Рисовать что нибудь красивое: Вы умеете красиво рисовать карандашами? Или пока еще учитесь? Рисунки карандашом для срисовки помогут вам развить навыки рисован…

Как рисовать окружение — Gamedev на DTF

Пошагово рисуем пейзаж с домиком на примере курса «Основы создания окружения». Упражнения и советы из статьи можно использовать вне курса.

20 397 просмотров

Работа Натальи Кирпищиковой с курса.

Что такое окружение и зачем оно нужно?

Окружение — это все, что находится в поле зрения зрителя. Это может быть и интерьер залитой солнцем комнаты, и горный пейзаж, и даже рубка управления космическим кораблем. Задача художника по окружению — убедить зрителя в реальности придуманного мира. Поэтому такие специалисты особенно востребованы в киноиндустрии и геймдеве — там, где нужно визуализировать новые миры, которые еще находятся в головах сценаристов.

Для создания полноценных иллюстраций тоже нужно знать, как рисовать окружение. В противном случае каждая работа будет представлять собой персонажа или предмет в вакууме.

Иван Смирнов, Основатель Smirnov School

Востребованность специалистов по окружению подчеркивает и эксперт мирового уровня по игровому движку Unreal Engine 4, технический художник Том Шеннон.

Спрос на художников по окружению гораздо выше, чем на тех, кто рисует только персонажей, например. Эта сфера очень широка — будь то концепт-арт, рекламные постеры для проекта или даже иллюстрация фейкового скриншота из еще не вышедшей игры.

Том Шеннон

Поговорим о том, как нарисовать пейзаж и на каких моментах заострить внимание.

Блок 1. Планируем наполнение

На этом этапе мы формируем идею и выдаем ее на бумагу: придумываем, какие объекты изобразим, и как они будут выглядеть.

Подбираем элементы окружения и выбираем главное

Представьте, что вы решили нарисовать вид из окна. Вы изобразите дома, деревья, машины. Все это — элементы окружения, которые в цифровом рисовании называют пропсами. Само слово «props» переводится с английского как «реквизит». Чистый холст в таком случае выступает сценой, на которой художник расставляет декорации.

Зритель редко заостряет внимание на пропсах, однако именно они создают окружение. Автор работы: Gabe Gonzalez.

На сцене должен присутствовать главный герой, к которому будет прикован взгляд зрителя. Это необязательно должен быть живой персонаж: внимание может привлечь и домик на опушке леса, и огромное старое дерево, и даже груда камней. Такой композиционно значимый объект будет «лэндмарком» — достопримечательностью в окружении. Это частный случай пропса, который должен выделяться среди всех остальных.

На курсе студенты рисуют домик в лесу или в любом другом окружении. Почему именно домик? Дело в том, что архитектурный объект в среде — это наиболее частый сценарий для иллюстраций окружения. Когда студенты научатся изображать простую постройку, они смогут взяться и за более сложные задачи — рисовать, к примеру, дворцы, замки или целые города.

Иван Смирнов

Работа Инны Бурмаченко с курса.

Подход к дизайну пропсов

Разобравшись, какими объектами мы собираемся заполнить окружение, нужно поразмыслить над их внешним видом. В концепт-арте художники обычно начинают работу с силуэта, который является базовым и самым важным элементом дизайна.

На первый взгляд нет ничего сложного в том, чтобы придумать силуэт для домика. Но проблема может возникнуть на следующем этапе, во время отрисовки: будет непросто нарисовать объект внутри выбранного силуэта, если изначально не подумать о том, зачем добавляются те или иные элементы.

Поэтому перед работой над дизайном пропсов нужно тщательно изучить структуру объекта, который мы хотим изобразить, и формы, из которых он состоит. В этом деле помогут референсы и статья о скетчинге, где мы рассказывали о работе с примитивами, а также материал по «анатомии» дома.

Упражнение 1. Делаем эскизы из простых форм

Чтобы лучше понимать принципы работы с примитивами, студенты рисуют несколько вариантов домика. Их собирают из простых форм, словно конструктор, комбинируя кубы, цилиндры, сферы и т.д. Сначала рисуют один элемент, а потом постепенно добавляют к нему остальные (см. пример ниже). При этом важно сочетать формы так, чтобы они не были одинаковыми по размеру и весу. В гармоничном дизайне должны прослеживаться большие, средние и малые формы.

Автор: Эдуард Степусь.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Неудачное сочетание форм

Как уже говорили выше, студенты собирают домик, словно конструктор из простых геометрических фигур. В процессе они порой забывают, что объект должен содержать разные по размеру формы — в итоге получается, что формы имеют одинаковый вес и спорят между собой.

Решение

Тщательно анализируйте референсы. Разбейте изображенные на них объекты на составные части разной формы и размера. Не приступайте сразу к прорисовке кирпичиков и окошек. Идите от общего к частному: сперва силуэт, а затем — детали.

