Натюрморты известных художников маслом: Натюрморты, картины натюрморты, картины натюрморт цветы, картины художников натюрморт, картины маслом натюрморт, картины натюрморт с фруктами, живопись картины натюрморт, картины известных художников натюрморты, фото картины и натюрморты цветы, натюрморты с персиками, натюрморты с яблоками

Натюрморт с цветами: идеи для реализации

Если вы читали, друзья мои, предыдущие статьи о натюрморте в живописи, то вероятно, уже знакомы с различными видами и стилями этого жанра. А теперь я хотела бы остановиться на практических моментах написания натюрморта с цветами и о поиске идей для его реализации!

Идея: стилизованный натюрморт с цветами

Для начала разбираемся в терминах! Стилизация – это упрощенное и обобщенное изображение предметов. Стилизацию частенько используют современные художники, они «не зацикливаются» на воспроизведении «документально» запечатлеть предметы, нет…, они прибегают к упрощенному варианту — стилизации! Ведь главное, передать идею и задуманные оттенки в картине, это творческий подход в работе и в написании натюрморта, и не только.

Стилизованный натюрморт с цветами

Как это выглядит на практике? Например: есть задача создать гармоничную композицию из вазы с букетом цветов. Из этого вытекает такая последовательность работы над стилизованным натюрмортом:

— Обращаем внимание на форму вазы. Возможно, она похожа на геометрическую фигуру, на ромб или овал. Берем за основу для натюрморта эту фигуру.

— Упрощаем отдельные элементы: форму ручки, рисунок на вазе, если таковой имеется.

—  Если есть пестрота цветового рисунка, выделяем наиболее гармоничные цвета и избавляемся от второстепенных.

— Не забываем, что композиция должна быть узнаваемой и сохраняла свои особенности.

Кстати, именно стилизация способствует развитию авторского художественного стиля живописца!

Работа над стилизованным цветочным натюрмортом

Вот, на фото вверху пример моего стилизованного натюрморта с цветами, исполненный в сдержанных , спокойных тонах, он прост и узнаваем! Смотрите также видео- анонс мастер-класса по живописи маслом — стилизованный натюрморт «Полевые цветы в бронзовой вазе». Обратите внимание, как просто можно написать цветы, если слегка упростить их форму! Кстати, видео урок адаптирован для начинающих художников — это легкий сюжет, не требующий большого опыта в масляной живописи.

Другие примеры стилизованных натюрмортов

На заметку: а знаете ли вы, что стилизация это не новомодное решение для живописи? Своего наибольшего расцвета стилизация достигла в живописи Древней Греции, а именно в изображениях растений и орнаментов.

Идея: декоративный натюрморт с цветами

Иногда путают два понятия: стилизованный и декоративный натюрморт. Декоративный натюрморт, действительно очень похож на стилизованный, только декоративный несет более декоративный смысл…  А на самом деле все очень просто! Основная черта декоративного натюрморта – это выявление ярких индивидуальных особенностей предметов.

Например, в композиции есть цветки удивительной формы и окраса. Их можно сделать центром картины и даже основной темой декоративного натюрморта, если использовать для этой цели большой холст!

Примеры декоративного натюрморта

Еще в декоративных натюрмортах есть такая особенность, как превращение объемности предметов в условно плоское пространство. То есть на понятии «перспектива» просто не акцентируется внимание. К тому же, на холсте с декоративным натюрмортом, помимо краски, можно использовать и другие, непривычные материалы.

Например, в одном из моих мастер-классов под названием «Пестрый тюльпан», использовалась техника золочения, натуральные камни и даже элементы бижутерии! А что из этого получилось, вы можете посмотреть сами и при желании, даже написать такую картину.

Видео-курс который прекрасно демонстрирует, как написать современную картину с необычным цветком в декоративном стиле.

Декоративный натюрморт с большим цветком

Особенность этого видео урока в том, что этот натюрморт большого формата, на двух холстах, приклеенных один на другой. Это создает объемность и усиливает декоративность. А еще по этому мастер-классу картина с цветами будет роскошной, привлекающей взгляд, с декором золотой поталью

!

Такие картины сейчас очень популярны в Европе, они продаются в салонах, ну и естественно, стоят приличные деньги. Это стильное решение декора для большой комнаты, например, гостиной. Заглядывайте на станицу с другими мастер-классами, и вы научитесь делать красоту своими руками!

Идея: натюрморты с цветами в разных стилях

Вы же помните знаменитую цитату Шекспира: «Роза пахнет розой, хоть розой назови ее, хоть нет…» Это да, с классиком спорить не будем! А давайте попробуем написать розу в разных художественных стилях и посмотреть, какой она будет разной. Вот вам и сразу несколько идей для реализации цветочного натюрморта!

Например, рисуем натюрморт с розами в стиле барокко. Деликатно прописанные лепестки цветов, стоящих в красивой изысканной вазе необычной формы. Листья роз дышат свежестью, и кажется, пряно пахнут зеленью, с них стекают капельки росы…

Натюрморты в стиле Барокко

А это что за темная точка? А это насекомушка ползет по листочку. Все красиво, идеально и даже роскошно. Для натюрморта в стиле барокко  лучше всего использовать многослойную технику, именно она показывает всю красоту оттенков в натюрморте.

Чем отличается стиль барокко от других стилей?

Основные черты стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, пышность букетов, иногда некоторая тяжесть в натюрморте.

А вот натюрморт с белыми лилиями в академическом стиле наоборот, может получится легким по композиции и цветовому решению, как на фото внизу. Картина написана по мотивам известного британского художника прошлого века.

Пример одно из моих натюрмортов

Можно нарисовать натюрморт с пышными пионами в стиле ар-нуво

, правда для этого лучше использовать не холст, а стекло! Вы же помните такой художественный стиль, иногда его даже называют цветочным!

Отличительные черты стиля ар-нуво: плавные изогнутые линии, текучие, чаще всего несимметричные, свободные – полное соединение с природой. Мягкость и таинственность ар-нуво проявляется и в используемых оттенках. Чаще всего это пастельные оттенки зеленого, бежевого и коричневого.

Итак, натюрморт с яркими пионами в стиле ар-нуво будет выглядеть как переплетающийся листьями орнамент, плавный, даже эротичный, в разбеленных оттенках. Мягкая, умиротворяющая картина, располагающая к релаксу, для спальни подойдет как нельзя лучше!

Современная стеклянная картина

На фото, один из примером стеклянных витражных картин на одной из выставок современного искусства в Ницце. В принципе, это замечательная возможность попробовать себя в разных стилях, а может, и найти свою нишу в живописи.

Есть даже натюрморт с цветами в стиле минимализм, в таких на первый взгляд картинах есть своя прелесть! На фото внизу примеры декоративно интерьерных натюрмортов  с цветами в стиле минимализм. Можно писать кистями, а можно попробовать сделать такой букетик с помощью мастихина  и украсить золотой поталью! Видео урок вы можете найти на странице с Мастер Классами

Натюрморт в стиле Минимализм

Идея: разные фоны для цветочного натюрморта

Конечно, проще всего изобразить натюрморт с цветами на простом, размытом фоне, но на фоне драпировки  он будет интереснее, и привлечет взгляд целостностью картины! Драпировка как бы объединяет предметы, давая им свои оттенки.

Мне кажется, что различные драпировки способны сделать самый простой цветочный натюрморт изысканным. Это как правильно подобранные специи в блюде: они раскрывают вкус продуктов и делают его более ярким.

Натюрморты с цветами и драпировкой

Натюрморт на фоне стола обладает своими особенностями. В этом случае, чаще всего, расстояние от зрителя до композиции маленькое, а потому видны мелкие детали, прожилки лепестков, например. Это тоже очень интересная идея для цветочного натюрморта!

Вот попробуйте написать натюрморт из одной розы, лежащей на столе. Вы увидите, что в этом тоже есть своя индивидуальность и неповторимость!

Натюрморт с цветами, лежащим на столе

Натюрморт на фоне окна – больше света, пространства и воздуха. А уж тем более, если окно распахнуто! Прямо кажется, что льются ароматы полей и лугов в комнату…

Натюрморт на фоне природы – тоже отличная идея! Это возможность рассказать о своем отношении к природе, поделиться мироощущением и радостью.

Примеры натюрмортов с цветами у окна, на фон природы

Как видите, фон для цветочного натюрморта можно упростить, или усложнить… сильно усложнить, как на картине внизу… Но нужно помнить, что насыщенные картины требуют больше внимания, чем упращенные, а значит за один сеанс закончить не получится. Если вы готовы к этому, то вам боятся нечего, смело берите сложные композиции с цветами, где и драпировка, и окно, и природа, и цветы в стеклянной вазе, и цветок на столе..

Натюрморт в интерьере у окна

Идея: написать натюрморт с цветами по мастер-классу

Отличная идея, тем более, что мастер-классов в интернете сейчас великое множество! И в разных техниках, и в разных стилях, и от разных художников!

Друзья, надеюсь, мои небольшие идеи-подсказки будут для вас полезны и помогут реализовать свои таланты в цветочном натюрморте, романтичном, загадочном и прекрасном жанре.

