-19.

«Лично последние восемь месяцев были очень трудными и разочаровывающими для семей близких, живущих в медицинских учреждениях. Отсутствие социализации и личных контактов действительно сказывается и становится очевидным, когда вы смотрите на них через окно », — сказал Хиттл. «Если я могу заставить кого-то улыбнуться, нарисовав у него на окне и махнув рукой« привет », то мое время будет стоить того, чтобы поделиться любовью с этими замечательными людьми».

Стремление Хиттл доставить радость своей матери и жителям поместья Пиква не осталось незамеченным.«Джуди продолжает доставлять столько улыбок нашим жильцам и персоналу своими картинами и рисунками, — сказала Пеппер Пегг, администратор Piqua Manor. «Мы ценим ее самоотверженность».

После выхода на пенсию из школ, освобожденных от налогов в Ковингтоне в 2008 году, Джуди Хиттл захотела сотрудничать с местной организацией, чтобы стать волонтером в свое время, и приехала в хоспис штата Огайо в округе Майами.

«Я с гордостью могу сказать, что работаю волонтером более 10 лет и все время являюсь фасилитатором цветочной программы« Лепестки солнечного света », — сказал Хиттл.«Я люблю создавать цветочные композиции для наших пациентов каждый месяц и доставлять их нашим пациентам. Удивительно, как простая ваза с цветами может вызвать улыбку даже в трудные времена. После пандемии COVID-19 месячная цветочная программа была ограничена всего несколькими месяцами в этом году. Вот откуда пришло вдохновение рисовать цветы на окнах … потому что нам не все равно «.

Хоспис штата Огайо в округе Майами благодарит таких добровольцев, как Хиттл. «Мы благодарны добровольцам, таким как Джуди, которые делают все возможное, чтобы поддержать миссию хосписа штата Огайо в округе Майами», — сказал Кэри Шорт, исполнительный директор хосписа штата Огайо в округе Майами.«Несмотря на пандемию COVID-19, Джуди радует пациентов».

Хоспис штата Огайо в округе Майами, филиал хосписа штата Огайо, обслуживает пациентов в округе Майами с 1983 года. Этот некоммерческий хоспис предназначен для улучшения качества жизни людей, страдающих заболеваниями, ограничивающими их жизнь. Его выдающийся уход получил признание престижной программы Hospice Honors от HEALTHCAREfirst и Deyta Analytics.

Хокни — Ван Гог: Радость природы (до 20 июня 2021 г.)

Дэвид Хокни, Woldgate Vista, 27 июля 2005 г. , холст, масло, David Hockney Inc.© Дэвид Хокни / фото: Ричард Шмидт

Винсент Ван Гог, Поле с ирисами близ Арля, 1888, холст, масло, Музей Ван Гога, Амстердам (Фонд Винсента Ван Гога).

Дэвид Хокни, Под деревьями, Больше, 2010–11, 20 холстов, масло, Дэвид Хокни, Inc. © Дэвид Хокни / фото: Ричард Шмидт

Винсент Ван Гог, Сосны на закате, декабрь 1889 г., холст, масло, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды.

Дэвид Хокни, Woldgate Woods , март – апрель 2006 г., 6 полотен, масло, David Hockney Inc. © Дэвид Хокни / фото: Ричард Шмидт

Винсент Ван Гог, Стволы деревьев в траве, , конец апреля 1890 года, холст, масло, Музей Креллер-Мюллер, Оттерло, Нидерланды.

Инсталляция, вид Хокни — Ван Гог: Радость природы

Инсталляция, вид Хокни — Ван Гог: Радость природы

Инсталляция, вид Хокни — Ван Гог: Радость природы

Инсталляция, вид Хокни — Ван Гог: Радость природы

Дэвид Хокни, Прибытие весны в Уолдгейте, Восточный Йоркшир в 2011 году , масло на 32 холстах, Центр Помпиду, Национальный музей современного искусства, Центр промышленного строительства, Париж, подарок Дэвида Хокни в 2017 году при поддержке Друзья Центра Помпиду.© Дэвид Хокни / фото: Ричард Шмидт

просмотреть слайд-шоу

«Обязательно принесет вам чистую весеннюю радость» — Архитектурный дайджест

«Как прогулка в нарисованный фантастический лес» — гипераллергический

Двух дальновидных художников, разделенных во времени и пространстве, объединяет общее восхищение природой.Посмотрите на работы Дэвида Хокни и Винсента Ван Гога бок о бок в Hockney — Van Gogh: The Joy of Nature .

На этой выставке исследуются точки соприкосновения между британским художником Хокни (род. 1937) и голландским художником Ван Гогом (1853–1890). Оба выразили свою глубокую любовь к природе через яркий цвет и способность видеть мир свежим взглядом. Радость природы раскрывает безошибочное влияние Ван Гога на Хокни в тщательно подобранных пейзажных картинах и рисунках.

Смело используя цвет и экспериментируя с перспективой, каждый художник создает живописный мир, который совершенно индивидуален и верен им самим, но при этом обладает огромной универсальной привлекательностью. Радость природы объединяет около 50 ярких работ Хокни — от интимных этюдов из альбомов до монументальных картин, а также его экспериментальные видео и рисунки на iPad — с 10 тщательно отобранных оригинальных картин и рисунков Ван Гога.

Хокни — Ван Гог: Радость природы состоялась в музее Ван Гога в Амстердаме, и презентация в Хьюстоне знаменует собой первый раз, когда два известных художника вместе участвуют в выставке американского музея.MFAH — единственная площадка в США.

► Получите преимущество
Перед посещением ознакомьтесь с аудиогидом и этикетками выставок в Интернете, чтобы избежать скопления людей в галереях.

► Покупайте на выставке
Просматривайте товары, связанные с выставкой, в магазине MFA в Интернете! В тщательно подобранном ассортименте представлены принты, аксессуары, пазлы, книги, зонтики и многое другое. КУПИТЬ СЕЙЧАС

► Каталог выставки
Иллюстрированный каталог выставки доступен в Магазине МИД (713.639.7360) и музейной библиотеки Хирша (713.639.7325).

► Gallery Concert
Молодые художники Da Camera чествуют работы Дэвида Хокни и Винсента Ван Гога. В этом галерейном перформансе представлена ​​музыка Брамса, Дебюсси и Стравинского.

► Обзор с куратором
Изучите ключевые работы и визуальные диалоги между Дэвидом Хокни и Винсентом Ван Гогом.

Хокни — Ван Гог: Радость природы | 21 февраля — 20 июня 2021 г.

► Билеты, обмен и возврат
• Билеты включают общий вход в музей.
• Предварительные билеты настоятельно рекомендуются из-за низкой пропускной способности во время пандемии. Тщательно выбирайте дату и время посещения, так как билеты не подлежат обмену. Чтобы позволить как можно большему количеству гостей и участников посетить выставку, билеты, которые были выданы, но не использовались, не будут заменены.

Эта выставка организована Музеем изящных искусств в Хьюстоне в партнерстве с Музеем Ван Гога в Амстердаме и в сотрудничестве с Дэвидом Хокни.

Эта выставка поддержана компенсацией Федерального совета по искусству и гуманитарным наукам.

Основная поддержка:

Щедрое финансирование предоставлено:
Фонд М.Д. Андерсона
Кэрол и Майк Линн
Энн Г. Траммелл

Эта программа поддерживается Генеральным консульством Нидерландов в Нью-Йорке в рамках программы «Голландская культура США».

Официальный партнер по продвижению:

свежих образов и семейных сцен в картинах Джой Лабинджо