Ольга Морозова

, ментор курса «Основы создания окружения»

Риск 2. Выбран неинформативный ракурс

Строго фронтальное изображение объекта — ошибка, из-за которой зритель плохо чувствует форму и объем. Он не может представить нарисованное в трехмерном виде, поскольку для этого нужно видеть не только переднюю стену домика, но и боковую.

Решение

При работе над дизайном объектов используйте информативные ракурсы. Лучше всего изобразить пропсы в ¾ . Так будет проще передать их объем и пропорции.

Сочетание прямоугольных и округлых форм в правильно подобранном ракурсе улучшают читаемость и восприятие домика.

Блок 2. Выстраиваем композицию

На первом этапе разработки окружения мы придумали, чем наполнить сцену и выбрали конечный дизайн домика. Самое время расставить все по местам.

Нужно задуматься, для чего мы вводим те или иные элементы в работу. Каждый из них должен направлять взгляд зрителя в нужную нам сторону. В противном случае есть риск, что часть элементов ухудшит работу просто из-за того, что мы не знаем, как ими пользоваться.

Иван Смирнов

Как удачно расположить элементы на картине

Композиция в рисовании — это способ расположения и соотношения всего, что изображено на холсте. Она нужна для гармоничного сочетания элементов окружения и контроля за вниманием зрителя. Работа с хорошей композицией выглядит целостной и понятной.

Существует много вариантов построения композиции. В качестве примера разберем один из самых популярных и поговорим о нюансах в расположении объектов.

Правило третей

Для создания композиции по этой схеме нужно разделить холст на 9 равных частей с помощью перпендикулярных линий, чтобы получилось подобие сетки. Точки пересечения этих линий — наиболее удачное место для расположения лэндмарков.

Самые значимые объекты — всадник и камень на распутье — изображены на стыке третей. Автор: Виктор Васнецов.

Нюансы — определяем положение горизонта

От того, как мы расположим условную линию, разделяющую небо и землю, зависит восприятие картины. Линия горизонта определяет точку, с которой зритель смотрит на изображенный сюжет и является основой для построения всей перспективы.

Посмотрите на пример ниже. Низкий горизонт на картине слева создает ощущение огромного воздушного пространства над землей. Небо перетягивает на себя основное внимание зрителя. Персонаж на картине справа кажется высоким и величественным не только из-за того, что он едет на лошади, но и потому, что точка зрения зрителя гораздо ниже уровня глаз всадника. Он останется выше, даже если спешится.

Слева — автор Jacob van Ruisdael. Справа — Peter Paul Rubens.

Еще один пример. Высокая линия горизонта слева перетягивает внимание зрителя с неба на землю и позволяет увидеть сцену с высоты птичьего полета. На картине справа горизонт находится на уровне глаз зрителя, что позволяет нам почувствовать себя участниками действия.

Слева — автор Pieter Bruegel, справа — Oscar-Claude Monet.

Нюансы — расположение масс

От того, как вы обойдетесь с пропсами разной массы в работе, будет зависеть гармоничность композиции. Вариантов уравновешивания масс много: например, крупный и проработанный лэндмарк можно сбалансировать меньшим объектом по другую сторону от центра холста. Подробнее о вариантах расположения масс можно прочесть в статье «15 типов композиции для художников».

Ствол дерева на переднем плане — лэндмарк. Он уравновешен группой высоких деревьев на заднем плане. Автор: Samuel Earp.

Упражнение 1. Анализируем референсы и строим композицию

На этом этапе начинающим художникам будет полезно проанализировать работы более опытных коллег. Это помогает понять, как мастера решают вопросы композиции, где располагают лэндмарк и как подводят к нему взгляд зрителя. Чтобы анализ вышел более понятным и ощутимым, можно сделать простые композиционные стадики. Главное — делать это вдумчиво и подмечать нюансы композиции, а не просто срисовывать.

Затем можно приступить к простраиванию своей композиции с опорой на референсы. Лучше сделать несколько разных вариантов.

Автор: Ульяна Гусейнова.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Не соблюдается принцип равновесия

Бывает, что большая часть пропсов располагается в одной части листа, а вторая при этом остается пустой. Это портит композицию, поскольку в ней нет баланса. Объекты на перегруженной части будут плохо считываться, что утомит взгляд зрителя. А в пустой зоне отдыха ему будет не за что зацепиться.

Решение

Постарайтесь равномерно распределять визуальные массы на холсте. Объекты можно располагать группами — нарисовать рядом с домом дерево и ведущий к нему забор, стайку птиц на фоне облаков и т.д.

Важно также помнить, что чем выше детализация, тем больше внимания привлечет объект. Например, домик должен быть прорисован в деталях, а вот кусты вокруг него — нет. Это нужно, чтобы не перетянуть фокус внимания с главного объекта на второстепенные.

Ольга Морозова

Риск 2. Выбран неудачный формат кадра

Иногда форма лэндмарка не подходит под выбранную ориентацию кадра. Попытка вписать высокую башню в горизонтальный кадр или зажать длинное строение в тесные рамки вертикального — рискованная.

