Натюрморты и пейзажи в современном интерьере
Стиль диктует жесткие условия: такое можно вешать дома, а такое — моветон. И вам повезло, если вы любите абстракции или концептуальные работы, и у вас есть деньги на картину, представляющую художественную ценность. Тогда все в порядке. И ваш дизайнер останется доволен, и вы будете наслаждаться смыслами и идеями. Но в жизни не всегда все удачно совпадает.
В современных интерьерах нет места цветочным натюрмортам, вазочкам и пейзажам в стиле «Шишкин». Откройте любой журнал по интерьеру и прочтите эту «прописную истину». Но что делать, если после трудного дня хочется смотреть именно на дорогие сердцу простые знакомые формы и цвета, закаты, реки, горы, ромашки? Если хочется сделать дом уютным и радующим глаз, а глаз радуется «василькам» а «Кандинскому» — нет?
Модные тенденции диктуют свои правила: наивная простота не в почете, большинство натюрмортов и пейзажей не представляют художественной ценности, автор, как правило, неизвестен.
Но они красивые! Это может быть единственное, но именно для вас ценное качество таких работ.
Что же делать?
- Множество пейзажей и натюрмортов сейчас продаётся на художественных вернисажах и развалах. Зачастую они «штампуются» как на конвейере, и в этом самая главная слабость таких работ. В них нет искорки. Попробуйте подобрать милые вашему сердцу картины и образы у профессионального художника. Можно рассмотреть вариант картины на заказ специально для вас. И работа будет уникальна, и вы почувствуете в ней «огонек».
Александра Бакл. «Осенние деревья»
Вахе Еремьян. «Гран Каньон»
Андре Балде. «Гонконг 3» (2019)
Сара Энн Митчел. «Тени» (2010)
Виталий Диденко «Лес»
- Реалистичные натюрморты и пейзажи хороши только для классических интерьеров. В других случаях вы можете подобрать работу в импрессионистической или иной модернистской манере. А авангардный стиль подойдет даже к самому современному интерьеру. Обращайте внимание на использование необычных материалов, техник и коллажирование.
Белинда Рейнелл. «Глядя вверх» (2019)
Ренни Пилгрэм. «Залив с лодкой» (2019)
Джулиан Сазерленд-Битсон. «Винтер Хедж, Нижний Уиллингдон, Восточный Суссекс» (2018)
Виктория Козмоличи. «Весенний ветер»
Фабьен Монестьер. «Розы снова и снова!»
- Внимательно подберите раму — она будет служить не только обрамлением картины, но и связывать работу с окружающей обстановкой. В современных интерьерах часто отказываются от рамы — но это не подходит для классических техник.
- Композиция. Она может уничтожить картину, а может даже из самой простой вещи сделать уникальную. Присмотритесь к картинам с необычной композицией. Самое небольшое смещение ракурса может сделать работу вполне современной. Прочувствуйте расположение предметов и планов, сочетание заполненных и пустых пространств. Даже простые «васильки» в вашем доме могут стать самым современным объектом искусства.
Александа Бари. «Внутри коробки»
Ребекка Колман. «Обрывается здесь»
Зара. «Галька»
- Идея также может сделать картину более актуальной, так как реалистичные классические пейзажи и натюрморты обычно являются простым копированием окружающего мира. Подберите картину с идеей, нарративом, сюжетом — и привычные предметы на холсте заставят вас задуматься и будут постоянно притягивать взгляд.
Rytis Minkevicius. «Выбор» (2017)
Андрея Вандони. «Вещи на горизонте»
Бенджамин Вест. «Подвергнутый процессу»
Лучшие натюрморты | Artrue
О некоторых знаковых художниках, создававших картины в жанре натюрморта.
Введение
Термин «натюрморт» используется для дефиниции картин, изображающих неодушевленные объекты (от латинского «мертвая природа»). Причем объекты могут быть как естественного происхождения (плоды, цветы, мертвые животные и насекомые, черепа и прочее), так и созданные человеком (различная утварь, часы, книги и свитки бумаги, ювелирные украшения и так далее). Зачастую в натюрморт включается некоторый скрытый подтекст, переданный через символическое изображение. Работы аллегорического характера относятся к поджанру «ванитас».
Натюрморт как жанр получил наибольшее развитие в Голландии в 17-ом веке как способ протеста против официальной церкви и навязывания религиозного искусства. В дальнейшей истории живописи работы голландцев того времени (Утрех, Лейден, Делфт и других) оказали огромное влияние на развитие искусства: композицию, перспективу, использование символики в качестве элемента повествования. Несмотря на свою значимость и интерес со стороны публики, по мнению академий искусств, натюрморт занимал в общей иерархии жанров последнее место.
Далее приведен список влиятельных художников, создававших натюрморты, но, безусловно, это не все знаменитые представители жанра.
Рэйчел Рюйш
Рюйш — один из самых известных голландских реалистов и авторов натюрморта. Композиции этой художницы содержат массу символики, разнообразных моральных и религиозных посылов. Ее фирменный стиль представляет собой комбинацию темного фона, дотошной проработки деталей, нежной окраски и изображении дополнительных, придающих интерес, элементов(насекомых, птиц, рептилий, хрустальных ваз).
Хармен ван Стенвейк
Работы этого голландского реалиста прекрасно демонстрируют натюрморты в стиле ванитас, иллюстрирующие суету земной жизни. Одной из самых знаменитых картин является «Аллегория тщеславия человеческой жизни», в которой показан человеческий череп в лучах солнечного света. Различные предметы композиции отсылают к идеям неотвратимости физической смерти. Детализация и уровень реализма картин Стенвейка достигается за счет использования тонких кистей и техники нанесения краски.
Поль Сезанн
Известный своими пейзажами, портретами и жанровыми произведениями, Сезанн внес вклад и в развитие натюрморта. После того, как интерес к импрессионизму пропал, художник начал исследовать фрукты и природные объекты, экспериментировать с объемными фигурами. Эти исследования помогли создать перспективу и объем в натюрмортах не только с помощью классических методов, но и путем мастерского использования цвета. Все рассмотренные Сезанном направления в дальнейшем были дополнительно изучены Жоржем Браком и Пикассо при разработке аналитического кубизма. В погоне за целью создать что-то «постоянное», художник предпочитал писать одни и те же объекты, а невероятно длительный процесс создания натюрморта приводил к тому, что фрукты и овощи начинали гнить и разлагаться задолго до завершения картины.
Хем
Ученик Давида Байи, голландский реалист Хем известен великолепными натюрмортами с большим числом деталей, нагруженными композициями, обилием насекомых и прочих декоративных и символичных элементов. Нередко художник использовал в работах религиозные мотивы, подобно Яну Брейгелю и Федерико Борромео.
Жан Батист Шарден
Сын плотника Жан Шарден приобрел свое трудолюбие и тягу к порядку именно благодаря отцу. Картины мастера зачастую спокойны и трезвы, ведь он стремился к гармонии тона, цвета и формы, во многом достигаемой благодаря работы с освещением и контрастами. Желание чистоты и порядка выражается также в отсутствии аллегорий в композициях.
Франс Снейдерс
Автор натюрмортов и сцен с животными эпохи барокко был невероятно плодовитым мастером, а его способность изобразить текстуру кожи, меха, стекла, металла и прочих материалов была непревзойденной. Снайдерс был также выдающимся анималистом, часто изображая в своих натюрмортах мертвых животных. Позже он становится официальным живописцем эрцгерцога Альберта Австрии, что вылилось в создание еще большего числа шедевров.
Франсиско де Сурбаран
Сурбаран — известный автор картин на религиозную тему — является одним из величайших создателей натюрмортов. Окрашенные в строгих испанских традициях, его работы имеют качество, не зависящее от времени, и безупречную простоту. Как правило, они представляют небольшое число объектов на затемненном фоне.
Конор Уолтон
Из современных авторов внимания заслуживает Конор Уолтон. Вклад ирландского художника в развитие натюрморта можно отчетливо увидеть в работах «Сокрытое: апельсины и лимоны» (2008), «Натюрморт с большими Орхидеями»(2004). Труды мастера точны и выполнены с исключительным использованием света, помогающим передать текстуры различных поверхностей.
Мастера натюрморта. История натюрморта (Группа авторов, 2002)
История натюрморта
Натюрморт — жанр изобразительного искусства, а также произведение этого жанра, показывающее неодушевленные предметы (посуду и другую домашнюю утварь, фрукты и овощи, различную снедь, битую дичь, букеты цветов, атрибуты какой-либо деятельности и т. п.). В переводе с французского nature morte означает «мертвая натура».
Элементы натюрморта впервые появились в древних наскальных рисунках, где изображенные вещи имели ритуальный смысл. Разнообразные предметы можно увидеть и в росписях египетских гробниц. Огромный интерес к предметному миру проявляли художники античной эпохи. Хотя станковых работ, выполненных древнегреческими живописцами, до нас дошло немного, из письменных источников известно, что в Древней Греции получили распространение натюрморты-«обманки», писавшиеся с целью не только показать мастерство авторов, но и ввести в заблуждение зрителей. Художники добивались такого иллюзорного сходства изображения с натурой, что подобные картины и в самом деле могли обмануть публику. Одно из древних сочинений свидетельствует: живописец Зевксис так убедительно написал виноградную кисть, что птицы пытались склевать ягоды. Однажды знаменитый мастер сам попался на удочку своего коллеги Паррасия, изобразившего занавеску, которую Зевксис попытался отдернуть.
Не уступали грекам в мастерстве и древние римляне. Так, на стене дома древнеримского города Геркуланума, разрушенного в I веке н. э. извержением вулкана Везувий, была найдена фреска, представляющая собой самый настоящий натюрморт. С большим мастерством изобразил художник веточку с фруктами и стеклянный сосуд с водой, на тонких стенках которого играют световые блики.
В коллекции Эрмитажа хранятся образцы мозаик из Древнего Рима. Одна из них, относящаяся к рубежу I–II веков н. э., была найдена в 1740-е годы недалеко от Аветинского холма в Риме. Подобные мозаичные композиции, обрамленные орнаментальным рисунком, назывались эмблемами. Эмблема, выполненная из разноцветных кусочков мрамора с добавлением смальты, показывает атрибуты Геракла — палицу, чашу для вина и маску героя, сделанную из темных камешков. В нижней части композиции изображена пара кабанов, впряженных в повозку с ярко-красным ковром. На передке повозки — три яблока. Вероятно, это мифические золотые яблоки, способные подарить человеку вечную молодость. Геракл похитил их из сада нимф Гесперид по приказанию царя Эврисфея. Кабан же являлся посвятительным животным греческого героя, занявшего свое место в римском искусстве.
Натюрморт. Фрагмент фрески из Геркуланума, середина I в. н. э.
Создавая мозаику, римский мастер, скорее всего, ориентировался на какой-то живописный образец, возможно, стенную роспись, представлявшую собой натюрморт, составленный из предметов домашней утвари и снеди. Такие композиции были распространены в древнеримской живописи того времени. Имели место и фрески, показывающие повозки с атрибутами богов. Например, в доме Веттиев в Помпеях найдены росписи с изображениями двух козлов, везущих тележку с атрибутами Диониса, и барана с атрибутами Гермеса.
Натюрморт представлен и на римской мозаике «Июнь», выложенной из разноцветной смальты. В композиции показан маленький босоногий мальчик, олицетворявший в Древнем Риме этот летний месяц. Над его кудрявой головкой зритель видит латинскую надпись «Junius» — июнь. Художник, создавший это произведение, воспевает щедрость земли и плодородие лета. В правой руке ребенка — корзина с луком (обязательное блюдо на столе римлян с древнейших времен). Ученый Марк Теренций Варон, живший в I веке до н. э., писал: «От дыхания наших дедов и прадедов разило чесноком и луком, но их дух был духом мужества и силы».
В левой руке мальчик-июнь держит поднос с фруктами. Плоды сложены и в большую корзину возле стола. На невысоком столике справа лежат две большие рыбины, третья упала к ногам ребенка. Дары моря можно увидеть и в левой части полотна. Римляне очень любили морепродукты, и знаменитый философ Сенека писал, что из-за своего чревоугодия они постоянно были готовы «рыскать по морским глубинам и вырывать раковины на неведомом берегу отдаленнейшего моря».
Красочное богатство мозаики уже много веков восхищает зрителей. Не потеряли свою свежесть и яркость красные яблоки, лежащие на голубом подносе, чешуя рыб переливается желтыми, коричневыми, красными, синими и зелеными оттенками. Фигура мальчика в охристо-оранжевой тунике и все предметы натюрморта выразительно выделяются на светло-желтом фоне.
В XV–XVI веках натюрморт имел распространение в основном как часть живописной композиции. Как самостоятельный жанр он окончательно сформировался в XVII столетии в Голландии. Здесь натюрморт был особенно любим и почитаем. Голландцы называли его не nature morte («мертвая природа»), а stilleven, что означает «тихая жизнь». В таком названии отразилось любовное и трепетное отношение голландских художников к чудесному миру вещей.
Мозаика «Июнь». Фрагмент, Эрмитаж, Санкт-Петербург, III в.
И. ван Клеве. «Мадонна с младенцем и Иосифом», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Но интерес к натюрморту появился в голландской живописи гораздо раньше. Художники вводили в окружение религиозной сцены такие детали, как цветы, плоды, сосуды. Эти предметы помогали привнести в изображение нечто земное, светлое и радостное. Так, Иос ван Клеве (1464 — ок. 1540) в композиции «Мадонна с младенцем и Иосифом» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) показал на парапете, рядом с босыми ножками младенца Христа, разрезанный апельсин и маленький ножик с перламутровой ручкой. Тут же лежит цветущая ветвь аквилегии. И если такая деталь, как гвоздика в руках Богоматери, имеет символический смысл, то другие предметы представлены на полотне с единственной целью — украсить картину.
Многие голландские художники XV–XVI веков, стремясь сделать изображение более убедительным, уделяли большое внимание вещам, окружавшим человека. Например, известный голландский живописец Квинтен Массейс (1465–1530), исполнивший в 1514 году свою знаменитую картину «Меняла с женой» (Лувр, Париж), тщательно выписал предметы, разложенные на столе перед менялой и его супругой: маленькое зеркало, серебряные монеты, молитвенник с яркими миниатюрами и другие вещи.
Подобные картины, героями которых были менялы и сборщики податей, широко распространены и в творчестве последователей Массейса. Художник Маринус ван Реймерсвале (ок. 1493 — ок. 1570), написавший полотно «Сборщики податей» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), акцентирует внимание не только на облике героев (мастер дает очень точную характеристику персонажей), но и на вещах, лежащих на столе. Зритель видит монеты, толстую книгу, в которой один из сборщиков делает запись, нож и печать. На полке стоят подсвечник с оплывшим огарком, коробка и разнообразные профессиональные атрибуты.
М. ван Реймерсвале. «Сборщики податей», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Художник круга П. Артсена. «Рыбная лавка», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Тем не менее подобные натюрморты в произведениях художников XV–XVI веков не играют самостоятельной роли. Они подчинены бытовым сюжетам и служат в качестве дополнений к изображениям человеческих фигур.
Возникновение собственно натюрморта связано с именем Питера Артсена. Именно его большинство исследователей считают основоположником этого жанра. До появления произведений Артсена можно говорить лишь о нарастании числа предметов в религиозных и бытовых композициях. В творчестве этого мастера, а также его более молодого соотечественника Иоахима Бейкелара (ок. 1530 — ок. 1573) главное место занимают изображения рыбных и мясных лавок, где акцент с человеческой фигуры перенесен на разнообразную снедь, разложенную на первом плане. Традиции натюрмортной живописи Артсена получили развитие в искусстве фламандских художников, в частности Ф. Снейдерса. Интерес к теме лавок проявили и голландские живописцы, только их композиции кажутся более скромными по сравнению с роскошными и яркими произведениями Снейдерса. Таково полотно «Рыбная лавка», написанное кем-то из последователей или учеников Артсена. Зритель чувствует, что увлеченность передачей разложенной на столе снеди (даров моря, разнообразных овощей и фруктов) возобладала над стремлением охарактеризовать людей, занятых выбором продуктов.
Мотив лавки нашел отражение и в творчестве голландских мастеров натюрморта XVII века. В эрмитажной коллекции хранится картина неизвестного художника, получившая название «Торговец рыбой». Автор показывает зрителю два плана, в которых одновременно разворачивается действие. Фигуры продавца и покупательницы представлены возле стола с разложенной снедью: овощами, крупной и мелкой рыбой, битой дичью. А справа, в глубине композиции, сквозь проем можно увидеть интерьер комнаты, где продолжается действие: хозяйка, вернувшаяся с продуктами из лавки, начала готовить обед. На столе лежит все купленное ею. Стены жилища украшены пейзажами. Хозяин дома, радостно встреченный собакой, входит в комнату. Два параллельных плана кажутся не связанными между собой, да и передача перспективы для художника — пока еще трудная задача. В отличие от натюрмортов XVI века «Рыбная лавка», исполненная мастером XVII столетия, лишена красочности, ее колорит тяготеет к единой тональности.
Неизвестный голландский художник XVII века. «Торговец рыбой». Фрагмент, 1630-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Неизвестный голландский художник XVII века. «Торговец рыбой». Фрагмент, 1630-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Традиции Питера Артсена были подхвачены другим голландским мастером XVII века — Кристофелем Пейтлингом (1640 — после 1670). В свободной манере выполнена его композиция «Повар у стола с дичью» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), где битая дичь на столе написана в гамме коричневатых оттенков.
Уже в конце XVI века в творчестве живописцев Голландии появились новые мотивы. В акварельных композициях этого времени можно увидеть цветы, фрукты, ярких бабочек и других насекомых. Красоту окружающего мира стремились передать в своих работах представители так называемого научного натурализма, сформировавшегося к концу XVI столетия. В их числе был голландский мастер Георгий Хуфнагель (1542–1600), прославившийся иллюстрациями к сочинениям ученых-естествоиспытателей. Прошли века, и по его рисункам, необыкновенно точно показывавшим цветы, рыб, птиц, земноводных и млекопитающих, натуралисты последующих поколений продолжали изучать строение животных и растений. Хуфнагель создавал лишь акварели, картин с мотивами цветов и фруктов в XVI веке еще не было.
В XVII веке в живописи натюрмортистов появились новые темы. «Маленький завтрак», «Закуска», «Накрытый стол», «Маленький банкет», «Букет цветов» — такие ласковые и благозвучные названия давали голландские мастера своим картинам. Ни в одной другой стране на нашей планете живописцы не уделяли такого внимания изображению неодушевленного мира. Нигде, кроме Голландии, не пользовались такой популярностью полотна, показывающие цветы, фрукты, овощи, посуду.
В художественной среде было множество специалистов, создававших именно натюрморты, и во многом благодаря стараниям этих мастеров происходило дальнейшее развитие реалистической живописи.
Голландия XVII века, освободившаяся вместе с другими провинциями Северных Нидерландов от испанского владычества, заняла ведущее место в культурной жизни Европы. Такому положению способствовало и то, что католическая церковь, прежде не дававшая вздохнуть населению Нидерландов, наконец отошла в сторону под напором кальвинизма, установкой которого было завоевание земных благ. Этот интерес к реальному миру способствовал развитию многих жанров, в том числе и натюрморта.
Вперед двинулась и наука. Увлечение ввозимыми из других стран диковинами, экзотическими растениями, птицами, животными дало толчок к развитию естествознания. В Голландии, так же как и во многих европейских государствах, появились ботанические сады, зоопарки. Начали издаваться труды ученых, иллюстрированные атласы, посвященные миру растений, животных, птиц, насекомых.
