Натюрморт известных художников для детей. Натюрморт в русской живописи
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Хотя мы говорим об агонии, главный герой картины выглядит как уже мертвый, белый, истощенный, открытый рот, который, вероятно, выдыхает последнее дыхание. Нет никакого утешения к лучшему состоянию, только страдания. То же самое, что отрезало жизнь беременной жене и самого Шиле во время эпидемии испанского гриппа.
Это смерть, которую она очень хорошо ее знала. Волонтерство в Первой мировой войне, он быстро понял, какие зверства, страдания и увечья были таким конфликтом.
Он глубоко расстроился и представил все ужасы, которые он видел своими глазами, в серии гравюр большого эмоционального воздействия. Хотя мы говорим о представлении смерти — и Дикс не перестает показывать свои зверства, — он глубоко меня поражает образом, который, хотя и не прямо присутствует, — смерть воплощается немецкими солдатами, что антигасная маска превращается в угрожающие черепа.
Иван Хруцкий «Цветы и плоды» 1839
Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.
Смерть представлялась гораздо страшнее, чем все мрачные танцы.
Последняя работа — «Сексуальное убийство», в котором проявляется осуждение капитализма, представленное ухмыляющимся человеком в бомбе, которое только что убило то, что должно быть проституткой.
На самом деле это не искусство, и тем более фон Хейгенс когда-либо окружал художественные претензии. Хотя мне интересно, какая разница между формальной формальдегидной акулой Дамена Херста или кошкой Дэмиена Херста и произведениями фон Хагенса. И тогда обычный умный Энди Уорхол, который, кажется, изучил каждую тему, мог прийти на ум, включая смерть, которая коснулась его Валери Соланас, который выстрелил ему в несколько выстрелов. Здесь смерть во всей ее грубости, смягчается только какой-то цветной фильтрацией и ничем иным.
Тогда в России было множество художественных объединений.
Николай Сапунов «Цветы и вазы на розовом фоне», 1910 г.
Яркий художник, мастер театральных композиций и экзотических натюрмортов, Н. Сапунов обладал очень своеобразным колористическим талантом.
В период написания натюрморта «Цветы и вазы на розовом фоне» Николай Сапунов был членом объединения символистов «Голубая роза». Поэтика символизма влекла художников к романтически-окультным темам.
Смерть имеет ту же ценность, что и суп-бокс Кэмпбелла, люди подобны объектам или, по крайней мере, как они обрабатываются информацией. Он все еще мертв на маленьком электрическом стуле, где электрический стул в тысячу раз более запоминающийся, чем любой труп — немного похоже на солдат с анти-газовой маской Отто Дикса. Фактически пустая комната, дверь с тишиной написана, электрический стул посередине комнаты. Место, где больше людей умирает, чем любая другая общая комната в мире.
Об этой работе она сказала: «Удивительно, как много людей висят в комнате фотографию электрического кресла, особенно если цвета согласуются с занавесками».
Но то, что Марта Пачеко делает для меня, объективно непонятна. Даже в этом случае сделайте это самостоятельно.
Поскольку название работы — «Смерть коллекционера», возможно, это было не намерение, хотя для тех, у кого минимальная кинематографическая культура, более естественно подходить к двум вещам.
Обычная провокационная установка? Почему коллекционер мертв?
А. Блок выделял в его творчестве искания цветового ритма, цветовой музыки, цветовой драмы которая отвечала бы драме тех спектаклей, к которым он рисовал декорации.
Склонный к богемной жизни художник как-то плавал с компанией в лодке на Финском заливе, и утонул в возрасте 32 года.
Петр Кончаловский был членом объединения «Бубновый валет». Для этого объединения характерны поиски новых живописно- пластических решений, деформация и расчленение формы, фактурность живописи, выявление формы и объема цветом, стремление к живописи чувственной, материально-красочной стороны бытия. Идейные истоки — так называемый «русский сезаннизм», русское народное искусство (лубок, икона, изразец, росписи, торговые вывески).
Как правило, их работа исследует взаимосвязь между искусством, архитектурой и дизайном, посредством подрывного юмора и социально-культурных концепций.
Диапазон от экзотических репортажей до Кубы или на востоке, от классического белого до черного, до тематической серии тематических тематик.
Его работа не просто фотографическая, но он в значительной степени опирается на редактирование фотографий, чтобы достичь живописных эффектов, очень похожих на эффекты фламандских художников. Должен сказать, что мне не нравится фотографическая почтовая продукция, за исключением особых случаев.