Видео идея: Картина с поталью — применение декоративного золочения

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множество других статей в интернете, сохраните ее в закладках. Она всегда будет под рукой, если вы захотите к ней вернуться!

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Стильные заметки, блог о стиле и моде. Праздник изобилия Натюрморты известных художников маслом эпохи ренессанса

Натюрморт в живописи — изображения статичных неживых предметов, объединенных в единый ансамбль. Натюрморт может быть представлен как независимое полотно, но иногда становится частью композиции жанровой сцены или целой картины.

Что такое натюрморт?

Такая живопись выражается в субъективном отношении человека к миру. Это показывает присущее мастеру понимание красоты, которая становится воплощением общественных ценностей и эстетическим идеалом времени. Натюрморт в живописи постепенно трансформировался в отдельный значимый жанр. Этот процесс занял не одну сотню лет, а каждое новое поколение художников понимало полотна и цвет согласно веяниям эпохи.

Роль натюрморта в композиции картины никогда не исчерпывается простой информацией, случайным дополнением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы могут принимать более или менее активное участие в создании композиции или отельного образа, заслоняя ту или иную цель. Натюрморт в живописи как самостоятельный жанр призван достоверно передавать красоту вещей, ежедневно окружающих человека.

Иногда отдельная деталь или элемент вдруг приобретает глубокое значение, получает свой собственный смысл и звучание.

История

Как старый и почитаемый жанр натюрморт в живописи знавал взлеты и головокружительные падения. Суровый, аскетичный и минималистичный помогал создавать бессмертные монументальные обобщенные возвышенно-героические образы. Скульпторы с необычайной выразительностью наслаждались изображением отдельных объектов. Виды натюрморта в живописи и всевозможные классификации зародились в период становления искусствоведения, хотя полотна существовали задолго до написания первого учебника.

Иконописные традиции и натюрморты

В древней русской иконописи большую роль играли те немногие вещи, которые художник осмеливался внести в строгий лаконизм канонических произведений. Они способствуют проявлению всего непосредственного и демонстрируют выражение чувств в работе, посвященной абстрактному или мифологическому сюжету.

Виды натюрморта в живописи существуют отдельно от иконописных произведений, хотя строгий канон и не запрещает изображение некоторых предметов, присущих жанру.

Ренессанс натюрморта

Тем не менее, большую роль играют произведения XV-XVI веков в эпоху Возрождения. Живописец впервые обратил внимание на мир вокруг себя, стремился определить значение каждого элемента на службе человечества.

Современная живопись, натюрморт как популярный и любимый жанр зародились в период Триченто. Бытовые предметы приобрели определенное благородство и значимость владельца, которому они служили. На больших полотнах натюрморт, как правило, выглядит весьма скромно и неброско — стеклянная банка с водой, серебро изящной вазы или нежные лилии на тонких стеблях чаще ютились в темном углу картины, как бедные и позабытые родственники.

Тем не менее, в образе прекрасных и близких вещей было столько любви в стихотворной форме, что современная живопись, натюрморт и его роль в ней уже несмело проглядывали через прорехи пейзажей и тяжелые портьеры жанровых сцен.

Переломный момент

Субъекты получили реальный элемент в картинах и новое значение в 17-м веке — в эпоху, когда преобладал и доминировал натюрморт с цветами. Живопись такого рода приобрела многочисленных поклонников среди дворянства и духовенства. В сложных композициях с выраженной литературной сюжетной линией сцены получили свое место наряду с главными героями. Анализируя произведения эпохи, легко заметить, что важная роль натюрморта аналогичным образом проявилась в литературе, театре и скульптуре. Вещи начали «действовать» и «жить» в этих работах — их показывали как главных героев, демонстрируя самые лучшие и выгодные стороны предметов.

Объекты искусства, сделанные трудолюбивыми и талантливыми мастерами, несут на себе личностный отпечаток мыслей, желаний, влечений конкретного человека. живопись лучше всех психологических тестов помогают отследить психоэмоциональное состояние и достичь внутренней гармонии и целостности.

Вещи преданно служат человеку, перенимая его восторг предметами быта и вдохновляя владельцев на приобретение новых красивых, изящных мелочей.

Фламандский ренессанс

Живопись гуашью, натюрморт как жанр люди приняли не сразу. История появления, развития и повсеместного внедрения различных идей и принципов служит напоминанием о постоянном развитии мысли. Натюрморт стал известен и вошел в моду в середине 17-го столетия. жанра началась в Нидерландах, яркой и праздничной Фландрии, где сама природа располагает к красоте и веселью.

Живопись гуашью, натюрморты пышным цветом расцвели во времена грандиозных перемен, полнейшей смены политических, общественных и религиозных институтов.

Фландрское течение

Буржуазное направление развития Фландрии стало новинкой и прогрессом для всей Европы. Перемены в политической жизни привели к аналогичным нововведениям в культуре — открывшиеся перед деятелями искусства горизонты теперь не ограничивались религиозными запретами и не поддерживались соответствующими традициями.

Натюрморт как стал флагманом нового искусства, воспевавшего все естественное, яркое и прекрасное. Строгие каноны католицизма более не сдерживали полет фантазии и любознательность живописцев, а потому наряду с искусством начали развиваться наука и технологии.

Обычные бытовые вещи и предметы, ранее считавшиеся низменными и недостойными упоминания, в одночасье вознеслись до объектов пристального изучения. Декоративная живопись, натюрморт и пейзажи стали настоящим зеркалом жизни — повседневного распорядка, рациона, культуры, представлений о прекрасном.

Свойства жанра

Именно отсюда, из сознательного, углубленного изучения окружающего мира развился отдельный жанр бытовой живописи, пейзажа, натюрморта.

Искусство, обретшее определенные каноны в 17-м веке, определило основное качество жанра. Картина, посвященная миру вещей, описывает основные свойства, присущие объектам, которые окружают человека, показывает отношение мастера и его гипотетического современника к тому, что показано, выражает характер и полноту знаний о действительности. Художник обязательно передавал материальное существование вещей, их объем, вес, фактуры, цвета, функциональное назначение предметов быта и их жизненную связь с деятельностью человека.

Задачи и проблемы натюрморта

Декоративная живопись, натюрморт и бытовые сцены впитали в себя новые тенденции эпохи — уход от канонов и одновременное сохранение консервативного натурализма изображения.

Натюрморт революционной эпохи времен полной победы буржуазии отражает уважение художника к новым формам национальной жизни соотечественников, уважение к труду простых ремесленников, преклонение перед прекрасными образами красоты.

Сформулированные в 17-м веке проблемы и задачи жанра в целом не обсуждались в европейских школах вплоть до середины 19-го в. Между тем художники постоянно ставили перед собой новые и новые задачи, а не продолжали механически воспроизводить готовые композиционные решения и цветовые схемы.

Современные полотна

Фото натюрмортов для живописи, подготовленных в современных студиях, наглядно демонстрируют разницу между восприятием мира современником и человеком средних веков. Динамика объектов сегодня превосходит все мыслимые пределы, а статика предметов была нормой для того времени. Колористические комбинации 17-го века отличаются яркостью и чистотой цвета. Насыщенные оттенки гармонично вписываются в композицию и подчеркивают задумку и идею художника. Отсутствие любых канонов не лучшим образом повлияло на натюрморты 20-21-го веков, иногда поражающие воображение своей неприглядностью или нарочитой пестротой.

Методы решения проблем натюрморта стремительно меняются каждое десятилетие, способы и техника не успевают за фантазией признанных и не очень мастеров.

Ценность сегодняшних полотен состоит в выражении реальности глазами художников-современников; посредством воплощения на холсте возникают новые миры, которые смогут многое рассказать о своих создателях людям будущего.

Влияние импрессионизма

Следующей вехой истории натюрмортов стал импрессионизм. Вся эволюция направления отразилась на композициях через цвета, технику и понимание пространства. Последние романтики тысячелетия переносили на холст жизнь, как она есть — быстрые, яркие штрихи и выразительные детали стали краеугольными камнями стиля.

Живопись, натюрморты современных художников непременно несут в себе отпечаток вдохновителей-импрессионистов посредством цвета, способов и техник изображения.

Отход от стандартных канонов классицизма — трех планов, центральной композиции и исторических героев — позволил художникам развить собственное восприятие цвета и света, а также доступно и наглядно продемонстрировать свободный полет эмоций зрителям.

Основные задачи импрессионистов — изменение живописной техники и психологического содержания картины. И сегодня, даже зная обстановку той эпохи, трудно найти правильный ответ на вопрос о том, почему импрессионистские пейзажи, такие же радостные и бесхитростные, как стихи, вызывали резкое неприятие и грубые насмешки переборчивых критиков и просвещенной публики.

Импрессионистская живопись не вписалась в рамки общепринятого, поэтому натюрморты и пейзажи воспринимались как что-то вульгарное, недостойное признания наряду с прочими отбросами высокого искусства.

