в Детской школе искусств имени М. И. Глинки состоялся мастер-класс
Его провела Анастасия Мамошина – петербургский художник, иллюстратор, преподаватель. Под ее руководством больше 30 детей нарисовали новогодние открытки в технике городского скетчинга
Фото: Роман Пименов/ «Петербургский дневник»
Рисунки, которые ребята создали на мастер-классе, пойдут на специальный конкурс. Его победители увидят свои работы на новогодних открытках главной праздничной почты Петебурга.
Поздравительные открытки с творениями юных художников и приветом из Петербурга можно будет бесплатно отправить в любую точку страны с Дворцовой площади или онлайн через специальный сайт. Работу «Новогодней почты» в этом году организуют «Петербургский дневник», «Газпром» и «Почта России».
КОМПОЗИЦИЯ И ЦВЕТ
В качестве отправной точки для вдохновения детям предложили шесть тем: «Лахта Центр», «Газпром Арена» и новый Морской фасад Петербурга; Китайский дворец в Ораниенбауме; Екатерининский дворец в Царском Селе; Михайловский дворец – Русский музей; петербургские фонари и улицы исторического центра; линкор «Полтава».
«Я показала способ творческой переработки фотографии при помощи слома композиционной комбинации и цвета, а также различные графические приемы, чтобы каждый ребенок с легкостью смог выразить себя на бумаге. Для полета фантазии ребятам понадобились только акварельные краски и линеры – водостойкие ручки. Главная задача была не просто перерисовать городские достопримечательности, но и передать зимнее настроение Петербурга», – рассказала Анастасия Мамошина.
Проект с бесплатными новогодними открытками компания «Газпром» организует и проводит уже второй год.
«В прошлом сезоне я приняла участие в нем и стала одним из пяти художников, которые работали над созданием новогодних открыток, объединенных общей темой «Лахта в арт-фокусе». Мои работы с изображением «Лахта Центра» и Тучкова моста украсили поздравительные открытки», – добавила Анастасия Мамошина.
НОВЫЕ ПРИЕМЫ
Как отметила заместитель директора Детской школы искусств имени М. И.
Глинки по учебно-воспитательной работе художественного отделения Ирина Кисель, благодаря многофункциональному социальному проекту ПАО «Газпром» «Друзья Петербурга» и поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга на мастер-классе, который прошел в школе, дети узнали нестандартные приемы и техники в изобразительном искусстве.
«Это очень интересный и полезный мастер-класс с точки зрения новаторства, – оценила занятие Ирина Кисель. – В нашей школе преподают живопись в академическом направлении, а на этой встрече ребята открыли для себя новое, современное, молодежное направление, поэтому я жду интересных результатов мастер-класса».
Павлу Поспелову с детства больше всего нравилось рисовать, поэтому, поступив в школу искусств, мальчик сразу выбрал художественное направление. На мастер-классе Павел выбрал нарисовать Китайский дворец в Ораниенбауме.
«Мне было интересно работать над изображением дворца в первую очередь потому, что на переднем плане – дерево, а я очень люблю рисовать растения.
Правда, если выбирать между зданиями и памятниками, мне больше нравится второй вариант, потому что работа над постройками требует четкой прорисовки», – поделился Павел.
ТВОРЧЕСКИЕ ВСТРЕЧИ
Арина Белова сделала свои первые шаги в рисовании в совсем юном возрасте. А на мастер-классе она рисовала зимний пейзаж с «Лахта Центром».
«Мне понравился мастер-класс тем, что не нужно было копировать фотографию, требовалось привнести что-то свое. При выборе изображения мое внимание привлек футбольный мяч, который присутствовал на переднем плане пейзажа. Кроме того, там были нарисованы красивые петербургские фонари. Мне нравится сам «Лахта Центр» – красивое высокое стеклянное здание. Работать с пейзажем было не сложно, но очень интересно», – призналась Арина.
Мастер-класс Анастасии Мамошиной открыл серию творческих встреч, которые проводятся в рамках проекта «Друзья Петербурга». На этой неделе в художественных школах нашего города состоятся еще два занятия с приглашенными художниками.
