Пленэр 🔥 что такое, особенности, история, секреты рисования
Слово «Пленэр» сегодня является исключительно художественным термином. Оно имеет французское происхождение и дословно переводится, как «открытый воздух» (plein air). Пленэр – это отражение в картине богатства красок и разнообразия естественного освещения, которые дают окружающая атмосфера и солнечный свет.
Сама техника написания картин на природе, вне художественной мастерской, при естественном освещении также называется пленэром. Эта техника характеризуется правдивостью передачи всего богатства натуры в естественных условиях. В отличие от студийной живописи, ставшей уже традиционной, пленэр позволяет художнику передать малейшее изменение цвета натуры.
Для работы на открытом воздухе вполне приемлемы любые техники живописи, однако каждая из них имеет свои особенности и, прежде всего, это связано с тем, что время работы мастера ограничено. Он не может себе позволить скорректировать наброски в мастерской. Картина должна быть закончена «здесь и сейчас», иначе результат будет совершенно иным, так как смена освещения сыграет определяющую роль в цветопередаче.
Содержание
- Особенности пленэра
- История пленэра
- Простые секреты рисования на пленэре
- Подготовка к работе
- Работа с естественным светом
- Выбор сюжета
- Где писать картины
Особенности пленэра
Не каждый начинающий живописец сможет освоить технику пленэра в кратчайшие сроки, так как она считается достаточно сложной. В течение светового дня окружающая среда, дающая освещенность, постоянно меняется, пополняя реальную картину новыми цветовыми оттенками. При переменной облачности солнечный свет периодически делает акценты на светлых красках, но как только солнце спрячется за облако, эти объекты словно уходят на второй план.
При выборе видов красок для пленэра у художника не возникает никаких ограничений. В ход идут как акриловые, так и акварельные или масляные краски. Основная его задача заключается не в подборе красок. Для правдивой передачи красоты натуры необходимо учитывать сезон, время суток, погоду и ряд других нюансов.
Можно заметить, что большинство пленэрных работ отличаются небольшими размерами рисунка.
Это вполне объяснимо особенностью техники, ведь художник должен взять с собой все необходимые материалы, добраться к месту работы, определить наиболее подходящий ракурс, для чего порой нужно занять позицию в труднодоступном месте.
Традиционно под пленером подразумевался один из видов живописной техники, но с течением времени это понятие несколько расширилось. Самое главное – рисование должно вестись на природе, под открытым небом, и совершенно не важно, будет ли это рисование красками или карандашами.
Художник может применять и дополнительные инструменты (маркеры, графические планшеты).
Термин «пленэр» вошел и в лексикон фотографов, которые любят «охотиться» на природе за живописными кадрами.
Основная цель техники пленэра состоит в том, чтобы не просто передать природную красоту, но и «вдохнуть жизнь» в картину, показав динамичность пейзажа, его непостоянство.
Многие художники считают, что простые карандаши могут отразить это движение, передать изменение освещенности и правильно показать игру света и тени, однако именно краски предоставляют гораздо больше возможностей и упрощают работу мастера.
Для новичков рекомендуется работать с масляными красками. Соответственно, они должны запастись всеми материалами для работы с данным типом красок.
Живопись масляными красками традиционно считается достаточно простой, так как художник получает возможность накладывать мазки друг на друга и даже перекрывать темные тона светлыми.
Слои масляной краски отличаются плотностью и густотой. Если мазки накладывать пастозно, то можно на картине сформировать текстуру. Для пленэрной техники это один из излюбленных художниками прием, который добавляет любому пейзажу объема и жизненной свежести.
Однако и акварель не уходит на второй план, а в современном искусстве пользуется огромной популярностью. Акварельные краски отлично передают легкость и прозрачность тонов, а их замысловатые подтеки и вливания могут создать интересные визуальные эффекты, которые встречаются в живой природе.
Помимо этого у акварели есть один существенный плюс – высокая скорость высыхания.
Это значит, что художник уже в конце трудового дня увидит реальный результат своей работы.
