история жанра и основные виды
Содержание
- История жанра
- Основные виды и стили натюрморта
- Натюрморт в разных видах творчества
Натюрморт буквально переводится с латинского как «мертвая природа». Но у него есть и второе название, более точно определяющее суть жанра — «застывшая жизнь». Это жанр живописи, в котором основную роль играют неодушевленные предметы природного происхождения: фрукты, овощи, цветы, рыба, приготовленная еда и посуда, в которой она сервирована.
Картины отличаются детальностью, они продуманы и подчеркивают эстетическую ценность каждого изображенного предмета. В целом полотна подчеркивают красоту самых простых вещей и через них передают ценность жизни, царящие в ней взаимосвязи, радость ее восприятия и быстротечность.
История жанра
Картина делится на классические три плана по глубине. На втором плане находится центр композиции, на переднем изображены мелкие детали, дополняющие основную идею, а на заднем плане — фоновые драпировки.
Основателями жанра принято считать голландских художников Питера Класа и его сын Хеда Виллема Класа — ярких представителей школы «малых голландцев». Разумеется, изображения предметов природного происхождения существовали задолго до них, но обычно в виде фрагментов на более крупных полотнах, а как отдельный жанр станковой живописи оформились именно в 17 веке.
Натюрморт долгое время относили к низшим жанрам, полагая, что бытовые темы ограничивают потенциал картины, но в 19 веке Ван Гог, Ренуар, Мане и другие знаменитые художники своими работами доказали ошибочность этого мнения. Благодаря влиянию французского импрессионизма натюрморты обогатились нюансами передачи световых эффектов — игрой цветовых пятен, бликов, воздушностью изображения. В этот период натюрморт переживал свой расцвет, в том числе и благодаря появлению в продаже красок в тюбиках, значительно упростивших работу живописцев.
В 20 веке эксперименты над жанром продолжили П. Пикассо, Дж.Моранди и С.Дали экспериментируя в новых формах, цветах и стилистических приемах.
Основные виды и стили натюрморта
В настоящее время натюрморт делится на ряд поджанров согласно предметам и темам, представленным на холсте. Деление достаточно условное — поджанры могут пересекаться.
Суета сует. В композиции должны фигурировать предметы, олицетворяющие бренность человеческого бытия: оплывшая свеча, часы, череп, испортившиеся фрукты или увядшие цветы, бабочка.
Охотничий или Охотничьи трофеи. На полотне должны быть результаты охоты: битая птица, ружье или другие охотничьи принадлежности: рог, сумка, патроны. В этом поджанре в качестве фона часто используется парк или лес.
Цветочный. Центральный объект композиции этого поджанра — букет цветов в вазе. У каждого цветка своя символика, например, чертополох олицетворяет зло, мак — забвение, а гвоздика напоминает о пролитой крови Христа.
Обманка. Предметы на холсте изображены максимально реалистично, создавая полную иллюзию реальных объектов.
Религиозный натюрморт объединяет предметы с религиозной атрибутикой: иконы, свечи, библию, кадило, лампады.
Рыбный. Голландия — родина натюрморта — страна на берегу моря, поэтому тема морепродуктов вынесена в отдельный поджанр.
Накрытый стол — жанр делится на две разновидности: Завтраки и Роскошный натюрморт.
Завтраки. Хронологически эти застолья появились первыми, на картинах изображался сыр, булочки, ветчина — самые обычные для голландцев продукты в простой сервировке.
Роскошный натюрморт. Основная тема — шикарно сервированный банкет с изысканными блюдами для аристократического общества.
Натюрморт с животными. Картины с налетом философского анимализма, из живого мира чаще всего встречаются змеи, кошки, собаки, насекомые и птицы.
Ученый натюрморт. На полотнах фигурирует атрибутика из мира науки или искусства: книги, карты, глобус, ноты, музыкальные инструменты.
Натюрморт в разных видах творчества
Прошлое накладывало свои ограничения на техники изображения, отличия могли быть в темах и стилях, но не в используемых материалах. Классические старые натюрморты написаны маслом. Начиная с прошлого века стали появляться акварели: волшебные цветы в технике многослойной акварели Сергея Андрияки, фотографически точная стеклянная посуда Лорина МакКракена, нежная дымка вокруг букета в вазе китайского художника Лю И.