Голландская наука вышла на первое место в мире. Печатавшиеся в стране книги расходились среди читателей многих европейских стран. Чтобы поступить в Лейденский и другие университеты, в Голландию приезжали молодые люди со всех концов Европы.
Большое внимание в стране уделялось не только естественным и точным наукам, но и живописи, обращенной к окружающей действительности. На картинах голландских художников, наряду с битой дичью и уснувшей рыбой, можно увидеть живых птиц, животных, насекомых. Именно потому название «stilleven», появившееся после 1650 года, точнее, чем выражение «nature morte» («мертвая природа»), отражает суть произведений, созданных живописцами Голландии. Значительное место на их полотнах занимают овощи, фрукты, а также предметы, созданные человеком: фарфор, стекло, металлическая посуда, разнообразная домашняя утварь.
Большую роль в формировании раннего голландского натюрморта сыграли такие художники, как Амброзиус Босхарт и Бальтазар ван дер Аст, главными темами искусства которых были плоды, цветы, насекомые и раковины. В Мидделбурге, где жили эти мастера, работал и Иоганнес Гударт, прославившийся не только как натюрмортист, но и как известный энтомолог. Свои исследования в данной области он представил в изданном в 1666 году труде, сопровождаемом 150 авторскими рисунками растений, насекомых, бабочек, показанных в момент их превращений.
Основной мотив произведений голландских натюрмортистов — тихая жизнь вещей, цветов, спелых плодов, скрашивающих существование человека. К этим же темам нередко обращались и художники, работавшие в бытовом жанре. В их картинах, так же как и в натюрмортах, отразились особое мироощущение, понимание ценности земной жизни, любовное и бережное отношение к миру вещей.
Постепенно от натюрморта, попросту фиксирующего вещи, выставленные перед зрителем, художники перешли к более тонкому пониманию предметов. Харлемские живописцы Питер Клас и Виллем Клас Хеда создавали скромные «завтраки» с простым набором незамысловатых предметов. Это свежие золотистые булочки, оловянные тарелки и блюда, стеклянные кувшины и бокалы, написанные в приглушенной цветовой гамме.
П. де Пюттер. «Рыбы и кувшин на столе», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Подобные произведения, а также «кухонные» натюрморты с несколькими рыбами, как, например, в композициях роттердамских художников Питера де Пюттера и Виллема Ормеа, отражали пуританские вкусы демократической публики первой половины XVII века.
Виллем Ормеа (впервые упоминается в 1638, умер в 1673) часто работал вместе с Адамом Виллартсом (1577–1664). Первый обычно изображал уловы рыбы, второй — морские пейзажи. Совместная работа художников была характерна для голландской живописи XVII столетия. Известно, что картину «Рыбы на морском берегу» Виллартсу и Ормеа помогал создавать третий мастер — Хемскерк, вписавший в композицию фигуры людей. Вероятно, поэтому части картины кажутся несколько не связанными между собой.
Значительную роль в развитии голландского натюрморта сыграл знаменитый портретист Франс Халс, который в своем раннем творчестве уделял большое внимание предметному миру, о чем свидетельствуют прекрасные изображения яств на его полотнах, выполненных в первой четверти XVII столетия. Позднее Халс отошел от детализации в передаче окружения, направив все свое внимание на характеристику человека.
В. Ормеа и А. Виллартс. «Рыбы на морском берегу», 1649, Эрмитаж, Санкт-Петербург
В традициях тонального натюрморта работал целый ряд амстердамских живописцев. Рембрандт, писавший в ранний период своего творчества картины с изображениями ученых, вводил в композиции разнообразные атрибуты — книги, глобусы и т. п. Живя в Амстердаме, великий голландский художник создал и несколько настоящих натюрмортов, ставших образцом для его учеников и последователей.
«Завтраки» амстердамских натюрмортистов близки к работам мастеров из Харлема, но отличаются более теплой цветовой гаммой. Например, полотно «Завтрак» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), выполненное Яном Янсом Треком (ок. 1606–1652), написано в единой тональности и очень похоже на картины Класа и Хеды, но его колорит тяготеет к зеленовато-серым тонам, в то время как последние старались использовать золотистые и оливковые оттенки.
Тональные натюрморты писал и лейденский мастер Франциск Гейсбрехтс. Даты рождения и смерти его неизвестны, да и картин сохранилось немного. Но дошедшие до нас работы, несмотря на композиционную простоту и скромность вещей, изображенных на них, поражают своим изяществом.
Я. Я. Трек. «Завтрак», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Ф. Гейсбрехтс. «Натюрморт», Эрмитаж, Санкт-Петербург
А. ван Остаде и И. ван Остаде. «Сарай с играющими детьми», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Таков «Натюрморт», хранящийся в коллекции Эрмитажа. На полотне зритель видит множество предметов. Здесь сыр, булочка, фляга с вином, бутыль, большая рыба с переливающейся голубовато-серебристой чешуей, пучок зеленого лука, свисающий с кувшина. Холодная цветовая гамма и четкость контуров — вот главные черты живописной манеры Гейсбрехтса.
Особым видом натюрморта в искусстве Голландии стали картины с изображением мясных туш. Такие произведения создавал на начальном этапе своего творческого пути Рембрандт. В этом жанре работали и харлемские художники — братья Адриан (1610–1685) и Изак (1621–1649) ван Остаде, написавшие полотно «Сарай с играющими детьми» (Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В Роттердаме был разработан «кухонный» натюрморт, представляющий собой изображение внутреннего пространства крестьянского дома с предметами домашней утвари, разложенной на полу. Обычно художники помещали в композицию фигуру человека — хозяйки, одетой в скромное крестьянское платье. Но все внимание направлялось не на нее, а на вещи. Посуду (тазы, миски, бочки, деревянные кадки, горшки) мастера выписывали очень тщательно и с величайшим мастерством. Подобные произведения выполняли и фламандские живописцы, в частности Д. Тенирс и А. Броуве, но картины голландцев более спокойны и созерцательны. Кухонные натюрморты есть и в творчестве Ф. Рейкхалса, работавшего в Мидделбурге и Дордрехте, а также в наследии роттердамского художника Хермана Сафтлевена Младшего (1609–1685). Среди работ последнего широко известно полотно «Внутренний вид крестьянской хижины» (1634, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Мастер не отступает от общепринятых традиций в трактовке образов и выделяет многочисленные предметы крестьянской утвари. В том, как Сафтлевен передает освещение, чувствуется влияние Рембрандта.
Х. Сафтлевен. «Внутренний вид крестьянской хижины». Фрагмент, 1634, Эрмитаж, Санкт-Петербург
С дальнейшим укреплением голландской буржуазии изменяются требования к живописи. Простой, непритязательный натюрморт уступает место изображениям, поражающим роскошью представленных вещей и богатством красок. Прежде скромные «завтраки» превращаются в красочные картины, на которых зритель видит покрытые ковровыми скатертями столы с разложенными на них дорогими предметами. Здесь блюда из делфтского фаянса, чаши из китайского фарфора, золотистые апельсины, нежно-желтые персики, покрытые росой виноградные кисти, прозрачные стеклянные бокалы с вином, блестящие золоченые кубки, отражающие в своей гладкой поверхности льющийся из окна свет. Такие нарядные натюрморты с большим мастерством выполняли Виллем Калф, Абрахам ван Бейерен, Хендрик ван Стрек.
Во второй половине XVII столетия огромной популярностью стали пользоваться пышные букеты цветов, красота которых подчеркивалась блеском золоченых сосудов и белизной фарфоровых блюд с разложенными на них спелыми плодами. Примерно в это же время появились и первые охотничьи натюрморты с битой дичью. Подобные картины свидетельствуют, что одним из главных развлечений богатых буржуа того времени было аристократическое занятие — охота. Таким образом, развитие натюрморта напрямую зависело от изменения жизненного уклада и вкусов общества.
Почти в каждом крупном голландском городе появлялся свой тип натюрморта. Так, в стремительно развивающемся Харлеме сформировался тональный натюрморт, а в Амстердаме, главном центре культурной и хозяйственной жизни страны, успехом пользовались «десерты» Ю. ван Стрека и В. Калфа, пришедшие на смену скромным «завтракам» П. Класа и В. К. Хеды. Живущий недалеко от Схевенингенского побережья, в Гааге, А. ван Бейерен обратился к натюрморту с рыбами. А в Лейдене, славящемся своим университетом, сложились натюрморты vanitas с песочными часами и черепом. Цель таких композиций — напомнить зрителю о бренности земного бытия, заставить задуматься о своем месте в жизни. Именно в Лейдене было создано множество полотен, изображавших ученых в окружении книг, письменных принадлежностей, глобусов и других атрибутов науки, нередко занимавших все пространство первого плана.
Г. ван ден Экхаут. «Ученый в кабинете», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Подобные произведения писали ученики Рембрандта, Герард Доу и Гербрандт ван ден Экхаут (1621–1674), показавший на своем полотне «Ученый в кабинете» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) старика, расположившегося за письменным столом. Интересно композиционное решение этой картины. За отдернутой занавеской зритель видит маленькую комнату с множеством книг. Они лежат на столе, на полке и даже на полу. Свет из окна освещает большой раскрытый фолиант, карту, висящую на стене, лицо ученого, в глазах которого видна напряженная работа мысли.
Картину на сходную тему исполнил и харлемский мастер Томас Вейк. Но композиционное решение его полотна «Ученый в своем кабинете» несколько иное. Фигуру ученого художник отодвинул в глубь пространства. Весь первый план заполнен разнообразными атрибутами профессии. Большие книги лежат на столе и на полу. Среди них — сосуды и кувшины, череп и глобус. Свет, выхватывающий из полумрака отдельные предметы, рождает впечатление хаоса, окружающего героя. Вещи, в беспорядке громоздящиеся в кабинете, как будто противопоставлены человеку, спокойному и погруженному в глубокую задумчивость.
Т. Вейк. «Ученый в своем кабинете», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Во второй половине XVII века своими роскошными «десертами» прославились Виллем ван Альст, Корнелис де Хем, Юриан ван Стрек. Живопись последнего напоминает искусство Барента ван дер Мера (1659 — между 1690 и 1702). В то же время в некоторых его картинах ощущается и влияние Рембрандта. Таков «Десерт» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) — немногословный, но очень изысканный, восхищающий своей иллюзионистической убедительностью.
Многие живописцы второй половины XVII века не раз обращались в своем творчестве к жанру цветочного натюрморта, а также к композициям с изображением насекомых. В основе интереса к данным темам лежит образ жизни голландцев, которые на маленьких участках земли, отвоеванных у морской стихии, выращивали самые разнообразные растения. Стремясь сделать свой быт более ярким и красочным, жители Голландии с любовью ухаживали в своих садах за цветами и фруктами. Развитие естествознания способствовало появлению ботанических садов при университетах. Так ученые и студенты могли изучать растительный мир, составлять гербарии, проводить опыты по скрещиванию различных растений. Значительную роль играл Лейденский университет. Ботаники Лейдена собирали подходящий природный материал и исследовали его в лабораториях. В университетских садах выводили новые сорта цветов, фруктов, пытались разводить экземпляры, привозимые из других стран. В то время в Лейдене жил известный французский ученый Шарль де л’Эклюз, выращивавший неизвестные в Голландии растения, за что его называли «отцом цветов».
Б. ван дер Мер. «Десерт», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Огромной популярностью у голландцев пользовались тюльпаны. Луковицы этих цветов попали в европейские страны из Турции в конце XVI столетия. В Лейдене тюльпанами засадили обширные пространства, и энтузиасты начали экспериментировать, разводя разнообразные сорта этого цветка. За редкие разновидности платили порой огромные деньги. В стране началась настоящая «тюльпанная лихорадка», погубившая не одного любителя (так разорился известный голландский пейзажист Ян ван Гойен).
С не меньшим вниманием жители Голландии ухаживали за плодовыми деревьями, для которых создавались оранжереи. Цитрусовые и виноград привозились в страну из колоний в Вест — и Ост-Индии.
Живописцы, как и все остальные жители страны, не могли оставаться равнодушными к красивым цветам и экзотическим фруктам. Очень часто они объединяли в своих композициях плоды и растения, созревающие и цветущие в разное время. Порой, чтобы завершить одно полотно, мастеру приходилось ждать несколько месяцев.
О. М. ван Скрик. «Цветы, бабочки и змеи», Эрмитаж, Санкт-Петербург
В это же время появился тип натюрморта, посвященный изображению насекомых, рептилий, показанных на фоне леса или поляны, поросшей высокой травой и кустарником. Очень часто в таких композициях на открытом воздухе были представлены самые разнообразные твари, и среди них — привозимые в Голландию из других стран. Основоположником такой необычной разновидности натюрморта стал Отто Марсеус ван Скрик (1619 или 1620–1678). Художник много путешествовал по Европе, побывал во Франции, Англии, Италии. Вернувшись в Амстердам, он приобрел домик с участком земли, где устроил террарий. Скрик поселил в нем различных пресмыкающихся и насекомых. В наследии мастера есть множество этюдов и эскизов, посвященных змеям, ящерицам, бабочкам. Эти же мотивы вдохновили его и на создание живописных полотен. Картины Скрика очень динамичны и полны движения, они показывают то, что обычный человек не сможет запросто увидеть вокруг себя. Таково полотно «Цветы, бабочки и змеи» (Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Подобные темы вдохновляли и Матиаса Витхоза (ок. 1627–1703), побывавшего в Италии вместе со Скриком. С 1653 года он жил в Амстердаме, а в 1672 году поселился в Хорне. Но если на картинах Скрика показаны яркие садовые цветы, то Витхоз предпочитает дикие колючие растения, среди которых протекает таинственная жизнь зверей и насекомых («Цветы, еж и лягушка», 1660, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Художник тщательно и очень выразительно выписывает своих «героев». Красочное богатство композиций делает их необыкновенно притягательными для зрителей.
М. Витхоз. «Цветы, еж и лягушка», 1660, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Цветочные мотивы привлекали голландских художников долгое время. Эта разновидность натюрморта, сформировавшись в первой половине XVII века в творчестве Амброзиуса Босхарта и Бальтазара ван дер Аста, нашла свое завершение в живописи Яна Давидса де Хема, Юстуса ван Хейсума и его сына Яна ван Хейсума — известнейшего мастера позднего натюрморта.
Роскошным садовым цветам посвятил множество своих картин Абрахам Миньон (1640–1679), немецкий живописец, работавший в Голландии, в Утрехте. В том, как составлены цветочные букеты в композициях Миньона, чувствуется тонкий художественный вкус и необыкновенное колористическое мастерство («Цветы в вазе», Эрмитаж, Санкт-Петербург). Декоративные и яркие полотна с их эмалевой живописной поверхностью вызывали восторг публики. Современный исследователь Лоренц Боль, восхищенный умением художника виртуозно передавать не только растения и плоды, но и животных, насекомых, птиц, писал, что его картины — это «зрелище, в котором можно многое открыть». Таково полотно «Плоды» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), изображающее цветы, овощи, фрукты, ягоды, птиц, бабочек, ящериц и лягушек. Здесь же можно видеть связку только что пойманной рыбы и птичье гнездо с белеющими в нем яйцами.
Постепенно простые мотивы в голландских натюрмортах были окончательно вытеснены такими темами, как редкие цветы и привезенные из дальних стран плоды.
Творчество как А. Миньона, Я. Д. де Хема, Я. ван Хейсума, говорит о том, что художники обратились к утонченной технике, позволяющей запечатлеть окружающий мир декоративно и изысканно. Знакомые, обыденные образы природы отступили перед экзотикой и пышной яркостью. Тем удивительнее видеть картины Адрианса Коорте, работавшего с 1685 по 1723 год в Мидделбурге и Зирикзе. Он писал лаконичные и скромные натюрморты, отличающиеся мастерством исполнения («Горшок с земляникой», 1697, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
А. Миньон. «Цветы в вазе», Эрмитаж, Санкт-Петербург
А. Миньон. «Плоды», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Во второй половине XVII века широкое распространение в Голландии получили не только цветочные натюрморты, но и картины, показывающие битую дичь. На маленьких полотнах изображались мелкие птицы, на больших — принесенные с охоты лебеди, зайцы и другие обитатели леса. Подобные темы диктовал художникам образ жизни буржуазии, излюбленным занятием которой по-прежнему оставалась охота. Средние слои населения довольствовались мелкой дичью, пойманной с помощью силков. Богатые горожане предпочитали охоту на зайца, а крупные землевладельцы с триумфом везли домой лебедей и фазанов. Большой популярностью, особенно среди знатных дам, пользовалась соколиная охота. Многие голландские натюрмортисты стремились запечатлеть в своих произведениях красочные трофеи удачливых охотников.
В Амстердаме, Делфте и Харлеме мастера, специализировавшиеся на создании натюрмортов с охотничьими трофеями, писали небольшие картины, изображавшие мелкую добычу. В Утрехте живописцы создавали крупноформатные полотна с битой дичью, представленной крупным планом. В этом городе получили распространение и произведения, показывающие целые птичьи дворы с живыми фазанами, павлинами и другими экзотическими птицами, привезенными в Голландию по морю из далеких стран.
А. Коорте. «Горшок с земляникой», 1697, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Я. Фонк. «Натюрморт с битой птицей», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Композиции с мелкой битой птицей писал Ян Фонк (ок. 1630 — ок. 1660). В своем «Натюрморте с битой птицей» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) мастер показал на темном фоне несколько крупных птиц, подвешенных за лапки, и мелких, разложенных на столе. Оживление в картину, выполненную в коричнево-серых оттенках, вносит пламенеющее оперение висящей слева куропатки и красная грудка лежащего дрозда.
Похожие натюрморты создавал и Корнелис Лелиенберг (умер после 1676). На его небольших полотнах, выполненных в коричнево-серой цветовой гамме, можно увидеть мертвых мелких птиц, разложенных на столе («Битая птица», 1672, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Позднее Лелиенберг обратился к более крупным декоративным композициям, но тематика его картин осталась прежней.
Подобные мотивы привлекали и голландского художника, известного нам как Монограммист AL. О личности этого мастера ничего не известно. Возможно, он принадлежал к кругу Лелиенберга. Очень интересна его картина «Битая птица в нише», хранящаяся в Эрмитаже. Тонкая по колориту и великолепная по своему живописному мастерству, она отличается необычным композиционным решением (битая птица помещена в нишу), помогающим автору создать некоторую иллюзию реальности. Выполненный в гамме теплых желто-коричневых оттенков, натюрморт оживлен ярко-красной ленточкой, охватывающей ножку мертвой птички.
Монограммист AL. «Битая птица в нише», Эрмитаж, Санкт-Петербург
И. Леманс. «Охотничий натюрморт», Эрмитаж, Санкт-Петербург
Иногда от таких иллюзорных композиций с охотничьими трофеями художники переходили к созданию натюрмортов-«обманок», с восторгом встречаемых зрителями. Одна из подобных работ — картина «Охотничий натюрморт» из собрания Эрмитажа, написанная Иоганнесом Лемансом (ок. 1633 — ок. 1687 или 1688). Зритель видит развешанные на стене предметы, предназначенные для охоты. Тончайшие светотеневые переходы помогают мастеру передать объемность и сделать изображение осязаемо реальным.