П. Кончаловский «Красный поднос», 1913
Укрупнить, огрубить, но сделать каждую вещь плотной и крепкой — вот задача молодого Кончаловского в его многочисленных натюрмортах, где неслучайно фигурирует часто тот же рыночный поднос как своего рода камертон, задающий живописи необходимый уровень колористического напряжения. Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей.
Например, Дэвид Лашапелле способен добиться чрезвычайно утонченного эффекта благодаря хорошо используемому пост-продакшенному использованию. Это представление о смерти было бы также интересно, если бы оно не ограничивалось двумя щелчками, и если пост-пост не был таким раздраженным, так много, чтобы напомнить Микеланджело, что с его благочестием он сделал смысл мертвого мяса намного больше реалистично используя простой камень.
Последний современный художник — Джереми Миллар, с Автопортретом, как утопленная человеческая ива, если вы проиграли, это также цитата из знаменитого автопортрета Ипполита Байяра, о котором мы говорили. Даже в этом случае вам нужно немного учиться, иначе путь не кажется очень ясным. Не забывайте, конечно, Байард и сообщение о том, что художник умирает, создавая свою собственную работу.
Все, что мне нужно сделать, это процитировать Орацио и его знаменитый уровень инфляции, который он говорит.
Илья Машков «Снедь Московская»
Скандальная слава сопутствовала молодому Илье Машкову — азартному и предприимчивому самородку, набравшемуся жизненного опыта «в людях» (работая в лавках у торговцев), прошедшему «университеты» в европейских музеях, но изгнанному в 1909 г. из стен МУЖВЗ (Моск. Училище Живописи Ваяния и Зодчества). Впрочем, еще обучаясь, Машков с большим успехом учил сам — его студия (1904-17; в 1925 преобразована в Центральную студию АХРР) была самой дорогой и одновременно самой посещаемой в Москве.
Когда мы говорим, время уже убегает, так как оно нас ненавидит! Так что позаботьтесь, не верьте завтра. Картины натюрморта — вневременная классика. История этого живописного жанра, изображающего неодушевленные предметы, началась в семнадцатом веке, когда художники того времени сделали природу настоящим предметом их художественного творчества. Натюрморты имеют богатый символизм — они часто указывают на фугитивность жизни и эфемерный характер красоты. Среди самых известных фигур из мертвых в Италии мы можем вспомнить: Караваджо, Джованна Гарзони, Паоло Порпора, Вера Галисия.
Илья Машков «Натюрморт с лошадиным черепом», 1914 г.
Поразив зрителей и критиков «варварским» напором своей живописи на выставках «Золотого руна» и «Салона Издебского» (1909-10), Машков нашел свое место среди художников, составивших общество «Бубновый валет» (П. П. Кончаловский, А. В. Лентулов и др.). «Валеты» утверждали материальность мира и «низкого» предмета; щедрость и мажорность машковской палитры, изобильность его натюрмортных постановок оказались созвучны программе объединения.
Караваджо был настоящим мастером этого живописного жанра, поскольку он дал невероятный реализм мертвым животным. Коллекция натюрмортов на бимаго — идеальный баланс между современным и классическим искусством. Чтобы удовлетворить все вкусы наших клиентов, мы подготовили более 140 различных мотивов: от фантастических картин фруктовых с современным вкусом до более классических, идеально подходящих для элегантная окружающая среда. Мы приглашаем вас открыть множество фантастических картин натюрмортов, которые сочетают классический дух с современным дизайном.
В стремлении вернуть искусство «с небес на землю» художники этого круга ориентировались на «ремесло» — уличную вывеску, поднос, лубок. Машкову такое ремесло было родным с детства, и примитивизм его натюрмортов и портретов — самый простодушный и подлинный.
Натюрморты — декорации, идеальные для любой среды
Свежие и сочные фрукты сразу же привлекают взгляд наблюдателя и заставляют воду для рта поступать.
Именно поэтому они будут идеально подходят для увеличения пустоты на кухонных стенах. Вы хотите дать последний штрих своей спальне? В нашей коллекции картин Натюрморта вы найдете украшения, которые, сохраняя классический дух, приспосабливаются к современным потребностям. Замечательные картины с музыкальными инструментами, висящими над кроватью, подчеркнут вашу страсть к музыке и придадут уникальному характеру вашему оазису расслабления.