Работая на пленэре, художник обязан уметь чувствовать натуру, передавать цвета, которые в природе выражены гораздо более ярко, нежели в мастерской. В цветопередаче участвует не только солнце, но и небо, трава, земля и другие предметы окружающей среды. Все тела способны отражать свет.
Одни это делают в большей степени, а другие – в меньшей. Особенно выразительной считается игра рефлексов на телах со светлыми поверхностями. Именно поэтому художник на пленэре берет за ориентир такие тела.
Если в мастерской он может обозначить форму предмета игрой света и тени, то здесь тени нет вообще. Есть только рефлексы, закон формирования которых является основной работы художников-пленэристов.
Для начинающих художников есть несколько полезных советов. Так, к примеру, в первые дни рекомендуется заниматься короткими этюдами на непродолжительных сеансах.
Нужно научиться быстро и энергично работать, чтобы почувствовать все возможности ярких красок.
Художники эти занятия называют так: «Необходимо расписаться». Далее рекомендуется попрактиковаться на постановках, в которых наблюдается изобилие света. Затем тот же этюд выполняется «против света». Только так художник может познать все возможности освещения.
Следующий тип пленэра – постановка в лучах пробивающегося сквозь листву деревьев света. Примером может служить молодая девушка в белом одеянии, стоящая в тени деревьев. За счет того, что сквозь крону проникает солнечный цвет, в ее кружеве могут наблюдаться нехарактерные оттенки: зеленые, голубые, фиолетовые. Светлая одежда девушки будет являться центром.
Данный прием уже можно назвать сложным, так как освещение динамично меняется. За счет шевеления кроны области света и тени быстрой сменяют друг друга. Такие пленэры выполняются в несколько сеансов, так как художник не переписывает картину после смены света и тени, а ожидает повтор освещения.
Большой интерес вызывают пленэры при вечернем свете. Но здесь есть свои нюансы. Во-первых, продолжительность сеанса достаточно маленькая. Во-вторых, тела, освещенные заходящим солнцем, приобретают новые оттенки, переливаясь оранжевыми бликами и создавая новые рефлексы. Если сами тела становятся бронзовыми или золотистыми, то их тени синеют.
Таким образом, вечерние композиции требуют от художника особого видения, а также умения преобразовывать палитру.
При ненастной погоде художники не отказываются от проявления творчества, поэтому пленэры в ненастье достаточно часто встречаются в личной коллекции любого мастера. Они примечательны тем, что пишутся в рассеянном свете. Зато у такой обстановки есть несомненные плюсы.
Один из них состоит в том, что освещенность существенно не меняется на протяжении длительного времени, а это означает, что художник может работать спокойно, уделяя внимание моделировке форм предметов.
Важнейшая особенность пленэра – необходимость передачи многообразия солнечного света и освещения атмосферы.
Художник должен обладать техникой «a la prima» (то есть, завершения картины до того момента, пока краски еще не засохли). Ярким примером пленэра стали работы художников-импрессионистов. Именно они возвели этюд в статус полноценной самостоятельной картины.
Импрессионисты часто пренебрегали существовавшие академические правила живописи и создали свой собственный метод, передающий их впечатления от окружающего мира. Метод этот сводился к применению чистых красок и рефлексии, наблюдаемых на поверхностях предметов. Сегодня пленэр является неотъемлемой частью живописи с натуры.
История пленэра
Официально история пленэра начала свое развитие около 200 лет назад, но методика уходит своими корнями во время расцвета Раннего Возрождения, то есть, в начало XV века. Именно в эпоху Возрождения в Европе набирает популярность пейзажный жанр. Художники зачастую уезжали из своих домов, чтобы творить, создавая сочные и реалистичные картины.
Но картину не завершали на природе, а лишь делали основные ее наброски, формируя основную композицию.
Лишь вернувшись в свою мастерскую, художник дорабатывал свое произведение. Он писал картину по сделанным зарисовкам, а также по памяти или на основе собственных ощущений. Подобный метод был актуальным еще как минимум 300 лет, вплоть до того времени, как в Европе наступила эпоха романтизма.