Решение

Нужно опираться на уже заданное движение форм лэндмарка. Горизонтальная ориентация холста поддержит движение приземистого домика, усилит ощущение его формы. Важно рассматривать кадрирование как часть композиции, а не что-то второстепенное.

Для высокого строения ментор советует выбрать вертикальную ориентацию кадра. Автор: Степанов А.

Блок 3. Добавляем цвет и освещение

На предыдущем этапе мы определились с композицией и расставили все объекты на холсте. У нас готов монохромный рисунок или очищенный от всего лишнего лайн. Теперь пришло время придать ему цвет, объем и плановость.

Композиция цвета и освещения

Задача каждого аспекта композиции — управлять вниманием зрителя. Мы приступаем к этому с самого начала, когда ищем формы для лэндмарков и пропсов. Потом мы используем направляющие и силуэты, соотношение визуальных масс и ориентацию кадра. Цвет и свет — мощный инструмент, способный усилить эффект от всего вышеперечисленного.

Иван Смирнов

При работе с цветами важно помнить о том, чтобы они не спорили между собой. Для этого они должны отличаться по тону, яркости и насыщенности. Разной должна быть и площадь цветовых пятен, чтобы рисунок не превратился в однородную массу. В хорошей работе легко читаются база, нюанс и акцент (БНА).

Что это такое?

1. База — цвет, который занимает на холсте наибольшую площадь. Остальные цвета художники подбирают по отношению к нему.

2. Нюанс — дополнительный к базе цвет, обычно — сосед на цветовом круге.

3. Акцент — цвет, наиболее контрастный к базе. Он самый заметный, хоть и имеет наименьшую площадь.

Посмотрим работу БНА на примере:

Желтый кристалл сразу же притягивают взгляд, потому что его цвет является акцентом. Желтый занимает меньший вес, чем холодный зеленый, и контрастирует с окружением благодаря тону и температуре цвета . Автор: Reza Afshar.

Цвет и свет неразрывно связаны между собой. От уровня освещенности зависит тон и насыщенность цветов, а значит и то, насколько они будут заметны. Когда мы добавляем свет на некую поверхность, мы сигнализируем зрителю «смотри сюда», а когда затеняем — наоборот.

При работе с освещением нужно соблюдать баланс. Детализация и четкость форм теряется как при недостатке, так и при избытке света. Автор: Jordan Grimmer.

Важно отметить, что глаз ищет не столько самый светлый участок, сколько самый контрастный. Поэтому черное пятно на светлом фоне привлечет не меньше внимания, чем светлое на темном.

В рамках курса мы рассматриваем наиболее простую схему освещения, когда свет мягко концентрируется на домике, будто в ясный солнечный день. Так студенты могут свободно работать с чистыми цветами и прорисовать детали, которые не потеряются в мягких, не сильно контрастных тенях.

Иван Смирнов

Как придать работе глубину с помощью планов

Не стоит забывать про разбивку работы на планы — ближний, средний и дальний. Без них рисунок будет казаться плоским; у зрителя не появится ощущение трехмерного пространства.

Как работает плановость? В большинстве случаев достаточно соблюдать переход от темного ближнего плана к светлому дальнему. По мере удаления от зрителя тон становится светлее, а объекты теряют детализацию из-за того, что молекулы воды и пыли в воздухе становятся плотнее и мешают обзору. Это называется воздушной перспективой.

Для передачи глубины и чувства пространства используют не только тон, но и температуру цвета. Для ближних к зрителю объектов обычно выбирают теплые оттенки, а для дальних — холодные. Подробнее об этом и об исключениях из правила можно прочитать в нашей статье. Автор работы: Влад Варламов.

Упражнение 1. Подбираем цветовую палитру

Изучив теорию, переходим к практике и выбору цвета. На этом этапе нужно сделать несколько вариантов цветовых композиций и освещения. Не забывайте подбирать референсы и к цветовым схемам: желательно использовать сразу несколько референсов для каждой композиции.

Нужно сделать несколько вариантов композиций с цветом и освещением, чтобы затем выбрать подходящий вариант. Автор Катя Флер.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Используется «грязный» цвет

Блеклые цвета с примесью серого нередко портят работы начинающих художников. Цвет становится грязным при смешении исходных цветов с неподходящими параметрами насыщенности и яркости. В таком случае краски выглядят сероватыми и блеклыми.

Решение

Не нужно бояться напортачить в учебной работе, особенно если вы работаете в цифре. На первых этапах можно брать цвета пипеткой напрямую с референсов и смотреть на их положение в цветовом пространстве. Но если вы хотите расти дальше как художник, то нужно обязательно изучить теорию цвета, чтобы понять, как он ведет себя в различных условиях.

Ольга Морозова

Можете прочесть статью о том, как справиться с проблемой грязных цветов.

Риск 2. Несоблюдение принципа теплохолодности

Студенты порой подбирают палитру, где присутствуют только теплые или только холодные цвета. Такая работа может выглядеть скучно.