Илья Машков «Натюрморт с фруктами»
Живописец, влюбленный «в яркую плоть и кровь вещей». Эта жизнеутверждающая, реалистическая, оптимистическая установка оказалась как нельзя более подходящей для новых задач искусства. Ясный взгляд на мир, взгляд трудящегося человека, радующегося самой работе и празднующего ее результаты, характерен для художника в послереволюционные годы. У Машкова свое, особое понимание соотношения в живописи предметного и пространственного, и пафос его — в утверждении здоровой реальности предмета посредством усиления его пластических и цветовых характеристик.
Гостиная — наша визитная карточка и поэтому требует украшений, которые захватывают взгляд и соблазняют сложными деталями. Для удовлетворения этих потребностей был создан широкий спектр картин натюрморта на бимаго. В гостиной, оформленной в минималистском стиле, настенные декорации, наполненные насыщенными цветами, будут хорошо представлены.
Натюрморты или картины — выберите подходящую для вас технику
Однако в преклонном окружении они предпочитают картины классического вкуса. Украшая наш дом, мы должны исходить из базовой концепции: какое украшение лучше всего выражает нашу личность? Какой фон будет идеальным для того, чтобы мы чувствовали себя комфортно? Натюрморт обычно ассоциируется с классическим стилем и поэтому недооценивается современными энтузиастами декорирования. Наша коллекция картин натюрморта показывает, что современный дизайн сочетается с утонченностью прошлого. Однако, чтобы найти идеальное украшение из убранства недостаточно выбрать подходящий мотив, а также технику, с помощью которой картины сделаны из мертвой природы.
Обостренное внимание к самоценности предметов позволило живописцу обнаружить в простых, привычных вещах новые выразительные возможности.
Илья Машков «Медная посуда»
В «Натюрморте с самоваром (Медная посуда)» (1919) кухонная утварь — кофейник, молочник, кружка, тарелка, утюг, подносы, — дружно сплотившись и вытеснив пространство на периферию холста, напоминает небольшое, но сильное своим единением и уверенностью войско. Сдержанная, почти монохромная цветовая гамма выделяет чеканные формы предметов, передает их неяркий, но сильный блеск. Каждая вещь предстает в своем ярко индивидуальном облике, но всех их объединяет какая-то почти «идейная» общность — принадлежность к одному «классу», материалу — меди. Это апофеоз красоты скромного металла, и звучит он звонко, торжественно, мощно. Суверенные, весомо стоят медные предметы, и зритель, покоренный исходящей от них сдержанной силой, забывает о чисто бытовом их назначении.
Между классикой и современностью — универсальность натюрмортов
В нашей галерее вы можете обнаружить различия между натюрмортами и картинками, который работает для вас.
Наши художники не боятся экспериментировать и применять новые подходы к классическому стилю, предлагая вам картины натюрморта, отражающие тенденции момента. Наша миссия — произвести впечатление на наших клиентов украшениями, которые не только дадут новый взгляд на окружающую среду, но и создадут настоящий «эффект вау» на стенах. Многие люди связывают фотографии с классическим стилем, но мы хотим показать вам что неодушевленные предметы, представленные в современном стиле, будут одинаково хорошо представлены в окружающих средах, прогнозируемых в будущем.
Натюрморты Петрова-Водкина непритязательны по набору предметов и несут приметы суровой эпохи, в которую они созданы. В этом смысле классическим стал натюрморт с изображением тощей селедки, куска хлеба и двух картофелин — скудного пайка голодного времени.
Посмотрите на нашу необычную коллекцию мертвой природы и узнайте их универсальность. Он современный крестный отец нового поколения. Его зовут Антонио Пиромали, сын Джузеппе Пиромали.
Ему 44 года, и он управляет одной из главных ветвей калабрийской мафии, известной как Ндрангета.
Хотя его конкретные традиции сохранились, и теперь, когда традиционные диалектические призывы от поставщиков к прохожим, рынок является бледным оттенком того, чем он был раньше. Место увековечено на картине Ренато Гутузо и на экране режиссера Роберто Андо. Сегодня, однако, рынок в основном находится в руинах, и только несколько киосков продают фрукты.
Кузьма Петров-Водкин «Селедка», 1918
Художник любит вводить в них зеркала, стеклянные или просто какие-нибудь блестящие предметы (самовар, никелированный чайник), позволяющие ему отдаться анализу сложной игры рефлексов, преломлений падающих и отраженных во внутренних гранях пучков света. В этих исследованиях в духе Врубеля Петров-Водкин заменяет страстность своего гениального предшественника методически-настойчивым стремлением к познанию предмета во всех его аспектах.
Фактически, Вукирия стала полем битвы для группы местных бизнесменов, решивших перестроить окрестности и построить новые квартиры, а также знаменитую сицилийскую мафию, которая хочет сохранить контроль над городом, как это было сделано в течение большей части прошлого века.