Пленэрная живопись в современном ее понимании зародилась в Англии только к началу XIX века.
В любом источнике указано, что ее родоначальниками являются выдающиеся художники Джон Констебль и Ричард Паркс Бонингтон. Они были первыми, кто вопреки устоявшимся традициям начал писать картины на природе от начала и до конца. Первая пленэрная картина Констебля «Строительство лодки возле мельницы Флэтфорд» была написана в 1815 году.
Нововведения английских художников общество восприняло с определенной прохладой, однако уже в 1824 году на выставке в Париже картины, выполненные в технике пленэр, приобрели ошеломительный успех. Надо отдать должное, французские любители художественного искусства поддержали новое течение.
Ярым поклонником техники пленэр выступил Камиль Коро, после чего к нему присоединились Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Дюпре и многие другие представители известной в то время Барбизонской школы.
На развитие популярности техники пленэра оказало непосредственное влияние усовершенствование или изобретение новых материалов. После 40-х годов 19 века наладилось промышленное производство красок в тюбиках. Они были удобны в применении, поэтому художник под открытым небом работал в более приемлемых условиях.
Пленэр приобрел популярность и в Италии. В 1860 году группа художников объединилась в течение, которое было известно, как «Макьяоли». Членами группы стали такие художники, как Телемако Синьорини, Джованни Фаттори, Джузеппе Аббати. Любовь к пленэру у них возникла на фоне страстной борьбы с академизмом. Они считали, что искусство приемлет творческие импровизации, а не просто подчиняется строгим ранее сформулированным законам.
Определенный вклад в развитие пленэрной живописи внес знаменитый Клод Моне.
Как было уже указано ранее, многие импрессионисты заинтересовались данной техникой живописи. К их числу можно отнести таких художников, как Камиль Писарро, Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль.
Уже к концу XIX века арт-сообщества сторонников пленэрной живописи появились во многих западных странах. Подавляющее большинство членов сообщества являлись импрессионистами и работали с пейзажем. Крупнейшие школы, объединившие в себе любителей пленэра, — Школа реки Гудзон (США), Ньюлинская школа (Англия), Хаймхаузенская и Ворпсведская колонии художников (Германия).
В России пленэрная живопись также нашла своих последователей. К их числу можно отнести Исаака Левитана, Василия Поленова, Константина Коровина, Валентина Серова.
Популярность живописи на «открытом воздухе» не была пиковой. Она не спадала на протяжении всего двадцатого столетия.
Мастера, работающие в самых разных художественных направлениях, широко использовали приемы рисования естественной натуры.
В настоящее время во всех художественных школах ведется обучение работы на природе. Именно благодаря пленэру были изобретены специальные краски в тубах и более удобные мольберты, планшеты и этюдники.
Простые секреты рисования на пленэре
Невозможно научиться рисованию методом прочтения статей. Для того, чтобы стать художником, нужно изучать теоретические вопросы и практиковаться под руководством опытных наставников.
Не спорим, есть самородки, обладающие природным талантом, однако задатки нужно развивать.
Зато в статье опытные мастера делятся секретами с начинающими художниками. Их советы позволяют в более короткие сроки освоить ту или иную технику.
Техника пленэра тоже обладает своими секретами, которые, хоть и не сложны, зато далеко не очевидны.
- Результат работы зависит от выбора расположения самого художника, подобно тому, как фотограф предварительно выбирает подходящий ракурс.
Так как мастер переносит на холст естественные краски, то основные элементы композиции должны получить максимум освещения. Рекомендуется выбрать позицию в тенистом месте, чтобы солнечные лучи освещали объекты. В противном случае они получатся темными, а сам художник, работая на солнце, может испортить зрение. - Второй секрет кажется парадоксальным и не имеющим к живописи никакого отношения. Однако это не так. Художнику рекомендуется надевать шляпу или кепи с козырьком, даже если он пребывает в тени. Дело в том, что ограничивая обзор, можно повысить способность фокусироваться на пейзаже, чтобы более отчетливо его рассматривать.