Художественная выставка, ставшая своеобразной миссионерской деятельностью для известных художников того времени, смогла достучаться до сердец и продемонстрировать красоту и изящество Изображения предметов и объектов всеми доступными средствами стали привычным делом даже в стенах грозных заведений, исповедующих одни лишь принципы классического искусства. Триумфальное шествие натюрмортов не прекращается с конца 19-го века, а разнообразие жанров и техник сегодня позволяет не бояться любых экспериментов с цветом, фактурами и материалами.

Тогда очень многим понравился, да и мне работы художников кажутся отличным наглядным пособием в процессе изучения сочетаний цветов. Собственно, зачем изобретать велосипед, если великие мастера уже давно изучили принципы гармонии, сочетаний оттенков и активно использовали их при написании картин. Я планирую написать серию постов на тему и буду опираться на книгу Иттена «Искусство цвета».

Часто проблема с сочетаниями цветов идет от того, что нам не хватает насмотренности и глаз не натренирован видеть удачные сочетания, накладываются определенные стереотипы, от незнания не хватает смелости и уверенности в подборе цветов. Будем с этим бороться:)

Иттен в своей работе по цвету проводит нас через самые значимые эпохи в становлении искусства и работы с цветом и приводит в пример великих художников. И сегодня мы начнем с художников эпохи Возрождения. Ян ван Эйк, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи, Тициан, Грюневальд.

«Ян ван Эйк начал создавать картины, композиционную основы которых определяли собственно цвета изображенных людей и предметов. Через блеклость и чистоту, осветленность и затемненность этих цветов звучание картины все более приближалось к реалистически подобному. Цвет становился средством передачи естественности вещей.»

«Портрет четы Арнольфини» выполнен в приглушенных теплых тонах темной Осени

«Гентский алтарь» написан теплыми красками, но цвета уже более ясные и чистые, ближе к весенним

«Пьеро делла Франческа писал людей, резко очерчивая фигуры отчетливыми экспрессивными красками, используя при этом дополнительные цвета, которые обеспечивали картинам живописное равновесие.»

«Портрет Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца» тоже выполнен в теплой гамме, в цветах Осени

«Алтарь Монтефельтро»: очень красивое сочетание цветов, мягкие оттенки, весенне-летняя гамма.

Получается сочетание трех базовых тонов и двух акцентных:

«Леонардо да Винчи отказался от яркой красочности. Он строил свои картины на бесконечно тонких тональных переходах.»

«Мона Лиза»

«Поклонение волхвов»

«Тициан стал стремиться к живописным модуляциям холодного и теплого, блеклого и насыщенного.»

«Красавица»

«Цветовая характеристика его поздних картин формировалась им, исходя из различных темных и светлых оттенков одного цвета.»

«Коронование терновым венцом». Жизнерадостная такая картина и по теме, и по цветам. Самое то в ноябре:))

Но зато очень хорошо видно цветовые переходы в рамках одного цвета.

«Грюневальд противопоставлял один цвет другому. Из так называемой объективно существующей цветовой субстанции он умел находить свой цвет для каждого мотива картины. «

«Изенгеймский алтарь»

В рамках одной работы Грюневальд использовал различные цветовые гаммы и жертвовал общей гармонией ради передачи смысла отдельных частей произведения.

Остается сделать вывод, что если вы Осень, то вам стоит посмотреть и другие работы художников эпохи Возрождения:)

В конце эпохи возрождения в северной Европе натюрморт из декоративного жанра превратился в философское высказывание в красках

XVI-XVIII века — золотое время в истории европейского натюрморта. В те годы существовали две основные художественные школы, специализировавшиеся на изображении цветов, фруктов и предметов, — фламандская и голландская, — на которые ориентировались мастера из остальных стран. Несмотря на то, что Фландрия (Бельгия) и Голландия были соседними государствами, их живописцы вкладывали разный смысл в отображение «мертвой природы» (так называли натюрморт во Фландрии), или «тихой жизни» (так именовали его в Нидерландах).

Главная цель голландских мастеров — выразить идею «суеты сует», бренности всего сущего, близости смерти. Эти темы наиболее волновали протестантских богословов. Поэтому на натюрмортах голландских художников мы часто встречаем череп, погасшую свечу, остановившиеся часы. Все это обрамляется маками — символами вечного сна, нарциссами — символами быстротечности жизни, фиалками — символами недолговечности красоты, и т. п.

Во Фландрии все было наоборот. В отличие от протестантских Нидерландов Бельгия переживала католическое возрождение, и задачей, достойной художника, представлялось не отрицание, а утверждение, прославление Божественного творения. Как сказал немецкий мистик Парацельс: «В словах, растениях и камнях — везде Бог». Поэтому фламандский натюрморт — это праздник жизни, торжество совершенной природы. Виртуозом этого жанра считается Франс Снейдерс, коллега и товарищ Рубенса. В 1618- 1621 годах он написал четыре полотна под общим названием «Лавки»: «Лавка рыбы», «Лавка дичи» (битой птицы), «Лавка овощей» и «Лавка фруктов», которые сейчас хранятся в Эрмитаже. По словам сотрудницы музея кандидата искусствоведения Ольги Прохоровой, это энциклопедия фламандского натюрморта с его основными аллегорическими темами — «Времена года», «Пять чувств» (вкус, слух, обоняние, осязание, зрение) и «Четыре стихии» (воздух, вода, огонь, земля). Наиболее богата символами «Лавка фруктов». «Вокруг света» расшифровывает их.

Лавочница и дама По словам Ольги Прохоровой, их фигуры олицетворяют собой мирную жизнь (на других картинах цикла эту роль выполняют пашущий крестьянин и пристань).
(1) Рука с абрикосом Символизирует осязание.
Абрикос Символ самодостаточности (это самоопыляющееся дерево).
(2) Весы «Как любой выкованный предмет, — говорит Ольга Прохорова, — они символизируют огонь (в то время как рыба символизирует воду, битая птица — воздух и корнеплоды — землю)».
(3) Смоква Символ щедрости (она дает очень обильные плоды).
(4) Лающая собака «Символ слуха (ухо воспринимает лай), — говорит Ольга Прохорова. — На других картинах Снейдерса мы встречаем еще символы вкуса (мясо, рыба) и обоняния (собака, нюхающая дичь)».
(5) Обезьяна Символизирует вкус.
(6) Шишки пинии (итальянской сосны). Символ надежды на счастье в вечности (пиния — вечнозеленое дерево).
(7) Спаржа Символ миролюбия (в Средние века она применялась как успокоительное средство).
(8) Белка Символ упорного труда, потребовавшегося, чтобы вырастить это изобилие.
(9) Артишок Символ земной любви (считалось, что он помогает забеременеть).

Фрукты Символ лета (травы были символами весны, дичь — осени, а рыба — зимы; они изображены на остальных трех картинах из цикла Снейдерса).
(10) Лимон Символ верности и любви (он плодоносит в течение всего года).
(11) Гранат Символ Вселенской церкви (она объединяет столь же много людей, сколь много зерен в плодах граната).
(12) Апельсин Символ чистоты и невинности (его белые цветы часто украшают Богородицу).
(13) Ежевика Символ чистоты Девы Марии. «Считается, — говорит Ольга Прохорова, — что Неопалимая Купина, явившаяся Моисею и выступающая как прообраз материнства и девства Богородицы, была ежевикой. Поэтому про Богородицу говорили: «Она породила пламя Божественной любви, не сгорев от вожделения».
(14) Малина Символ доброты (святой Мартин кормил малиной нищих).
(15) Яблоко Символ спасения и искупления (в этом качестве оно часто изображалось в Средние века в руках младенца Иисуса).
(16) Виноград Символ Христа («Я есмь истинная виноградная лоза, а Отец Мой — виноградарь», Ин. 15:1).
(17) Вишня Символ крови Иисуса.
(18) Слива Считалась символом верности, но принимала дополнительные значения в зависимости от цвета. Темная фиолетовая слива указывает на страдания и смерть Христа, желтая — на чистоту Иисуса, красная представляет собой символ его милосердия, белая говорит о его смирении.
(19) Черешня Символ райской благодати.
(20) Тыква Символ воскресения и спасения (согласно Библии, тыква выросла по воле Бога, чтобы дать тень пророку Ионе).
(21) Груша Символ сладости добродетели.
(22) Персик Символ Троицы (он состоит из трех частей: плод, косточка и ядро косточки).

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски  – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет.  В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

 Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио  определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов  – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

  

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

Самые красивые натюрморты в мире (рейтинг картин и художников)

На чтение 4 мин. Просмотров 10.5k. Обновлено 20.12.2020

В мире огромное количество гениальных художников, а их творения очень многогранны и неповторимы. Каждый художник выбирает свой стиль и жанр написания картин. Мой любимый жанр изобразительного искусства — это живые, красивые, цветочные натюрморты. Вообще странная вещь — удивляться обычным и обыденным вещам, которые мы видим в жизни каждый день, и не обращаем на них никакого внимания, например, самовары, фрукты и цветы. Но как красиво все это получается на полотне. И сегодня я хочу рассказать вам о самых красивых натюрмортах современности и не только. Итак, список самых выдающихся художников и их творения…

1

Триша Хардвик

На фото: «Цветочная нежность»

Британская художница по имени Триша Хардвик стала известной по всему миру благодаря своему удивительному таланту — великолепно писать.