Дети смогут познакомиться с современными техниками не только в акварельной живописи, но и рисуя акрилом и пастелью.
Фото: Роман Пименов/ «Петербургский дневник»
Институт «Медицинская академия имени С.И. Георгиевского». рисунки
Институт «Медицинская академия имени С.И. Георгиевского». рисунки
| ||||||||||||
|
||||||||||||
|
||||||||||||
1 Mb)
21 Mb)Custom Name Drawing — Etsy.de
Etsy больше не поддерживает старые версии вашего веб-браузера, чтобы обеспечить безопасность пользовательских данных. Пожалуйста, обновите до последней версии.
Воспользуйтесь всеми преимуществами нашего сайта, включив JavaScript.
Найдите что-нибудь памятное, присоединяйтесь к сообществу, делающему добро.
( 1000+ релевантных результатов, с рекламой Продавцы, желающие расширить свой бизнес и привлечь больше заинтересованных покупателей, могут использовать рекламную платформу Etsy для продвижения своих товаров. Вы увидите результаты объявлений, основанные на таких факторах, как релевантность и сумма, которую продавцы платят за клик. Узнать больше. )
Список 10 мастеров-рисовальщиков и чему они нас учат
Величайший рисовальщик в мире мог быть ученицей другого художника в стиле рококо во Франции или рисовальщиком эпохи Возрождения, ставшим невидимым из-за взгляда признанного мастера из более могущественного близлежащего города-государства или скромного преподавателя искусства, работающего в настоящее время в Миннесоте.
Выбор 10 лучших ящиков всех времен — салонная игра сомнительной ценности. Вместо этого мы решили подсчитать, сколько раз исторические личности упоминались или воспроизводились в первых 10 выпусках 9 выпусков.0138 Drawing журнал и продемонстрируйте их с яркими комментариями от вдумчивого работающего художника и представителя одного из самых уважаемых художественных учреждений в стране.
Каждый из 10 художников, представленных здесь, предлагает рисунки изысканной красоты; но, что более важно для наших целей, каждый из них предлагает идеи и уроки, которые может использовать любой рисовальщик. Мы исследуем, почему работа этих людей так вдохновляет.
Леонардо да Винчи
Голова молодой женщины Леонардо да Винчи , металлический наконечник, перо и коричневые чернила, кисть и коричневая заливка, выделенная белой гуашью, 11 x 7 1/2. Собрание Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Рисунок черным мелом в левом нижнем углу был нарисован другим художником.
«Он дразнит вас маленьким уголком глаза», — комментирует Рубинштейн. — Он мог бы дать тебе полный профиль, но не сделал этого. Леонардо изолировал некоторые части и ударил по ним, а другие части отпустил. Это не портрет конкретного человека; это идеализированная форма. Как сказал Кеннет Кларк, с классической точки зрения обнаженная натура не относится к конкретному человеку. Это не портрет, это дизайн». Леонардо да Винчи (1452–1519) был первой бесспорной суперзвездой искусства, и его гениальность бесспорна. Но Эфраим Рубенштейн, художник, преподающий в Лиге студентов-художников Нью-Йорка на Манхэттене, смешивает свое восхищение Леонардо с тем, что даже этот великий ренессанс не появился из вакуума.
«Леонардо так много получил от Андреа дель Верроккьо, которая была потрясающим учителем, — говорит Рубенштейн. «Все происходит из традиции; никто не приходит из ниоткуда. Леонардо научился основам сфумато от [своего учителя], среди прочего».
Родившийся внебрачным сыном юриста в тосканском городе Винчи, Италия, Леонардо был ученым, изобретателем, пионером в изучении анатомии и художником шедевров Тайная вечеря и Мона Лиза — прототип человека эпохи Возрождения.
Рубинштейн называет свои строки «сладкими, нежными и изящными. Он не делает ничего, что не имеет самых красивых изгибов». Но именно его альбомы для рисования делают Леонардо новатором.