- Этюдник в последнее время стал незаменимым инструментом в арсенале любителя пленэра. Тем не менее, его отсутствие не должно пустить день насмарку. Можно писать пейзажи, расположив бумагу на планшете, а краски – прямо на земле. Для посадки удобно взять небольшой раскладной стульчик. Палитра удерживается нерабочей рукой, а планшет кладется на колени.
- У мастеров есть такое устоявшееся выражение: «Глаз замылился». Это состояние, когда глаза привыкают к оттенкам и некоторые из них могут не отличаться друг от друга. Именно поэтому картины на открытом воздухе нужно писать с максимальной скоростью. Существует даже определенный пошаговый алгоритм. Сначала широкими мазками наносятся основные цвета (земля, небо, деревья на переднем плане и вдали). На данный этап работы должно уйти не более 15 минут времени. Остальные элементы можно уже прорисовать не спеша.
- Даже если у вас есть силы работать без остановки, все равно рекомендуется делать перерывы после каждого часа работы. Это дает возможность не только отдохнуть, но и по-новому взглянуть на натуру, окинуть ее свежим взглядом.
- И. Левитан призывал писать пленэры небольших форматов. По его мнению, в большой картине «больше вранья». Тем самым он хотел сказать, что для написания картины большого формата требуется больше времени и красок. Длительная работа вносит свои коррективы, поэтому художник не может в точности передать все оттенки натуры.
- Рекомендуется как можно чаще сравнивать разные объекты по тону и цвету. Полезно также оценивать натуру, смотря на нее несфокусированным взглядом. В тот момент, когда детали становятся размытыми, глаза наиболее четко видят цветовые тона.
- В финальной части работы следует вернуться еще раз в первому плану и детализировать его. В результате проработки картина станет более завершенной.
Так как мастер переносит на холст естественные краски, то основные элементы композиции должны получить максимум освещения. Рекомендуется выбрать позицию в тенистом месте, чтобы солнечные лучи освещали объекты. В противном случае они получатся темными, а сам художник, работая на солнце, может испортить зрение.
Подготовка к работе
После того, как вы выбрали красочное место, на котором хочется творить, следует его хорошенько изучить. Походите вокруг, оцените разные панорамы и выберите себе оптимальный ракурс.
Даже на одном месте сидя и стоя художник видит по-разному. Если есть возможность, то сделайте наброски на каждой позиции.
Не нужно заботиться о форме. Она может быть и не совсем правильной.
Важнее на пленэре передать контраст оттенков, а также правильные пропорции.
Окончательно решите вопросы относительно целесообразности крупного плана, панорамного вида или общего вида.
Работа с естественным светом
Игра света создает для художника, работающего на пленэре, большую трудность. Было бы неплохо, если бы естественный свет падал на холст, но при этом он не был бы слишком ярким.
Однозначно такие условия создаст только похожий ясный денек. Чрезмерное количество света, падающего под прямым углом к холсту, искажает реальную яркость красок. Если картина на открытом воздухе будет казаться контрастной, то в помещении некоторые тона вовсе сольются, а остальные усреднятся. Все-таки рекомендуется холст отвернуть от солнца.
В пасмурную погоду для работы может быть мало света. Тень дерева или навес – прекрасное место положения художника для рисования, но не всегда можно найти такие места.
Частично проблему решает зонт или шезлонг.
Минус состоит в том, что они слишком громоздкие, и к тому же не могут устоять перед порывами сильного ветра.
Единой теории для освещения нет, поэтому мастера рекомендуют к данной проблеме подходить творчески. Холодный свет от облачного неба доставляет художнику определенные проблемы. Он словно прячет тона, в то время как солнечный свет — более мягкий и подчеркивает элементы композиции. Холодный свет хорошо подходит для городских пейзажей.
Выбор сюжета
Оказывается, не так просто выбрать, что писать на пленэре. Вариантов здесь предостаточно: деревья и прочая растительность, камни, песчаные карьеры, здания, горы. И чем больше вариантов стоит перед художником, тем дольше он будет выбирать, теряя время с кистью в руке.