Ее красочные натюрморты словно наполнены частицами счастья, тепла, света и позитивной энергии. А еще деревенские элементы вносят в ее картины некую изюминку и вырисовывают ее собственный и необычный стиль.

2

Виллем Клас Хеда

Легендарный голландский художник XVI столетия Виллем Клас Хеда, известный как «мастер завтраков». Такое незаурядное прозвище мастер живописи получил благодаря тематике своих картин, которые очень похожи одна на другую.

На полотне художник изображает обычные предметы домашней утвари, много серебряной посуды и изысканной еды, например, крабы и пироги. Работы художника поражают необычной четкостью и фотографичной точностью, хотя какие фото в 16 веке? Ну вот смотрите сами…

3

Элоиза Гарриет Стэннард

Представительница Нориджской художественной школы Элоиза Гарриет Стэннард является дочерью знаменитого художника-портретиста Альфреда Стэннарда. Но дочь выбрала другой стиль — натюрморт и очень в нем преуспела.

В ее картинах в основном преобладают яркие, сочные и очень вкусные фрукты, которые почти всегда находятся в корзинах, вазах и ящиках. Чтобы достоверно изобразить фрукты, Элоиза их покупала, об этом свидетельствуют сохранившиеся чеки от поставщика фруктов. А что из этого получилось, посмотрите…

4

Сьюзан Авис Мерфи

Талантливая художница Сьюзан Авис Мерфи девушка с кулинарными возможностями и вкусами, ведь ее картины иначе как вкусными не назовешь.

Все исполнено акварелью, а такое чувство, что мы видим изображение на фотографиях. Наверное, всему виной зеркальная и немного размытая манера написания. Вот так легкими движениями руки рождаются шедевры.

5

Шелухин Михаил

Русский художник популярен и знаменит своей техникой выполнения, он использует нежные, легкие и некричащие оттенки и краски. Его работы немного размыты и в них нет сочности, как утверждают критики, но его незабудки, ромашки, ирисы и васильки от этого не меркнут, а скорее наоборот наполнены нежности и деревенского шарма. Вот она — настоящая красочная, светлая и цветущая Россия.

6

Марианна Брум (Marianne Broome)

Еще одна яркая, британская представительница художественного стиля — натюрморт. Ее знают и любят ценители пионов. Так как Марианна очень любит изображать пионы, делает она это так изыскано и прелестно. Глядя на ее шедевры, цветы кажутся живыми, а не нарисованными.

7

Екатерина Белокур

Простая, скромная, украинская женщина Екатерина Белокур после тяжелой работы в поле любила отдаться любимому хобби — рисованию. Художница обожала изображать полевые и домашние цветы, клумбы и особенно красочные мальвы — символ украинского села. Популярным у Белокур является и изображение сезонных овощей и фруктов.

8

Игорь Бузин

Мастер цветочного натюрморта русский художник Игорь Бузин писал красивейшие картины, которые оставил родине в наследство. Его букеты дарят настоящее эстетическое наслаждение, чувство нежности и весеннее настроение.

Мягкие оттенки, нежные мазки и игра теней воссоздают полный, целостный натюрморт. Цветы Бузина — словно на фото, говорят ценители прекрасного, и они правы. Смотрим и наслаждаемся.

9

Кристиан Гранью

Французский художник-акварелист Кристиан Гранью писал в разных стилях и натюрморты среди его шедевров тоже встречаются, и пусть их немного, но от них глаз невозможно оторвать. То ли это акварели придают яркости и прозрачности мазкам, то ли дух Прованса, то ли полевые цветы и изысканные вина на красивом столике, но его полотна наполнены искренностью, нежностью и чистотой.

Читайте также: Самые красивые полевые цветы.

10

Олег Тимошин

Русский мастер кисти Олег Тимошин считает, что наш мир наполнен добром и позитивом. Только вот люди часто этого не замечают. А он замечает и хорошо воссоздает на полотне, его манера писать особенная немного размытая и не четкая, но от этого его цветочные натюрморты не становятся менее прекрасными.

Заключение

Многие из нас любят картины, кто-то портреты, кто-то пейзажи, кто-то натюрморты. Рассказать обо всех гениальных художниках не представляется возможным, но мы постарались выбрать для вас самые известные натюрморты, самые яркие, красочные и нежные полотна известных мировых и талантливых художников.

Редакция most-beauty.ru ждёт ваших комментариев. Напишите какие натюрморты нравятся вам больше всего.

Презентация «Шедевры мировой живописи. Цветочный натюрморт»

Слайд 1

Цветочный натюрморт Шедевры мировой живописи

Слайд 2

Эдуард Мане (1832 – 1883 ) — французский живописец и график, предшественник и вдохновитель импрессионистов . Особую нишу в творчестве художника занимают натюрморты, к написанию которых он обращался на разных этапах своего творческого пути. В скромно сервированном завтраке, пучке спаржи, нескольких фруктах и особенно в цветах художник раскрывает поистине драгоценное колористическое богатство, тончайшие оттенки цвета.

Слайд 3

«Ваза с пионами » Н а раннем натюрморте « Ваза с пионами » изображены распускающиеся красные и бело-розовые бутоны, а также уже расцветшие и начинающие увядать цветы, роняющие лепестки на скатерть . Тема « memento mori » звучала во многих натюрмортах художника. Эта картина одна из самых известных вещей такого плана.

Слайд 4

«Белая сирень в стеклянной вазе» В ключе изысканности тончайших оттенков написан другой натюрморт Мане с цветами «Белая сирень стеклянной вазе». Натюрморт удивительно лаконичен, в нем нет ничего лишнего. Только ветка сирени и луч света. Белые гроздья цветов словно напоены солнечным светом, который выхватывает их из нежных зеленых сумерек заднего фона картины . Переливается стеклянная ваза, в прозрачной воде среди стеблей и листьев как драгоценные камушки мелькают опавшие лепестки .

Слайд 5

«Розы в хрустальном бокале» Более поздние работы отличаются непринужденной эскизностью. В них художник стремился передать сияние цветов, окутанных атмосферой, пронизанной светом.

Слайд 6

«Букет из роз в стеклянной вазе» Букет из роз борется со сгущающейся тьмою. Вянет на наших глазах выпавший из букета цветок.

Слайд 7

«Букет из клематисов и гвоздик» Букет из клематисов и гвоздик в хрустальной вазочке . Он словно вырван из интерьерного контекста. Синеватый фон — некая абстрактная среда. Цветы находятся прямо перед глазами: протяни руку и дотронешься. Все предельно лаконично. Мир, сконцентрированный в малом, предстает как чудо.

Слайд 8

«Две розы на покрывале» Вот еще изображение пионов на грани жизни и смерти. В последние годы жизни Мане был тяжело болен. Он не мог свободно передвигаться . Большие вещи, которые требовали стояния за мольбертом, были уже не для него. Осталось писать маслом небольшие натюрморты из цветов, подаренных друзьями. Эти скромные букеты — живописные жемчужины в творчестве художника.

Слайд 9

«Букет фиалок» А под занавес натюрморт, адресованный конкретному человеку: мадемуазель Берте Моризо . Посвящение мы видим на развернутой записке рядом с веером .

ВИННЫЕ НАТЮРМОРТЫ РАЙМОНДА КЭМПБЕЛЛА | ARTотека еды

Натюрморты Раймонда Кэмпбелла (Raymond Campbell) заслуженно считаются лучшими образцами натюрмортов, созданными художниками Великобритании. Их автор родился в 1956 году в графстве Суррей и с самого детства был убежден, что станет художником. Увлечение живописью началось, когда мама подарила ему на день рождения кисти и краски. Постепенно хобби стало делом всей жизни.

Раймонд никогда не учился в художественной школе, тем не менее, уже с 22 лет стал работать как профессиональный художник, зарабатывая живописью себе на жизнь. В начале своей карьеры он широко экспериментировал с керамикой, акриловыми красками, пером и чернилами пока окончательно не остановился на живописью маслом.

Толчок его творчеству дало путешествие по Европе,  де он близко познакомился с работами старых мастеров голландской и фламандской живописи.

 

Натюрморт с фруктами на столе

 

Натюрморт с вином, сыром и виноградом

 

«Торговой маркой” картин Раймонда Кэмпбелла является изысканная деталь, выполненная с мастерской точностью – покрытая пылью бутылка вина. Коллекционирование вин, помимо антикварных вещей – давнее хобби художника. Уже к 20 годам он оценил вкус знаменитых французских вин, к 35 стал участником многочисленных винных аукционов, а к 50 создал собственную коллекцию вин Бордо, Бургундии и Роны. Тонкий знаток вина и хозяин впечатляющего винного погреба, Кэмпбелл запечатлевает свою коллекцию на многочисленных натюрмортах.