«Он был одним из первых, кто заговорил о том, чтобы взять блокнот на улицу, — объясняет Рубенштейн. «Леонардо сказал, что вы должны иметь прямой контакт с жизнью и наблюдать за действиями мужчин». Ресурсы :
- Мастер рисования Леонардо да Винчи, Кармен К. Бамбах (Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Леонардо да Винчи: Полное собрание картин и рисунков Франка Золлнера и Йоханнеса Натана (Ташен, Кельн, Германия)
Микеланджело Буонаротти
Голова молодого человека (?) Микеланджело , ок. 1516 г., красный мел, 8 х 6 1/2. Собрание Ashmolean Museum, Оксфорд, Англия. «Этот рисунок предполагает влияние Леонардо, — говорит Рубенштейн.
«Это более тонально и деликатно, чем многие другие его рисунки». Его потолок Сикстинской капеллы — одно из самых знаменитых достижений в истории искусства, но те, кто интересуется рисунками, сосредоточатся на более чем 90 работах мелом и тушью, которые Микеланджело (1475–1564) создал в рамках подготовки к этому и другим заказам.
Некоторые художники проводят параллель между работами этого итальянского мастера и фантастическими мускулистыми формами из комиксов. Но если какой-либо начинающий рисовальщик за последние 50 лет с восхищением подходил к волнообразной человеческой анатомии в комиксах, то к работам Микеланджело он отнесся с благоговением.
«С его мастерством в живописи, скульптуре и архитектуре ни один художник — за возможным исключением Леонардо — не был более технически одаренным», — говорит Рода Эйтель-Портер, заведующая отделом рисунков в библиотеке Моргана в Нью-Йорке. .
«Его фигуры всегда напрягаются», — замечает Рубенштейн. «Они стремятся к чему-то, но связаны. Все мышцы напрягаются одновременно, что анатомически невозможно, но глубоко поэтично.
Микеланджело создал пейзаж человеческого тела».
Причина логична: Микеланджело был скульптором. Разделение между тактильным и визуальным нарушается; художник видит и рисует в трех измерениях. «Микеланджело [понимал], что конкретная мышца имеет яйцеобразный характер, и он [находил] мелом эту форму», — говорит Рубинштейн, указывая на то, что отметки на его рисунках все больше и больше затачиваются на более законченных участках формы в манера, которая параллельна линиям долота на незаконченной скульптуре. В одних местах художник расставил грубые штрихи, в других более тщательно определил перекрестную штриховку, а в наиболее законченных местах отшлифовал тон.
Работы Микеланджело отмечены двумя другими чертами: его почти полной преданностью обнаженному мужчине и вездесущей чувственностью в его искусстве. Даже женские фигуры в его работах были смоделированы по образцу мужчин, и даже его драпировка была чувственной.
«Он мог сказать все, что хотел, обнаженным мужчиной», — отмечает Рубинштейн. «Он не отвлекался ни на что другое — ни на пейзажи, ни на натюрморты, ни на женские обнаженные тела.
За исключением своей архитектуры, Микеланджело был монолитно сосредоточен на обнаженном мужчине, и даже в его зданиях можно было провести параллели с телом». Ресурсы :
- Рисунки Микеланджело: ближе к мастеру Хьюго Чепмена (издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)
- Уроки Микеланджело, Майкл Бербан (Watson-Guptill Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Альбрехт Дюрер
Рыцарь, смерть и дьявол Альбрехт Дюрер , 1513, гравюра, 9 3/4 x 7 3/8. «Технически это подвиг, которому еще не было равных», — утверждает Рубенштейн. «Возможно, это не самый важный аспект этой гравюры, но поскольку она технически совершенна, Дюрер переходит в другое царство от других граверов». Альбрехт Дюрер (1471–1528), возможно, величайший гравер в истории. Он опубликовал более 350 гравюр и гравюр на дереве и написал не менее 35 картин маслом, создав в процессе более 1000 предварительных рисунков и акварелей.