Если есть опыт работы с натюрмортом, то в данном случае он может пригодиться. Бывалый художник не выбирает вид натуры. Для него главным «персонажем» является динамика света.
Например, если он увидит красивый камень или изящное дерево, однако эти объекты не оказывают никакого влияния на выразительность света, то они не пройдут «кастинг».
За одну только форму настоящий художник натуру не оценит.
Где писать картины
Если вы решили заняться пленэром, вышли из дома, но не можете решить, где найти ту природную красоту, которая побуждает к творению, то придется воспользоваться чужими идеями. Прекрасным решением будет посещение парков. Например, Наталья Ковалева сделала пленэр в городе Выборге.
Парки отдыха красивы в любое время года. В них так много чудесных видов. Стоит только захотеть их увидеть. Отправитесь в автопутешествие. Как только вы выедете за город, вашему вниманию предстанут поля, реки, луга, красивое небо, закат.
Посетите пляж. Там вы найдете множество решений для работ с водой. Это не только теки и озера. В водной тематике могут присутствовать утесы, дюны, горы и пещеры. Наконец, найдите единомышленников.
Наверняка в вашем городе есть группы любителей пленэра, о которых вы не знаете. Полезно их поиск начать с соцсетей.
53 способа рисовать: что такое пленэр и чем он полезен
Для того, чтобы начать рисовать, мало бумаги и карандаша. Нужна смелость, желание выразить себя. Причем такое, когда уже не можешь себя сдерживать. «53 новости» знакомят читателей с проектом о художественном творчестве вместе с его ведущей Ольгой Ольской. Наши читатели пройдут путь от замысла произведения до его воплощения в жизнь, познакомятся с трудностями и радостями рисования. И сегодня автор проекта «53 способа рисовать» расскажет о пленэре.
Сегодня вы узнаете, что такое пленэр и для чего он нужен, как разбавить свои серые будни, что за чемоданчики носят с собой художники и в чем опасность рисования на природе.
Пленэр — это рисование на природе. Возможно, вам приходилось видеть одиноких художников или целые группы людей со скетчбуками или подставками с холстами, рисующих пейзажи.
Все они вышли на пленэр.
Работы, сделанные на них, называются этюдами. Пишутся быстро, основываться в них надо на восприятии цвета.
Для чего стоит выходить на пленэры? Рисование с натуры всегда полезнее, чем рисование по фото. Оно лучше развивает восприятие формы, цвета и объема. Проще говоря, вы быстрее и эффективнее развиваете навыки рисования.
На эмоциональное состояние пленэры тоже очень влияют. Если у вас нет вдохновения или мешает артблок, то настоятельно советую выбраться на природу и порисовать. Это вам не только поднимет настроение, но и поможет почерпнуть новых идей, вдохновит на дальнейшее творчество.
Место надо выбирать не наобум. Прежде всего, подумайте — чего вы хотите. Городской пейзаж или природу. Если выбираетесь в город или рисуете в его черте, то учитывайте человеческий фактор. Если вас смущают люди, то подумайте дважды. Может, лучше выбрать безлюдную улочку? Для окружающих вы будете заниматься необычным делом, рисованием. Скорее всего, к вам подойти и «просто посмотреть» захочет далеко не один человек.
Некоторые могут попытаться заговорить. Стеснительным людям такого рода контакты даются сложно. Лучше, в таком случае, выходить на пленэры с друзьями.
Выбирать лучше такое место, где можно присесть. Или можно брать с собой раскладной стульчик. И лучше будет, если это место будет в теньке. Солнце будет отражаться от белой бумаги и таким способом можно легко посадить себе зрение. Работы, нарисованные под прямыми солнечными лучами, будут в помещении смотреться бледно. И в летнюю жару, сидя на солнце, можно получить тепловой удар, а если вы редко выходите на улицу, то еще и солнечный ожог. Это значит, что головной убор обязателен.