Сейчас приобщиться к изображению натюрморта может любой ценитель прекрасного. Разнообразие стилей и техник, в которых можно создать классическую картину старого жанра, очень велико. У вас есть возможность создать картину по номерам, работу в технике алмазной вышивки, бисерной вышивки, папертоли. Можно получить натюрморт вышивая по канве крестиком или гладью, а можно создать композицию в технике декупажа, использовав салфетки с соответствующими темами.
Вы можете придерживаться старой школы или найти набор со свободной интерпретацией жанра, согласно вашим личным вкусам. Например, украсить кухню картиной по номерам «Кофейный натюрморт» или алмазной вышивкой «Глинтвейн», которые с натяжкой укладываются в рамки привычных поджанров. А картина «Пивной натюрморт» будет неплохо смотреться в гараже.
Подобрать картину по номерам
Лекция М.А. Лопуховой «Рождение натюрморта и его главные мастера в «золотой век» живописи»
26.03.2022 Лекция М.А. Лопуховой «Рождение натюрморта и его главные мастера в «золотой век» живописи» 2485
26 марта 2022 года заместитель заведующего кафедрой всеобщей истории искусств исторического факультета МГУ, к.иск., доцент М.А. Лопухова выступила в Оренбургском областном музее изобразительных искусств с лекцией «Рождение натюрморта и его главные мастера в «золотой век» живописи», состоявшейся в рамках образовательной программы к выставке «Предмет – Образ – Смысл. Западноевропейский натюрморт XVII–XIX веков».
В своей лекции Марина Александровна рассказала о дискуссиях, которые существуют в искусствознании по поводу определения истоков натюрморта как жанра. Одни исследователи склонны возводить его к античности – к живописи Древней Греции, описанной в текстах Плиния Старшего, и к известным мозаикам и фрескам Древнего Рима. Другие предпочитают прослеживать сложение жанра, начиная с эпохи Возрождения. Различное отношение к предмету как части общей картины мира в Италии и к северу от Альп определило особенности развития натюрмортных композиций в искусстве этих стран в XV–XVI вв., но общий интерес к реальности, развившийся к 1580-м гг., привел к появлению картин с изображением острохарактерных торговцев и «лавок» одновременно у Питера Артсена, Бартоломео Пассеротти, Винченцо Кампи, которые стали предшественниками натюрморта.
В самостоятельный жанр натюрморт оформился в первой половине XVII века. Термины, которыми его обозначали коллекционеры, хронисты и теоретики искусства того времени, были разнообразны, как и типология картин, и характеризовали скорее набор изображенных предметов. Однако ко второй половине столетия уже появились знакомые нам собирательные понятия – уничижительное французское «натюрморт» («мертвая натура»), происходящее из среды академистов, и более адекватно отражающее суть нового жанра голландское stil-leven («неподвижная натура»), созвучное немецкому Stilleben, которое метафорически передается как «тихая жизнь вещей».
Основная часть лекции была посвящена развитию европейского натюрморта в «золотой век» живописи, в эпоху барокко. и его выдающимся мастерам в Голландии, Фландрии, Италии и Испании. Наиболее подробно были рассмотрены главные разновидности голландского натюрморта – наиболее разнообразного с точки зрения типологии и предпочтений, которыми обладала живописная школа того или иного северо-нидерландского города: цветочный натюрморт (Амбросиус Босхарт, Ян Давидс де Хем, Виллем ван Алст, Абрахам ван Бейерен), «завтрак» (Питер Клас, Виллем Клас Хеда, Ян Янс Уил), «роскошный натюрморт» (Виллем Калф, Абрахам ван Бейерен), «суета сует». Лектор осветила общую хронологию их развития, их связь с естественнонаучными интересами и модой эпохи, способы их символической интерпретации, формальные и живописные задачи, которые ставили перед собой художники; было обозначено место натюрморта в жанровой системе голландской живописи этого времени.
Вкратце были описаны основные черты фламандского натюрморта. Подход итальянских живописцев к изображению предмета был охарактеризован на материале ренессансных памятников, после чего были рассмотрены некоторые яркие примеры обращения к жанру натюрморта в Риме, Неаполе, Флоренции и на Севере Италии в XVII веке – у Караваджо, Томмазо Салини, Бартоломео Бимби, Джованни Баттисты Крешенци, Джузеппе Рекко и др. Испанский бодегон и натюрморт были рассмотрены на примере творчества крупнейших мастеров национальной школы «золотого века»: Хуана Санчеса Котана, Диего Веласкеса, Франсиско Сурбарана. Такой подход позволил поместить в широкий художественный контекст некоторые из полотен, представленных на выставке.