Натюрморты с охотничьими трофеями писал также Фердинанд Боль (1616–1680). Работавший в технике гризайль, он достигал необыкновенной рельефности, делавшей его картины очень убедительными. Нарядные натюрморты с битой дичью создавал и Виллем Гау Фергюсон (ок. 1632 — после 1695), шотландский художник, живший в Гааге и Амстердаме.
Все эти мастера выполняли небольшие по размерам полотна. Крупноформатные декоративные картины с изображением мертвых лебедей, зайцев, коз писали такие художники, как Я. Веникс и М. де Хондекутер. Основоположником этого жанра был живописец Матеус Блум, о котором известно лишь то, что между 1642 и 1659 годами он работал в Амстердаме. Мастер создавал натюрморты, композиции с охотничьими трофеями и картины, изображавшие птичьи дворы. Произведений Блума сохранилось немного. На полотне из эрмитажного собрания «Битая дичь» (1653) зритель видит показанных крупным планом мертвых птиц. В центре — мертвый лебедь в белоснежном оперении. Композиция выполнена главным образом в белых и черных тонах.
В Утрехте и Амстердаме славой талантливого живописца пользовался Мельхиор де Хондекутер. Его творчество, тяготеющее к эффектности и парадности, так же как и искусство Я. Веникса, завершало расцвет голландского натюрморта. Наступало XVIII столетие, и искусство Голландии неумолимо приближалось к своему упадку.
Важное место занимал натюрморт и во фламандской живописи. Крупнейшим мастером, работавшим в этом жанре, был Франс Снейдерс, учившийся у Питера Пауля Рубенса. Хотя сам Рубенс практически не писал натюрмортов, вещи играют в его композициях весьма значительную роль. Глядя на полотно «Христос в доме Марфы и Марии» (Национальная галерея Ирландии, Дублин), зритель видит несколько разнообразных предметных групп: битые птицы, лежащие на полу; ветка с абрикосами, рядом с которой сидит маленькая обезьянка; блюдо с виноградом у ног одной из женщин; плетеная корзинка со спелыми фруктами и ягодами на столе, покрытом нарядной скатертью, и ваза с цветами. Рубенс откровенно любуется ярким и красочным миром вещей, окружающих человека.
В годы своего ученичества Снейдерс писал цветы, фрукты, животных во многих композициях Рубенса. В них предметы выступают такими же равноправными элементами, как и изображения людей и пейзажи. Возможно, Снейдерс приложил руку и к рубенсовскому полотну «Христос в доме Марфы и Марии». В зрелые годы художник создавал великолепные декоративные натюрморты на больших холстах, показывающие изобилие даров природы.
Многие натюрморты Снейдерса являются своего рода аллегориями. Иногда в композиции с изображением «лавок» мастер вводит детали жанровой сцены. Присутствие животных и человеческих фигур наполняет натюрморты динамикой и превращает картины «мертвой натуры» в произведения, воспевающие бесконечное разнообразие живого мира.
Интерес к вещам, окружающим человека, прослеживается и в итальянской живописи. В портретах Дж. Б. Морони, А. Бронзино, Л. Лотто предмет, будь то книги, глобус, циркуль, мандолина или флейта, имеет не только декоративное, но и символическое значение. Однако появление натюрморта как жанра связано с именем Микеланджело да Караваджо, исполнившего в 1596 году свою знаменитую «Корзину с фруктами» (Галерея Амброзиана, Милан).
П. П. Рубенс. «Христос в доме Марфы и Марии», Национальная галерея Ирландии, Дублин
Я. Клементи. «Натюрморт», ГМИИ, Москва
В XVII–XVIII веках в итальянском искусстве произошло обособление местных живописных школ. В таком жанре, как натюрморт, сложились определенные темы, сформировались свои методы и приемы. Художники писали композиции с букетами цветов, фруктами и овощами, мясными и овощными лавками, кухнями, битой дичью, морскими дарами. Создавались натюрморты с роскошными восточными коврами, изящными фарфоровыми вазами, картины с атрибутами профессий ученого, музыканта, где главное место занимали книги, глобусы, колбы и реторты, нотные тетради, музыкальные инструменты и т. п.
Полотна, похожие на произведения голландцев, создавал итальянский мастер Якопо Клементи, прозванный Эмполи (1551–1640). Он специализировался в жанре натюрморта, показывающего разнообразную снедь. На его картине «Натюрморт» (ГММИ, Москва) зритель видит разнообразные овощи и фрукты, булочку, битую птицу, флягу с вином, глиняный кувшин и другие предметы, представленные на темном фоне.
Широкое распространение научных знаний в конце XVII — начале XVIII века вдохновляло итальянских живописцев на создание натюрмортов с атрибутами науки. Младший соотечественник Клементи, художник Кристофоро Монари (1667–1720), написал полотно «Натюрморт с письменными принадлежностями», ныне хранящееся в собрании Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. На картине изображена тесная группа предметов, расположенных на столе. Здесь книги, перья в чернильнице, перочинный нож, сложенное письмо, керамический сосуд и другие вещи, рассказывающие об интересах и занятиях их хозяина.
К. Монари (Мунари). «Натюрморт с письменными принадлежностями», ГМИИ, Москва
Сформировавшиеся в Италии разновидности натюрмортного жанра вскоре были восприняты живописными школами Испании, Франции, Германии. Воздействие итальянского натюрморта ощущается и в некоторых произведениях мастеров Голландии и Фландрии.
Мир вещей интересовал испанского художника Франсиско Сурбарана. Предметы, в которых заложен символический смысл, занимают важное место в его композициях религиозной тематики. Художник создавал также и собственно натюрморты, говорящие о восторженном отношении мастера к окружающему миру.
Замечательное колористическое мастерство, тонкая передача материальной сущности предмета, умелая светотеневая лепка объемов свойственны натюрмортам известного испанского мастера Антонио де Переды, испытавшего влияние искусства Диего Веласкеса.
Значительный вклад в развитие немецкого натюрморта внес Георг Флегель (1566–1638). В цветочных букетах, написанных этим художником, чувствуется влияние голландских живописцев. На картинах Флегеля можно увидеть редкие сорта цветов, изящные сосуды, фрукты и ягоды в вазах, разнообразные овощи. Таково полотно «Натюрморт с цветами и закуской» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), заставляющее зрителя восхищаться красотой окружающего мира. В то же время такие детали, как песочные часы и букет нежных цветов, чья жизнь недолговечна, напоминают о бренности бытия и сближают картину с натюрмортами типа vanitas. Со временем композиции Флегеля стали более лаконичными и простыми. В его зрелых работах обычно показано всего два-три предмета, между которыми чувствуется органическая связь. С помощью локальных красочных пятен и светотеневых переходов художник достигает такой объемности, что изображение приобретает осязаемую убедительность. Приемы иллюзорности, разработанные немецким мастером, в дальнейшем были использованы живописцами XVIII столетия, увлекавшимися созданием натюрмортов-«обманок».
Г. Флегель. «Натюрморт с цветами и закуской», Эрмитаж, Санкт-Петербург
В искусстве Франции расцвет натюрмортного жанра начался несколько позже, чем в Голландии, Фландрии, Испании и Италии, — в XVIII столетии. Французскому натюрморту свойственны такие качества, как декоративность, изящество, легкость красок. Многие мастера, работавшие в этом жанре, испытали влияние голландского натюрморта. Особенно заметно его воздействие в картинах с охотничьими трофеями кисти Жана-Батиста Удри и Франсуа Депорта. Французские художники славились виртуозным владением живописной техникой, умением передать фактуру любого предмета: металлического сосуда, делфтского фаянса, хрупкого стекла, пушистого меха животного и мягкого оперения птицы. Их картины поражают утонченностью линий и подвижностью композиции. Но, несмотря на многочисленные достоинства французских натюрмортов, им, в отличие от произведений голландцев, свойственны умозрительность и отвлеченность от реальной действительности.
В. фон Вригт. «Битые утки», 1851, Художественный музей Атенеум, Хельсинки
В эпоху рококо с его пышностью и эффектностью творил замечательный французский художник Жан Батист Симеон Шарден, внесший огромный вклад в развитие не только французского, но и европейского натюрморта. Он сумел увидеть в простых, непритязательных мотивах очарование и поэзию. Именно Шарден первым сумел показать связь, которая существует между человеком и окружающим его миром вещей. В то время в искусстве Франции доминировали мифологический и исторический жанры, и Шарден, хорошо знакомый с эстетическими убеждениями великого просветителя Д. Дидро, смог противопоставить им тему, обращенную к жизни и быту простого человека.
В конце XVIII — начале XIX столетия натюрморт стал утрачивать свое прежнее значение. В моду вошли «высокие» жанры, которые всячески пропагандировались академистами. Большой популярностью пользовались античные и исторические сюжеты.
А натюрморты ставились в академиях лишь как обучающий материал для молодых художников.
Большое внимание натюрморту уделяли финские живописцы. В этом жанре работал Нилс Шилмарк, братья Вилхелм (1810–1887) и Фердинанд (1822–1906) фон Вригт. В отличие от старшего брата Магнуса, посвятившего свое творчество главным образом пейзажу, Вилхелм и Фердинанд, помимо картин с изображением природы, писали виртуозные композиции, показывающие мир вещей.
Одно из наиболее известных произведений Вилхелма фон Вригта — натюрморт с охотничьими трофеями «Битые утки» (1851, Художественный музей Атенеум, Хельсинки).
Художник очень точно передает объемы и фактуру изображенных на полотне предметов (блеск керамической миски и металлической кружки, отполированную временем деревянную поверхность стола, шероховатость разделочной доски, мягкость переливающихся на свету перьев уток).
Множество натюрмортов создал самый младший из трех братьев — Фердинанд фон Вригт. Среди его лучших работ — «Натюрморт на швейном столике» (1868, Художественный музей Атенеум, Хельсинки). Полотно восхищает изяществом рисунка и красочным богатством. На плотной пурпурной скатерти с черным орнаментальным узором тесно скомпонованы предметы: книги, верхняя из которых украшена золотым тиснением, изящный несессер из коричневой кожи. Композицию завершает букет цветов — желтые орхидеи и роза. Цветы, возвышающиеся над остальными вещами, как будто передают мысль о том, что живая природа властвует над неодушевленным миром. Это произведение свидетельствует не только о необыкновенной наблюдательности мастера и о его трудолюбии, но и о стремлении опоэтизировать предметы, подчеркнуть их неразрывную связь с человеком.
В таком же ключе исполнены и другие натюрморты Фердинанда фон Вригта: «Натюрморт с мертвой птицей» (1867, Художественный музей Атенеум, Хельсинки) и «Натюрморт в ателье» (1868, Художественный музей Атенеум, Хельсинки), где с иллюзионистской достоверностью показаны атрибуты профессии живописца и другие предметы. Прекрасные натюрморты писали во второй половине XIX века и финские художницы Фанни Курберг и Мария Виик.
Интерес к натюрморту усилися в конце XIX — начале XX века, когда в Европе появилось множество новых художественных направлений. Большое внимание вещам, окружающим человека, уделяли представители французского импрессионизма. К натюрмортам обращались Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Клод Моне, Пьер Боннар. Постимпрессионисты также увлекались этим жанром. Множество натюрмортов можно увидеть в творческом наследии Винсента Ван Гога, Поля Гогена. Значительный вклад в развитие европейского натюрморта внес Поль Сезанн, которого известные художники считали своим учителем. Картины с изображением предметного мира, написанные Сезанном, стали образцом для многих европейских и русских мастеров, работавших в этом жанре.
Ф. фон Вригт. «Натюрморт на швейном столике», 1868, Художественный музей Атенеум, Хельсинки
Ф. фон Вригт. «Натюрморт в ателье», 1868, Художественный музей Атенеум, Хельсинки
Натюрморты занимали важное место и в живописи символиста Одилона Редона, фовиста Анри Матисса, кубистов Хуана Гриса, Жоржа Брака, Пабло Пикассо, приверженца метафизического искусства Джорджо Моранди. Мир вещей, искаженный и неожиданный, предстает на картинах сюрреалиста Сальвадора Дали.
В русском искусстве появление натюрморта связано с иконописью. Разнообразные предметы входили в общую композицию, а иногда становились самостоятельной картиной. Например, на обороте иконы Владимирской богоматери (XII век), хранящейся в Третьяковской галерее, можно увидеть своеобразный «натюрморт», составленный из культовых вещей, — «Престол и орудия страстей», выполненный неизвестным художником круга Андрея Рублева в начале XV столетия. Но в полном смысле назвать подобные изображения натюрмортом нельзя, так как предметы, представленные на этих картинах, не имели самостоятельного значения и играли роль религиозных символов. В иконах, фресках, миниатюрах XVII века ощущается более значительный интерес художников к предметам. Мастера тщательно выписывают форму вещей и их особенности. Тем не менее введение в композицию каких-то элементов натюрморта по-прежнему определяется лишь сюжетом. Автор стремится показать зрителю ту обстановку, в которой происходят события. В Предтеченской церкви Ярославля находится фреска «Пир Ирода», на которой можно увидеть огромный стол, заставленный тарелками, кубками, столовыми приборами и разнообразной снедью. Этот натюрморт написан еще очень неумело, мастер не соблюдает законов перспективы, многие предметы лишены объемности.
С гораздо большим мастерством представил предметную группу художник Симон Ушаков, автор иконы «Троица ветхозаветная» (XVII век). Иконописец стремится с точностью воспроизвести материал, из которого сделаны блюда, кубки, кувшины, показать узоры, покрывающие посуду. Даже аккуратные складки на скатерти переданы Ушаковым тщательно, любовно. Но в то же время принципы иконописной системы (декоративность, плоскостная абстрактность, обилие золотых тонов) не позволяют мастеру до конца следовать натуре.
С. Ушаков. «Троица ветхозаветная», 1671, Русский музей, Санкт-Петербург
Появлению натюрморта как самостоятельного жанра в русском искусстве во многом способствовало развитие портретной живописи на рубеже XVII–XVIII веков. От европейских художников, работавших в Оружейной палате, русские портретисты научились писать с натуры, или, как они говорили, «с живства».
В этом смысле интересен созданный неизвестным художником «Портрет Васикова», выполненный в традициях парсуны. Мастер специально отодвинул фигуру модели к краю полотна, чтобы зрителю были хорошо видны предметы, разложенные на столе. Скорее всего, живописец намеренно выбрал такую композицию, ведь, если приглядеться к натюрморту повнимательнее, можно заметить: художник показал вещи, которые характеризуют человека, страдающего пристрастием к алкоголю. На полотне — бочонок с вином, стопки, тарелка с соленым огурцом. Одни исследователи высказывают предположение, что на портрете изображен подьячий Алексей Васильков, известный своим пьянством, другие считают, что это один из членов «всешутейшего собора» и предметы на столе — атрибуты одного из веселых ритуалов, придуманных Петром I.
Неизвестный художник. «Портрет Васикова», начало XVIII века, Русский музей, Санкт-Петербург
Вещи, представленные на портретах XVIII века, помогали авторам характеризовать модели. Известна история о том, как Петр I послал дворянина И. М. Головина в Венецию обучаться кораблестроительному делу. Вернувшись, Головин честно признался царю, что из-за своей лени научился за границей «играть на басу», а больше ничего не узнал. Петр приказал всем называть нерадивого ученика Князем Баса и повелел написать его портрет, на котором Головин был изображен в окружении различных музыкальных инструментов. Математические и другие приборы точных наук художник показал сваленными в отдалении как ненужные человеку, главное призвание которого — «играть на басу». Современники рассказывали, что Петр остался очень доволен выполненным по его заказу портретом.
Предметы-атрибуты живописцы продолжали включать в портреты и в начале XIX века.
Лишь в 1730–1740-х годах появились настоящие станковые натюрморты. Известны имена художников, работавших в данном жанре: Г. Н. Теплов, Т. Ульянов, П. Г. Богомолов. Многие произведения анонимны. В настоящее время большая часть натюрмортов, созданных в XVIII веке, хранится в Эрмитаже, Останкинском дворце и музее в Кусково. Возникновение подобных произведений было связано с реформами, проводимыми Петром I в области просвещения. Натюрмортами в России того времени занимались те живописцы, которые не могли проявить себя в более сложных жанрах (историческом, пейзаже). Среди натюрмортистов было много женщин (в программах петровских художественно-ремесленных школ для девочек важное место отводилось урокам рисования). А такой талантливый мастер натюрморта, как Теплов (кстати, прекрасно зарекомендовавший себя и в других жанрах), в дальнейшем ставший статс-секретарем Екатерины II, работал для себя, а не на заказ. Он писал президенту Академии художеств: «Я никогда живописцем не бывал, да и не чтился быть оным, но обучался живопиству для одной моей забавы и почтения к сему художеству». Тем не менее Теплова, равно как и его товарища по школе Феофана Прокоповича Т. Ульянова, не раз приглашали к выполнению крупных государственных заказов.
Большой популярностью в XVIII столетии пользовался пришедший из Европы жанр натюрморта-«обманки». Подобные произведения в русской живописи показывали полки с книгами и различные предметы, развешанные на деревянной стенке. Распространены были также натюрморты типа vanitas («суета сует»).
Натюрморты-«обманки» делались для того, чтобы ввести в заблуждение зрителя, заставить его принять изображаемое за реальность. Подобные натюрморты не вставлялись в раму — они должны были выглядеть как можно более естественными.
Чтобы у зрителя появилось желание дотронуться до предметов, представленных на «обманке», художники писали полуопущенные занавески, отогнутые уголки листов бумаги. Фрагменты надписей побуждали человека протянуть руку и отдернуть иллюзорную занавеску, чтобы прочитать фразу целиком. Мастера умело использовали светотень, тщательно выписывали фактуру предметов на таких натюрмортах, стараясь сделать их осязаемо реальными. С помощью световых бликов передавался блеск стекла, металла.
Большого мастерства в создании натюрмортов-«обманок» достигли Г. Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.
Многие натюрморты-«обманки», несмотря на то что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, «Натюрморт с книгами», выполненный П. Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный «книжный шкаф», и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина. Очень хорош «Натюрморт с попугаем» (1737) Г. Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.
Г. Н. Теплов. «Натюрморт с попугаем», 1737, Государственный музей керамики, усадьба Кусково
Русские натюрморты-«обманки» XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.
В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А. Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.
Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т. п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.
Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине «Жнецы» (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.
Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: «Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами».
Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII–XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.
Г. В. Сорока. «Кабинет в Островках». Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург
В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П. Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но тем не менее роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна «Кабинет в Островках» и «Отражение в зеркале» Г. В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге. Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому.
Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.
Натюрморт, представленный в «Кабинете в Островках», хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы «земной суеты» (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.
Конец ознакомительного фрагмента.
Русский пейзаж — Натюрморт в творчестве художников
Как самостоятельный жанр живописи натюрморт возник в XVII веке в работах фламандских и голландских художников. До этого времени признавалась лишь его утилитарная, декоративная функция и исключалась возможность придания изображению более глубокого, философского смысла.
Для ранних натюрмортов характерна аллегория, главным композиционным элементом которой нередко становился человеческий череп – символ быстротечной и бренной жизни, неизбежно сменяющейся смертью. Изображенное на картине стекло являлось воплощением мыслей о хрупкости бытия, а курительная трубка напоминала о сиюминутности и неуловимости земных наслаждений. Но и в этот период внимание художников к живописной «мертвой природе»: цветам, фруктам, предметам быта — не ослабевало.