Брать на такие вылазки нужно только самое необходимое. Не стоит тащить с собой весь арсенал, который только найдётся дома. У более профессиональных художников есть деревянный чемоданчик. В него и складывается всё необходимое. Зовётся он этюдником. Внутри лежат краски, кисти, палитра и прочие мелочи, включая и сам холст, а сам этюдник имеет треногу.
Но у большинства начинающих такой прелести нет. Да и так ли она необходима?
Из необходимого в вашем арсенале, прежде всего, должна быть бумага, на которой вы и будете рисовать. Это может быть как скетчбук, так и просто планшет с набором листов. От себя я бы еще посоветовала брать зажимы, потому что ветер имеет свойство дёргать страницы в самый неподходящий момент. Дальше уже выбор красок будет зависеть от того, чем же вы рисуете. В большинстве случаев берут акварель, гуашь, масло или акрил, но сухие материалы тоже никто не отменял. Как у начинающего акварелиста, в моём арсенале есть парочка походных наборов акварели.
В них есть палитра, базовый набор цветов и ватербраши. Ими можно прекрасно заменить кисти и баночку с водой. Если ватербраши вам не очень нравятся, то всегда есть обычные кисти. Их можно брать сколько угодно, но базово может хватить двух-трех штук. Это большая кисть, для смачивания обширных областей холста, средняя и, наконец, маленькая, для нанесения мелких завершающих штрихов.
Мне хватает двух. Большой и средней, но с тонким наконечником.
Не стоит забывать о пластмассовых баночках или стаканчиках для воды. Впрочем, можно всегда взять лист бумаги А4 или картона и сложить его в виде коробочки. Такая конструкция довольно долго удерживает воду и после использования ее можно просто выбросить.
Воду нужно брать не только для красок, но и для того, чтобы пить. А если вы идете довольно далеко или на весь день, то стоит еще подумать и о еде.
Бумажное полотенце, туалетная бумага или салфетки — тоже не менее важные вещи. Помимо обычных салфеток советую захватить еще и влажные, чтобы потом оттереть руки от краски.
Карандаш и ножик для его затачивания или точилка, должны лежать в вашем пенале по умолчанию.
Не стоит забывать и о погоде. Если на улице прохладно, то стоит захватить с собой теплые вещи и вообще одеваться на десять градусов теплее, чем обычно. Вы будете сидеть или стоять, в общем, мало двигаться. Соответственно, замерзнете.
Если на улице жаркое лето, не забывайте про насекомых. Обрабатывайте одежду и кожу репеллентами.
В трудные для себя времена чаще выходите рисовать на природу. Это не только полезно, но и приятно.
Что такое натурная живопись? — Вопросы и ответы
Вопросы и ответы
Наша доверенная сеть продавцов 1stDibs отвечает на общие вопросы
2 ответа
Картина с изображением природы — это картина, изображающая природные элементы, такие как горы, деревья или водоемы. Картины природы иногда называют пейзажными или пейзажными картинами.
1stDibs Expert22 февраля 2021
Эти картины основаны на элементах природы, без вмешательства человека. Функция состоит в том, чтобы показать красоту природы за пределами используемых методов. Поэтому они могут с великолепием показать как фауну, так и флору. В основном это пейзажи, но не исключительно.
Irena Orlov Art1 марта 2021 г.
Похожие вопросы
Что такое мир природы?
1 Ответ
Что такое абстрактная природа?
1 Ответ
Что такое линейная живопись?
1 Ответ
Что такое оригинал картины?
2 ответа
Что такое точечная роспись?
1 Ответ
Просмотреть все вопросы
Магазин живописи природы на 1stDibs
Картина природы Кита Тайсона, 2006 г.
Автор Кит Тайсон
Расположен в Майами-Бич, Флорида
Картина природы Кита Тайсона, 2006 г. Подписано и датировано.