Дюрер создал ряд широко известных и знаковых гравюр, а нюрнбергский художник пользуется большим уважением и влиянием среди рисовальщиков. Его тонкое изображение форм — нелегкий подвиг с жестким, неумолимым гравировальным инструментом — является причиной, по которой так много рисовальщиков изучают и восхищаются его работами.
«Его рисунок исходит из чувствительности гравера», — комментирует Рубенштейн. «Он не может задать тон; он должен вылупиться. И никто не держит форму с безжалостностью Дюрера».
Он был виртуозным, но, возможно, не новаторским. «Я думаю, что он многое получил от итальянцев», — говорит Рубенштейн, имея в виду визит художника в Венецию, чтобы увидеть друга и изучить искусство и идеи Италии эпохи Возрождения. Но его талант заключался не только в исполнении техники. Дюрер упаковал много содержания в гравюры, такие как Рыцарь, Смерть и Дьявол — в том числе две фантасмагорические фигуры, которые завораживают, но не доминируют над остальной композицией, — но глаз легко улавливает основную идею, когда не лакомится великолепно прорисованными корнями и камушками.
Откройте для себя возможности рисования в нашей бесплатной электронной книге «Уроки рисования эскизов». Просто введите свой адрес электронной почты ниже, чтобы начать наслаждаться рисованием таких мастеров искусства!
[fw-capture-inline кампания=”RCLP-confirmation-pencil-sketch-drawing” спасибо=”Спасибо за загрузку!” интерес = «Искусство» предложение = «/wp-content/uploads/pdfs/PencilSketchDrawingGheno.pdf»]
«Вы реагируете на интенсивность и плотность изображения», — говорит Рубинштейн. «Дюрер [изображал] причудливые явления природы в мельчайших подробностях, и все же он [был] в состоянии сохранить ясность и силу большой композиции при всем этом происходящем. Он [знал], что даже среди корявых деревьев ему [пришлось] немного отступить, чтобы песочные часы [могли] выйти вперед. Он [контролировал] так много — он как жонглер, у которого в воздухе 30 мячей». Ресурсы :
- Полное собрание гравюр, офортов и игл Альбрехта Дюрера Альбрехта Дюрера (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
- Альбрехт Дюрер и его наследие: графические работы художника эпохи Возрождения Джулии Бартрум (издательство Принстонского университета, Принстон, Нью-Джерси)
Питер Пауль Рубенс
Молодая женщина, смотрящая вниз (этюд головы св.
Аполлонии) Питер Пауль Рубенс , 1628, черный и красный мел, усиленный белым, ретушь пером и коричневыми чернилами, 16 5/16 х 11 1/4. Собрание Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Красный мелок вызывает теплоту тела на лице субъекта, а черный мелок служит акцентами и изображает волосы. «Совместить эти два тона сложнее, чем вы думаете», — комментирует Рубинштейн. «Сравните это с женщиной Леонардо: это ангел; Рубенс — настоящая женщина. Ты можешь прикоснуться к ней». Художник поворачивал мелок или заострял его, чтобы получить четкую линию, варьируя ширину штрихов и делая точные блики. Согласно стереотипу, художники ведут бедный богемный образ жизни, но Питер Пауль Рубенс (1577–1640) свидетельствует о том, что некоторые художники добиваются огромного успеха. По общему мнению, Рубенс был уважаемым, богатым и счастливым художником, который также собирал антиквариат, создал большую семью и заключил один или два мирных договора, работая дипломатом высокого уровня.
Он был занятым человеком действия, и на бумаге никогда не рисовали легкомысленно — почти все его рисунки были предварительными набросками для более крупных заказов.
Еще больше поражаешься уверенным, красивым линиям рисунков Рубенса в свете осознания того, что он наверняка счел бы их рабочими документами, непригодными для выставки. Что делает его особенным, так это «его мастерство в технике рисования мелом», по словам Эйтель-Портер. «Ему понадобилось всего несколько штрихов, чтобы передать не только позу фигуры, но и ее эмоциональное состояние».