* * *В начале XVIII века натюрморт как самостоятельный, но «низший» жанр возник и в России. И если первоначально он рассматривался в качестве учебной постановки, то уже спустя столетие стал обретать большую смысловую наполненность. Подлинный и живой интерес к нему появляется в конце XIX — начале XX веков, когда натюрморты русских художников становятся воплощением нового видения и понимания жанра. Созданные полотна отражают поиск живописцами неиспользованных ранее возможностей в области сюжета и композиции, формы и цвета.
Одно из главных имен, связанных с жанром русского натюрморта, принадлежит И.И. Левитану, который неоднократно обращался к теме «мертвой природы». Но если его работы еще достаточно традиционны, то натюрморты известных художников К.А. Коровина и В.А. Серова написаны уже под влиянием новых взглядов и становятся средством передачи мироощущения отдельного человека.
Иллюстрацией этого утверждения служит картина К.А. Коровина «За чайным столом», в которой границы жанра практически стираются. Изображение посуды и других предметов трапезы искусно соединяется с пейзажем, портретом, интерьером. Примечателен и натюрморт с фруктами «Девочка с персиками» кисти В.А. Серова. Фрукты на нем, оставаясь по сути аксессуаром, являются определяющим элементом для всего живописного и эмоционального сюжета картины.
Другими яркими представителями жанра в разное время были И.Э Грабарь, К.С. Петров-Водкин, П.П. Кончаловский, И.И. Машков, А.Т. Зверев, Р.Р. Фальк.
И в современном искусстве натюрморт не теряет актуальности, оставляя мастерам простор для творческого вдохновения.
Индивидуальный и предельно личный взгляд на жанр получает воплощение в картинах Г.А. Лемана: гармонически-прекрасных, воздушных, практически невесомых.
Наравне с пейзажами, натюрморт в творчестве художника занимает одно из важных мест. Он рождается как результат пристального и постоянного наблюдения живописцем натуры, внимательного выбора мотивов и смыслов, неутомимой готовности воплощать на полотне ускользающую красоту окружающего мира. Каждая картина художника наполнена свежестью, благоуханностью, воздухом и солнечным светом, отчего в душе поселяется легкое и радостное чувство.
Натюрморты с цветами
Для Г.А. Лемана натюрморты с цветами – совершенно особое и вместе с тем личное направление в творчестве. Картины написаны исключительно на даче мастера в Тарусе в Калужской области, куда он на протяжении многих лет приезжает отдыхать и работать.
Есть у каждого натюрморта и своя маленькая семейная история. Все изображенные на полотнах цветы выращены заботливыми руками супруги художника – Татьяны Георгиевны Леман, вместе с которой Георгий Александрович счастливо прожил более полувека.
Внимание мастера сосредоточено именно на цветах, окружающих человека в течение всей жизни и символизирующих для него что-то значимое, личное.
Для Г.А. Лемана это не просто праздник природных красок и оттенков, но сокровищница дорогих воспоминаний и чувств. Яркие, насыщенные и пастельные, нежные цвета, пышные весенне-летние и осенние букеты воскрешают в памяти счастливые и добрые моменты, которыми полна жизнь каждого человека.
Георгий Леман «Осенний букет» 2005 год.
натюрморт маслом на холсте
Натюрморт Г.А. Лемана «Осенний букет» написан в 2005 году во время одной из поездок художника на дачу в Тарусе. Взгляду зрителя открывается две плоскости картины: теплый оранжево-коричневый фон, на котором выделяются красные и желтые головки цветов, и прохладная бело-голубая поверхность стола с сочными фруктами и стеклянным кувшином для букета.
Ничто не отвлекает внимания зрителя от созерцания уютного осеннего мотива. Букет несколько небрежен, а одно из яблок сорвано вместе с зеленой веточкой, что создает впечатление, будто их всего мгновение назад принесли в комнату. В этой легкой неаккуратности присутствует естественность и особая домашняя прелесть, которой так хочется любоваться.
На главную Портреты Биография художника Каталог картин
Перейти к началу страницы
натюрморт | Великие художники
Цветы и фарфор
Николай Сапунов «Цветы и фарфор», 1912 Русский музей, Санкт-Петербург В последние два года жизни Сапунов создает серию прекрасных таинственных «синих натюрмортов», которые обладают особой притягательной силой и глубиной эмоционального воздействия. В них создан образ возвышенного идеального бытия, в котором находила успокоение раздвоенная, мятущаяся, больная душа художника. Он достиг такого совершенства и эмоциональной насыщенности в передаче… Подробнее »
Ваза с цветами
Ян Брейгель Старший «Ваза с цветами», 1600-1625 Музей Прадо, Мадрид Барокко Ян Брейгель Старший известен как великолепный пейзажист, но он также специализировался на написании прекрасных натюрмортов, в особенности ваз с цветами. За это его и прозвали «Бархатный» или «Цветочный». В натюрморте «Ваза с цветами» продемонстрировано мастерство художника в изображении прозрачной стеклянной вазы при помощи всего… Подробнее »
Тромплёи Гисбрехта
Корнелис Норбертус Гисбрехт «Тромплёи», 1668-1672 Датская национальная галерея, Копенгаген Тромплёй — технический приём в искусстве, целью которого является создание оптической иллюзии того, что изображённый объект находится в трёхмерном пространстве, в то время как в действительности он нарисован в двухмерной плоскости. Этот прием еще называют «обманка». В своих «обманках» Гисбрехт любил изображать письменные принадлежности, в частности,… Подробнее »
Угол стола
Анри Фантен-Латур «Угол стола», 1873 Чикагский институт искусств, США Реализм Это полотно впервые было выставлено на Салоне 1873 года. Оно связано с самой известной крупной картиной художника того десятилетия «Угол стола» (1872, музей Орсе, Париж), на которой изображены портреты парижских молодых писателей и поэтов. На столе представлены те же предметы, что и в представленном натюрморте…. Подробнее »
Полевые маки
Мартирос Сарьян «Полевые маки», 1945 Частная коллекция «Жизнь природы удивительна и загадочна. Зерно прорастает в земле, растет, в положенное время цветет, снова родит зерно и поэтому не умирает. Таков же человек. Он не умирает, так как он – сама природа. Познание этого есть познание бессмертия, возвышающее человека». Мартирос Сарьян
В утренней росе
Игорь Эммануилович Грабарь «В утренней росе», 1907 Русский музей, Санкт-Петербург Импрессионизм Натюрморт написан в имении Дугино, которое находилось к югу от Москвы, в красивом месте на реке Пахра и принадлежало живописцу и предпринимателю Н. В. Мещерину, сыну основателя Даниловской мануфактуры. В этих местах И. Грабарь провел более десяти лет и написал все свои шедевры 1900-х,… Подробнее »
Сирень в кошелке на полу
Петр Петрович Кончаловский «Сирень в кошелке на полу», 1955 Третьяковская галерея, Москва
Ваза с цветами и бабочками
Отто Марсеус ван Скрик «Ваза с цветами и бабочками», 1669 Палаццо Питти, Флоренция Барокко
Кабинет редкостей и искусств
Франс Франкен Младший «Кабинет редкостей и искусств», 1636 Музей истории искусств, Вена Барокко
американский Шарден
Натюрморты Эмиля Карлсена Сорен Эмиль Карлсен (19 октября 1853 – 2 января 1932) — американский художник, эмигрировавший в Соединенные Штаты из Дании. Он стал известен своими натюрмортами, некоторые современники описывали его как «американский Шарден». Во время, когда многие художники уступали веянию, идущему с выставки Armory Show, чтобы следовать за модернистскими течениями, Карлсен не поддался и… Подробнее »
✅ Русские художники работавшие в жанре натюрморта. Самые известные натюрморты
Содержание
- 1 Русские художники работавшие в жанре натюрморта. Самые известные натюрморты
- 1.1 Натюрморт — жанр живописи
- 1.2 Самые известные натюрморты — топ 10
- 1.3 №10 Серия натюрмортов, Художник Том Вессельман
- 1.4 №9 Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром
- 1.5 №8 Корзина фруктов, Караваджо
- 1.6 №7 Natura Morta (Натюрморт) , художник: Джорджо Моранди
- 1.7 №6 Корзина яблок, художник Поль Сезанн
- 1.8 №5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой, художник: Франсиско де Сурбаран
- 1.9 №4 Скат (La raie), художник: Жан Батист Симеон Шарден
- 1.10 №3 Скрипка и подсвечник, художник: Жорж Брак
- 1.11 №2 Rideau, Cruchon et Compotier (Гардина, кувшин и ваза для фруктов), художник: Поль Сезанн
- 1.12 №1 Серия натюрмортов с подсолнухами, художник: Винсент ван Гог
- 1.13 Ссылки:
- 1.14 Топ-5 самых прекрасных и знаменитых натюрмортов
Натюрморт — жанр живописи
Что такое натюрморт?
Натюрмортом называют жанр живописи, в рамках которого изображается неживая природа. Жанр зародился в XVII веке.
Натюрморт в первую очередь удивителен и интересен тем, что заставляет людей видеть красоту и гармонию в повседневных, скучных вещах, окружающих нас постоянно, но ничем не обращающих на себя наше внимание.
Жанр не так прост, как кажется на первый взгляд: в большинстве таких картин художники используют иносказание — пытаются через определённый набор предметов, их расстановку, выбранные цвета, общую композицию сказать людям что-то важное, передать то, что их волнует, поведать о своих чувствах и мыслях.
Франсиско де Сурбаран. Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой. 1633
Несмотря на мрачный перевод «мёртвая природа», полотна зачастую пестрят яркими красками, радуют зрителя своей оригинальностью и причудливостью, пробуждают желание жить и восторгаться окружающим миром, видеть прекрасное в нём.
Существует множество видов и подвидов натюрморта, например, сюжетно-тематический, творческий, учебно-творческий, учебный. Также их подразделяют по использованным цветам, освещённости, колориту, времени исполнения, месту расположения и т. д.
Основоположниками натюрморта как самостоятельного жанра стали голландские и фламандские художники. Первоначально картины появились в религиозном обиходе. Также в эпоху зарождения жанра распространение получили картины мрачного характера с глубоким философским смыслом и тёмными тонами, в центре композиции, которых были черепа, свечи и некоторые другие атрибуты. Затем, постепенно развиваясь, жанр вбирал в себя всё новые и новые направления и раз за разом получал всё более широкое распространение во всех кругах общества. Цветы, книги, овощи и фрукты, дары моря, посуда и другие предметы быта — всё нашло своё отражение в искусстве. Одними из самых известных художников натюрмортов стали Амбросиус Басхарт, Мигель Парра, Ян Брейгель, Иозеф Лаунер, Северин Розен, Эдвард Ладелл, Ян Давидс де Хем, Виллем ван Алст, Корнелис Бризе.
В России жанр возник в начале XVIII века, но всерьёз этим никто не занимался, он считался «низшим» жанром. В начале XX века натюрмортная живопись достигла наибольшего расцвета; художники создавали свои шедевры, ставили перед собой новые задачи и достигали несказанных вершин в мастерстве, использовали необычные техники, подбирали новые образы. Русский натюрморт в отличие от западного развивался не постепенно, а в ускоренном темпе. Творя в этом жанре, прославились такие русские художники, как К. Петров-Водкин, И. Левитан, И.Ф. Хруцкий, В. Нестеренко, И.Э. Грабарь, М. Сарьян, А. Осмеркин, П.П. Кончаловский, С.Е. Захаров, С.И.Осипов и многие другие.
В современной живописи натюрморт претерпевает новый подъём и теперь прочно занимает полноправное место среди других жанров изобразительного искусства. Сейчас это одно из самых востребованных направлений в живописи. Имея огромное количество возможностей для самореализации себя в творчестве, художники пишут самые разнообразные натюрморты. А зрители, в свою очередь, покупают картины, украшают ими интерьеры, оживляя свой дом и принося в него уют и радость. Натюрмортами постоянно пополняются музеи, открываются всё новые и новые выставки в различных городах и странах, на которые приходят толпы заинтересованных искусством зрителей. Спустя несколько столетий, пройдя долгий полноценный путь развития, натюрморт по-прежнему актуален и не утратил своей значимости в мировой живописи.
Самые известные натюрморты — топ 10
Натюрморт — это жанр, который приобрёл известность в западном искусстве к концу XVI века и с тех пор остается важным жанром.
Натюрморт классифицируются по изображению обычных предметов, которые могут быть натуральными, как например, цветы, фрукты и т. д. или искусственными, как например, очки, музыкальные инструменты и т. д. Ниже представлен список 10 самых знаменитых натюрмортов известных художников включая Шардена, Поля Сезанна, Ван Гога и Джорджио Моранди.
№10 Серия натюрмортов, Художник Том Вессельман
Год: 1962
Движение поп-арт возникло в 50-х годах XX века, и использует узнаваемые образы из популярной культуры. Среди самых популярных произведений поп-арта находится серия натюрмортов Тома Вессельмана. Его натюрморты изображают элементы современного мира, а не фрукты и овощи предыдущего поколения художников этого жанра. Эта работа (Натюрморт #30) представляет собой сочетание живописи, скульптуры и коллажа торговых знаков, которые Том увидел на улице.
№9 Ванитас со скрипкой и стеклянным шаром
Художник: Питер Клас
Vanitas with Violin and Glass Ball (1628) — Pieter Claesz
Активный во время голландского Золотого Века, Питер Клас был среди передовых живописцев натюрморта своего времени. Он знаменит ванитас или натюрмортами, которые включают символы смерти или изменений как напоминание об их неизбежности. Это его самая знаменитая картина. На ней изображено множество предметов, среди которых наибольший интерес вызывает стеклянный шар на заднем плане, отображающий Класа перед мольбертом, и исполняя роль автопортрета.
№8 Корзина фруктов, Караваджо
Basket of Fruit (1599) — Caravaggio
Караваджо был пионером реалистического изображения и драматического использования освещения в картинах. Он применил свой натурализм к натюрморту, и именно поэтому «Корзина фруктов» выделяется среди предыдущих картин в этом жанре. Помимо его, по-видимому, фотографического изображения, картина отмечена испорченными плодами, которые, похоже, были съедены насекомыми. Писал ли мастер то, что было доступно или пытался передать более глубокий смысл всё ещё обсуждается.
№7 Natura Morta (Натюрморт) , художник: Джорджо Моранди
Natura Morta (1951) — Giorgio Morandi
Джорджио Моранди был ведущим натюрмористом двадцатого века и одним из величайших итальянских художников своей эпохи. Его натюрморты известны несложными предметами изображения, приглушенными цветами и простотой исполнения. Моранди использовал то же название Natura Morta, которое является итальянским термином для натюрморта, для всех его работ в этом жанре. Вышеупомянутая картина – одна из его многих знаменитых работ, известных поэтичностью и интенсивностью.
№6 Корзина яблок, художник Поль Сезанн
The Basket of Apples (1895) — Paul Cezanne
Помимо краткого периода в Северной Европе в XVII веке, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена. Именно Поль Сезанн, почти единолично, поднял его на вершину, сделав популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его творчества, в котором он использовал методы, подобные двум перспективам, которые должны были изменить направление искусства. Картина также отмечена несбалансированными деталями, такими как надписанная бутылка, наклонная корзина и плоды, которые вот-вот упадут.
№5 Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой, художник: Франсиско де Сурбаран
Still Life with Lemons, Oranges and a Rose (1633) — Francisco de Zurbaran
Франсиско де Зурбаран более известен религиозными картинами, но также был одним из самых влиятельных художников-натюрмористов. Эта картина считается шедевром жанра и является единственным холстом, когда-либо подписанным и датированным испанским мастером. На картине три предмета тщательно размещены и освещены на тёмном фоне. Широко распространено мнение, что картина имеет религиозный символизм.
№4 Скат (La raie), художник: Жан Батист Симеон Шарден
The Ray (1728) — Jean-Baptiste-Simeon Chardin
Считающемуся непревзойдённо сильным в натюрморте Жан-Батисту Шардену приписывают продвижение натюрморта, в результате чего он бросил вызов другим установленным жанрам. «Скат» был его шедевром, благодаря которому он привлёк будущие поколения художников к натюрморту. Картина содержит несколько новых элементов, наиболее заметно представляющих живое существо в форме кошки. Его широко изучали, восхищались и копировали будущие художники, в том числе Анри Матисс.
№3 Скрипка и подсвечник, художник: Жорж Брак
Violin and Candlestick (1910) — Georges Braque
Жорж Брак, наряду с Пикассо, стал одним из основоположников художественного стиля двадцатого века, кубизма. Хотя начинал он с пейзажей, но позже перешёл на натюрморты. Этот шедевр является примером аналитического кубизма, первого этапа кубизма, который был коротким, но влиятельным. Элементы в картине изображены в простых формах с использованием нескольких перспектив и написаны в монохромном стиле, т. е. используются разные тона одного цвета.
№2 Rideau, Cruchon et Compotier (Гардина, кувшин и ваза для фруктов), художник: Поль Сезанн
Rideau, Cruchon et Compotier (Jug, Curtain and Fruit Bowl) (1894) — Paul Cezanne
Поль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в этом жанре. Технически отмечается двойная перспектива, которую создал Сезанн, она визуально захватывает зрителя красиво написанными несбалансированными частями. Подобные картины Сезанна считаются прелюдией к нескольким типам искусства двадцатого века, включая кубизм Пикассо. По состоянию на 2015 год эта картина является самым дорогим натюрмортом, когда-либо проданым на аукционе.
№1 Серия натюрмортов с подсолнухами, художник: Винсент ван Гог
Vase with Fifteen Sunflowers (1888) — Vincent Van Gogh
Винсент Ван Гог считается мастером натюрморта, а его серия картин «Подсолнухи» входит в число самых известных когда-либо созданных натюрмортов. Эти картины хорошо известны изображением естественной красоты цветов и яркими красками. Выше представленная картина, которая называется «Пятнадцать подсолнухов в вазе» побила рекорд аукциона живописи, когда была продана японскому инвестору почти за 40 миллионов долларов США в марте 1987 года.
Ссылки:
Питер Клас- один из передовых художников-живописцев натюрморта своего времени. Его ванитас со скрипкой и стеклянным шаром, на котором изображено много предметов, в том числе и череп, но особенно привлекает внимание стеклянный шар, в котором отражается сам художник перед мольбертом. В этом чувствуется мистика. «Корзина фруктов» Караваджо очень натуральна, на фруктах даже видны червоточины. И непонятно, то ли мастер изобразил то что видел, или в испорченных плодах кроется более глубокий смысл. Безусловно [Развернуть]
Представленный рейтинг натюрмортов прекрасно показывает, насколько разнообразны могут быть картины этого жанра. Очень «советская» (или пролетарская) работа Вессельмана, хотя не изображает атрибутов СССР, кроме красной звезды. Портрет Линкольна настолько не вписывется в натюрморт, странно смотрится между виски, фруктами, комнатным цветком, котом и снова фруктами, что непроизвольно ассоциируется с изображениями генеральных секретарей, которые в свое время были непременным атрибутом любой обстановки. [Развернуть]
Очень разнообразны эти натюрморты! Конечно, мои любимые Подсолнухи в этом списке! Каждая картина индивидуальна и особенна.
Понравились только апельсины и лимоны. Остальное довольно скучно!