Австрийский художник Уве Йенч, живущий в Палермо, пытается обратить внимание на неконтролируемые рыночные условия, рисуя стены и делая провокационные художественные инсталляции. Три года назад группа из 17 бизнесменов, наконец, выслушала его призывы, инвестировав в план прекратить неумолимое уничтожение Вучирии.
Кузьма Петров-Водкин «Натюрморт с чернильницей», 1918
Разложенные и расставленные на столе вещи художник рассматривает сверху, так что расположение их поддается точной фиксации и они видны «как на ладони»; полированные грани чайника или покрытая стеклом поверхность стола удваивают изображение, позволяя взглянуть на него с невидимой художнику стороны. Таким образом, Петров-Водкин преодолевает монокулярную точку зрения, кажущуюся ему недостаточной и не отражающей истинное знание о предмете, который можно обойти вокруг, получив в итоге суммарное и более полное представление о нем.
Кузьма Петров-Водкин «Черемуха в стакане», 1932
Самое поразительное во всех натюрмортах Петрова-Водкина заключается в том, что пристальный, порой скрупулезный анализ предметов и строгая, почти экспериментальная композиционная построенность холста ни в какой мере не лишают их непосредственности художнического восприятия натуры, не говоря уже о богатстве и тонкости цвета.
Понимая мир как большой натюрморт, как сочетание ощутимо-материальных красочных фактур, он не обращался ни к радикальным формам авангарда – остановившись как бы на пороге кубизма, – ни к лубочно-фольклорному примитиву.
А. Куприн «Натюрморт с синим подносом», 1914
В работах его раннего периода доминируют напряженные красочные контрасты, натура воспринимается как бы осязательно-предметно и в то же время достаточно отчужденно.
Зинаида Серебрякова «Натюрморт с атрибутами искусства»
Эта работа Серебряковой имеет традиционную для художника композицию. Как это принято на произведениях с подобным названием, здесь изображена античная маска, присутствует ящик с красками, рулон бумаги, напоминающий свиток, на втором плане расположились стеклянные бутылочки с порошками-пигментами для красок и светлая керамическая ступка.
В 1913 г. .П.Кончаловский написал картину «Сухие краски», в которой явственно виден интерес художника к сочетанию ярких пигментов: оранжевого с кобальтом, охры с алым.
П.Кончаловский «Сухие краски», 1913
Полотно выполнено в грубоватой, упрощенной манере. Живопись Серебряковой мягче, тактичней. В книгах, в кистях, испачканных краской, в листах ватмана, оставленных на столе, живет теплое прикосновение рук художника, трепещет любовь, живой интерес, привязанность к неизменным и разумным помощникам его труда. И может быть, именно в этом: в человечности предметного мира, в его зримой связи с людьми – всего полнее раскрываются истолкование и оценка, которую Зинаида Евгеньевна дает действительности. Она соединена с миром предметов глубокой внутренней общностью, вещи служат ей как старые добрые слуги, хорошо знакомые в своих неизменных и полезных качествах. Мир Серебряковой раскрывается перед нами полным ровного, ясного, теплого света и гармонии.
Игорь Грабарь «Сирень и незабудки»
Именно тогда Грабарь увлекался живописным методом Клода Моне. «Хризантемы» в этом отношении чрезвычайно типичны. Цветовой анализ вибрирующей световоздшной среды близок некоторым исканиям французских живописцев этого направления.
Игорь Грабарь «Хризантемы»
Художник ищет выхода в подчинении форм и красок определенному декоративному ритму. Очень скоро это преодоление известной ограниченности импрессионистического метода становиться у Грабаря последовательным. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета. Натюрморты Грабаря отмечены разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в развитии русского натюрморта. В атмосфере борьбы за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из ведущих жанров, ареной творческого эксперимента.
В 30-40-е годы ХХ столетия развитие натюрморта приостановилось, но уже с середины 50-х годов этот жанр переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.
Натюрморт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.
Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.
Нидерландский натюрморт XVII века
Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах.
Натюрморт в русской живописи 18-20 веков
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Хотя мы говорим об агонии, главный герой картины выглядит как уже мертвый, белый, истощенный, открытый рот, который, вероятно, выдыхает последнее дыхание. Нет никакого утешения к лучшему состоянию, только страдания. То же самое, что отрезало жизнь беременной жене и самого Шиле во время эпидемии испанского гриппа.