Действительно, бельгийский придворный живописец демонстрировал в своих рисунках невероятную легкость с оттенком напыщенности. Его рука была уверена. «Рубенс использовал естественно четкие, уверенные знаки и плавные жесты», — говорит Рубинштейн, который особенно восхищается рисунками художника, выполненными мелом трех цветов. «Красный мел прекрасен, но у него есть ограничение по диапазону — часто нужно использовать черный мел и белый мел, чтобы еще больше увеличить его на каждом конце диапазона значений», — объясняет Рубинштейн.
«Это похоже на разницу между аккордом и одной нотой — расширение досягаемости красного мела». Ресурсы :
- Питер Пауль Рубенс: рисунки Анн-Мари С. Логан (Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Питер Пауль Рубенс: гениальное прикосновение Михаила Пиотровского (Prestel Publishing, Мюнхен, Германия)
Рембрандт ван Рейн
Женщина, несущая ребенка по лестнице, Рембрандт , ок. 1636 г., перо и коричневые чернила с коричневой заливкой, 7 3/8 x 5 3/16. Коллекция библиотеки Моргана, Нью-Йорк, Нью-Йорк. «Простыми жестами, движениями и мимикой Рембрандт уловил достоинство повседневной жизни — здесь нежный момент между матерью и ребенком, — говорит Эйтель-Портер, — хотя его изображение совсем не обычное». «Он был наследником Леонардо в том, что всегда делал зарисовки с натуры», — говорит Рубинштейн о Рембрандте (1606–1669). «Его жесты были такими искренними и полными жизни».
Если Рубенс был художником власти и королевского двора, то Рембрандт был художником человечества.
Одаренный такой же способностью рисовать линии, голландский художник и рисовальщик умел рисовать очень быстро и уверенно добавлять простые штрихи, которые эффективно создавали темные и светлые узоры.
Неумолимая среда чернил не была помехой для Рембрандта в погоне за сиюминутным действием; задняя часть халата его жены убедительно сметается с лестницы в Женщина, несущая ребенка вниз по лестнице , например. Матери и дети представляли для художника особый интерес, возможно, отчасти потому, что он потерял троих детей в младенчестве; и смерть его жены прервала счастливый брак.
«Человечность его рисунков… вы не чувствуете ее так сильно в работах кого-либо еще», — замечает Рубинштейн. «Он [казалось] знал, что [чувствовала] мать, что [чувствовал] ребенок — что происходит в этой сцене. И у него [была] спонтанная, невероятная линия, которая могла показать структуру чего-то, и все же [имела] свой собственный каллиграфический смысл». Ресурсы :
- Путешествие Рембрандта: художник, рисовальщик, гравер, Клиффорд С.
Экли (издания MFA, Бостон, Массачусетс) - Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. I, автор Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. II, автор Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Экли (издания MFA, Бостон, Массачусетс)Шарль Лебрен
Этюд Муция Сцеволы перед Порсенной Шарля Лебрена , ок. 1642 г., красный мел на коричневой бумаге, 15 3/4 х 9 1/2. Собрание Schlossmuseum, Веймар, Германия. Шарль Лебрен (1619–1690), стоявший на ногах как в эпоху классицизма, так и в эпоху барокко, был художником, который рано добился успеха и обладал политическими навыками, чтобы оставаться доминирующей фигурой при французском дворе и в Академии до самой поздней жизни.
Лебрен был учеником Вуэ и другом Пуссена, и его композиции были построены на основных, простых массах, как в классицизме. И все же его фигуры могли ощетиниться энергией искусства барокко, как показано в змеевидной форме на S 9.0138 этюд для Муция Сцеволы Перед Порсенной .
Лебрен сделал больше, чем кто-либо, для установления однородного французского стиля искусства в течение трех десятилетий XVII века. Он добился этого как с помощью политики, так и с помощью живописи — Лебрен основал Французскую академию в Риме, и к 1660-м годам любой значительный заказ брался за него.