Топ-5 самых прекрасных и знаменитых натюрмортов
Помните великолепный советский мультфильм о пластилиновой вороне? А песенку, предваряющую рассказ о веселых превращениях птички? Ну ту, где поется, что «если видишь на картине… или грушу или торт, или все предметы вместе, значит это — натюрморт»? Наверняка помните и даже, возможно, вам, как и тысячам советских малышей, она послужила наидобрейшим проводником в мир живописных жанров. Так вот, о натюрмортах сейчас и пойдет речь. Точнее, о самых известных, прекрасных, загадочных… в общем, самых-самых — на наш, разумеется, взгляд.
Натюрморт с крабом. Виллем Клас Хеда
Есть мнение, что именно как жанр натюрморт оформился в Голландии, в 17 веке. Конечно, и до этого художники изображали букеты, фрукты, столовую утварь, но лишь как часть иной композиции. Более того, много лет натюрморт был неразрывно связан с религиозной живописью — цветы, в частности, обрамляли святые фигуры.
Мастера из Нидерландов изменили эту традицию. В 17-18 веках появилось несколько направлений голландского натюрморта и множество живописцев, прославивших жанр. Среди выдающихся имен — представитель «малых голландцев» Виллем Хеда, чья картина «Натюрморт с крабом» сейчас хранится в российском музее Эрмитаж.
Пожалуй, среди вещей, на которые можно смотреть бесконечно, стоит упоминать и произведения Виллема Хеда. Хеда — «мастер завтраков»: на картинах сверкают хрустальные кубки, белеют скатерти, бликуют серебром кувшины, на тарелках разложена аппетитная (или не очень) снедь. Сюжеты неоригинальны, но мастерство исполнения, «живость» фактур поражают.
Пышные булочки золотятся будто только из печи, а бокалы хочется взять в руки. Мастерство художника выражается и в символизме каждого предмета «на сцене» — их расположение относительно друг друга выверено едва ли не с математической точностью. И каждый несет в себе собственный смысл. Так, к примеру, серебро означает богатство, лимон — красоту, в которой заключена горечь.
Натюрморт с черепом и пером. Клас
Соотечественник Хеда Питер Клас — еще один великий «малый голландец» , работавший как в жанре «завтраков», так и в более мрачном, но весьма популярном в XVI-XVII вв.. направлении vanitas — «аллегоричный натюрморт». Термин имеет отношение к изречению Экклезиаста, писавшему, что все на свете — суета из сует. Собственно, “vanitas” и переводится с латыни как «суета».
«Натюрморт с черепом» реалистичен настолько, что вызывает экзистенциальную грусть. Картина глубоко метафорична и напоминает театральную сцену, где у каждого «актера» своё место, цель и даже действие. Так падающий бокал, лишенный зубов череп, угасшая лампа призваны напоминать зрителю о быстротечности жизни и непостоянстве мирского бытия. Каменная столешница словно вдвигается в пространство перед рамой, делая впечатление от полотна еще более ярким, создавая эффект присутствия. Как и другие полотна автора, «Натюрморт с черепом» отличается безупречным исполнением, тщательно выписанными деталями и фактурами.
Подсолнухи в желтой вазе. Ван Гог
Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога, несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.
Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.
Сирень. Петр Кончаловский
А вот известные русские живописцы чаще предпочитали сирень. Левитан, Кустодиев, Петров-Водкин, чья «сирень» не так давно установила мировой рекорд на Christie’s (картину продали за £9 286 250), обожали писать пушистые и душистые, белоснежные, розовые и лиловые гроздья нежного садового кустарника.
Многим школьникам довелось писать сочинения по одной из «сиреней» Кончаловского. Художник стал настоящим певцом этого романтичного цветка, а его шедевры с персидской и обычной сиренью вошли и в золотую коллекцию русской живописи, и в школьные учебники. Внучка мастера Екатерина вспоминала, что в сезон ее дед писал цветы ежедневно. Все натюрморты Кончаловского прекрасны, но самый, на наш взгляд, впечатляющий — это «Героическая», на которой изображена корзина с соцветиями множества оттенков.
Откуда такое странное название? Полотно написано в самом начале эпохи сталинских репрессий, а интеллигентный, умный и глубоко порядочный человек, коим был художник, не мог не понимать сути и несправедливости происходящего. На грязноватом фоне, на неопрятного вида столешнице — яркие соцветия в солнечных лучах. Буйство оттенков, торжество жизни. Вопреки всему. Героизм?
Корзина с фруктами. Караваджо
Одним из первых «чистых» натюрмортов искусствоведы называют знаменитую «Корзину с фруктами» Караваджо. В ней нет никаких канонов, по которым написаны композиции более позднего времени — корзина расположена практически у самого края холста так, что у зрителя создается впечатление, будто стоит протянуть руку, и в нее упадет сочный плод.
К слову, этот прием художник использовал, чтобы отвлечь от «бедности» композиции — большую часть холста все же занимает пустое пространство.
Заключение
Сегодня жанр натюрморта не утратил популярности. Тысячи начинающих и маститых живописцев оттачивают кисти, изображая цветы, плоды и иные предметы в самых разных стилях — от классического до кубизма. И, возможно, какие-то из этих произведений тоже когда-то станут классикой, восхищающей потомков.
Спасибо за внимание! Ставьте нравится, если нравится! Подписывайтесь на канал!
Источники:
http://myrisunok.ru/stati-o-risovanii/natyurmort-zhanr-zhivopisi
http://www.wm-painting.ru/Ob_iskusstve/p2_articleid/1603
http://zen.yandex.ru/media/id/5cbdb3d48bcaaa00b3d724d2/5d5e9db244742600adc1caae
известных абстрактных картин, которые изменили наше восприятие
Blog Home23 февраля 2016 г.
«Какие изображения мы можем получить, можно сказать, зависит от того, кто воображает». — Джон Хосперс, из Введение в философский анализ
Мы зависим от провидцев, которые открывают скрытые двери, чтобы мы могли мельком взглянуть на части мира и части себя, которые в противном случае могут остаться скрытыми. Видение — это специальность художников-абстракционистов, и за последние 100 с лишним лет многие известные абстрактные картины сумели расширить кругозор человечества.Провидцы, создавшие эти образы, не только наделили нас, зрителей, даром видеть новые вещи; они предложили нам совершенно новые взгляды.
Известные абстрактные картины: 1910-е — 1920-е годы
По общему признанию, некоторые из наших подборок в этой статье могут оказаться противоречивыми, поскольку у каждого любителя абстрактного искусства разные вкусы. Но большинство, вероятно, согласятся с нашей первой подборкой абстрактных картин , которые изменили наше восприятие искусства. Картина Василия Кандинского Без названия (Первая абстрактная акварель) была написана в 1910 году и считается искусствоведами первой чисто абстрактной картиной.Смелое изображение ярко окрашенных пятен, мазков и линий отказывается от всех визуальных ссылок на объективную реальность. Эта картина освободила художников от оков предмета и пригласила зрителей по-новому взглянуть на представление о том, каким может быть изображение.
Василий Кандинский — Без названия (Первая абстрактная акварель), 1910. Бумага, акварель, тушь, карандаш. 19,5 × 25,5. Центр Жоржа Помпиду, Париж
Одиннадцать лет спустя, в 1921 году, Пит Мондриан написал свою культовую Табло I .После периода экспериментов со своим новым голосом, Tableau I закрепил то, что стало определяющим стилем Мондриана. Жесткие черные линии и разделенные цветовые поля предлагали зрителям мельком увидеть чистую геометрию и математическую точность. Чистые линии и точность работы не имели никакого отношения ни к чему, кроме формы, цвета и линии. Работа открыла стиль, который повлиял на поколения художников, скульпторов, архитекторов и дизайнеров, и продолжает направлять творческих мыслителей сегодня.
Пит Мондриан — Картина I, 1921 год. Холст, масло. 96,5 см x 60,5 см. Музей Людвига, Кельн, Германия
В 1925 году Жоан Миро разрушил барьеры между абстракцией и сюрреализмом своей картиной La mancha roja (Красное пятно) . Миро не считал себя абстракционистом. Он сказал, что пришел домой, в свой крошечный дом, голодный и измученный, и рисовал образы, которые видел в своей голове. La mancha roja (Красное пятно) находится на тонкой грани между антропоморфными формами, сказочными тотемами и чистой абстракцией.Что-то детское, но ужасное таится в изображении. Этой работой Миро распахнул дверь к скрытой иконографии наших кошмаров и снов.
Хуан Миро — La mancha roja (Красное пятно), 1925. Холст, масло, пастель. 146 х 114 см. Национальный музей, коллекция центра искусства королевы Софии. © Фонд Жоана Миро, Барселона
Известные абстрактные картины: 1930-е — 1940-е годы
Когда западный мир во второй раз в 20-м веке погрузился в депрессию, голод и войну, абстракция прочно утвердилась как главная сила в искусстве Мир.Художники, работающие в этом стиле, использовали фантастический набор методов, каждый из которых вносил свой вклад в растущие усилия по соединению с чем-то чистым, настоящим и свободным в человеческом духе. В Великобритании художник Бен Николсон расширил свои абстрактные работы до того, что он назвал белыми рельефными картинами. Одна из его основополагающих ранних работ, 1935 (белый рельеф) , открыла новую визуальную основу, сделав Николсона одним из самых важных голосов английской абстракции.Николсон был другом художника Пита Мондриана и находился под его влиянием. Белые рельефные работы расширили использование Мондрианом резких линий и геометрического пространства, представив пространственные слои и монохроматическую палитру. Первые белые рельефные картины Николсона были созданы в 1933 году, и к моменту создания 1935 (белый рельеф) он утвердил стиль, сочетающий элементы абстракции, конструктивизма, конкретного искусства и предполагающий ранние семена минимализма и поста. -Живописная абстракция.
Бен Николсон — 1935 (белый рельеф), 1935. Крашенное дерево. Объект: 1016 x 1664 мм, рамка: 1076 x 1717 x 85 мм. Коллекция Тейт. Приобретено при содействии Общества современного искусства в 1955 году. © Angela Verren Taunt, 2019. Все права защищены, DACS
На другом конце спектра в 1930-х и 1940-х годах были абстрактные экспрессионисты, также известные как Нью-Йоркская школа. Тщательно отвергая рациональную географию и пространственную редукцию таких художников, как Мондриан и Николсон, Ab Ex-ers стремились соединить в своей работе первобытные эмоции.Ни один абстрактный экспрессионист не был настолько влиятельным и успешным в воплощении стиля, как Джексон Поллок.
Печально известный алкоголик и невротик, Поллок был вдохновлен психоанализами, чтобы проникнуть в глубину своего подсознания за вдохновением. В его работах использовались телесные и бессознательные тотемные образы, чтобы создать жестокие изображения современной послевоенной тревоги. Одна из первых капельных картин Поллока, Full Fathom Five , написанная в 1947 году, навсегда изменила абстрактное искусство. Эта работа представляет собой смесь его раннего стиля кисти и его дальновидной техники капания.Он включает в себя монеты, окурки и другие случайные кусочки из его студии, проецируя уровень текстуры и глубины, совершенно новый для Abstraction. Full Fathom Five ознаменовал поворотный момент в карьере Поллока и навсегда изменил наше отношение к холсту.
Джексон Поллок — Full Fathom Five, 1947. Холст, масло, гвозди, кнопки, пуговицы, ключ, монеты, сигареты, спички и т. Д. 50 7/8 x 30 1/8 дюйма © 2019 Pollock- Фонд Краснера / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
Известные абстрактные картины: 1950-е годы
К 1950-м годам абстрактные экспрессионисты прочно захватили воображение мира искусства.Повсюду художники стремились соединиться с изначальным «я», бессознательным разумом и скрытыми образами подсознания. Среди этого рвения возникла тенденция к спокойствию, частично порожденная растущим интересом многих художников к восточной философии, такой как даосизм и дзен-буддизм. Одним из самых глубоких движений этого времени был стиль абстрактной живописи, известный как живопись цветового поля.
Целью рисования цветового поля, как это принято понимать, было исследование цвета независимо от предмета, формы, линии и других ограничений создания изображения.Художники добивались медитативного качества и, в случае успеха, впоследствии передавали работу зрителям.
Художница-абстракционистка Хелен Франкенталер была одним из самых глубоких представителей движения Цветового поля. Своей картиной « Горы и Море», «», написанной в 1952 году, Франкенталер представила миру новую технику живописи, которую она изобрела, под названием «процесс замачивания пятен». В этом процессе Франкенталер использовала скипидар, чтобы разбавить консистенцию своих красок.Она аккуратно вылила разбавленную краску на незагрунтованный холст на полу, позволяя краске полностью пропитать холст, придавая работе совершенно новую текстуру и внешний вид. Процесс замачивания-окрашивания создал возвышенные поля цвета, которые приобрели органические, морфирующие конфигурации, затрагивающие безмятежность. Картина Франкенталера «Горы и море» считается одним из первых успехов движения «Цветное поле» и остается одним из его самых привлекательных изображений сегодня.
Хелен Франкенталер — Горы и море, 1952.Холст, масло, уголь. 86 5/8 x 117 дюймов © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Возможно, самым известным художником, связанным с художниками Color Field, является Марк Ротко, художник который также категорически отверг этот и большинство других лейблов. Ротко работал исключительно с цветом, стремясь открыть духовный план, на котором он и зрители могли испытать глубину человеческих эмоций. Хотя Ротко полностью сосредоточился на цвете, он отверг его как средство, с помощью которого может быть установлена эта духовная связь.Одной из определяющих ранних работ Ротко была № 2, «Зеленый, красный и синий », написанная в 1953 году. Это произведение является культовым для будущей работы Ротко, создавая его голос как уникально милого обитателя как мира абстрактного искусства, так и трансцендентная духовность.
Марк Ротко — № 2, зеленый, красный и синий, 1953. Частная коллекция
Известные абстрактные картины: 1960-1970-е годы
Когда абстракция вошла в 1960-е и 1970-е годы, многие художники были уже отвергая свои фундаментальные идеи, возвращаясь к фигуратуре и исследуя царство концептуального искусства.Тем не менее, сила ясности и свободы Abstraction по-прежнему многообещала. Одним из самых выдающихся голосов этого периода была американская художница-абстракционист Агнес Мартин. Мартин, известная своими картинами с сеткой, остается культовым голосом абстрактного искусства.
Картина Агнес Мартин « Ночное море », созданная в 1963 году, является одним из первых примеров того, что стало ее определяющим стилем. В работе почти монохромный синий фон пересекается с тщательно продуманной сеткой, нарисованной сусальным золотом.Эта работа включает в себя цвет, одновременно обеспечивая равную мощность в сети. Он сочетает в себе простоту и одновременно передает обширность, сложность и чувство взаимозависимости. Мартин говорил о том, что эта линия для нее символизирует невиновность. Она надеялась, что чувство невинности передалось зрителям через ее работы. Простота ее образов и непосредственность эмоций, которые она надеялась передать, сыграли важную роль в преодолении разрыва между абстрактным экспрессионизмом и минимализмом.
Агнес Мартин — Ночное море, 1963. Холст, масло, сусальное золото. 72 x 72 дюйма © Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк
В 1970-е годы Роберт Мазервелл снова потряс мир абстракции своим голосом, который казался полной противоположностью соблазну минимализма. Его примитивные грубые жесты одновременно передавали энергию, силу и беспокойство. В них была стоическая сила, но, тем не менее, возникли глубокие эмоции, олицетворяющие силу и свободу чистой Абстракции.
Определяющая работа Мазервелла появилась в 1971 году и называлась «Элегия Испанской республики» № 110. Неистовая энергия этой картины окутывает зрителя и, кажется, вырывается за пределы холста. В нем есть шокирующая жизненная сила, агрессия, переносящая эмоции и ярость в космос. В то время, когда многие художники считали, что абстракция уже исчерпала себя, Мазервелл привнес в этот стиль новую мощную жизненную силу. Его свежее видение и уверенный голос помогли абстракции выжить и по сей день продолжают вдохновлять и вдохновлять художников-абстракционистов.
Роберт Мазервелл — Элегия Испанской республике № 110, 1971. Холст, акрил, графит, уголь. 82 x 114 дюймов. Музей Соломона Р. Гуггенхайма. Роберт Мазервелл © Dedalus Foundation, Inc./ Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк
Изменение нашего восприятия будущего
Современные абстрактные художники в долгу перед каждым из этих художников, как за то, как они искали свободы в своих способах самовыражения и в способах, которыми они помогали зрителям открыть свой разум для новых взглядов.Абстракция продолжает открывать для нас новые двери, пока мы пытаемся осознать бесконечные сложности, которые ставит перед нами развивающееся общество. Опираясь на примеры великих художников-абстракционистов прошлого, современные и завтрашние художники-абстракционисты могут помочь нам передать наши современные тревоги и страхи и помочь нам увидеть за пределами ограничений наших собственных глаз.
Показанное изображение: Василий Кандинский — Композиция VII, 1913 г. © Василий Кандинский / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж / Эрих Лессинг / Art Resource, NY
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Филлип Барсио
Западные художественные движения и их влияние
История искусства восходит к десяткам тысяч лет назад, когда древние цивилизации использовали доступные методы и средства массовой информации для изображения культурно значимых предметов.Начиная с этих ранних примеров, последовало множество художественных движений, каждое из которых несло свои собственные отличные стили и характеристики, отражающие политические и социальные влияния того периода, из которого они возникли.
Влиятельные жанры искусства от эпохи Возрождения до подъема модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Сегодня многие художники, такие как Бэнкси, Керри Джеймс Маршалл, Микален Томас и Кехинде Вили, постоянно вливают исторические отсылки к искусству в современные произведения, поэтому понимание исторического контекста и значения каждого периода и движения имеет решающее значение как для коллекционеров, так и для любителей искусства.Ниже приводится подробная хронология художественных движений, в которой исследуются характеристики, ведущие участники и важные влияния каждого выдающегося периода в истории западного искусства.
Нажмите на жанры ниже, чтобы узнать больше об основных характеристиках и основных участниках поворотных периодов западного искусства.
Доисторическое искусство ~ 40–4 тыс. До н. Э.
Характеристики Резьба по камню, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции
Ведущие участники Доисторические культуры, существовавшие до появления письменности
Влиятельные работы Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита
Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолитаДревнее искусство 30 000 лет до н. Э.C.–A.D. 400
Характеристика Религиозно-символическая образность, украшения утилитарных предметов, мифологические сюжеты
Ведущие участники Цивилизации Месопотамии, Египта, Греции и Америки
Influential Works Кодекс Хаммурапи , 1754 г. до н. Э.
Месопотамия, Кодекс Хаммурапи , 1754 г. до н. Э.Средневековый 500 – н. Э.Д. 1400
ХарактеристикиТемные образы, библейские сюжеты, Классическая мифология, Готическая архитектура
ведущих авторов Аббат Сугер Чимабуэ Джотто
Влиятельные работы Чимабуэ
Чимабуэ, Распятие , 1288
Распятие , 1288 Джотто
Оплакивание Христа , 1305Ренессанс 1400–1600 гг.
Характеристики Природные элементы, индивидуализм, реализм, внимание к деталям, точность анатомии человека
Ведущие авторы Леонардо да Винчи Микеланджело Рафаэль
Влиятельные работы Леонардо да Винчи
Рафаэль, Афинская школа , 1511
Мона Лиза , 1503 Микеланджело
Давид , 1504 Рафаэль
Афинская школа , 1511Маньеризм 1527–1580 гг.
Характеристики Стилизованные элементы, преувеличенные детали, декоративные элементы
ведущих авторов Бронзино Франческо Сальвиати Джорджио Вазари
Влиятельные произведения Бронзино, Венера, Амур, Безумие и время , 1540 Джорджо Вазари
Бронзино, Венера, Амур, Безумие и время , 1540
Аллегория Непорочного зачатия , 1541Барокко 1600–1750 гг.