Решение

В стандартных условиях мы всегда видим цвета разной температуры в своем окружении. Это соответствует базовому правилу живописи, согласно которому теплый свет дает холодные тени и наоборот. Оно работает в большинстве случаев за редким исключением.

В работе сочетаются освещенные солнцем теплые участки и холодные тени. Автор: Jordan Grimmer.

Блок 4. Добавляем завершающие штрихи

На данном этапе наша работа уже должна иметь приемлемый вид — все расставлено по правилам композиции, в рисунке есть плановость, точка фокуса, цвет и освещение. Пришло время финализировать рисунок.

Детали

Первый шаг на этом этапе — детализация. Не стоит тут же бросаться прорисовывать каждый листик на деревьях. Лучше отдалить работу, посмотреть на нее свежим взглядом или даже попросить посмотреть кого-нибудь из знакомых. Обратите внимание на участки, к которым вы хотите привлечь внимание зрителя — здесь и нужно заняться детализацией.

Всегда стоит помнить, для чего мы делаем рисунок. От этого зависит требуемый уровень детализации. Если вы создаете концепт, то для него может быть достаточно лайна, цвета и освещения. А для детальной иллюстрации пригодятся навыки рендера материалов.

Иван Смирнов

Домик — самый прорисованный элемент на картине. Автор: Кулакова Виктория.

Постобработка

Доводим картинку до коммерческого вида с помощью постобработки. Например, если работе не хватает контраста, можно сделать копию рисунка на новом слое, поставить ей режим наложения Soft Light или Overlay, а затем отрегулировать прозрачность.

Для того, чтобы проверить, все ли в порядке с насыщенностью, поверх картинки можно наложить новый слой с серой заливкой. Затем нужно выбрать режим наложения Luminosity. На слое с заливкой яркие участки должны быть там, где это выгодно композиционно — например, в месте, к которому мы хотим привлечь внимание зрителя.

Здесь самые насыщенные элементы находятся на домике, к которому и нужно привлекать внимание. Автор — Anastassia Patritšnaja.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Закапывание в детали

Порой студенты слишком увлекаются рисованием деталей. Из-за этой ошибки работа становится перегруженной, теряется центр фокуса.

Решение

Почаще отдаляйте работу. Помните, что детальной проработки требуют только фокусные точки и точки интереса, все остальное пространство нет смысла досконально прорисовывать. Важно целостное ощущение от работы.

Ольга Морозова

Вблизи видно, что работа выполнена грубыми мазками, однако на расстоянии на это не обращаешь особого внимания. Автор: Craig Mullins.

Риск 2. Некорректная разбивка на планы

При добавлении цвета и освещения может измениться тон элементов на картине. Из-за этого работа потеряет глубину и станет выглядеть плоской, станет сложно определить, что находится ближе, а что — дальше.

Решение

Почаще переводите свою работу в ч/б, чтобы проверить, не спорят ли объекты по тону, не размылись ли планы. Помните, что объект, который находится ближе к зрителю, будет темнее и теплее по цвету при дневном освещении. По мере удаления он будет светлеть и приобретать холодный оттенок в соответствии с правилами воздушной перспективы.

Елена Ушанова

, ментор курса «Основы создания окружения»

Блок 5. Превращаем дневное окружение в ночное

После того, как вы нарисовали дневной пейзаж, можете попробовать превратить его в ночной. Здесь действуют уже другие правила, о которых мы расскажем ниже. На курсе этот блок является бонусным для всех, кто дошел до конца обучения.

Меняем цветовую гамму

Описанный здесь пайплайн позволяет легко превратить дневное окружение в ночное. Изменения происходят на этапе работы с цветом и освещением. Цветовая гамма становится более ограниченной, поскольку человеческий глаз при недостатке света плохо различает цвета. Сторонние источники освещения при этом начинают активнее влиять на окружающие объекты и доминировать над собственными цветами предметов.

Свет из окна — сторонний источник освещения, который окрашивает дорогу в оттенки оранжевого и красного. Автор: Victor Hugo Harmatiuk.

Иначе работает и плановость — объекты будут темнеть по мере удаления, а не светлеть, как это бывает при дневном свете. Глазам попросту не хватает света, чтобы увидеть то, что находится на расстоянии.

Изображая ночь, художники обычно рисуют так называемый «синий» час. Это время, когда солнце только скрылось за горизонтом или еще собирается взойти. В такие моменты небосвод остается достаточно ярким, чтобы можно было различить детали объектов окружения. В то же время зритель понимает, что изображена ночь или поздний вечер.

Иван Смирнов

Вот пример синего часа в рисунке:

Автор: Денис Истомин.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Недобор в цвете

Если слишком сильно ограничить палитру цветов, работа становится почти монохромной.

Решение

Изучайте референсы и не бойтесь работать с цветом! Конечно, ночью все кошки серые, но один из крутейших навыков художника — показать, что кошка серая, с помощью фиолетового цвета!

Ольга Морозова

Благодаря множеству оттенков ночной пейзаж выглядит не менее интересно. Автор: Самойленко Ольга.

Как закрепить результат?