Два рисунка, представленные в этом разделе, хорошо иллюстрируют, как прагматически менялся стиль Лебрена со временем — с художественным и материальным успехом. «Одно изображение показывает простую концепцию всех форм, очень уравновешенных и позированных как Рафаэль; а на другом изображена фигура, которая так сильно борется», — восхищается Рубенштейн.
«Даже без указания трупа, который поднимает эта фигура, мы чувствуем, сколько усилий ему приходится прикладывать, чтобы удержать этого тяжеловеса». О уверенности Лебрена в обращении с инструментами для рисования ходили легенды; один миф утверждал, что этот сын скульптора начал рисовать в колыбели.
Ресурсы :
- Шарль Лебрен: первый художник короля Людовика XIV, Мишель Гаро (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Выражение страстей: происхождение и влияние конференции Шарля Лебрена по общему и частному выражению, Дженнифер Монтегю, (Издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)
Эдгар Дега
Эскиз «Танцовщица в трико» Эдгара Дега , ок. 1900 г., черный мелок, 23 5/8 x 18. Собрание Национального музея, Белград, Сербия. «Обратите внимание, как Дега сделал более темные линии и, таким образом, больше акцентировал внимание на стабилизирующей ноге и на нижней стороне другой ноги, несущей вес», — комментирует Рубенштейн. Переход рисовальщика от рисования четких, детализированных форм к более свободным, жестовым линиям является обычным явлением, но эти примеры показывают, что эта эволюция у Илера-Жермена-Эдгара Дега (1834–1917) была особенно естественной.
Красота пронизывает обе работы, даже если у типичного зрителя обе работы могут не ассоциироваться с одним художником.
«Он пытался определить фигуру на своих ранних рисунках, — объясняет Рубинштейн, — а на более поздних рисунках он отвязывал ее».
Музой Дега была балерина, а движения и движения танца требовали свободных жестовых зарисовок. Рубинштейн отмечает, что даже в быстрых набросках, таких как Этюд танцовщицы в трико, Дега демонстрирует свой композиционный талант — колени почти касаются краев бумаги, а отрицательные формы, образованные конечностями танцора, создают мощный рисунок. Красота спонтанной композиции выдает многолетний опыт, стоящий за этим исследованием. Ресурсы :
- Дега и танец, Джилл ДеВоньяр и Ричард Кендалл (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Эдгар Дега: жизнь и творчество, Дени Саттон (Rizzoli International Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Винсент Ван Гог
Дикая растительность Винсента Ван Гога , 1889, тростниковое перо, перо, кисть и тушь на тканой бумаге, 18 1/2 x 24 5/8. Собрание Музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды.
Это произведение, возможно, является предшественником абстрактного искусства или автоматического рисования.Помимо того, что Винсент Ван Гог (1853-1890) был типичным голодающим художником, он был повитухой в рождении абстрактного искусства, о чем свидетельствует его Дикая растительность . Как художник он известен своим ярким и смелым цветом, но риск, на который он пошел в композиции, возможно, в равной степени ответственен за его репутацию. Для ящиков Ван Гог также важен из-за его марки. «Ван Гог развил невероятный словарный запас с тростниковым пером, — говорит Рубенштейн. «Он [придумал] язык со всеми этими различными видами знаков: точками, тире, завитушками, длинными и короткими линиями. Но поскольку он [был] в таком контроле, это [имело] смысл. Он [создавал] ритмы. У природы нет таких знаков».
Березы Полларда. Винсент Ван Гог , 1884 г., перо, тушь и графит, усиленные непрозрачной акварелью на тканой бумаге, 15 1/2 x 21 3/8. Собрание Музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды.
Сравнение Березы Полларда с Дикая растительность показывает рост голландского художника от репрезентативного до почти полностью абстрактного. Переход в меньшей степени виден в портрете Зуав , в котором большая часть лица изображена с неким пуантилизмом, а отдельные черты, например нос, образованы классическими линиями. «Это очень личный язык, который он [придумал]», — комментирует Рубенштейн. «Но сами отметки [завораживают]».