вино Chateau Leoville Barton 1982

 

вино Latour Haut Briun 1959

 

Кемпбелл –востребованный художник, чьи картины пользуются успехом и активно продаются. Он также коллекционирует старинную мебель, фарфор, винтажные игрушки, признанный авторитет по антикварному стеклу. Многие предметы из его коллекции можно увидеть на его полотнах. Предлагаем вашему вниманию еще несколько натюрмортов этого мастера.

 

Дегустируя совершенство

 

Вино, с карманными часами и книгой

 

Натюрморт с бутылками вина

 

Предназначено для вечности

 

Гран Вин де Леовиль

 

Прекрасная еда

Еще вам могут понравиться статьи

Картины в Казани по жанрам от 1650 руб.

Наш магазин «Художник» предлагает огромный выбор красок, кистей, холстов, мольберты, глину и другие товары для творчества. Кроме того, у нас работает художественный салон и багетная мастерская: здесь можно выбрать картину или заказать раму для нее.

Картины в художественном салоне на Московской

Картина в подарок – это универсальный выход в тех случаях, когда хочешь сделать человеку приятное. Картина, подаренная родным и близким, украсит стены дома. Правильно выбранный стиль художника, изображение, рамка, создадут неповторимую атмосферу в спальне, рабочем кабинете, гостиной. Этот подарок всегда будет напоминать хозяевам о близких людях, сделавших такой подарок. Отлично подойдет картина, в качестве подарка, коллегам или партнерам по работе. В офисе правильно выбранная картина будет смотреться уместно, при этом, не нарушая деловой атмосферы кабинетов.

В нашем художественном салоне огромный выбор картин художников Татарстана, а также мастеров живописи Чувашии, Марий Эл, и др. регионов, всего более 250 авторов, с которыми наш салон сотрудничает на протяжении многих лет. Вы можете выбрать авторские работы разных направлений и стилей живописи.

Багетная мастерская

В багетной мастерской выполняются заказы по оформлению картин, фотографий, шамаилей, папирусов, вышивок, зеркал. Наличие своей багетной мастерской позволяет быстро переоформить понравившуюся вам картину в нужный багет.

Материалы для художника

В наших магазинах широкий выбор расходных материалов для художника, а также товаров для детского и ученического творчества.

У нас отличные партнерские отношения с компаниями, качество товаров которых проверено временем и по достоинству оценено потребителями.

В магазине вы можете приобрести подарочные сертификаты, действует дисконтная система скидок.

Живопись и графика в салоне на Чернышевского

Живопись

Картина морского пейзажа, повешенная на стене в гостиной или в спальне, отвлечет вас от повседневных хлопот. Вы сможете отдохнуть от трудового дня под плеск воображаемых волн и шум прибоя. Морской пейзаж – идеально подходит для тех, кто много работает, и отдохнуть и расслабиться может только в тишине и уюте своего кабинета.

В нашем магазине-салоне вы найдете большой выбор цветочных натюрмортов. Нет ничего прекраснее и поэтичнее в природе, чем цветы. Они поражают буйством красок, совершенством и разнообразием форм. А цветы и букеты, запечатленные в картинах художников, подарят истинное наслаждение, ценителям красоты и трепетности природы.

Коллекцию любого знатока живописи или любителя красивых репродукций пополнят сюжетные картины, в большом количестве представленные в нашем магазине. Это могут быть сюжеты на разное время года, охотничьи или рыбацкие сюжеты, картины-сюжеты с изображением животных. Эти картины украсят любой дом и придадут ощущение реальности.

Сюжеты: Абстракция · Цветы · Городской пейзаж · Морской пейзаж · Натюрморт · Пейзаж

Техника: Акварель · Графика · Масло

Графика

Изображения, выполненные одним или несколькими цветами карандашей, с помощью линий, точек, штрихов, пятен сегодня очень популярны. Актуально они смотрятся в коридорах офисных зданий или на стенах кабинетов, также и в жилых помещения. Нередко современные художники в качестве холста используют не белый лист бумаги, а дсп, винил, цветную рельефную бумагу. Это придает изображению дополнительный объем и подчеркивает авторскую уникальность работы.

У нас вы можете купить или заказать по своему вкусу графическую картину. Большой выбор работ современных российских мастеров графики удовлетворит вкусы даже самых взыскательных и строгих ценителей искусства.

Если у Вас остались вопросы на такие темы как и где купить картину в Казани, то звоните нам по телефонам +7 (843) 292-21-42, +7 (843) 292-47-11 или приходите в наш магазин по адресу г. Казань, ул. Чернышевского, 24/23. Мы с радостью Вам поможем с выбором!

5 известных художников-натюрмортов и картин натюрморты

Натюрморт — это жанр искусства, насчитывающий тысячи лет: от древних египетских фресок, резчиков и написанных анонимными художниками до голландских художников шестнадцатого века , которые сделали натюрморты законным видом искусства, и Французские художники девятнадцатого века, положившие начало движению импрессионистов.

Натюрморт продолжал оставаться популярным видом искусства и был возрожден в 1950-х годах такими художниками, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн , а позже такими художниками, как Джуди Чикаго и Кит Харинг.

Мы выбрали некоторые из самых известных и влиятельных произведений натюрморта с начала 17 века до 1950-х годов.

«Корзина фруктов» Караваджо

Микеланджело Меризи Караваджо был итальянским художником, родившимся в Милане в конце шестнадцатого века. Он известен тем, что написал одни из самых критически оцененных религиозных картин своего времени или более поздних времен. Его стиль в значительной степени основывался на использовании техники светотени , использующей очень темный фон и очень четкие и светящиеся лучи света для освещения персонажей на его картинах.

Его стиль, который позже стал известен как тенебризм, оказал значительное влияние на следующее поколение художников, и этот стилистический элемент можно увидеть в работе голландского художника Рембрандта , хотя Рембрандт никогда не ездил в Италию, чтобы изучать итальянских мастеров живописи.

Корзина с фруктами была написана примерно в 1599 году и выделяется в творчестве Караваджо как один из двух натюрмортов.

Одним из приемов, которые Караваджо часто использовал в своей карьере, был trompe l’oeil .На этой картине квази-фотографический реализм показывает, что наши глаза и мозг обманывают наши глаза и заставляют думать, что плоды почти выскакивают из холста.

С Натюрморт с фруктами на каменном выступе, Караваджо начал движение римских натюрмортов, хотя для того, чтобы движение действительно началось, потребовалось некоторое время.

Корзина с фруктами, написанная около 1599 года, представляет собой натюрморт итальянского мастера эпохи барокко Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), который висит в Библиотеке Амброзиана в Милане.

Серия «Водяные лилии» Клода Моне

Клод Моне был одним из основателей движения импрессионизма, зародившегося в Париже в 1860-х годах. Само движение произошло от одной из картин Моне Впечатление, Восход солнца, — название, которое впервые было использовано для насмешки над растущим движением.

На протяжении всей своей карьеры Моне оставался главным лидером движения импрессионистов и был его самым плодовитым художником. Одним из способов достижения Моне задуманной игры с естественным освещением было повторение одной и той же сцены снова и снова, в разное время дня или другое время года.

Моне был дотошным и очень целеустремленным художником. Он потратил много времени на изучение влияния дыма, пара, дождя или тумана на преломление света . Это исследование заставило его снова и снова рисовать одну и ту же сцену, чтобы запечатлеть как можно больше деталей.

Его серия Кувшинки, с более чем 250 картинами, включает некоторые из его самых известных работ. Картина маслом на холсте под названием Пруд с водяными лилиями , написанная в 1919 году, является одним из самых дорогих произведений искусства в Европе, когда-либо проданных. В 2008 году на аукционе в Christie’s в Лондоне он был оценен в 80 451 178 долларов.

Bassin Aux Nymphéas (Пруд с водяными лилиями; 1919) — одна из серий картин французского художника-импрессиониста Клода Моне из серии картин «Кувшинки». Это картина маслом на холсте размером 100×300 см. Она была продана в 2008 году за 40,9 миллиона фунтов стерлингов, что является рекордом для всех картин Моне.

«Корзина яблок» Поля Сезанна

Поль Сезанн, вероятно, один из самых влиятельных художников XIX века. Когда возникло движение импрессионистов, он с радостью присоединился к Пизаро, Ренуар и Моне в создании удивительных пейзажных картин и портретов импрессионистов.На протяжении большей части 1870-х годов Сезанн придерживался импрессионистского стиля , но даже несмотря на то, что его картины выставлялись на выставках вместе с другими художниками этого движения, работы Сезанна всегда были чем-то другим, не совсем импрессионистским.

Сезанн проделал большую работу, изучая взаимосвязь между естественными геометрическими формами . Он всегда хотел довести любой природный элемент до чистейшей геометрической формы. Многие критики того времени предполагали, что рендеринг композиций Сезанна был вызван ослабленным зрением, но никаких доказательств этого никогда не было.

Работы Сезанна на протяжении большей части его карьеры представляли собой смесь портретов из жизни и натюрмортов, включая пейзажи и «Nature morte» .