За курс каждый студент рисует одну детализированную работу. Конечно, этого недостаточно, чтобы сразу стать профи. Курс дает рабочий пайплайн, однако без регулярной практики не будет профессионального роста.

Студентам мы предлагаем закрепить знания челленджем #envifive4ivan . Его суть в том, чтобы нарисовать 5 работ по пайплайну курса. Темы для челленджа можно поискать на pinterest или, например, нарисовать пять домиков разных персонажей: домик ведьмы, домик алхимика, домик кузнеца и так далее.

Что нужно, чтобы записаться на курс?

1. Необходимо владеть навыками, преподаваемыми на курсах «Основы CG рисунка», «Скетчинг и формы», «Рендер материалов». Новичкам будет сложно создать иллюстрацию окружения без базовых навыков.

2. Графический планшет или iPad с Apple Pencil.

3. От 7 до 14 свободных часов в неделю.

4. Желание и готовность рисовать!

Дополнительные материалы

Текст написал Богдан Дудниченко, автор в Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.

«Я не умею рисовать». Мой опыт обучения во взрослом возрасте.

Лет до 29 я вообще не рисовал. Я был абсолютно уверен, что я не умею рисовать.
Здесь надо сразу сделать пометку: убеждение «я не умею рисовать» — всегда ложное. Может быть «я не могу рисовать как художники, работы которых висят в музеях» — верное. Но «я не умею рисовать» точно ложное. Оно справедливо только для людей с тяжёлыми физическими или нервными повреждениями, кто действительно не может удержать карандаш в руках. И то, есть пример, когда человек без рук замечательно рисовал, держа кисть во рту.
Если Вы можете держать карандаш, значит можете оставить им на поверхности след. И это уже начало рисунка. Может не быть умения красиво (кстати, а что такое «красиво»? Вы русский радикальный авангард видели??) рисовать, техники рисунка, чего-то, что называют талантом (это упорство и тяжёлый труд, как правило). Но рисовать Вы умеете.
Не так как хотелось бы? Тогда нужно учиться. Это как раз не сложно.

Итак, убеждение «Я не умею рисовать» — всегда ложно.
Думаю, Вы убедитесь в этом, дочитав до конца эту статью.
(под катом МНОГО картинок)

До 2005 года история рисования в моей жизни сводится к подобным шедеврам.

Это совместно с братом, года в 4, наше видение карты мира. Для 4-х лет, думаю, вполне прилично.
Последующие шедевры не сохранились.
Но школу я помню. Школа только поспособствовала тому, что я никогда больше не пытался рисовать.
В школе вместо обучения было что-то другое (но это точно не обучение рисованию). Скорее моральное уничтожение любых ростков творчества. Эдакая рабоче-крестьянская школа №899, где готовили «советских исполнителей». Почему я не жалею, что меня оттуда выгнали после 9-ого класса?? :))

В общем, я не рисовал. И не пытался. Зачем пытаться, когда «знаешь», что «я не умею рисовать!»?

Году в 2005, работая на государственной службе и деля кабинет с одним рисующим человеком, я поймал себя на мысли, что если не начну делать хоть что-то творческое, то правая половина мозга, которая за это отвечает, просто усохнет. И постепенно, по-тихоньку я начал делать попытки. Получалось плохонько, но выручала фотография — тоже визуальная деятельность и вполне себе творческая. Больше внимания уделял фотографированию.

2007 год.
Всё случилось внезапно. Мне захотелось копию работы Копейкина «Короткое замыкание». Кто-то из знакомых порекомендовал мне художницу, которая и выполнила заказ. В ответ на мои вопросы, она спросила, не хочу ли я, чтобы она меня научила рисовать? Конечно хочу!
За несколько занятий она объяснила мне общие принципы, рассказала про перспективу, композицию и смешивание красок.

Первая картина.
В качестве модели выбран плюшевый заяц, который и оказался увековечен в масле.

Рядом сидела художница Маша и объясняла мне, что и как делать.

Через несколько дней пришло время освоить мастихин. Тут объекты я выбирал уже я.
«Треугольная бутылка виски и сушённый гранат.»

Эту нарисовал уже сам.

В это же примерно время с друзьями практически случайно оказались на курсе «Правополушарное рисование». Тренинг шёл 5 дней (два блока по: вечер пятницы, сб и вс по 8 часов).

Вот рисунок моей руки (в полную силу, я старался), выполненный перед первой частью тренинга:

Вот мой же рисунок через 2 часа. И я могу утверждать, что это не просто рука, а именно моя рука.

Вот ещё два, выполненных во время остальных дней тренинга:

В конце тренинга учат рисовать автопортрет (себя в зеркале).
Вот мой автопортрет на входе в модуль тренинга:

Вот через пару дней на выходе из тренинга:

Забавно, но некоторым знакомым художникам больше понравился первый автопортрет. :))

Как можно перейти от криво нарисованной руки к автопортрету (по которому можно опознать)? На тренинге дают упражнения, способствующие «отключению» ряда процессов в мозгу: внутреннего диалога, оценки, вербализации объекта и т.д. Состояние очень похоже на гипнотический транс или то, как описывают медитацию. Начинаешь видеть чистые формы, цвет, оттенки. Ваза становится не вазой, а формой, тенями, цветом, светом, падающим на поверхность, но уже не вазой. Когда не оцениваешь объект, перестаёшь домысливать, одновременно, перестаёшь оценивать свои действия — просто рисуешь.