Зуав Винсента Ван Гога , 1888 г., тростниковое перо и тушь поверх графита на тканой бумаге, 12 1/2 x 9 5/8. Собрание Соломона Р. Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк, Нью-Йорк. Смешивая классический способ описания формы в некоторых областях с типом пуантилизма, Ван Гог говорил на своем собственном языке с отметинами на этом портрете. Черты тростникового пера оказали влияние на стиль рисования голландского художника — этот тип пера содержал очень мало чернил и, следовательно, предпочитал короткие тупые штрихи.Ресурсы :
- Винсент Ван Гог: рисунки Колты Айвз (Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Ван Гог: мастер-рисовальщик, Сьерраар ван Хейгтен (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)Эгон Шиле
Истребитель Эгона Шиле , 1913 г., гуашь и графит, 19 1/4 x 12 5/8. Частная коллекция. Сравните это изображение с «Этюдом Муция Сцеволы перед Порсенной» Лебрена. В Le Brun субъект что-то несет. У Шиле нагрузка подразумевается — или внутри. «Это очень интроспективно, — говорит Рубенштейн. «Свернутое напряжение, голова повернута, чтобы смотреть прямо на вас, удлиненный торс. Он выглядит диким». Уроженец Австрии Эгон Шиле (1890–1918) был денди в богемной одежде, предполагаемым порнографом, решительным нарциссом и одним из самых провокационных и необычных рисовальщиков современности.
«По сравнению, скажем, с Рембрандтом, диапазон невелик, — говорит Рубенштейн. «Но вы всегда знаете, если что-то Шиле. Как это произошло? Об этом стоит подумать».
«Все его преувеличения глубокомысленны, — продолжает Рубинштейн. «Его искажения на деньгах — углубление бедра, выпуклость бедра, линия, которая явно связана с подколенными сухожилиями.
Искажения основаны на очень точных анатомических ориентирах. Вот что делает их такими тревожными. Это, а также тот факт, что скелет часто присутствует».
Шиле оклеветали за некоторые откровенные рисунки несовершеннолетних девушек, но игнорирование всего его эротического искусства может быть ошибкой. Рубенштейн указывает, что не каждый может успешно заниматься эротикой. Искусство Шиле бросает вызов не только своим предметом, но и положением его предметов, блуждающими линиями, которые вибрируют от напряжения, и буйными красками, которые он использовал.
«Посмотрите на красный цвет рядом с зеленым, проходящий через цифру 9.0138 Истребитель », — отмечает Рубинштейн. — Это говорит о чем-то невыразимом.
Эйтель-Портер соглашается: «Использование им неестественных цветов и его жестовое нанесение краски с видимыми мазками, чтобы подчеркнуть выражение, отличают Шиле». Ресурсы :
- Эгон Шиле: Полное собрание сочинений Джейн Каллир (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
- Эгон Шиле: рисунки и акварели Джейн Каллир (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
Кете Кольвиц
Домашний работник Кете Кольвиц , уголь на желтоватой бумаге, 22 7/8 x 17 5/8.
Коллекция неизвестна. Кете Кольвиц (1867–1945) видела много страданий и изображала их с редко встречающимся сочувствием. Ее муж был врачом для бедных в Берлине, что, вероятно, сыграло свою роль в ее симпатиях к социалистам.
Потеря сына в Первой мировой войне вызвала длительную депрессию. Она также потеряла внука во Второй мировой войне. В результате ее душераздирающие образы матерей, плачущих над умершими младенцами, вызывают резонанс.
«И она была таким замечательным рисовальщиком», — говорит Рубенштейн. «Коллвиц мог так много сделать с помощью простых форм. Здесь могут быть несколько тонких отметин, обозначающих волосы; а потом — бум, ты прикован прямо к этому глазу несколькими сильными линиями.
Кольвиц была в первую очередь художником-графиком, ограничивая свою работу в основном черно-белыми изображениями. «Ее смелый графический стиль отражает огромную человеческую боль и страдания обездоленных», — комментирует Эйтель-Портер. «Это основа ее предмета. Мир, который она изображает, окутан тенью; лишь изредка вводятся цветовые штрихи».