Характеристики Изысканный, величавый, богатый, стилистически сложный, драматичный
ведущих авторов Караваджо Йоханнес Вермеер Рембрандт ван Рейн
Влиятельные работы Караваджо
Караваджо, Призвание св. Матфея , 1600
Призвание святого Матфея , 1600 Рембрандт
Ночной дозор , 1642 Йоханнес Вермеер
Девушка с жемчужной сережкой , 1665Рококо 1699–1780 гг.
Характеристики Легкость, элегантность, естественные формы, асимметричный дизайн, нежные цвета
Ведущие авторы Антуан Ватто Франсуа Буше
Влиятельные работы Антуан Ватто
Антуан Ватто, Посадка в Cythera , 1718
Посадка на Киферу , 1718 Франсуа Буше
Венера, утешающая любовь , 1751Неоклассицизм 1750–1850 гг.
Характеристики Возобновленный интерес к классической старине, гармонии, простоте и пропорции
ведущих авторов Антонио Канова Жак-Луи Давид
Влиятельные работы Жак-Луи Давид
Жак Луи Давид, Наполеон пересекает Альпы , 1801
Наполеон пересекает Альпы , 1801 Антонио Канова
Три грации , 1816Романтизм 1780–1850 гг.
Характеристики Элементы воображения, сосредоточенность на страсти, эмоциях и наблюдении за чувствами
ведущих авторов Франсиско Гойя Генри Фузели Уильям Блейк
Влиятельные работы Генри Фусели
Уильям Блейк, Призрак блохи , 1820
Кошмар , 1781 Уильям Блейк
Призрак блохи , 1820 Франсиско Гойя
Сатурн, пожирающий своего сына , 1823Реализм 1848–1900 гг.
ХарактеристикиПодробные изображения повседневной жизни
Ведущие участники Гюстав Курбе Жан-Франсуа Милле
Влиятельные произведения Жан-Франсуа Милле
Жан-Франсуа Милле, Собиратели , 1857
Собиратели , 1857 Гюстав Курбе
Женщина с попугаем , 1866Ар-нуво 1890–1910 гг.
Характеристики Длинные, извилистые линии и кривые
ведущих авторов Альфонс Муха Антони Гауди Густав Климт
Влиятельные работы Антонио Гауди
Альфонс Муха, Принцесса Гиацинт , 1911
Церковь Саграда Фамилия , 1882 г. Густав Климт
Поцелуй , 1908 Альфонс Муха
Принцесса Гиацинт , 1911Импрессионизм 1865–1885 гг.
Характеристики Короткие, быстрые мазки, разделение цветов, отделка в стиле эскиза, современная тематика
Ведущие авторы Клод Моне Пьер Огюст Ренуар
Влиятельные работы Пьер Огюст Ренуар
Клод Моне, Впечатление, Восход солнца , 1899
Танцы в городе , 1872 Клод Моне, Впечатление, Восход солнца , 1899Постимпрессионизм 1885–1910 гг.
Характеристики Субъективные видения, символика, абстракция
Ведущие участники Жорж Сёра Винсент Ван Гог
Влиятельные работы Жорж Сёра
Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат, , 1886
Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат , 1886 Винсент Ван Гог
Звездная ночь , 1889Фовизм 1900–1935 гг.
Характеристики Выразительные цвета, линии и манера письма, жирный дизайн поверхности, плоская композиция
ведущих авторов Андре Дерен Анри Матисс
Влиятельные произведения Анри Матисс
Анри Матисс, Женщина в шляпе , 1905
Женщина в шляпе , 1905 Андре Дерен
Здание парламента , 1905-1906Экспрессионизм 1905–1920 гг.
Характеристики Искажение формы, сильное использование цветов
Ведущие авторыЭдвард Мунк Василий Кандинский
Влиятельные произведения Эдвард Мунк
Эдвард Мунк, Танец жизни , 1900
Танец жизни , 1900 Василий Кандинский
Синий всадник , 1903Кубизм 1907–1914 гг.
Характеристики Абстракция, плоские, двумерные поверхности, геометрические формы, контрастные точки обзора
ведущих авторов Жорж Брак Пабло Пикассо
Влиятельные произведения Жорж Брак
Жорж Брак, Скрипка и палитра , 1909
Скрипка и палитра , 1909 Пабло Пикассо
Герника , 1937Сюрреализм 1917–1950
Характеристики Исследование сновидений и бессознательного, вдохновленное Зигмундом Фрейдом
ведущих авторов Макс Эрнст Рене Магритт Сальвадор Дали
Влиятельные произведения Сальвадор Дали
Рене Магритт, Сын Человеческий , 1964
Постоянство памяти , 1931 Макс Эрнст
Одежды невесты , 1940 Рене Магритт
Сын Человеческий , 1964Абстрактный экспрессионизм 1940–1950-х гг.
Характеристики Спонтанность, импровизация, колоссальные масштабы, уникальные техники
ведущих авторов Джексон Поллок Марк Ротко
Influential Works Джексон Поллок
Джексон Поллок, Осенний ритм (номер 30) , 1950
Осенний ритм (номер 30) , 1950 Марк Ротко
Оранжевый и желтый , 1956Оп-арт 1950–1960-х годов
Характеристики Использование цветов, узоров, форм и контраста для создания движущихся или размытых изображений
Ведущие авторы: Бриджит Райли Жан-Пьер Ивараль Виктор Вазарели
Influential Works Бриджит Райли
Бриджит Райли, Blaze , 1964
Blaze , 1964Поп-арт 1950–1960-х годов
Характеристики Использование повседневных, обыденных предметов, смелые, яркие цвета, средства массовой информации
Ведущие авторы Энди Уорхол Рой Лихтенштейн
Influential Works Энди Уорхол
Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла , 1962
Банки с супом Кэмпбелла , 1962 Рой Лихтенштейн
Мазки , 1962Арте повера 1960-х годов
Характеристики Использование почвы, камней, бумаги и других природных элементов для создания доиндустриального настроения
ведущих авторов Алигьеро Боэтти Джованни Ансельмо Марио Мерц
Influential WorksМарио Мерц
Марио Мерц, Иглу Зиапа, , 1968 г.
Иглу Зиапа , 1968Минимализм 1960–1970-х гг.
Характеристики Фокус на том, что изображает искусство, помимо внешних реалий и эмоций
ведущих авторов Карл Андре Дональд Джадд Фрэнк Стелла
Influential Works Фрэнк Стелла
Фрэнк Стелла, Black Series I , 1967
Black Series I , 1967Концептуальное искусство середины 1960-х — середины 1970-х годов.
Характеристики Упор на идеи, а не на визуальные компоненты в виде перформансов, эфемерных и других форм
Ведущие авторы Джозеф Кошут Марсель Дюшан Сол Левитт
Influential Works Джозеф Кошут
Джозеф Кошут, Одно и три стула , 1965
Одно и три стула , 1965Современное искусство 1970 – настоящее время
Характеристики Исследование постмодернизма, феминистского искусства, неоэкспрессионизма, уличного искусства, искусства присвоения, цифрового искусства и других небольших школ
Ведущие участники Джефф Кунс
Influential Works Джефф Кунс
Джефф Кунс, Майкл Джексон и Бабблз , 1988
Майкл Джексон и Бабблз , 1988
Характеристики Резьба по камню, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции
Ведущие участники Доисторические культуры, существовавшие до появления письменности
Влиятельные работы Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита
Доисторическое искусство (~ 40 000–4 000 до н.э.С.)
Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, когда еще не велись письменные записи. Самые ранние артефакты происходят из эпохи палеолита или древнего каменного века в виде наскальных рисунков, гравюр, живописных изображений, скульптур и каменных композиций.
Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных пигментов и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые управляли существованием цивилизации. Один из самых известных примеров — наскальные рисунки эпохи палеолита, найденные в сложных пещерах Ласко во Франции.Хотя они были обнаружены в 1940 году, их возраст оценивается до 20 000 лет и на них изображены крупные животные и растительность этого района.
Древнее искусство (4000 г. до н.э. — 400 г. н.э.)
Неизвестно, Кодекс Хаммурапи, около 1792 и около 1750 гг. До н. Э. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Древнее искусство создавалось развитыми цивилизациями, которые в данном случае относятся к тем, у кого есть устоявшаяся письменность. Эти цивилизации включали Месопотамию, Египет, Грецию и страны Америки.
Среда создания произведения искусства этого периода варьируется в зависимости от цивилизации, создавшей его, но большинство произведений искусства служило аналогичным целям: рассказывать истории, украшать утилитарные предметы, такие как чаши и оружие, отображать религиозные и символические образы и демонстрировать социальный статус. Многие работы изображают истории правителей, богов и богинь.
Одно из самых известных произведений древней Месопотамии — Кодекс Хаммурапи . Созданный около 1792 г. до н.э., изделие несет в себе высеченный на камне свод вавилонских законов, украшенный изображением царя Хаммурапи — шестого царя Вавилонии — и месопотамского бога Шабаша .
Средневековое искусство (500–1400)
Симоне Мартини. Продано на аукционе Sotheby’s за 4 114 500 долларов (январь 2012 г.).
Средние века, часто называемые «темными веками», ознаменовали период экономического и культурного упадка после падения Римской империи в 476 году нашей эры. Большая часть произведений искусства, созданных в первые годы этого периода, отражает эту тьму, характерную для гротескными образами и жестокими декорациями. Искусство, произведенное в то время, было сосредоточено вокруг церкви. По прошествии первого тысячелетия появились более сложные и искусно украшенные церкви; окна и силуэты украшали библейские сюжеты и сцены из классической мифологии.
Этот период был также ответственен за появление иллюминированной рукописи и стиля готической архитектуры. Яркие примеры влиятельного искусства этого периода включают катакомбы в Риме, Собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна , один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и Нотр-Дам, парижский собор и выдающийся образец готической архитектуры. .
Искусство эпохи Возрождения (1400–1600)
Рафаэлло Санцио да Урбин, Афинская школа, 1511 г.Изображение взято с Wikimedia Commons.
Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался акцентом на природе и индивидуализмом , представлением о человеке как независимом и самостоятельном. Хотя эти идеалы присутствовали в период позднего средневековья, они процветали в 15-м и 16-м веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.
Ренессанс достиг своего апогея во Флоренции, Италия, в значительной степени к Медичи, богатой купеческой семьи, непреклонно поддерживал искусство и гуманизм , разнообразие верований и философий, что делает акцент на сфере человека.Итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло были ключевыми новаторами в этот период.
Высокое Возрождение, продолжавшееся с 1490 по 1527 год, породило таких влиятельных художников, как да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, каждый из которых принес творческую силу и был инициатором идеалов эмоционального выражения. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создали глубину за счет интенсивного освещения и затенения.Искусство начало стилистически меняться вскоре после Высокого Возрождения, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.
Маньеризм (1527–1580)
Последователь Джорджо Вазари, Святое Семейство, 17 век. Предлагается за 6000-8000 евро через Artcurial (май 2010 г.).
художников-маньеристов возникли из идеалов Микеланджело, Рафаэля и других художников позднего Возрождения, но их внимание к стилю и технике перевешивало смысл предмета.Часто фигуры имели изящные вытянутые конечности, маленькие головы, стилизованные черты лица и преувеличенные детали. Это привело к созданию более сложных стилизованных композиций, вместо того, чтобы полагаться на классические идеалы гармоничной композиции и линейной перспективы, используемые их предшественниками в стиле эпохи Возрождения.
Некоторые из самых известных художников-маньеристов включают Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который широко считается самым важным художником-маньеристом во Флоренции в свое время.
Барокко (1600–1750)
Караваджо, Призвание святого Матфея, около 1599-1600 гг. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Период барокко, последовавший за маньеризмом, привел к богатым, неповторимым изобразительным искусствам и архитектуре. Он отличался величием и богатством, перемежающимися интересом к расширению человеческого интеллекта и глобальным открытиям. Художники барокко были стилистически сложными.
Картины в стиле барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского художника Рембрандта.Художники использовали интенсивный контраст между светлым и темным и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.
Рококо (1699–1780)
Антуан Ватто, Посадка на Киферу 1717. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Рококо зародилось в Париже и включает декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика предлагала более мягкий стиль декоративного искусства по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.
Художники, такие как Антуан Ватто и Франсуа Буше, использовали беззаботные обработки, богатую манеру письма и свежие цвета. Стиль рококо также легко переносится на серебро, фарфор и французскую мебель. Многие стулья и шкафы отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и выразительным использованием позолоты.
Неоклассицизм (1750–1850)
Жак-Луи Давид, «Наполеон пересекает Альпы», 1801 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Как следует из названия, неоклассический период опирался на элементы классической античности.Археологические руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, которые были обнаружены в то время, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.
Художники-неоклассики испытали влияние классических элементов; в частности, ориентация на идеализм. Неизбежно, что они также включали в свои работы современные, исторически актуальные изображения. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, которая была представлена во многих из этих ранних творений.
Романтизм (1780–1850)
Уильям Блейк, Сошествие человека в долину смерти. Продана за 225 000 долларов на аукционе Sotheby’s (январь 2016 г.).
Романтизм воплощает в себе широкий спектр дисциплин, от живописи до музыки и литературы. Идеалы, присутствующие в каждой из этих форм искусства, отвергают порядок, гармонию и рациональность, которые были приняты как в классическом искусстве, так и в неоклассицизме. Вместо этого художники-романтики подчеркивали индивидуальность и воображение. Еще одним определяющим романтическим идеалом была любовь к природе, многие обратились к живописи на пленэре , которая выводила художников из темных интерьеров и позволяла им рисовать снаружи.Художники также сосредоточились на страсти, эмоциях и ощущениях над интеллектом и разумом.
Выдающиеся художники-романтики включают Генри Фузели, создавшего странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильяма Блейка, чьи таинственные стихи и образы передают мистические видения и его разочарование в социальных ограничениях.
Реализм (1848–1900)
Жан-Франсуа Милле, Собиратели, 1857 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Вероятно, первое движение в современном искусстве, реализм, зародилось во Франции в 1840-х годах.Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый пробуждал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности проявляется в произведениях искусства, созданных во время движения механизма, которые содержат подробные, реалистичные изображения предметов.
Одним из самых влиятельных лидеров реалистического движения является Гюстав Курбе, французский художник, который рисовал только то, что он мог физически видеть.
Ар-нуво (1890–1910)
Альфонс Муха, принцесса Хязинта, 1911 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Art Nouveau, что переводится как «новое искусство», пытается создать полностью аутентичное движение, свободное от имитации стилей, которые ему предшествовали. Это движение сильно повлияло на прикладное искусство, графику и иллюстрацию. Он сосредоточен на мире природы, характеризующемся длинными извилистыми линиями и кривыми.
Влиятельные художники в стиле ар-нуво работали в различных средах, включая архитектуру, графику и дизайн интерьера, изготовление ювелирных изделий и живопись.Чехословацкий графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернхардт. Испанский архитектор и скульптор Антони Гауди не ограничился рамками линий, чтобы создать изогнутые, яркие конструкции, такие как Базилика Саграда Фамилия в Барселоне.
Импрессионизм (1865–1885)
Клод Моне, Impression, Sunrise, 1872. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Художники-импрессионисты стремились запечатлеть непосредственное впечатление определенного момента.Это характеризовалось короткими быстрыми мазками и ощущением незавершенного эскиза. Художники-импрессионисты использовали современную жизнь в качестве своего предмета, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические и мифологические события.
Клод Моне, французский художник, который возглавил идею выражения своих восприятий перед природой, фактически является синонимом импрессионистского движения. Среди его известных работ The Water Lily Pond (1899), Woman with a Parasol (1875) и Impression, Sunrise (1872), от которых происходит название самого механизма.
Постимпрессионизм (1885–1910)
Джордж Сёра, Воскресенье на острове Ла Гранд Жат, 1884. Изображение взято с Wikimedia Commons.
художников-постимпрессионистов работали независимо, а не как группа, но у всех влиятельных художников-постимпрессионистов были схожие идеалы. Они сосредоточились на субъективных видениях и символических личных значениях, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто это достигалось с помощью абстрактных форм.
Среди художников-постимпрессионистов— Жоржа Сера, известного своей техникой пуантилизма , в которой для формирования изображения использовались маленькие четкие точки.Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, ищущим личного выражения в своем искусстве, часто с помощью резких мазков и темных тонов.
Фовизм (1900–1935)
Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Под руководством Анри Матисса фовизм основывался на примерах Винсента Ван Гога и Жоржа Сера. Как первое авангардное движение 20-го века, этот стиль характеризовался выразительным использованием интенсивных цветов, линий и манер, смелым чувством дизайна поверхностей и плоской композицией.
Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательной, репрезентативной цели было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был важным предшественником кубизма и экспрессионизма.
Экспрессионизм (1905–1920)
Эдвард Мунк, Танец жизни, 1899. Изображение взято с Wikimedia Commons.
Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения и утрату духовности. Искусство экспрессионизма стремилось рисовать изнутри художника, используя искажение формы и яркие цвета, чтобы показать беспокойство и грубые эмоции.Художники-экспрессионисты в поисках аутентичности искали вдохновение, выходящее за рамки западного искусства, и часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и племенное искусство.
Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Выдающиеся группы, включая Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), сформировали, чтобы художники могли публиковать работы и коллективно выражать свои идеалы.
Кубизм (1907–1914)
Скрипка и палитра, Жорж Брак, 1909.Изображение взято с Wikimedia Commons.
Кубизм был основан Пабло Пикассо и Жоржем Браком, которые отвергли концепцию, согласно которой искусство должно копировать природу. Они отошли от традиционных техник и перспектив; вместо этого они создали радикально фрагментированные объекты посредством абстракции. Работы многих художников-кубистов отмечены плоскими двухмерными поверхностями, геометрическими формами или «кубами» объектов и множеством точек обзора. Часто их предметы были даже не различимы.
Сюрреализм (1916–1950)
Рене Магритт, Сын Человеческий, 1964.Изображение взято из Википедии.
Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, демонстрируя произведения искусства, бросающие вызов разуму. Сюрреалисты осудили рационалистическое мышление. Они обвинили этот мыслительный процесс в таких событиях, как Первая мировая война, и считали, что он подавляет образные мысли. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий, разработанных Зигмундом Фрейдом, который исследовал психоанализ и силу воображения.
Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, использовали подсознание, чтобы изобразить откровения, обнаруживаемые на улице и в повседневной жизни.В частности, картины Дали соединяют яркие и причудливые сны с исторической точностью.
Абстрактный экспрессионизм (1940–1950-е)
Созданный наследием сюрреализма, абстрактный экспрессионизм возник в Нью-Йорке после Второй мировой войны. Его часто называют Нью-Йоркской школой или , рисунком в стиле боевик . Эти художники и абстрактные скульпторы отошли от того, что считалось традиционным, и вместо этого использовали спонтанность и импровизацию для создания абстрактных произведений искусства. Сюда входили колоссальные по размеру произведения, размер которых уже не мог вместить мольберт.Вместо этого холсты будут размещены прямо на полу.
Известные художники-абстрактные экспрессионисты включают Джексона Поллока, известного своим уникальным стилем капельной живописи, и Марка Ротко, в чьих картинах использовались большие цветные блоки, чтобы передать чувство духовности.