Выставка Предмет – Образ – Смысл. Западноевропейский натюрморт XVII–XIX веков«, ранее с успехом показанная в Курске и Белгороде, включает 40 полотен из собрания ГМИИ имени А.С. Пушкина, которые позволяют проследить развитие европейского натюрморта с середины XVII по XIX век, ознакомиться с его главными разновидностями и с некоторыми видными мастерами этого жанра – представителями различных школ европейской живописи.
Натюрморт: Искусство на службе науки
На заре американской нации наука и искусство были братьями, рожденными от матери необходимости.
Чарльз Уилсон Пил был выдающимся художником в колониальной Филадельфии, для портретов которого позировали большинство отцов-основателей Америки. После американской революции он увлекся наукой, организовав первую официальную экспедицию США в Новый Свет и создав собственный музей его флоры и фауны.
Его сыновья стали художниками и учеными. Его младший, Тициан Пил, собирал бабочек. Тысячи из них сейчас находятся в архиве Академии естественных наук Университета Дрекселя в Филадельфии.
Янг Пил запатентовал оригинальный способ демонстрации своей коллекции: коробку, напоминающую книгу, с кожаным корешком и тисненой обложкой, которую можно было поставить на полку, как и любую другую. Внутри обложек находится герметичная стеклянная коробка с приколотыми бабочками. Бабочки были аккуратно поджарены, чтобы убить кормящихся вредителей, и помещены в коробку под вакуумом. Зрители могут рассмотреть образцы сверху или снизу, перевернув книгу вверх дном.
Он сделал сотни таких ящиков для бабочек, которые должны были поместиться в обшитой деревянными панелями библиотеке любого джентльмена-ученого.
«Он не изобретал книжные коробки, но сделать их похожими на книгу — с переплетом и мраморной бумагой, а текстовый блок — насекомыми — это все, что ему нужно», — сказал Грег Каупер, ассистент куратора кафедры энтомологии Академии. .
Коллекции насекомых обычно располагаются в строках и столбцах, соответствующих научным категориям. Пил предпочитал располагать бабочек в виде круглых мандал или в виде калейдоскопического узора, определяемого размером и цветом насекомого. Каждое насекомое тщательно помечено по видам и местонахождению.
«Это определенная местность — это Куба», — сказал Каупер, держа коробку с кубинскими мотыльками, включая Ascalapha odorata или Черную Ведьму. Рядом с ним более традиционное расположение бабочек.
«Он смешивает семейства и виды насекомых в одном эстетически приятном расположении, тогда как это коллекция марок, пытающаяся разместить все виды в правильном месте», — сказал Каупер.
В нескольких минутах ходьбы от Академии естественных наук находится Художественный музей Филадельфии, где выставлены картины старшего брата Тициана Пила, Рафаэля. Он был ведущим американским художником-натюрмортом, специализирующимся на рисовании таких предметов, как фрукты, овощи, дичь и посуда, аккуратно расставленная на столах.
Многие из его работ включены в выставку «Искусство американского натюрморта», доказывающую, что наука и искусство сыграли важную роль в создании уникальной американской культуры.
«Проект американского искусства после революции заключался в том, чтобы найти американскую идентичность», — сказал куратор Марк Митчелл. «Чтобы заявить о себе [Рафаэль и его брат Тициан] как о художниках и признать общую культуру среди американцев».
В Америке было множество видов растений и животных, которые были в значительной степени неизвестны Европе, которые американские художники и ученые использовали для усиления культурной и экономической независимости от Великобритании. Томас Джефферсон всегда искал доказательства существования американского льва, который, как он считал, физически превосходил всех обитателей Европы или Африки. (То, что такого существа никогда не существовало, его не остановило.)
Точно так же Рафаэль Пил рисовала предметы, которые подкрепляли американское мастерство. В его «Натюрморте с клубникой и чашкой из страусиных яиц» (1814 г.) изображена тарелка с дикой домашней клубникой, расположенная рядом с экзотической керамикой из Азии, Европы и Африки, что символизирует глобальный охват Америки.
Пил также рисовал домашние сцены. «Натюрморт с вяленой рыбой» (1815 г.) изображает сельдь и лук в окружении обычной глиняной посуды, гордясь простотой американской жизни.