Категория
Ранние 2000 -е годы Абстрактные абстрактные картины
Материалы
Масло
Кейт Тайсон
Кейт Тайсон Природная живопись, 2006, 2006
Импрессионистская живопись, «Тихое отражение»
9.0002 Находится в Сан-Диего, Калифорния
Это единственная в своем роде оригинальная импрессионистская картина маслом на холсте художника из Сан-Диего Брайана
Категория
Импрессионистские пейзажи 2010-х годов
Материалы
Масло
B 900 Импрессионистская картина природы, «Тихое отражение», 2021
Отшельник Дрозд, импрессионистская казеиновая картина природы
Автор Алан Брей
Расположен в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк
песни во всей природе.
Послушайте его на Audubon. Собака подруги сознала гнездо на прогулке в
Категория
2010S Американские импрессионистские животные картины
Материалы
Casein, панель
Alan Bray
Hermit Strus Природа, живопись, акрил на холсте
Автор Эми Бернейс
Находится в Ярдли, штат Пенсильвания
, и чем они похожи. Я думал о своем мире и о том, куда он движется. :: Картина
Категория
2010S Современные картины
Материалы
Акрил
Эми Бернайс
Человек против природы, живопись, акрил на холвах, 2019
Сила природы, живопись, акриловая на канвасе
.
Расположен в Ярдли, штат Пенсильвания.
Работа: FORCE OF NATURE Размер: 120 x 120 x 4 см. Техника: акрил / аэрозоль.0050 Материалы
Акрил
Vincent Bardou
Force of Nature, живопись, акрил на холсте, 2019
Молитва для природы, живопись, акрил на холсте
.
и природа вдохновляет меня всегда… Я пригласила свою дочь и сына, чтобы начать эту картину, я
Категория
21 век и современные абстрактные абстрактные картины
Материалы
Акрил
Xiaoyang Galas
Молитва о природе, Картина, Акрил на холсте, 2022
Купить все
Живопись на природе (Выставки Центра Гетти)
| Образование | ||
| Выставки | ||
| Исследуйте искусство | ||
| Исследования и сохранение | ||
| Книжный магазин | ||
| Игры | ||
О музее Дж. Пола Гетти | ||
| Общественные программы | ||
| Дом-музей Прошедшие выставки Sur le motif: Живопись на природе около 1800 г. |
Sur le motif: Живопись на природе около 1800 г.
23 сентября 2008 г. — 8 марта 2009 г. в Центре Гетти
Эта выставка посвящена практике рисования на мотив — на природе — в том виде, как она развивалась в Европе в конце 1700-х и начале 1800-х годов. Десятилетия около 1800 года, золотой век живописи на пленэре (на открытом воздухе) появился в Италии. Художники из Франции, Германии, Великобритании и Скандинавии приехали на юг, чтобы работать с итальянским пейзажем, где эффекты меняющегося света и погоды идеально подходили для экспериментов с масляными набросками — небольшими, быстро выполняемыми картинами, которые обычно делались в качестве подготовительных этюдов для более амбициозных композиций. завершено в студии. Вскоре масляный набросок стал считаться самостоятельным произведением искусства. В 1816 году Французская академия учредила Prix de Rome du paysage historique (Римская премия за исторический пейзаж) специально для пейзажа, что официально означает новый престиж пейзажной живописи. | |||||||||||||
Письмо и практика Пьера-Анри де Валансьена, ведущего пейзажиста конца 1700-х и начала 1800-х годов, сыграли ключевую роль в повышении статуса пейзажной живописи. В своем влиятельном трактате, опубликованном в 1800 году, Практические элементы перспективной живописи для использования художниками (копия которого представлена на выставке), Валансьен утверждал, что пейзажная живопись апеллирует к тем же гуманистическим и моральным ценностям, что и историческая живопись. , долгое время считавшаяся самой престижной формой живописи. Он также призывал молодых пейзажистов работать на природе, используя масляный набросок, чтобы быстро запечатлеть меняющиеся условия атмосферы и погоды. Трактат Валансьена оставался важным справочником для художников на протяжении 1800-х годов. | |||||||||||||