Оп-арт (1950–1960-е годы)
Обусловленное достижениями науки и техники, а также интересом к оптическим эффектам и иллюзиям, движение Op art (сокращение от «оптического» искусства) было запущено с Le Mouvement , групповой выставки в Galerie Denise Rene в 1955 году.Художники, работающие в этом стиле, использовали формы, цвета и узоры для создания движущихся или размытых изображений, часто создаваемых в черно-белом цвете для максимального контраста. Эти абстрактные узоры должны были сбивать с толку и волновать глаз.
Английская художница Бриджет Райли — одна из самых известных практиков оп-арта. Ее произведение 1964 года Blaze отличается зигзагообразными черно-белыми линиями, которые создают иллюзию круглой формы.
Поп-арт (1950–1960-е)
Энди Уорхол.Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).
Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных достижений 20 века. Движение отошло от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, и вместо этого использовало повседневные, обыденные предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это введение в опознаваемые образы было сдвигом в сторону модернизма.
Поп-художники, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, стремились обосновать идею о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.Пожалуй, самым известным произведением искусства в области поп-культуры является постановка Уорхола Campbell’s Soup Cans .
Arte Povera (1960-е годы)
Буквально переводя слово «бедное искусство», Arte Povera бросил вызов модернистским современным системам, добавив в свои творения обычные материалы. Художники использовали землю, камни, бумагу, веревку и другие земляные элементы, чтобы вызвать доиндустриальные настроения. В результате многие известные работы этого движения являются скульптурными.
Итальянский художник Марио Мерц вместе с другими итальянскими художниками, такими как Джованни Ансельмо и Алигьеро Боэтти, создавал антиэлитарные работы, опираясь на материалы повседневной жизни.Его 1968 Giap’s Igloo , одно из того, что вскоре станет его фирменной серией иглу, было сосредоточено на его занятиях с предметами первой необходимости: кров, тепло и еда.
Минимализм (1960–1970-е годы)
Движение минималистов возникло в Нью-Йорке, когда группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточено на анонимности, обращая внимание на материальность произведений. Художники призвали зрителей сосредоточиться именно на том, что находится перед ними, а не проводить параллели с внешними реальностями и эмоциональными мыслями, используя очищенные формы, порядок, простоту и гармонию.
Американский художник Фрэнк Стелла был одним из первых приверженцев минимализма, создавая нерепрезентативные картины, как видно из его Black Paintings , завершенных между 1958 и 1960 годами. Каждая из них имеет узор из прямолинейных полос одинаковой ширины, напечатанный металлическими черными чернилами.
Концептуальное искусство (1960–1970-е годы)
Концептуальное искусство полностью отвергало предыдущие направления в искусстве, а художники ценили идеи выше визуальных компонентов, создавая искусство в виде перформансов, эфемерных и других форм.Картина польской художницы-перформанса Евы Партум Active Poetry состоит из ее разбросанных букв алфавита по разным ландшафтам. Американский художник Джозеф Кошут исследовал производство и роль языка в искусстве, как показано в его 1965 году, One and Three Chairs . В нем он представляет один стул тремя разными способами, чтобы представить разные значения одного и того же объекта. Поскольку этот вид искусства сфокусирован на идеях и концепциях, не было четкого стиля или формы.
Современное искусство (1970 – настоящее время)
1970-е ознаменовали начало современного искусства, которое продолжается до наших дней.В этот период преобладают различные школы и возникшие более мелкие движения.
- Постмодернизм : В ответ на модернизм художники создавали работы, отражающие скептицизм, иронию и философскую критику.
- Феминистское искусство : Это движение возникло в попытке изменить стереотипы и разрушить модель истории искусства, в которой доминируют мужчины.
- Неоэкспрессионизм : Художники стремились возродить оригинальные аспекты экспрессионизма и создать высокотекстурные, выразительные, большие работы.
- Уличное искусство : Художники, такие как Кейт Харинг, Жан-Мишель Баския, Барри МакГи, Бэнкси и другие, создавали граффити на поверхностях в общественных местах, таких как тротуары, здания и путепроводы.
- The Pictures Generation : Художники Синди Шерман, Луиза Лоулер, Гэри Симмонс и другие, на которых повлиял концептуальный и поп-арт, экспериментировали с узнаваемыми образами, чтобы исследовать образы, формирующие наше восприятие мира.
- Присвоение искусства : это движение сосредоточено на использовании изображений в искусстве с небольшими изменениями по сравнению с их первоначальной формой.
- Молодые британские художники (YBA): Эта группа лондонских художников была известна своей готовностью шокировать публику своими образами и готовностью выйти за рамки приличия. Они также известны своим энтузиазмом и предприимчивостью.
- Цифровое искусство : Появление камеры открыло путь к этой художественной практике, которая позволила художникам использовать вливание искусства и технологий для создания таких сред, как компьютеры, аудио и визуальное программное обеспечение, звук и пиксели.
Просмотр полной инфографики
Художественные движения на протяжении всей истории западного искусства предлагали множество разнообразных, влиятельных стилей, техник и средств массовой информации по всему миру. Каждое движение проливало свет на отличительные картины, скульптуры, архитектурные достижения и другие определяющие работы. Понимание хронологии истории искусства и того, как каждый период повлиял на более поздние движения, имеет первостепенное значение для создания продуманной, сплоченной коллекции.
Источники : Музей Метрополитен | Совенок | Британская энциклопедия | История | Художественная история | Оксфордское искусство онлайн | ThoughtCo.
(/): Стоимость рекламы
Стоимость рекламы
Другими словами гласность — это публичное уведомление или внимание. Многие мечтают о быть известным. Они восхищаются разными знаменитостями, чьи фотографии публикуются почти на каждой странице многих газеты и журналы, которые появляются в многочисленных ток-шоу и снимаются в разных фильмах. Средства массовой информации создали культ знаменитость ».Некоторые актеры, певцы или музыканты не становятся известными. потому что они очень талантливы, а потому что есть много статьи о них в прессе, и они постоянно появляются в реалити-шоу. Но слава означает не только дорогие машины, роскошные дома, сумасшедшие вечеринки и всеобщее восхищение. Есть и обратная сторона медали. Иногда у людей есть платить высокую цену за гласность.
Знаменитость — это человек, личную жизнь которого обсуждают журналисты, Телезрители и читатели газет и журналов.Если ты звезда вы можете забыть о конфиденциальности, поскольку каждый будет вмешиваться в ваш жизнь и лезь в свои дела. Самые глубокие секреты твоего семья может стать государственной собственностью. Папарацци следят за знаменитыми людей вокруг, чтобы сделать нелестные фотографии в самые интимные моменты, делая невозможным для них иметь личную жизнь. Газеты и журналы издают ненадежные информацию и распространять слухи. Я не думаю, что это легко работать а отдыхающие постоянно преследуют журналисты и фотографы.
Жизнь знаменитость может быть испорчена фанатами, которые хотят знать все о своей любимой звезде и о том, чтобы быть с ним или с ней. Поклонники получают телефоны знаменитостей, ждите их после концертов, отправлять им сообщения и любовные письма и подписываться на них везде. Есть сумасшедшие, которые угрожают знаменитостям а иногда они приводят свои угрозы в исполнение. Быть знаменитый очень опасен.Например, Джон Леннон, известный Британский певец и автор песен, участник группы Beatles, был застрелен сумасшедшим в Нью-Йорке. Вот почему известные люди часто приходится маскироваться и тратить много денег на безопасность. Но иногда даже эти меры не помогают. Всем известна печальная история смерти принцессы Дианы, машину преследовали папарацци по Парижу перед роковым авария. Папарацци сфотографировали разбившуюся машину раньше всех. из них обратились за помощью.Они не перестали фотографировать даже когда аварийные службы были на месте и когда тела были удалены.
Фильм «Телохранитель», выпущенный в 1992 году, рассказывает историю о известная и успешная поп-певица Рэйчел (Уитни Хьюстон), у которой нанять телохранителя Фрэнка (Кевин Костнер) после того, как она получила письма с угрозами. Ее жизнь постоянно находилась в опасности. Кроме, она боялась за своего маленького сына, и ее жизнь была полна страхов и опасения.
Очень часто знаменитости устают от стрессового образа жизни и чувствуют подавлен. Они начинают курить, пить и принимать наркотики. Эти используются как побег или временный способ переключения но они не решают своих проблем. Здесь очень много примеры известных людей, умерших из-за алкоголя или наркотиков такие как Курт Кобейн, Дженис Джоплин и многие другие.
Так гласность
не только ведет к славе, успеху, восхищению и богатству.Это
также является причиной зависти, ревности, стресса, сильной усталости
и невозможность избежать общественного внимания. Многие звезды
хотел бы стать простыми людьми хотя бы на один день, чтобы
не быть узнаваемым на улицах.
1. Завершите каждое предложение (AH) одним из окончаний
(18):
А.Другими словами публичность —
Б. Средства массовой информации создали
человек.
Знаменитость — это человек
Д. Папарацци следят за известными людьми вокруг, чтобы
E. Поклонники получают номера телефонов знаменитостей, ждите их после
концерты, отправить
F. Известным людям часто приходится
Г. Очень часто знаменитости
H. Публичность — причина
1. чью личную жизнь обсуждают журналисты, телезрители.
читатели газет и журналов.
2. устают от стрессового образа жизни и впадают в депрессию.
3. публичное уведомление или внимание.
4. Маскируются и тратят много денег на безопасность.
5. «Культ знаменитости».
6. Сделайте нелестные фотографии их самых интимных
моменты.
7. зависть, ревность, стресс, крайняя усталость и невозможность
чтобы избежать общественного внимания.
8. послания и любовные письма к ним и следуйте им везде.
2. Дайте определения следующим словам
культ СМИ
знаменитости папарацци фанат
3. Ответить на вопросы
1) Что означает «культ знаменитости»?
2) Почему многие знаменитости должны забыть о приватности?
3) Почему опасно быть известным?
4) Какими еще рисками подвергаются знаменитости?
5) Что могут сделать известные люди, чтобы избежать возможных опасностей?
6) Как публичность влияет на характер человека?
7) Что вы думаете о папарацци?
8) Вы знаете известных людей, пострадавших от папарацци или
их фанаты / начали пить или принимать наркотики из-за их
стрессовый образ жизни / были обмануты их производителями / были поставлены
в тюрьму / покончил жизнь самоубийством / пожертвовал своей карьерой ради своих
семья?
9) Почему ты / не хочешь быть знаменитым?
10) Что вы можете сказать о жизни типичной знаменитости?
4.Заполните таблицу
Известность и внимание общественности
Для
1. Известным людям позволено вольность иметь собственное стиль или мнение.
2. …………
Против
1. Известный человек видит мир как битву; соперничество, зависть и ревность
его или ее основные эмоции.
2………….
5. Прочтите цитаты ниже. Выберите любое заявление и прокомментируйте
на нем
‘В мире знаменитостей иерархия публичности
заменил иерархию происхождения и даже большого богатства ». (С.
Райт Миллс)
«Публичность подобна яду; это не повредит, если вы не проглотите
Это.’ (Джо Патерно)
«Слава всегда приносит одиночество.Успех как ледяной и
одиноко, как Северный полюс ». (Вики)
Слава — вещь очень запутанная, потому что тебя узнают
много людей, которых вы никогда раньше не видели, и они
большое преимущество ». (Скотт Гамильтон)
«Слава означает, что миллионы людей неправильно представляют, кто вы
находятся.’ (Эрика Джонг)
‘Знаменитость — это тот, кто всю жизнь много работает, чтобы быть
известен, затем носит темные очки, чтобы его не узнали.'(Фред
Алан)
«Публичность может быть ужасной. Но только если у вас их нет ».
(Джейн Рассел)
Прочтите, что говорят некоторые звезды. Какова цена рекламы их?
Майкл Джексон:
«Это полная ложь, почему люди покупают эти бумаги? Это
не правда я здесь, чтобы сказать. Знаешь, не суди человека,
не выносите суждений, если вы не поговорили с ними один на
один. Меня не волнует, что это за история, не судите их, потому что
это ложь.
Джон Леннон:
«Почтальон хочет автограф. Водитель такси хочет
картина. Официантка хочет рукопожатия. Каждый хочет кусок
из вас.
Бритни Спирс:
Мне нравится встречаться со всеми моими фанатами и раздавать автографы, хотя
все это может стать немного сумасшедшим. Вчера, например, мальчик просто
подошел и поцеловал меня в лицо! Я подумал: «Привет
? ‘
Джулия Робертс:
«Не думаю, что я осознавала, что цена славы в том, что она
открытый сезон в каждый момент вашей жизни.’
А. Каково, по-твоему, быть известным? Ты думаешь что ты было бы меньше проблем, если бы вы были богаты и популярны? Комментарий на ваш ответ.
Б. Прочтите текст «Цена рекламы» и подумайте, все ли вы
мечтают стать знаменитым.
» .. « .. 2012.
Эпический список известных людей с личностью ENFP
ENFP (экстравертное интуитивное восприятие чувств) является одним из шестнадцати типов личности психологического теста индикатора типа Майерс-Бриггс (MBTI). ENFP составляют около восьми процентов населения.
ENFP — чрезвычайно творческие и разносторонние люди. Им нравится играть с идеями, выдвигать новые концепции и обсуждать их с другими людьми.Они харизматичны, общительны и увлекательны, потому что, кажется, им всегда есть что исследовать или о чем поговорить.
Иногда ENFP могут казаться разрозненными и не имеющими направления, и их часто не интересуют приземленные детали повседневной жизни. Они, как правило, нуждаются в других, чтобы держать их на якоре и сосредоточиться. Вот несколько известных людей, которые подходят под тип ENFP.
ПИСАТЕЛИ
Чарльз Диккенс src
Хантер С. Томпсон src
Курт Воннегут src
авторов ENFP — одни из самых безумно творческих, единственных в своем роде голосов в литературе.
- Чарльз Диккенс , английский автор. источник
- Хантер С. Томпсон , американский гонзо-журналист. источник
- Теодор Гейзель (доктор Сьюз) , автор детской книги из США. источник
- Сэмюэл Клеменс (Марк Твен) , американский журналист и автор. источник
- Анна Франк , немецко-еврейский дневник. источник
- Анаис Нин , французский дневник и автор. источник
- Курт Воннегут , U.С. Писатель. источник
- Билл Брайсон , автор из США. источник
КОМЕДИАНЫ
Джордж Карлин src
Эллен Дедженерес src
Инновации, социальные навыки и наблюдательностьENFP делают их прирожденными комиками.
- Джордж Карлин , американский комик. источник
- Робин Уильямс , американский комик и актер. источник
- Энди Кауфман , американский комик и перформанс.источник
- Эллен Дедженерес , американский комик и ведущая ток-шоу. источник
- Рики Жерве , английский комик. источник
- Джерри Сайнфельд , американский комик и актер. источник
- Эми Шумер , американский комик и актриса. источник
- Билл Косби , американский комик. источник
АКТЕРЫ И ФИЛЬММЕСТЕРЫ
Дженнифер Энистон src
J.J. Abrams src
Орсон Уэллс src
Как творческие личности, которые любят примерять разные роли, ENFP естественно привлекают актерское мастерство.
- Дженнифер Энистон , американская актриса. источник
- Дрю Бэрримор , американская актриса. источник
- Эль Фаннинг , американская актриса (источник: личное сообщение)
- Сандра Буллок , американская актриса. источник
- Уолт Дисней , американский режиссер и продюсер. источник
- Киану Ривз , американский актер. источник
- Рассел Брэнд , английский актер.источник
- Дж. Дж. Абрамс , директор в США. источник
- Дэниел Рэдклифф , английский актер. источник
- Кэт Деннингс , актер из США. источник
- Орсон Уэллс , актер и режиссер из США. источник
- Мартин Фриман , английский актер. источник
- Мэг Райан , американская актриса. источник
- Сара Мишель Геллар , американская актриса. источник
- Куба Гудинг младший, американский актер. источник
- Реджис Филбин , ведущий ток-шоу в США. источник
МУЗЫКАНТЫ
Оззи Осборн src
Джастин Тимберлейк src
Музыканты ENFP имеют сильное лирическое, творческое начало в своей работе.
- Джон Леннон, , английский музыкант. источник
- Боб Дилан , музыкант из США. источник
- Брюс Спрингстин , рокер из США. источник
- Гвен Стефани , U.С. певец и дизайнер. источник
- Шер , американская певица и актриса. источник
- Оззи Осборн , английский хэви-метал-музыкант. источник
- Дженис Джоплин , музыкант из США. источник
- Джастин Тимберлейк , американский певец и актер. источник
- Франц Йозеф Гайдн , австрийский композитор. источник
- Джоан Джетт , музыкант из США. источник
- Джевел , певец и автор песен из США.источник
- Мелисса Этеридж , музыкант из США. источник
ПОЛИТИКИ И ЖУРНАЛИСТЫ
Муаммар Каддафи src
Джулиан Ассанж src
Fidel Castro src
ENFP в политике склонны быть идеалистами, и им может быть сложно заставить свои идеи работать через традиционную политику.
- Фидель Кастро , кубинский революционер. источник
- Че Гевара , кубинский революционер.источник
- Джеймс Добсон , лидер евангелистов США. источник
- Рэйчел Мэддоу , ведущая ток-шоу в США и автор. источник
- Махмуд Ахмадинежад , президент Ирана. источник
- Джулиан Ассанж , австралийский журналист и основатель WikiLeaks. источник
- Кэти Курик , американская журналистка и ведущая ток-шоу. источник
- Муаммар Каддафи , ливийский революционер. источник
ИСПОЛНИТЕЛИ
художников ENFP смотрят на мир уникальными глазами.
- Сальвадор Дали , испанский сюрреалист. источник
СПОРТСМЕН
Дуайт Гуден src
СпортсменыENFP инновационны и непредсказуемы, и на них может быть интересно смотреть.
- Том Брэди , защитник США. источник
- Jerry Rice , ресивер для широкой публики в США. источник
- Кевин Гарнетт , американский форвард и центр. источник
- Дуайт Гуден , U.С. кувшин. источник
- Дрю Брис , защитник США. источник
- Яо Мин , Китайский центр. источник
БИЗНЕС
ENFP не подходят для типичной корпоративной работы, но некоторым все же удается использовать свой творческий потенциал для получения прибыли.
- Дэйв Томас , основатель ресторанов Wendy’s в США. источник
УЧЕНЫЕ
Michio Kaku src
Ученые ENFP часто используют мистический и целостный подход к науке.