Задача каталогизировать все то, что делало Америку уникальной, и представить ее как можно ярче, легла на Джона Джеймса Одюбона. Орнитолог путешествовал по всей Америке, чтобы записать все виды птиц, которые там обитают, и проиллюстрировать каждый в натуральную величину в своих гигантских томах Birds of America .
«Четыреста тридцать пять тарелок. Это величественное предприятие. Как и очень немногое во всей истории человечества, по масштабу», — сказал Митчелл. «Что он пытается сделать, так это записать американскую природу — определить ее. Как словарь, пытающийся понять характер Америки».
В то время как Одюбон был максимально требователен — он лично завис над плечом печатника, чтобы убедиться, что перья птиц были точно окрашены — он также был шоуменом. Birds of America был чрезвычайно дорогим проектом. Он периодически рассылал подписчикам пачки из пяти иллюстраций по мере их завершения. Audubon нужно было поразить клиентов, чтобы они подписались на текущий проект.
Большинство таксономических портретов птиц выглядят как фотоснимки, с видом спереди, профилем и некоторыми деталями рисунка перьев. Одюбон знал, что его фотографии должны быть настолько потрясающими, чтобы подписчики захотели повесить их над своим диваном и показать друзьям.
«Когда вы смотрите на попугая Каролины, вы узнаете огромное изобретение», — сказал Митчелл о портрете семи попугаев в кустах дурнишника. «Вы видите одну и ту же птицу, устроенную так, чтобы видеть под разными углами, так что вы можете видеть все части самца, самки и подростка. И он делает это с той же птицей».
Проект Одюбона не понравился ученым XIX века. Когда в 1826 году он обратился в Академию естественных наук с просьбой о членстве и финансовой поддержке для завершения книги, ему отказали.
«Всякий раз, когда Одюбон подвергался критике со стороны научного сообщества за незнание науки, он говорил: «Ах, да, но я знаю птиц по жизни», — сказал Роберт Пек, старший научный сотрудник Академии. «Возможно, вы знаете птиц по мертвым экземплярам, но я видел, как они кормят своих детенышей, ловят добычу, перелетая с ветки на ветку». № теперь занимает почетное место в библиотеке Академии, на видном месте прямо под портретом в рамке члена правления, который отверг его в 1826 году.0003
Оставив книгу, Пек открывает запертые двери в подсобные архивы, где Академия за свою 200-летнюю историю собрала тысячи картин и рисунков.
— Большинство людей не ожидают, что в Академии естественных наук будет коллекция произведений искусства, — сказал Пек. «В 19 веке искусство и наука были тесно связаны. Ученым приходилось рисовать свои предметы, чтобы передать их предметы. Со временем искусство и наука пошли в разных направлениях».
Он достает оригинальную медную печатную форму из 9 Одюбона.0017 Птицы Америки . Вдова Одюбона, нуждавшаяся в деньгах, продала все 435 тарелок скупщику по стоимости меди. Как объясняет Пек, человек на плавильном заводе признал их художественную ценность и схватил столько, сколько смог, около 30 пластин. Остальные расплавились.
Если представится возможность порыться в стеллажах музея естествознания, глупо будет пройти мимо. Среди любимых работ Пека — работы Роберта Менгеля, профессора экологии Канзасского университета в XIX веке.70-х и 80-х годов. Он также содержал художественную студию, где рисовал этюды птиц для таких публикаций, как Birds of Kentucky и The Handbook of North American Birds . Многие из его оригиналов находятся в коллекции Академии.
— Некоторые стали натюрмортами, — сказал Пек. «Вот молодая птица сидит на мухобойке. Поместив мухобойку на картинку, она придает птице масштаб. Это очень важно, чтобы понять, что это такое».
У Менгеля тоже было чувство юмора. В 1985 он нарисовал научно точную иллюстрацию мертвого кардинала рядом с мертвой голубой сойкой. У каждого к ноге привязана бирка с данными об образцах: «Легкий вес», «Череп некальцинированный», «Желудок пустой».
В 1985 году «Канзас-Сити Роялс» победили «Торонто Блю Джейс» и выиграли чемпионат Американской лиги, а затем обыграли «Сент-Луис Кардиналс» в Мировой серии со счетом четыре игры против трех. Менгель назвал свою иллюстрацию «Королевская сумка».