Некоторые из его работ непосредственно повлияли на постимпрессионистских движений , включая движение кубизма, но в целом наследие Сезанна должно было стать одним из самых революционных художников своего времени и изменить курс развития современного искусства. Он был проложен по пути Винсента Ван Гога, Пикассо и Гогена.

Корзина яблок Живопись включает в себя множество элементов, которые могут быть использованы для преодоления разрыва между импрессионизмом и кубизмом:

• разрозненная перспектива
• несбалансированные аспекты картины, собранные вместе, чтобы уравновесить всю композицию
• одновременное отображение двух точек зрения.

Корзина яблок — натюрморт французского художника Поля Сезанна. Он принадлежит Мемориальной коллекции Хелен Берч Бартлетт Института искусств Чикаго.

«Живой натюрморт» Сальвадора Дали

Сальвадор Доминго Фелипе Хасинто Дали и Доменек, 1-й маркиз Дали де Пуболь или просто Сальвадор Дали , вероятно, был одним из самых эксцентричных и экстравагантных художников двадцатого века.

Он также был художественным гением и внес свой вклад в искусство во многих областях, от рисунков, картин, скульптур до фотографий, сочинений, фильмов и даже моды.

Его увлекала квантовая физика и работа Вернера Гейзенберга о принципе неопределенности .Это увлечение перешло в его работы, и многие из его картин включали элементы и символы, подтверждающие новую науку.

В то время как на Дали большое влияние оказали художники эпохи Возрождения , однако некоторые из его работ также включают элементы кубизма, а позже Дали разработал свою собственную интерпретацию движений Сюрреализм и Дадаизм после Первой мировой войны.

Nature Morte Vivante или Живой натюрморт был написан Дали в 1956 году. В то время, когда художник испытывал стиль, он называл Nuclear Mysticism .В таких шедеврах Дали пытался провести связь между квантовой физикой и человеческим разумом.

Дали составил этот холст и попытался соединить элементы искусства, науки и физики и считал, что, несмотря на неподвижную и неподвижную природу такого натюрморта, атомы, составляющие либо объекты, представленные на картине, либо картине сами по себе всегда движутся в постоянном, бесконечном движении .

Дали успешно взял предмет натюрморта столетней давности и добавил к нему свой собственный фирменный стиль, передав зрителю то, что он на самом деле имел в виду под ядерным мистицизмом.

Природа Morte Vivante или Живой натюрморт — картина художника Сальвадора Дали. Дали написал это произведение в 1956 году, в период, который он назвал «ядерным мистицизмом». В настоящее время он находится в музее Сальвадора Дали в Санкт-Петербурге, Флорида.

«32 банки супа Кэмпбелла» Энди Уорхола

Родившийся в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в семье словацких иммигрантов, Энди Уорхол не сильно предопределил, что он станет лидером поп-культуры бурных 1960-х.

Будучи болезненным ребенком, он часто был прикован к постели, а позже описал то время , когда он собирал фотографии звезд кино и слушал радио с мамой, как период большого значения в развитии его личности, набора навыков. и предпочтения.

В начале своей карьеры Уорхол работал художником по рекламе и рекламе; он продолжал много работать для американского производителя обуви Israel Miller.

Уорхол, который был замечен миром искусства за его необычные чернильные рисунки с рекламой обуви , начал выставлять свои работы в галереях Нью-Йорка в конце 1950-х, а затем в Лос-Анджелесе в начале 1960-х.

В то же время, когда он начал прорваться в мир искусства, он был нанят RCA Records для разработки обложек альбомов и рекламных материалов для групп того времени.

Именно в течение 1960-х работы Энди Уорхола действительно стали знаменитыми, и его влияние на американскую поп-культуру утвердилось. Он овладел искусством гравюры, используя как абстрактные, так и реалистичные предметы, запечатлевая сущность объектов или знаменитостей.

В течение этого десятилетия он создал картины из знаковых американских предметов повседневной жизни , таких как банки для супа Кэмпбелла или бутылки из-под кока-колы, а также начал рисовать персонажей, которые его очаровали: актеров, певцов и влиятельных людей, таких как Мэрилин Монро , Марлон Брандо или Элизабет Тейлор.

Он основал Factory , художественную студию, которая стала центром художников , музыкантов, писателей, журналистов и актеров, а также знаменитостей андеграунда.

К сожалению, Энди Уорхол получил огнестрельное ранение в 1968 году и получил травмы, которые будут влиять на него на всю оставшуюся жизнь. Его популярность упала в 1970-х годах, когда остальной мир искусства воспринимал его скорее как предпринимателя и бизнесмена, чем как художника.

Несмотря на критику того времени, Уорхол продолжал работать над своим искусством, часто с богатыми покровителями.В 1979 году он стал соучредителем Нью-Йоркской художественной академии , частной художественной школы , которая сегодня предлагает одного из самых уважаемых магистров изящных искусств в Соединенных Штатах.

Нью-Йоркская академия искусств включает в себя все: от натюрмортов и уроков рисования до демонстраций, выставок и галерей. Начались уроки рисования и уроки рисования для студентов всех уровней, где их могут преподавать профессиональные художники.

Энди Уорхол умер в феврале 1987 года от осложнений после операции на желчном пузыре.

Его влияние на нашу современную культуру все еще можно увидеть практически повсюду. Его произведения искусства постоянно продаются (около — шестая часть всех продаж современного искусства ), и его стиль повлиял как на «классическое современное искусство», так и на поп-культуру.

«32 банки для супа Кэмпбелла» были произведены в 1962 году Энди Уорхолом. Он состоит из тридцати двух полотен, каждый размером 51 см в высоту и 41 см в ширину, и на каждом изображена банка супа Кэмпбелла — по одному из каждого вида консервированного супа, который компания предлагала в то время.Он принадлежит и выставлен в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

His 32 Банки для супа Кэмпбелла , вероятно, самый известный шедевр натюрморта современности. В этой работе Уорхол соединил классические техники, такие как живопись и рисунок, с продвинутыми процессами.

Контур каждой из 32 банок для супа сначала был нарисован на холсте с помощью проектора, затем баночка и этикетка были раскрашены вручную, а также были спроецированы надписи перед раскрашиванием, и, наконец, был нанесен логотип Fleur-de-Lys. используйте ластик из переработанной резины.

В то время, когда он впервые представил эту серию на персональной выставке в Лос-Анджелесе, она вызвала большие споры, некоторые критики подвергли сомнению художественные мотивы Уорхола и отрицают, что его работы имеют какую-либо реальную ценность как искусство.

Сегодня его искусство признано одним из великих образцов поп-арта и одним из самых дорогих шедевров поп-арта. Одна из его Small Torn Campbell Soup Can была продана за 11 776 000 долларов в 2006 году и была самой высокой ценой среди всех супов серии Campbell Soup.

См. Курсы рисования в Лондоне.

Найдите уроки рисования в Интернете.

натюрморты: живопись натюрморты

Натюрморт дает художнику полный контроль по его теме. Предоставлены натюрморты. были правильно настроены с постоянным источником света — окно, выходящее на север, или искусственное освещение и отражатели — тогда художник волен сконцентрируйтесь на воспроизведении того, что он видит.

в первую очередь нужно убедиться, что состав действительно, как вы этого хотите. Чтобы быть уверенным вдвойне, вы может пожелать нарисовать аккуратные наброски, так как эффект картины сильно отличается от простого взгляда в источнике темы. Тогда тебе наверняка захочется проанализировать тональные значения и убедиться, что у вас есть приятный узор темного и светлого.Потом цветовые схемы, в которых вы будете разрабатывать палитру заранее, сделав эскизы маслом или хотя бы раскладка основных цветов в грубом приближении их расположению в финальной картине.

Теперь вам нужно будет доработать композицию и проверьте правильность освещения. Многие художники будут не хотят расписывать именно то, что видят — в на самом деле, вероятно, не сможет, если не нацелен на фотореализм — но очень сложно нарисуйте все, что не видно должным образом.Тратить хорошее время для создания ваших натюрмортных композиций, следовательно: это очень важно.

Как вы будете действовать сейчас, зависит от ваших целей и нефти техники живописи. Подход старого мастера повторные слои краски и глазури отнимают много времени, но обеспечивает отличный контроль и разнообразие эффектов. Вы увидите, как красиво у Сурбарана нарисовал апельсины в плетеной корзине («Еще Жизнь: лимоны, апельсины и роза ».1633. Нортон Музей Саймона. Калифорния). Они имеют значение что такие предметы обычно не имеют на самом деле жизни, возможно, потому, что так много Сурбарана работа велась для религиозных орденов.

Совершенно другая деталь от Шардена натюрморт («Серебряный кубок». ок. 1759. Musée дю Лувр.Париж). для которого, возможно, поэзия слово, которое приходит на ум. Опять же, это осторожно и давно продуманная живопись, в полной мере использующая слои и глазури. Третья деталь — крохотный отрезок от работа художника, много сделавшего неприятностей: Эдуард Мане: его «Бар в Фоли-Бержер» (1882 г. Галерея Курто. Лондон). Это бравура живопись, только грубо смоделированная, но сделанная с большим щегольство. Это был способ Мане, провокационный для респектабельной буржуазии и Академии, которая предусмотрена высокая отделка.