Около 1800 года художники со всей Европы собрались в Италии и рассеялись по сельской местности, рисуя на открытом воздухе. Итальянский пейзаж стал художественной лабораторией для изучения эффектов света и изменяющейся атмосферы в масляных зарисовках. Жан-Жозеф-Ксавье Бидо создал этот вид небольшого городка Субиако на холме недалеко от Рима во время продолжительной поездки в Италию. Картина выполнена точно, с эмалевой поверхностью и прохладной, светлой атмосферой. Бидо изысканно изобразил солнечный свет теплого итальянского дня, добавив глубины краскам природы. | |||||||||||||
Посетив Рим, многие художники-пейзажисты отправились дальше на юг, чтобы нарисовать пейзажи недалеко от Неаполя, в том числе небольшой город Сорренто с видом на Адриатическое море и потрясающие виды побережья Неаполитанского залива. Жан-Шарль-Жозеф Ремон выиграл Prix de Rome du paysage historique (Римская премия за исторический пейзаж) в 1821 году, что позволило ему учиться во Французской академии в Риме. Он часто совершал поездки до Неаполя и Сицилии, рисуя многочисленные зарисовки маслом итальянской сельской местности. Теплая, живая атмосфера этого пейзажа недалеко от Неаполя передана блестящими синими, свежими зелеными и золотыми тонами. | |||||||||||||
Вдохновленные Пьером-Анри де Валансьеном, художники попытались запечатлеть
самые мимолетные природные явления — свет, ветер и погодные условия — в мелкой нефти
эскизы выполняются быстро на месте. Саразин де Бельмон, одна из немногих женщин-художниц в Европе начала 1800-х годов, была ученицей Валансьена. Она последовала его совету и попрактиковалась в рисовании эффектов света на бегущей воде, которые можно увидеть здесь, у водопада в Тиволи. Лёгкой кистью и быстрым мазком она запечатлела бегущую воду и отражающийся солнечный свет. Тиволи, древний город в Сабинских горах, популярный у римских императоров, мог похвастаться водопадами, гротами, оврагами, римскими храмами и виллами, которые были популярным мотивом для пейзажистов, начиная с 1600-х годов. | |||||||||||||
Художники продолжили практику работы на улице, когда вернулись из Италии в свои страны. Жан-Виктор Бертен, ведущий ученик Пьера-Анри де Валансьена, основал важную студию в Париже и обучил нескольких победителей 9-го конкурса.0309 Prix de Rome du paysage historique (Римская премия за исторический пейзаж), в том числе Жан-Шарль-Жозеф Ремон. Бертен тщательно сочинял свои пейзажи в мастерской, основываясь на своих наблюдениях за природой и часто изображая исторические или мифологические сцены. Он также сделал несколько топографических изображений мест в Иль-де-Франс, районе вокруг Парижа. С этой точки зрения он сосредоточился на том, чтобы сформулировать, как свет превращает архитектурные формы в почти геометрические массы. | |||||||||||||
Жан-Батист-Камиль Коро объединил принципы классического пейзажа с более личным подходом к природе и поэтическим чувством цвета и света. Обученный Жаном-Виктором Бертеном, Коро провел годы, путешествуя и рисуя на открытом воздухе в Италии. После своего возвращения во Францию он продолжал рисовать на открытом воздухе и часто работал в Иль-де-Франс. Летом 1830 года Коро посетил северную и центральную Францию, рисуя сельскую местность. В этой картине он сосредоточился на сильных геометрических формах деревни недалеко от Орлеана. Коро воспроизвел эту сцену на месте и, возможно, сохранил ее в качестве эталона для световых эффектов в других работах, написанных в его студии. Коро оказал глубокое влияние на следующее поколение французских художников-пейзажистов, которые впоследствии стали известны как импрессионисты. | |||||||||||||
Эта композиция характерна для классического стиля Валансьена: фигуры в старинных костюмах помещены в пейзаж, навеянный окрестностями Рима, с античной скульптурой и памятниками под грозовым небом.
Частная коллекция 
Многие французские художники работали в сельской местности вокруг Парижа и на юге Франции, рисуя живописные деревни, растительность и скальные образования, древние руины и виды побережья.