Далее следует перерыв, во время которого рисовал, но не много.

2010 год.
«Скопировал» мастихином «Крик» Мунка. На фотографии (сделана при боковом дневном свете) видна фактура мазков. Изначально хотелось добавить экспрессии. Резкие мазки оказались единственным доступным мне способом.

И нарисовал ЭТО:

В двух версиях висит у меня на кухне.

Где-то в это же время, на курсе НЛП-Мастер сокурсник попросил показать навык рисования.
Прошло почти 2 года, но за несколько часов изобразил (по фотографии).
Портрет Фёдора Яровенко. Он похож и узнаваем.

Это важный момент: если навык и «затирается» со временем, то не сильно. Его можно восстановить самостоятельно, практикуясь.

В 2012 году захотелось возобновить обучение. Сделал несколько заходов, но не сказать, что они оказались удачные.

Мини-курс рисунка.

С одной стороны, первый опыт рисования стекла и металла, с другой, как-то уныло.

К концу 2012 года решил воплотить давнюю мечту и пойти на курс аэрографии.
Оказалось, что рисование может быть достаточно утомительным, если рисовать целый месяц, по 8 часов в день, да ещё и в респираторе и защитных очках (краска разводится растворителем).
За месяц я был морально выжат. 🙂 Временами я думал, что у меня съедет крыша (от психологической перегрузки рисованием или растворителя в воздухе — вопрос). Но курс я прошёл.

первая проба аэро-пера. жутковато, но тем, кто не пробовал учиться рисовать, нравится. 🙂

это уже лучше:

хомячка «мучил» дней 5. Светлую мелкую шерсть рисовать аэрографом оказалось сложновато. Скоро выяснилось, что я прослушал ту часть задания, в которой сказали, что если животные, выбранные для изображения, будут с короткой и/или светлой шерстью, то это усложнит жизнь рисующему. Так что все выбрали волков и львов, а я хомячка.
Кто-то из сокурсников заметил, что «Джоконда» нарисована меньшей палитрой, чем я намешал для изображения хомяка. :))

Это упражнение на многослойные трафареты:

«Выпускная» работа. ширина почти метр. кадр из фильма «Автостопом по галактике».

Для меня, впервые взявшего в руки аэрограф, не учившегося рисовать (долго и системно) — это очень приличный результат. Но не идёт ни в какое сравнение с тем уровнем, которого достигли при обучении аэрографии те, кто уже хорошо рисовал до этого.

И тут надо обозначить тему, которая является одной из ключевых в освоении рисования:
— не надо сравинивать свои работы с чужими. Это просто процесс обучения. У каждого свой стартовый уровень, у каждого свой взгляд, свои навыки, своя нервная система. Результат и качество всегда будут разными. Но смотреть на чужие работы — надо. И наблюдать, как другой человек достигает такого результата — надо. И расспрашивать других тоже надо.

Это ведь не только про рисование, правда?

Результат в освоении аэрографии достигнут жутковатым упорством и жаждой результата. Одновременно, обозначилась вторая важная тема: рисование — это не та деятельность, на мой взгляд, в которой получают результат «прямой кавалерийской атакой». Системное обучение на протяжении года по два часа три раза в неделю эффективнее, чем 8 часов в день 30 дней подряд. А по 30 минут каждый день — ещё эффективнее. Мозгу надо привыкнуть к незнакомой (лично для меня) деятельности, которая не очень рациональна, создать новые модели обработки и анализа информации — это требует времени. Тона, полутона, линии, смешение оттенков — это не так рационально, как хотелось бы. 🙂

«Отойдя» от аэрографии, решил освоить академический рисунок.
Сказалась перегрузка аэрографией, шло тяжело, выносил мозг преподавателю вопросами, к которым в художественной среде, видимо, не привыкли — попытка рационализировать и алгоритмизировать весь процесс (В НЛП это называется моделированием). Замечу, что преподаватель Сергей Долгин держался крепко и объяснял, объяснял, объяснял.
Было как-то так:

Результат в академическом рисунке достигается попо-часами — упорством и усердием. Для меня это точно так. В упорстве и усердии показал себя не на высоте.
Больше мне нравилось рисовать свободно:

Примерно в это же время, художественная вечеринка и меня в гостях, делали наброски друг-друга. Быстрый портрет Николая Котяша.