- Мичио Каку , американский физик и футуролог. источник
- Брайан Кокс , английский физик и телеведущий. источник
ФИКЦИАЛЬНЫЕ ПЕРСОНАЖИ
Абстракционизм (абстрактное искусство) — история, живопись, художники
Нефигуративное искусство, или абстрактное искусство, — это направление в визуальном искусстве, возникшее в начале 20 века. Одна из главных движущих идей абстракционизма — это желание отказаться от «реалистичного», то есть от изображения любых объектов, которые нас окружают в реальной жизни.Огромный вклад в формирование абстракционизма как явления внесли русские художники В. Кандинский, К. Малевич, а также голландский художник П. Мондриан, чешский живописец Франтишек Купка и французский художник Робер Делоне. Основной целью художников-абстракционистов была гармонизация абстрактных образов, а главными визуальными инструментами были всевозможные абстрактные геометрические формы и сочетания цветов. С их помощью художники-абстракционисты создавали рисунки, вызывающие определенные ассоциации в воображении зрителя.Художники-абстракционисты
Голландский художник Пит Мондриан увлекся живописью в раннем возрасте и получил образование в художественной школе в Амстердаме. Первоначально на него большое влияние оказал французский импрессионизм. Посетив художественную выставку художников-кубистов, Мондриан настолько вдохновился их идеями, что покинул Нидерланды и переехал в Париж, где познал тонкости художественного стиля. Вскоре он полностью отказался от традиционных живописных техник и стал одним из основоположников нового направления — неопластицизма.Мондриан использовал ограниченное количество цветов и оттенков и создавал асимметричные композиции из жестких линий, пытаясь добиться в них определенного баланса. По словам художника, его главной целью было создание «чистой пластической реальности». Среди его самых известных абстрактных картин — «Летняя дюна в Новой Зеландии», «Бродвейское буги-вуги», «Натюрморт с имбирным горшком», «Площадь Согласия», «Лепешковая композиция с красным, серым, синим, желтым и черным». .Выдающийся русский художник Василий Кандинский — один из общепризнанных идеологов и основоположников абстрактного искусства.Он начал рисовать в зрелом возрасте и сразу проявил такие «недопустимые» качества, как легкомысленное отношение к форме, цвету и композиции. Самым плодотворным периодом в его творчестве было время, проведенное в Мюнхене и Париже. Кандинский был основателем нескольких творческих объединений художников-абстракционистов («Фаланга», «Синий всадник»), а также основателем собственной художественной школы. За годы, проведенные в Германии, Кандинский создал несколько сотен картин и акварелей, но, к сожалению, с приходом к власти нацистов многие из них были потеряны или уничтожены.Его самые известные абстрактные картины — «Маленькие миры», «Оранжево-фиолетовый», «Хрупкий», «Встреча поверхностей» и др.
Художник Франтишек Купка родился в Чехии в эпоху Австро-Венгерской империи. Художественное образование получил в Вене, но большую часть жизни прожил во Франции. Купка много работал книжным иллюстратором, а также карикатуристом в периодических изданиях. Важным этапом в жизни художника стало создание собственной теории «Творчество в пластических искусствах», в которой он теоретически обосновал идеи абстрактного искусства.Среди абстрактных картин художника наиболее известны «Диски Ньютона», «Этюд для языка вертикалей», «Ноктюрн», «Музыка», серия картин «Вертикальные и диагональные плоскости» и др.
Последние новости План урока английского ESL по искусству
Злой 77-летний ненавистник искусства был арестован в Париже за то, что ударил молотком по ценному произведению искусства. Пьер Пинончелли проделал несколько дыр в известном белом фарфоровом унитазе Марселя Дюшана под названием Fountain .Это произведение искусства представляет собой перевернутый мужской писсуар стоимостью более 3 миллионов долларов США. Пенсионерка нападала на туалет. В 1993 году он помочился в нее, прежде чем попытаться ее сломать. Он заявил, что, помочившись на произведение искусства, он снова превратил его в унитаз, что означало, что это уже не искусство. Он сказал, что его последнее нападение было «благотворительным актом», а не актом вандализма.
Сотрудники музея заявили, что произведению 1917 года можно будет восстановить былую славу. Фонтан был недавно признан самым влиятельным произведением современного искусства всех времен 500 ведущими экспертами в области искусства.Он обошел Пикассо Герника и принты Энди Уорхола с Мэрилин Монро и занял первое место. Дюшан шокировал мир искусства в 1917 году, когда он вошел в свой перевернутый писсуар на выставке современного искусства в Нью-Йорке. Он подписал его «Р. Mutt ’, что звучит как armut — немецкое слово, обозначающее бедность. Критики отвергли это как образец безвкусицы. Тем не менее, Дюшан стал ведущей фигурой в мире современного искусства.
WARM-UPS
1.ТУАЛЕТЫ: Поговорите с как можно большим количеством других студентов, чтобы узнать, что они знают о туалетах. После того, как вы поговорите с большим количеством студентов, сядьте со своим партнером (-ами) и поделитесь своей информацией. Расскажите друг другу, что вы считаете интересным или удивительным. Что еще вы хотели бы узнать? Красивы ли туалеты?
2. АКТИВИЗМ: 77-летний мужчина напал на произведение искусства, потому что он ненавидит искусство. В парах / группах обсудите, почему он может ненавидеть искусство. Обсудите, почему люди могут стать активистами против:
|
|
3. ИСКУССТВО: Какое искусство тебе нравится? Вас интересует современное искусство? Ты рисуешь? У тебя на стене есть картины? Что такое искусство / современное искусство?
Посмотрите на этот список и решите, какое из этих произведений современного искусства является искусством:
- Куча кирпичных домов
- Разноцветные фотографии банки с супом
- Нецензурная лексика на вазе
- Брызги и цветные линии, сделанные шимпанзе
- Разрезанная пополам мертвая корова в пластиковом ящике
- Пустая комната, в которой потолочный светильник включается и выключается через случайные промежутки времени
- Мультяшный комикс
- Вся черная картина
4.МНЕНИЯ ИСКУССТВА: Согласны ли вы с этими мнениями об искусстве? Обсудите их со своим партнером (-ами).
- Современное искусство — это не настоящее искусство.
- Перевёрнутый унитаз — это не произведение искусства.
- Искусство не важно.
- Искусство только для богатых.
- Дети должны больше времени уделять рисованию в школе.
- Каждый художник.
- Чтобы стать художником, нужно быть сумасшедшим.
- Настоящее искусство — это картины Ренуара и Пикассо.
5. СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО: Потратьте одну минуту на то, чтобы записать все слова, которые у вас ассоциируются с современным искусством. Поделитесь своими словами с партнером (-ами) и поговорите о них. Вместе разделите слова на разные категории.
ПЕРЕД ЧТЕНИЕМ / ПРОСЛУШИВАНИЕМ
1.ИСТИНА / ЛОЖЬ: Посмотрите на заголовок статьи и угадайте, верны ли эти предложения (T) или ложь (F):
а. | Пенсионер был арестован за нападение на известное произведение искусства. | Т / Ф |
г. | Произведением искусства был перевернутый писсуар из белого фарфора. | Т / Ф |
г. | Пенсионер нападает на произведение искусства. | Т / Ф |
г. | Пожилой мужчина сказал, что напал на работу, чтобы проверить свой новый молот. | Т / Ф |
e. | Любители искусства грустят, что произведение не подлежит ремонту. | Т / Ф |
ф. | Картина Пикассо Герника была признана самым влиятельным произведением современного искусства за всю историю. | Т / Ф |
г. | ‘R. Mutt ’- это псевдоним, который использовал известный художник. | Т / Ф |
ч. | Искусствоведы в 1917 году ненавидели произведение искусства. | Т / Ф |
2. СООТВЕТСТВИЕ СИНОНИМУ: Сопоставьте следующие синонимы из статьи:
а. | злой | последний |
г. | несколько | уволен |
г. | peed | красота |
г. | последний | в ярости |
e. | акт | многочисленные |
ф. | восстановлено | важный |
г. | слава | верх |
ч. | влиятельные | действие |
и. | отклонено | помочился |
Дж. | ведущий | вернул |
3. ФРАЗОВОЕ СООТВЕТСТВИЕ: Совместите следующие фразы из статьи (иногда возможно несколько комбинаций):
а. | Злой 77-летний ненавистник искусства | нападения на туалет |
г. | Произведение искусства перевернутое | как пример безвкусицы |
г. | Пенсионер имеет историю | слава |
г. | В 1993 году в него пописал, | на выставке современного искусства |
e. | акт | перед попыткой разбить |
ф. | восстановлен до прежнего | арестован в Париже |
г. | самое влиятельное современное искусство | мир современного искусства |
ч. | он вошел в свой перевернутый писсуар | вандализма |
и. | Критики отклонили | работа за все время |
Дж. | — ведущая цифра в | писсуар мужской |
ВО ВРЕМЯ ЧТЕНИЯ / ПРОСЛУШИВАНИЯ
ЗАПОЛНИТЬ ПРОБЕЛ: Поместите слова в столбце справа в пробелы в тексте.
Сердитый 77-летний художник ________ был арестован в Париже за то, что ударил молотком по ценному произведению искусства. Пьер Пинончелли ________ несколько отверстий в известном белом ________ туалете Марселя Дюшана, названном Фонтан . Это произведение искусства представляет собой перевернутый писсуар для мужчин и стоит ________ более 3 миллионов долларов США. У пенсионерки есть ________ нападений на туалет. В 1993 году он помочился в нее, прежде чем попытаться ее сломать. Он заявил, что ________ над произведением искусства он заменил его на туалет, который ________ больше не был искусством.Он сказал, что его последнее нападение было «благотворительным актом», а не актом ________. | фарфор | |
Сотрудники музея сказали, что работа 1917 года может быть ________ к его былой славе. Фонтан был недавно признан самым ________ произведением современного искусства всех времен 500 ________ искусствоведов. Он превзошел Пикассо Guernica и принты Энди Уорхола с Мэрилин Монро на вершину ________. Дюшан шокировал мир искусства в 1917 году, когда он ______________ своим перевернутым писсуаром на выставке современного искусства в Нью-Йорке. Он ________ это Р. Mutt ’, что звучит как armut — немецкое слово, обозначающее бедность. Критики ______________ это как пример безвкусицы. Несмотря на это, Дюшан стал ведущим ________ в мире современного искусства.
| пятно |
ПРОСЛУШИВАНИЕ
Слушайте и заполняйте пробелы.
Сердитый 77-летний ненавистник искусства был ________ в Париже за то, что ударил молотком по ценному произведению искусства.Пьер Пинончелли проделал несколько дыр в знаменитом белом ________ унитазе Марселя Дюшана, названном Фонтан . Это произведение искусства — перевернутое мужское ________, оно стоит более 3 миллионов долларов США. У пенсионерки есть ________ нападений на туалет. В 1993 году он помочился в нее, прежде чем попытаться ее сломать. Он заявил, что, ________ над произведением искусства, он заменил его туалетом, что означало, что это уже не искусство. Он сказал, что его последнее нападение было «благотворительным актом», а не актом ________.
Сотрудники музея сказали, что работа 1917 года может быть ________ к его былой славе. Фонтан был недавно признан самым ________ произведением современного искусства всех времен по мнению 500 ведущих художников ________. Он обошел Пикассо Герника и принты Энди Уорхола с Мэрилин Монро и занял первое место. Дюшан шокировал мир искусства в 1917 году, когда он ______________ своим перевернутым писсуаром на выставке современного искусства в Нью-Йорке. Он подписал его «Р. Mutt ’, что звучит как armut — немецкое слово для ________.Критики отвергли это как пример ____ _____. Тем не менее, Дюшан стал ведущей фигурой в мире современного искусства.
ПОСЛЕ ЧТЕНИЯ / ПРОСЛУШИВАНИЯ
1. ПОИСК СЛОВ: Поищите в словарях / на компьютере словосочетания, другие значения, информацию, синонимы… для слов «современный» и «искусство» .
- Поделитесь своими выводами с партнерами.
- Задавайте вопросы, используя найденные слова.
- Задайте вопросы партнеру / группе.
2. ВОПРОСЫ ПО СТАТЬЕ: Вернитесь к статье и запишите несколько вопросов, которые вы хотели бы задать классу по тексту.
- Поделитесь своими вопросами с одноклассниками / группами.
- Задайте вопросы партнеру / группе.
3.ЗАПОЛНИТЬ ПРОБЕЛ: В парах / группах сравните свои ответы на это упражнение. Проверить ответы. Обсудите слова из упражнения. Были ли они новыми, интересными, заслуживающими изучения…?
4. СЛОВАРЬ: Обведите слова, которые вы не понимаете. В группах объединяйте неизвестные слова и используйте словари, чтобы найти их значения.
5. ОПРОС СТУДЕНТОВ «СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО»: В парах / группах запишите вопросы о современном искусстве.
- Задавайте другим одноклассникам свои вопросы и записывайте их ответы.
- Вернитесь к своему первоначальному партнеру / группе и сравните свои выводы.
- Сделайте мини-презентации для других групп о своих выводах.
6. ПРОВЕРЬТЕ ДРУГА: Посмотрите на слова ниже. Вместе со своим партнером постарайтесь вспомнить, как именно они использовались в тексте:
|
|
ОБСУЖДЕНИЕ
ВОПРОСЫ УЧАЩИХСЯ А (Не показывайте их ученику Б)
- Заголовок вызвал у вас желание прочитать статью?
- Любите современное искусство?
- Что вы думаете о том, что перевернутый унитаз стоит три миллиона долларов?
- Вы предпочитаете современное искусство старому?
- Что вы думаете об искусстве, созданном людьми из вашей страны?
- Какое наказание, по вашему мнению, должен понести Пьер?
- Как вы думаете, Пьер тоже современный художник, пытающийся превратить Fountain обратно в настоящий туалет?
- Если бы вы купили Fountain , где бы вы его поставили?
- Как вы думаете, Пьер — герой или злодей?
- Как вы думаете, почему перевернутый унитаз был признан более важным, чем картина Пикассо?
ВОПРОСЫ СТУДЕНТА B (Не показывайте их студенту A)
- Вам понравилась эта статья?
- Что вы думаете о прочитанном?
- Какие прилагательные вы бы использовали для описания Пьера?
- Против чего бы вы хотели выразить протест?
- Вы когда-нибудь принимали участие в какой-либо форме активности?
- Как вы думаете, почему Дюшан назвал свою работу Fountain ?
- Как вы думаете, повседневные вещи можно превратить в произведения искусства?
- Как вы думаете, мир сошел с ума, когда люди платят огромные суммы денег за старые туалеты, в то время как люди в Африке голодают?
- Какое самое нелепое произведение искусства вы когда-либо видели?
- Вам понравилось это обсуждение?
ПОСЛЕ ОБСУЖДЕНИЯ: Присоединитесь к другому партнеру / группе и расскажите им, о чем вы говорили.
- Что было самым интересным, что вы слышали?
- Был вопрос, который вам не понравился?
- Было ли что-то, с чем вы полностью не согласны?
- О чем вам понравилось говорить?
- Какой вопрос был самым сложным?
ГОВОРИТ
РОЛЬ: Какое наказание должен получить Пьер Пинончелли за свой вандализм?
Объединитесь с одноклассниками, у которых есть такая же роль, для разработки ваших идей и «стратегий» до начала ролевой игры.Представьтесь другим ролевым игрокам.
, роль A — Ксавье де Жуд Вы известный современный художник. Вы думаете, что Fountain — величайшее произведение искусства всех времен. Никто не имеет права его уничтожать. Доставляет удовольствие миллионам ценителей искусства. Пьер — вандал. Его должны посадить в тюрьму на пять лет и запретить посещать все музеи и галереи мира. |
, роль B — Пьер Пинончелли Вы думаете, что человеческие ценности исказились.Вы не понимаете, как старый унитаз может быть оценен в 3 миллиона долларов, когда люди во всем мире живут в бедности. Вы думаете, что люди, которые платят за просмотр Фонтана, являются преступниками. Они должны отдать деньги на благотворительность. Вы помогаете людям увидеть, насколько безумным стал мир. Вы верите, что вы герой. |
, роль C — инспектор Анри де ла Шапель-сюр-Мер Вы французский полицейский. Вам все равно, унитаз — произведение искусства или старый хлам.Пьер совершил преступление. Он пытался уничтожить очень ценный предмет искусства. Он должен быть оштрафован и сесть в тюрьму за свое преступление. |
, роль D — Jo Public Вы думаете, что Пьер — герой. Вы верите, что мир искусства полон людей, которые пытаются сделать себе имя, делая и говоря глупые вещи. Большинство современного искусства — это детская игра. У настоящих художников есть талант. Чтобы перевернуть писсуар, не нужно никакого таланта.Пьер — великий человек, который хочет улучшить наш мир. Он должен получить приз. |
После ролевой игры обсудите, действительно ли вы верили в то, что говорили в своей роли. Как вы думаете, какое наказание должен понести Пьер?
ДОМАШНИЕ
1. РАСШИРЕНИЕ СЛОВАРНОГО ЗАПАСА: Выберите несколько слов из текста. Используйте словарь или поле поиска Google (или другую поисковую систему), чтобы создать больше ассоциаций / сочетаний каждого слова.
2. ИНТЕРНЕТ: Поищите в Интернете дополнительную информацию о Фонтане Марселя Дюшана . Поделитесь своими выводами с классом на следующем уроке. Вы все узнали похожие вещи?
3. ИСКУССТВО: Написать реферат об искусстве. Объясните, почему это важно. Напишите о том, как это влияет на нашу жизнь. Прочтите свое эссе одноклассникам на следующем уроке. У всех вас были похожие идеи?
4. ПИСЬМО: Напишите письмо Пьеру Пинончелли.Расскажите ему, что вы думаете о его попытках уничтожить произведение искусства. Задайте ему вопросы о его действиях. Покажите свое письмо одноклассникам на следующем уроке. У всех были похожие мысли и вопросы?
ОТВЕТОВ
ИСТИНА / ЛОЖЬ:
а. F | г. Т | г. Т | г.F | e. F | ф. F | г. Т | ч. Т |
SYNONYM MATCH:
а. | злой | в ярости |
г. | несколько | многочисленные |
г. | peed | помочился |
г. | последний | последний |
e. | акт | действие |
ф. | восстановлено | вернул |
г. | слава | красота |
ч. | влиятельные | важный |
и. | отклонено | уволен |
Дж. | ведущий | верх |
ФРАЗОВОЕ СОЧЕТАНИЕ:
а. | Злой 77-летний ненавистник искусства | арестован в Париже |
г. | Произведение искусства перевернутое | писсуар мужской |
г. | Пенсионер имеет историю | нападения на туалет |
г. | В 1993 году в него пописал, | перед попыткой разбить |
e. | акт | вандализма |
ф. | восстановлен до прежнего | слава |
г. | самое влиятельное современное искусство | работа за все время |
ч. | он вошел в свой перевернутый писсуар | на выставке современного искусства |
и. | Критики отклонили | как пример безвкусицы |
Дж. | — ведущая цифра в | мир современного искусства |
ЗАПОЛНИТЬ ЗАЗОР:
Злой 77-летний ненавистник искусства был арестован в Париже за то, что ударил молотком по ценному произведению искусства. Пьер Пинончелли пробил несколько дыр в знаменитом белом унитазе из фарфора Марселя Дюшана под названием Fountain .Произведение искусства представляет собой перевернутый писсуар для мужчин и стоит стоимостью более 3 миллионов долларов США. У пенсионера истории нападений на туалет. В 1993 году он помочился в нее, прежде чем попытаться ее сломать. Он заявил, что к помочившись на произведение искусства, он заменил его на унитаз, что означает , что это уже не искусство. Он сказал, что его последнее нападение было «благотворительным актом», а не актом вандализма .
Сотрудники музея заявили, что работа 1917 года может быть восстановлена до былого величия. Фонтан был недавно признан самым влиятельным произведением современного искусства всех времен по мнению 500 ведущих искусствоведов. Он обогнал картину Пикассо «Герника » и принты Энди Уорхола с Мэрилин Монро и занял первое место в рейтинге , где находится . Дюшан шокировал мир искусства в 1917 году, когда он поместил в свой перевернутый писсуар на выставке современного искусства в Нью-Йорке. Он подписал it ‘R. Mutt ’, что звучит как armut — немецкое слово, обозначающее бедность.Критики отвергли его как образец безвкусицы. Тем не менее, Дюшан стал ведущей фигурой в мире современного искусства.