Углубившись в архивы, Пек распахивает дверь, открывая множество картин в рамах, висящих на качающихся стеллажах. Некоторые из них представляют собой абстрактные пейзажи Менгеля. Некоторые из них — акварели другого орнитолога, Роберта Верити Клема, малоизвестного художника, произведшего большой фурор в 1967 с его иллюстрациями для Куликов Северной Америки , который считается исчерпывающим орнитологическим полевым справочником.
Клем жил на побережье Массачусетса, несколько затворнически, всю свою жизнь рисуя птиц. Он умер в 2010 году. Его творчество часто сравнивают с творчеством Эндрю Уайета.
«У обоих общая эстетика Восточного побережья. Они одинаково видели свет и ландшафт», — сказал Пек. «Там, где у Уайета была бы Кристина на траве впереди. Вместо этого Клем выбрал птицу.
Куликов Северной Америки была первой и единственной публикацией Клема. Он был разочарован результатом. Приверженец точности, он ненавидел то, как редактор обрезал свои картины, и считал, что процесс печати не может правильно воссоздать его цвета.
«Ему не понравилось, как были сделаны репродукции. Они не соответствовали его оригинальным акварелям», — сказал Пек. «Акварель такая тонкая; если вы поставите их рядом, вы увидите разницу».
Ирония карьеры Клема в том, что после публикации Куликов Северной Америки , он больше никогда не работал в научной сфере. В его глазах наука не соответствовала жизни.
WHYY — ваш источник основанной на фактах, всесторонней журналистики и информации. Как некоммерческая организация, мы полагаемся на финансовую поддержку таких читателей, как вы. Пожалуйста, дайте сегодня.
Свет в искусстве и науке о натюрморте
«Свет всегда имел значение в западной живописи», — говорит Стефано Касчу, директор Polo Museale della Toscana (Управление музея Тосканы). «И какой бы натуралистичной ни была картина, она остается совершенно мысленной конструкцией — абстракцией, — и поэтому ее внутреннее освещение, рассеянное или сфокусированное, всегда несет смысл.
В 2009 году Кассиу способствовал созданию Museo della Natura Morta (Музея натюрморта) на вилле Поджо в Кайано (Польша), и мы взяли у него интервью, чтобы узнать больше о роли света в натюрморте, а также этот жанр породил множество шедевров, но все еще сильно недооценивается критиками.
Микеланджело да Кампидольо, Natura morta con frutta e vaso con rose e tuberosa,
ок. 1650-1669, Поджо-а-Кайано, Museo della Natura Morta
Исторически натюрморт был признан самостоятельным жанром с конца шестнадцатого века. Одним из первых великих художников, обративших на это внимание, был Караваджо, чей богатый стиль светотеневых контрастов естественным образом повлиял на более поздние работы его учеников и последователей. Одним из самых всемирно известных натюрмортов является «Корзина с фруктами» Караваджо, написанная для кардинала Федерико Борромео в самом конце шестнадцатого века и в настоящее время хранящаяся в Амброзианской пинакотеке в Милане. «Это символ преходящей красоты, — объясняет Касчу, — поскольку «плоды покрыты пятнами и червями, а листья сморщены. Таким образом, это изображение распада, которое вызывает «ощущение смерти и течения времени». Свет, который освещает сцену, конечно, не делает концепцию счастливее, а наоборот, подчеркивает каждую мельчайшую деталь.
Караваджо, Корзина с фруктами, 1594/1598, Милан, Пинакотека Амброзиана
Первоначально существовал поджанр религиозного натюрморта, в котором свет часто использовался как символ благодати, освещавший побеги виноградной лозы, виноград, гранаты , хлеб и другие символы Евхаристии. Однако «уже в 1630-х годах символический и метафорический аспект света начал заменяться мощными визуальными и декоративными требованиями барокко», — говорит Касчу. «Так точно воспроизвести реальность и красоту природы стало крайне важно». Этот сдвиг также произошел из-за изменения вида комиссии. В середине семнадцатого века натюрморт перестал быть «экспериментальным жанром, созданным только для изысканных кругов, часто связанных с людьми, игравшими важную роль в культурной жизни города», и вместо этого стал цениться во все более широких кругах. В аристократических палаццо эти виды живописи были приспособлены к декоративным контекстам и богатой обстановке высокого барочного орнамента, и «значение стало менее важным».