Увы, Сергей закончил преподавать и не стал восстанавливать курс со следующего года. Хочу верить, что дело не в количестве заданных мной вопросов. 🙂

UPD 2016: Сергей Долгин вернулся к преподаванию и теперь у него своя студия: «Студия рисунка и живописи Сергея Долгина»
Смело рекомендую его тем, кто решится будучи взрослым впервые взять в руки карандаш. Видел работы его учащихся и очень впечатлён. Обучение стоит весьма недорого для Москвы.
Сергей, помимо того, что он очень хорош как преподаватель, уникален в моём понимании вот чем. В отличие от барышень, пытающихся преподавать рисунок, в ответ на заданные вопросы он не закатывает глаза и не отвечает: «ооо! ну это надо почувствовать!!!» (после чего иногда хочется забить карандаш преподавателю в голову). На вопросы он отвечает. Понятно и подробно. Да, это реклама, но реклама искренняя и совершенно заслуженная, о которой Сергей меня не просил.

Моё обучение продолжается сейчас в 2014 году, теперь уже в Академии Андрияки на курсе «Академический рисунок и акварельная живопись». О том, как учат там (вернее, как я учусь), можно будет прочитать в записях с меткой «рисование» (как и под этой записью).
У меня нет сверх-амбиций в этой области. Я не стремлюсь к славе, восторгам и выставкам. Это делается «для себя», для души.
Вот результаты на конец 2014 года. Если бы кто-то в 2008 году сказал мне, что это будет для меня возможно, я хохотал бы ему в лицо. 🙂

Выдержавшим и дошедшим до конца статьи, почёт и уважение. У обладающего таким терпением есть шанс освоить не только рисование! 🙂

И, напоследок, одна мысль, которую я считаю важной.

(Из разговора с человеком, которого в 55 лет я научил кататься на роликах и пользоваться ноутбуком. Научился он за 3 занятия. Сейчас ему 59 лет и он пробегает на роликах по набережным по 30 км за раз, освоил скайп, фэйсбук, торренты и т.д.
«- ты же понимаешь, что многие люди могут сказать, что я занимаюсь в жизни %%йнёй..
— кто эти люди?
— те, кто старики в 30 лет.»).

Вот эта мысль: Я думаю, что старость начинается тогда, когда человек перестаёт учиться, стремиться, познавать новое. Рисунок — это только пример. Это мой опыт. Поверьте, если мне в 37 удаётся учиться рисованию (смотри первую иллюстрацию и первый рисунок руки), то Вы способны научиться всему! Вы действительно можете выбрать в любом возрасте что угодно и научиться этому. Удачи Вам!

UPD 2016: Иногда люди, которые читали эту статью и смотрели рисунки говорили мне «это потому, что у тебя талант!».  :))))
Во-первых, это значит, что они не видят недочётов работ, которые вижу я. Поверьте на слово, ни о каком «таланте» речь  не идёт.
Во-вторых, то, что принято называть «талантом», чащё всего просто сумма = желание + время + усилия. И ничего более.
Да, бывают люди, которым изначально, от рождения, дано более точное вИдение форм, оттенков, полутонов и т.д. Это видно на детских работах, которые дети лет 9-10 сдают при поступлении в художественные учебные заведения. Но и это не талант. Это предрасположенность. И она, если её не развивать, просто останется на детком уровне. А если развивать, имеет шанс превратиться то, что потом другие назовут «талантом».
Преподаватели сами говорят, что бывает, что приходят учиться разные студенты, одни сильнее («талантливее»), другие значительно слабее. Но если «талантливый» расслабится и будет лентяйничать, а более слабый будет стараться и вкладываться в учёбу, то к окончанию обучения «талантливым» назовут второго.
Талант = Желание+Время+Усилия.
И эта формула относится тоже не только к рисунку, а к большинству видов деятельности.

Продолжение темы, часть 2
Отчёт за 4й семестр обучения в Академии акварели и изящных искусств им. Андрияки.
5й-6й семестры обучения, 2016-2017 учебный год.
Что нарисовано за 2018 год.
Отчёт за 2019-2020 годы.

дальнейшие новости об обучении рисованию

Tags: академия андрияки, моё, рисование, тропытворчества

Как рисовать милых животных!!! от Поколоку

Поколоку

Привет всем, меня зовут Шин, в этом совете я расскажу, как нарисовать что-нибудь милое.

Хорошо, поэтому для начала мне нужно было решить, какую форму тела и характер выбрать для более кошачьей темы, поскольку у людей есть тенденция просто любить их, поэтому я выбрал кошачьего персонажа, а для типа тела я выбрал более Тип телосложения «чиби», так как начинающему художнику довольно легко рисовать.

После того, как вы закончите с эскизом свободной формы, вы, наконец, можете начать совершенствовать свою идею, ура!!!! Я использовал стандартную кисть «Настоящий карандаш» — отличную кисть для уточнения наброска. Добавьте любые детали, которые вы хотите сделать персонаж более милым. Я добавил небольшую ленточку, чтобы он выглядел довольно мило, не так ли 🙂

Обязательно добавьте базовый цвет к вашему рисунку, чтобы сохранить такие вещи, как цвет персонажа. Добавьте фоновый слой под всеми остальными, используйте инструмент заливки, чтобы быстро применить цвет

Давайте перейдем к настроению и освещению, давайте попробуем хорошо для приятного и теплого настроения :), поэтому для начала выясните, откуда вы хотите, чтобы ваше освещение исходило.