Нарисуйте простой натюрморт — Часть 1 — Как сделать — Художники и иллюстраторы

Люси Маккай из Королевского института масляных художников покажет вам, как тонкие мазки и умные композиции могут превратить повседневный предмет в прекрасный натюрморт.

Идея этой простой картины возникла после быстрого похода по магазинам.Купленные мной груши казались такими яркими и живыми, что я хотел расположить свет и тени в гармоничном узоре, побуждая взгляд равномерно перемещаться по картине. Сосредоточившись на изображении деталей фрукта, я знала, что обнаружу прекрасные маленькие элементы, такие как свет, проникающий через щели в нижней части груши.

Я решил нарисовать груши на уровне глаз, что я почти всегда делаю. Быть одновременно художником-портретистом и художником натюрморта означает, что я подсознательно воспринимаю неодушевленные предметы как «натурщиков».Иногда это придает картинам немного необычный вид, но мне это нравится.

Обычно я рисую в довольно тонком и детальном стиле, поэтому на ранних этапах я забочусь о том, чтобы убедиться, что меня устраивают цвета и композиция. Если вы можете воздержаться от того, чтобы загорать вперед слишком рано, это обычно помогает картине в долгосрочной перспективе.

ВЫШЕ оригинальное эталонное фото Люси Маккай

Проект Люси Маккай — www.stilllifefineart.com

Художественные материалы

• МАСЛА Кадмий красный, кадмий желтый темный, кадмий желтый бледный, зеленый сок, оттенок киноварь, французский ультрамарин, диоксазиновый фиолетовый, желтая охра, сырая сиена, жженая умбра, жженая сиена и титановое белое масло, все масла Winsor & Newton Artists ‘ Цвета
• ЩЕТКИ Winsor & Newton Monarch круглые, размер 4; Веерная кисть Winsor & Newton University, размер 3; Лещина Шинку Джексона, размер 6; Круглый Шинку Джексона, размер 4; Royal & Langnickel round, размер 3
• КАНВАС Холст Джексона, средний размер зерна 340 г / м2, грунтованный хлопковый холст, 35×41 см
• SKETCHBOOK • БЕЛЫЙ ГЕССОН • ПРЕКРАСНЫЙ ГЕССОН • РАЗБАВИТЕЛИ С СЛАБОЙ ЗАПАХОМ

1 РАСПОЛОЖЕНИЕ И ЭСКИЗ Я начал с расстановки объекта и решил, что простая стена обеспечивает хороший контраст с яркими грушами. Разложив композицию, я сделал простой карандашный набросок, чтобы убедиться, что у меня правильные пропорции и композиция. Как только я был доволен балансом, я перенес эскиз на свой холст.

2 ТЕМНЫЙ ФОН Я загрунтовал свой холст двумя слоями белого гипса и слегка отшлифовал поверхность, прежде чем передать свой набросок. Я протирал фоновый цвет French Ultramarine, Raw Sienna, Burnt Umber и Titanium White. На данном этапе точное соответствие цветов не является важным — это просто более темный тон, по которому я могу судить о цвете груш.

3 БЛОК В ЦВЕТЕ Я использовал цвета груши, позволив белому холсту сделать для меня некоторую работу, просвечивая сквозь более тонкие слои краски. Я добавил немного титанового белого цвета для непрозрачности, чтобы потом можно было создать сплошной цвет. Я смягчил края и нарисовал линии, прежде чем оставить этот слой сохнуть.

4 МОДЕЛИРОВАНИЕ ФОРМ Я потратил немного времени на создание базовой модели фрукта, используя в основном точные цвета, а не полагаясь на тональный подмалевок.Я использовал Raw Sienna с крошечными кусочками Sap Green, Cadmium Yellow Deep, Cadmium Red и Burnt Umber, чтобы действительно добавить немного силы и веса теням.

5 СОЗДАЙТЕ НЕПРЕРЫВНО После завершения окраски груш фрукты уже были близки к полному цвету. Я указал на стебли груши немного жженой сиены и жженой умбры. Я также нанесла тонкую нейтральную серую смесь на скатерть, чтобы показать тени падающих на нее груш. Я держал это супер свободным, готовый сосредоточиться на деталях позже.

6 РАБОТА МАЛЕНЬКИМИ ХОДАМИ Я закрасил фон в полный цвет, используя круглую кисть Monarch 4 размера. Использование такой маленькой кисти может показаться медленным процессом, но это не займет так много времени, как вы думаете. Я предпочитаю использовать для этого кисть меньшего размера, так как она позволяет мне легко контролировать как фон, так и тонкую градацию светлых тонов к более темным.

Часть 2 >>

Эта статья впервые появилась в февральском выпуске журнала Artists & Illustrators за февраль 2016 г.Получите последний выпуск здесь …

Похожие истории

Дополнительные практические руководства — масло

Получайте инструкции прямо на ваш почтовый ящик — узнайте больше

Как красить отражающие поверхности

Как рисовать как Караваджо

Как пользоваться техникой «жир над постным»

Автор

Художники и иллюстраторы

Artists & Illustrators — самый популярный британский журнал для практикующих художников, который в равной степени актуален как для профессионалов, так и для начинающих любителей, а также для тех, кто рисует исключительно для удовольствия.Полный пошаговых практических советов, собственных работ читателей, эксклюзивных статей об известных именах и экспертных тестов продукции — это лучшее издание для каждого художника, ищущего вдохновения, независимо от того, предпочитает ли он живопись, рисунок или гравюру.

Ценность натюрморта

За свою карьеру в изобразительном искусстве я создал несколько натюрмортов. Они были написаны не только для моего личного удовольствия, но и как переход от пейзажной живописи… и как нечто неожиданное для моих коллекционеров.С тех пор я пришел к выводу, что они очень важны для развития художника. Я даже не намекаю на то, что мои натюрморты выгодно отличаются от представленных здесь произведений мастеров, но я не отрицаю, что они ценны в моем общем репертуаре.

Питер ван Анрадт — «Натюрморт с глиняным кувшином» — «26,5 x 23,75 дюйма» — Масло (1658)

Натюрморты занимают давнее и ценное место в истории искусства. Как я уже говорил ранее, в детстве я практически не имел никакого отношения к изобразительному искусству, и даже как профессиональный иллюстратор я мало интересовался изобразительным искусством. Но со временем мое отношение изменилось, и я сожалею о своей незаинтересованности и нечувствительности к более тонким вещам.

Когда я перешел в изобразительное искусство из иллюстрации в 1982 году, первой выставкой, которую я посетил, была выставка «Голландская живопись золотого века» в Музее Кимбелла в Форт. Уорт, Техас. На выставке были представлены многие великие художники Голландии 1600-х годов, эпохи Рембрандта и Вермеера. Вся выставка открыла глаза.

«Вещи английские» — 11,25 ″ x 9 ″ — Масло

Я до сих пор хорошо помню удивительно чувствительный автопортрет, который Рембрандт написал, когда ему было всего двадцать три года.На выставке было несколько натюрмортов, изысканных и типичных для того времени.

Меня поразили две картины Яна Баптиста Веникса и Питера ван Анрадта. Традиция натюрморта также очевидна в американском искусстве, и, вероятно, самым известным ее практикующим является Уильям Харнетт.

Ян Баптист Веникс — «Мертвая куропатка» — 20 ″ x 17 ″ — Масло (1650)

Почему натюрморты — это такой отличный способ быстро развить свои способности как художника и почему это ценная практика, которую следует применять на протяжении всей своей карьеры?

Есть ряд причин, но причина номер один, numero uno, находится в названии… натюрморт.Предметы не двигаются и не меняются … если, конечно, вы не работаете с скоропортящимися вещами, такими как цветы, фрукты и овощи. Но в основном при контролируемом освещении ничего не меняется.

«Вязаные друзья» — 11,25 ″ x 9 ″ — Масло

«Плантаторы» — 5 ″ x 7 ″ — Масло

«Фрукты» — 9 ″ x 12 ″ — Масло

Вот несколько причин для оценки натюрморта:

Свет и композиция могут быть легко оркестрованы

Вы выбираете объекты

Настройка может быть настолько простой или сложной, насколько вы пожелаете

Нет ограничений по времени

Объекты установлены и неподвижны, поэтому рисование и точное размещение объектов в пространстве относительно друг друга можно тщательно изучить и нарисовать.

Можно выбрать объекты, чтобы передать повествование, тему и помочь в гармонии цветов.

Натюрморт предоставляет прекрасную возможность для изучения света, полутонов, тени, отраженного света и того, как свет движется по объектам, чтобы очертить форму.

Больше возможностей для изучения различных точек зрения (уровней глаз)

Можно наблюдать тщательное изучение того, как свет реагирует на различные текстуры… и можно научиться рисовать эти эффекты

Вот некоторые из преимуществ.Я уверен, что есть еще кое-что, о чем я не думал.

Уильям Харнетт — «Стол для исследования» — 39,87 ″ x 51,37 ″ — Масло (1882 г.)