Ян Брейгель Младший и Ян Брейгель Старший или Бархат Брейгель,
Ваза с цветами, ок. 1620 Poggio a Caiano, Museo della Natura Morta
Помимо художников под влиянием Караваджо, другой известной «школой» натюрморта была школа фламандских художников. Некоторые из них, такие как Ян Брейгель и Кристиан Беренц, работали в Риме и создали то, что Касчу описывает как «театральные сценические эффекты», в которых тонкое освещение освещает и выделяет детали фруктов, цветов и других отображаемых элементов. «Под влиянием североевропейской живописи эти голландские и фламандские художники-натюрморты сосредотачиваются на идеальной передаче каждой детали и поверхности благодаря использованию масляной краски. Кроме того, очень утонченно используются отражение и игра света в попытке создать точное воспроизведение того, что видит глаз в природе».
Когда его попросили назвать две картины, символизирующие важную роль, которую освещение играет в натюрморте, Кассиу назвал «Fiasca fiorita», приписываемую (не с полной уверенностью) Томмазо Салини, и «Fiori e frutta con donna che coglie l’». uva» Кристиана Беренца и Карло Маратты.
Томмазо Салини (?), Фиаска Фиорита, ок. 1610-15, Форли, Городская пинакотека
Первая может быть датирована периодом между 1610 и 1615 годами и в настоящее время хранится в Городской пинакотеке в Форли. На ней изображен букет из желтых, синих, красных и белых цветов, воткнутых в сломанное горлышко стеклянной фляги. «Благодаря очень темному фону, — объясняет Кассиу, — цветы и кувшин бросаются в глаза очень мощным образом, который усиливается светом. Здесь сразу не ясен символический смысл, но, например, букет цветов может представлять собой в общем виде переход красоты, потому что срезанные цветы живут недолго, а поскольку они изображены в полном цвету, внутреннее предположение, что через несколько часов они уже завянут».
Картина Беренца и Маратты, напротив, датируется 1696 годом и хранится в музее Каподимонте в Неаполе. Это «одно из великих произведений римского периода конца семнадцатого века, на котором изображены каскады фруктов и цветов. Его стиль высочайшего уровня, а свет не имеет никакого символического значения». На картине изображены две человеческие фигуры, что встречается относительно редко. Одна стоит к нам спиной, а другая почти теряется в тени, но они не задействуют сюжетную линию, поэтому картина остается строго в рамках жанра.
Кристиан Беренц и Карло Маратта, Fiori e frutta con donna che coglie l’uva,
1696, Неаполь, Museo di Capodimonte
В картинах, не имеющих «скрытого» смысла, стремление художника максимально точно воспроизвести природу подразумевает, что роль света как инструмента настолько фундаментальна, что ее даже можно назвать научной. «Достаточно вспомнить Эваристо Башениса, художника, рисовавшего натюрморты с музыкальными инструментами. Композиции инструментов различаются, но они всегда воспроизводятся с невероятной точностью». На самом деле, они нарисованы настолько точно, что эксперты даже смогли идентифицировать изображенные настоящие инструменты, «и вы даже чувствуете пыль на их поверхности» благодаря изображению, например, отпечатка большого пальца на лютне.
Кристиан Беренц и Карло Маратта, Fiori e frutta con donna che coglie l’uva,
1696, Неаполь, Museo di Capodimonte
«В таких контекстах, как тосканская или ломбардская школы, связь между искусством и наукой сильнее; тогда как в других, таких как венецианская, неаполитанская и римская школы конца семнадцатого века, больше внимания уделяется украшению. Неаполитанская школа, например, гораздо больше фокусируется на приятном и непосредственном эффекте цвета и обилии фруктов, чем на точности. Это очень структурированный мир».
Однако реалистическое изображение цветов, листьев и плодов (а также насекомых, которые ими питаются), переданное с помощью цвета, форм, текстур и тщательного подбора света, также служило ботаническими документами для дворов того периода и с тех пор стали важными историческими свидетельствами для нашего современного мира. Во Флоренции, где влияние Галилея было очень сильным, «двор Медичи чрезвычайно заинтересовался идеей экспериментировать с природой и воспроизводить ее в научных целях», — утверждает Касциу.
Бартоломео Бимби, Меланголи, cedri e limoni, 1715 Poggio a Caiano,
Museo della Natura Morta
Например, «Бартоломео Бимби был художником с огромным талантом изображать различные виды фруктов и цветов, и он оставил нам огромные полотна с изображением различных сортов, которые выращивались в течение года в Великом Герцогстве Тоскана. . В его работах показаны все сорта винограда, груши, сливы и персики, и каждая отдельная груша изображена с точностью научной тарелки.