Хорошо, когда вам нужно понизить освещение, выберите приятный теплый цвет освещения, я также придал его животу и ушам немного розового цвета, чтобы он соответствовал освещению, чтобы придать ему еще больше тепла, Красный и Розовый — лучший тип цвета для этого.

Вот слои для процесса освещения, не забудьте использовать базовый цвет для нижней части, солнечные лучи/освещение – в середине, а розоватый цвет – вверху, не забывайте, что линейный/уточненный набросок должен быть вверху.

почти сделано!!!! ты можешь это сделать!!

Хорошо, теперь просто используйте опцию блокировки пикселя, чтобы раскрасить свой штриховой рисунок, и все готово, спасибо всем за чтение моего урока, я надеюсь, что он сможет вам всем помочь, спасибо и хорошего дня!

Значок заблокированного пикселя.

• Искусство персонажей и рисование
• Концепт-арт и живопись
• Дизайн и графика
• КЛИП СТУДИЯ КРАСКИ
• Подготовка/Составление
• Штриховой рисунок
• Картина
• #МилыеСущества
• #Начинающий
• #Проектирование/Практика
• #раскраска
• #Учебник
• #цифровой
• #Освещение
• #слои
• #Эффект
• #ЕжемесячныеСОВЕТЫ202210
• #Персонаж
• #Для начинающих

Пользователи, которым понравился этот пост

Почему я рисую.

Пример одного из моих рисунков из блокнота «Я сейчас в стрессе, и мне нужна помощь».

Я много говорю о рисовании. Я говорю о том, как рисовать, как рисовать больше, как рисовать это, как рисовать то, как преодолеть страх перед рисованием…

А как насчет , почему мы должны рисовать?

Это прозвучит мелодраматично, но я говорю это со всей серьезностью: рисование оказало глубокое влияние на мою жизнь.

Без рисования я не знаю, кем бы я был, где бы я был и как бы я справился со всем, что происходит в жизни.

Рисование — самый мощный инструмент, который у меня есть.

Но опять же, почему? Почему он такой мощный? Что мне дает рисование? Я долго думал над этим вопросом, и вот мой ответ:

Это помогает мне очистить голову, размышляя и проясняя свои мысли и чувства. Я часто чувствую себя странно, неуверенно или не в себе, но в тот момент, когда я начинаю рисовать, эти негативные чувства испаряются. Это помогает мне справляться с ядовитыми мыслями и чувствами. Это моя терапия.

Это теория о режимах работы, разработанная комиком и актером Джоном Клизом. Закрытый режим — это тревожное, напряженное состояние, когда мы чувствуем, что у нас так много дел, и мы никогда не сделаем все это. Открытый режим — это более расслабленное состояние, в котором мы погружены в себя и игривы, позволяя любопытству разгореться, а давление ослабнуть. Я провожу много времени в закрытом режиме, поэтому мне нужно рисовать, чтобы перейти в открытый режим.

Это помогает мне узнать себя. Это помогает мне чувствовать себя более счастливой и уверенной в себе, а также дает мне дополнительное чувство идентичности и цели в жизни. Это заставляет меня быть честным с самим собой. Вот как я расту. Это помогает мне раскрыть свой голос. Это позволяет мне выражать и делиться этим голосом. Это питает что-то глубоко внутри меня.

Если я начинаю рисовать, чувствуя себя взволнованным, сварливым и напряженным, я всегда заканчивайте рисунок, чувствуя себя более расслабленным, довольным и умиротворенным. Я рисую стресс. Я рисую свои негативные мысли. Иногда буквально. И когда негатив покидает мое перо, он покидает и меня. Это мое освобождение.

Я часто чувствую себя перегруженным работой, списками дел и запланированными встречами. Рисование моих тревог и мыслей помогает мне осознать, насколько на самом деле неважны все эти заботы в общей схеме жизни. Это напоминает мне, как хороша жизнь. Это приносит мне благодарность.

Рисование помогает мне больше присутствовать.

Это помогает мне закрепиться в настоящем моменте, а не останавливаться в прошлом и думать о будущем. Это заставляет меня замедляться. Это помогает мне выйти из своих мыслей и делает меня более связанным с окружающим миром.

Это напоминает мне, что я контролирую свою жизнь, свои мысли и чувства. Это дает мне чувство выполненного долга за то, что я что-то сделал. Это заставляет меня чувствовать себя в большей безопасности с тем, кто я есть.

Это бросает меня в состояние потока. Это дает мне идеи для больших проектов. Это заставляет меня чувствовать себя бодрее и живее.

Это позволяет мне сосредоточиться на своем Я, а затем уйти от своего Я. Это побуждает меня видеть красоту во всем. Это делает меня более оптимистичным.

Неважно, что я рисую. Неважно, хорошо это или плохо.