Нет ничего нового в преимуществах натюрморта. Этим же принципам учили поколения до так называемой «современной эпохи».

Я бы сделал несколько советов для начинающих. Упростите вещи, работая с самыми простыми формами: кубом, цилиндром, конусом и сферой. Оттуда, когда вы хорошо овладеете рисунком, начните добавлять значения (затенение)… и оттуда начните добавлять цвет, больше сложности и так далее.

Вы можете даже подумать о том, чтобы сделать натюрморт на улице и научиться рисовать в быстро меняющемся свете. Гарантированно, все это поможет вам как художнику, независимо от выбранной вами тематики.

«Слива и клубника» — 9,75 ″ x 10 ″ — Масло

Наконец, и это огромное, никогда не работайте по фотографии при написании натюрморта. Зачем вам это нужно? Кроме того, существует большая разница в рисовании с натуры и работе с двухмерной фотографией….без сравнения.

Джон Поточник — младший специалист Центра художественного обновления Living Master

Чтобы просмотреть его искусство и биографию, нажмите ЗДЕСЬ

& description = Значение натюрморта «data-pin-do =» buttonPin «data-pin-config =» beside «>

Клара Петерс | Биография, искусство и факты

Клара Петерс (крещена 15 мая 1594 года, Антверпен, Бельгия — умерла после 1657 года?), Фламандская художница-натюрморт, известная своей скрупулезной манерой рисования, сложной компоновкой материалов, низким углом обзора , а также способность точно запечатлеть текстуры различных объектов, которые она нарисовала. Она была значительным популяризатором так называемых банкетных блюд (или завтраков), то есть роскошных демонстраций кубков, керамических сосудов, посуды, еды и напитков и цветов. Как одна из немногих фламандских художниц, писавших исключительно натюрморты в 17 веке, она также была одной из первых известных художников, включивших автопортреты в натюрморты.

Британика исследует

100 женщин-первопроходцев

Познакомьтесь с выдающимися женщинами, которые осмелились выдвинуть на первый план вопросы гендерного равенства и другие вопросы.Этим историческим женщинам есть что рассказать, от преодоления угнетения до нарушения правил, переосмысления мира или восстания.

Хотя Петерс была влиятельной фигурой в свое время, о ее жизни достоверно известно очень мало. Даже даты, указанные для крупных событий в жизни художника, таких как крещение и свадьба, явно не связаны с художницей Кларой Петерс. Считается, что она крестилась в 1594 году и вышла замуж в 1639 году, причем оба события происходили в Антверпене.В какой-то момент своей карьеры она могла проживать как в Амстердаме, так и в Гааге. Однако в существующих записях гильдии художников Антверпена о ней нет упоминания, что затрудняет составление надежной хронологии ее жизни.

Однако известно, что ее самые ранние датированные масляные картины были выполнены в 1607 и 1608 годах. Эти небольшие композиции включали продукты и напитки, изображенные с низкой точки обзора. Предмет, перспектива и композиция ее ранних картин задают основу и тон ее будущей работе.Анализ этих работ показывает, что она была хорошо обучена мастером масляной живописи. Некоторые ученые предполагают, что ее учителем мог быть Осиас Берт, известный художник-натюрморт из Антверпена, хотя их связь не зафиксирована.

Уже на этом раннем этапе своей карьеры очевидно, что она обладала талантом отличаться от других художников-натюрмортов. Несколько лет спустя изысканные мазки Петерса получили дальнейшее развитие с созданием серии картин, в том числе «Натюрморт с рыбой», свечой, артишоками, крабом и креветками (1611).Известная картина, на которой, среди прочего, изображены рыба, креветки и крабы, а также другие предметы на банкетном столе, демонстрирует тщательную и кропотливую технику художника. Каждая чешуя на рыбе очень детализирована. Петерс также применил эту технику для обработки ценных предметов, используемых для украшения этих банкетных столов.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишись сейчас

Ценные предметы, которые обычно представляли собой полированные вазы и кубки, также служили центральным элементом для другого важного нововведения: автопортрета в натюрморте.Одним из таких примеров этой авангардной техники является натюрморт с цветами, позолоченный серебряный кубок, сухофрукты, сладости, хлебные палочки, вино и оловянный кувшин (1611), в котором несколько искаженное отражение художника-живописца встроен в полированные поверхности позолоченного кубка и кувшина. С этой работой Петерс стала одним из первых художников, которые включили автопортрет в свои натюрморты. Этот новаторский элемент вскоре проник в мир искусства и стал ассоциироваться с работами других фламандских художников 17 века, на которых повлияло ее творчество.

Хотя Петерс была одной из немногих женщин-художников 17-го века, специализирующихся на натюрмортах, ее отличие объяснялось не столько ее сосредоточенностью на одном жанре, сколько ее полным владением им. Влиятельные техники и идеи художника были распространены на территории нынешних Нидерландов и Германии. Следовательно, те, кто принял стиль Петерса, считаются членами ее небольшой, но выдающейся художественной школы, которую некоторые ученые называют «кружком Петерса».

Натюрморт Клары Петерс

Натюрморт с сырами, артишоками и вишнями , дерево, масло Клары Петерс, ок. 1625; в Музее искусств округа Лос-Анджелес.

Фотография Биснест Макклейн. Музей искусств округа Лос-Анджелес, подарок мистера и миссис Эдвард В. Картер, м. 2003. 108.8

Почему натюрморты по-прежнему великолепны

Какая связь между книгами, бутылками, едой, цветами и мертвыми животными? Ответ заключается в том, что все они были популярными предметами для натюрмортов на протяжении многих веков.

Жанр натюрморта считался второстепенным во Французской академии в 17 веке.Тот факт, что этим картинам не хватало человеческого интереса и «серьезности», объясняет реакцию Академии. Тем не менее, многие из величайших художников мира решили изобразить аранжировки повседневных предметов с такими разными художниками, как Леонардо да Винчи, Ван Гог и Жорж Брак, вкладывая символическое значение в неодушевленные предметы.

Холсты «Монументальные»

В 16-17 веках наблюдался рост интереса к миру природы, когда исследователи возвращались домой с экзотическими образцами и видами.Это нашло отражение в огромных полотнах некоторых голландских и фламандских художников, содержащих многочисленные напоминания о непостоянстве жизни, например, цветы, начинающие увядать. Караваджо тоже использовал гниющие яблоки в своей знаменитой картине «Корзина с фруктами», чтобы отразить тот факт, что все и все в конце концов умрут.

Мастера натюрморта

К 19 веку художники отреагировали против взглядов Французской академии, и натюрморт вернулся в моду.Натюрморты Винсента Ван Гога — одни из самых известных в искусстве, но и одни из самых ценных. «Ваза с пятнадцатью подсолнухами» была продана почти за 25 миллионов фунтов стерлингов еще в 1987 году.

Однако именно Поля Сезанна часто считают величайшим художником натюрморта. Вместо того, чтобы стремиться точно передать объект, интерес Сезанна к цвету, форме и линиям привел к радикальным инновациям, которые стали прообразом некоторых ключевых художественных движений последующих десятилетий.

Изменение перспективы

На одной из его самых известных картин «Корзина с яблоками» стол кажется шатким, бутылка вина шатается, а фрукты покатились по полу.Целью Сезанна было разрушить представление о художнике, имеющем единственную точку зрения, как фотоаппарат. Как ни странно, он двигался к непрерывной точке обзора, которую давало тогда новое изобретение кино.

Галерея картин и рисунков Марка Митчелла включает в себя отличительные образцы натюрмортов 19 века, а также многие работы, созданные в 20 веке. Если вам нужна дополнительная информация о нашей коллекции масляных картин, акварелей и рисунков, свяжитесь с нами сегодня.

натюрмортов Анри Матисса

«Египетский занавес» — прекрасный образец натюрморта Матисса на пике его возможностей. Это произведение, цвет которого излучает солнечный свет. Матисс понимал, что чем больше вы уменьшаете и упрощаете рисунок изображения, тем больше вы можете увеличить выразительную силу его цвета. Он извлекал из сцены несколько ключевых цветов и использовал их, чтобы усилить наше восприятие объекта.Матисс также понял, что упрощение его рисунка и непринужденность манеры рисования добавляют радости и жизненной силы работе.

Хотя «Египетский занавес» представляет собой упрощенное и стилизованное изображение фовистов, оно по-прежнему точно отражает то, как мы смотрим на вещи. Если вы стоите в комнате в солнечный день и смотрите через окно на что-то снаружи, ваши глаза привыкают к яркости солнечного света. Затем, когда вы поворачиваетесь, чтобы посмотреть на что-то внутри комнаты, вы частично ослепляете, в то время как ваши глаза приспосабливаются к смене света.Сопоставляя освещенные солнцем предметы в «Египетском занавесе» с его темным интерьером, Матисс использует то же оптическое явление, чтобы увеличить яркость своего цвета до предела. Снаружи ладонь взрывается солнечными лучами на фоне черной оконной рамы, а живость ее мазков подчеркивает энергию ее света.