Это смерть, которую она очень хорошо ее знала. Волонтерство в Первой мировой войне, он быстро понял, какие зверства, страдания и увечья были таким конфликтом. Он глубоко расстроился и представил все ужасы, которые он видел своими глазами, в серии гравюр большого эмоционального воздействия. Хотя мы говорим о представлении смерти — и Дикс не перестает показывать свои зверства, — он глубоко меня поражает образом, который, хотя и не прямо присутствует, — смерть воплощается немецкими солдатами, что антигасная маска превращается в угрожающие черепа.
Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.
В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.
Русские натюрмористы
- Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
- Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
- Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
- Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
- Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
- Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
- Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
- Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
- Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
- Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
- Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
- Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
- Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
- Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
- Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
- Шаманов Борис Иванович (1931-2008)
Натюрморт — это? Натюрморты известных художников
Я здесь: Главная ›
Виртуальная школа
›
Искусcтво
› Натюрморт как жанр изобразительного искусства
Искусcтво
Помнишь, как Мишка из мультика «Маша и медведь» рисовал картину, где возле бочонка меда в золотых амфорах лежали яблоки и груши? Все, что сорвано, срезано или собрано, но продолжает радовать человеческий глаз, — это натюрморт.
Его и рисовал лохматый художник.
1890 т.0
Что такое натюрморт?
Какая это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.
Блез Паскаль
И правда, задерживал ли Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну… разве что, когда был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом — особая магия натюрморта.
В переводе с французского языка натюрморт означает «мертвая природа» (nature morte). Однако это лишь дословный перевод.
На самом деле натюрморт — это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов, мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней Греции и Древнего Рима.
Натюрморт (фреска из
Помпей) 63-79 г.
, Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.
Когда в гости к римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт из гробницы Вестория Приска в Помпеях.
В центре композиции — сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для вина.
Однако натюрморт — это не только фрукты, овощи и цветы, но и… человеческий череп, призванный отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.
Выдающийся пример —
аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды, где
рядом с черепом изображена трубка — символ неуловимости земных наслаждений,
стеклянный сосуд — отражение хрупкости жизни, ключи — символ власти домашней
хозяйки, управляющей запасами.
Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в
которой едва теплятся угли, значит ее угасание.
Суета сует. Ванитас, 1628, Виллем Клас Хеда.
Виллема Хеду по праву называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи, посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых современников художника.
Невероятно, насколько точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца — таинственность, поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.
Натюрморты известных художников
Натюрмортом часто
увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных
произведениях я расскажу Тебе дальше.
Пабло Пикассо — самый дорогой художник мира
Уникальный и неподражаемый — именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в. Пабло Пикассо. Каждая работа автора — тандем оригинального замысла и гениальности.
Натюрморт с букетом цветов, 1908 г.
Натюрморт с луковицами, 1908 г.
Кроме традиционно совершенных реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом. Художник раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.
И хотя искусствоведы не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат самым богатым коллекционерам мира.
Гитара и ноты, 1918 г.
Эксцентричный Винсент Ван Гог
Наряду со знаменитой
«Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом
творчества Ван Гога.
Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле
к приезду друга Поля Гогена.
«Небеса — восхитительного голубого цвета. Солнечные лучи — бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского… Я не могу написать что-то столь прекрасное…» — обреченно говорил Ван Гог. Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество раз.
Ваза с 12 подсолнухами, 1889 г.
Несчастная любовь, бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».
Натюрморт с красными маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г.
Ирисы. Сен-Реми, май 1890 г.
Всеохватывающие натюрморты Поля Сезанна
«Я хочу вернуть
природе вечность», — любил повторять великий французский
художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не
меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.
Стремясь показать предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом, словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты — сбоку, ящик в столе — снизу, а кувшин — с разных сторон одновременно.
Персики и груши, 1895 г.
Натюрморт с вишнями и персиками, 1883-1887 гг.
Натюрморты современных художников
Палитра цветов и самых разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими картинами талантливых современников?
Британец Сесил Кеннеди
От картин этого художника невозможно оторвать взгляд — настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется, я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?
Сесила Кеннеди по
праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель
нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все
же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.
Бельгийский художник Джулиан Стапперс
Сведения о жизни бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его картинах. Жизнерадостные натюрморты художника — в коллекциях самых богатых людей мира.
Грегори Ван Раальте
Современный американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес, листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.
Талантливый художник живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.
Иранский художник Али Акбар Садехи
Ali Akbar Sadeghi — один
из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает
композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с
иконописью и искусством витража.
Натюрморты современных украинских художников
Что ни говори, а в украинских мастеров кисти — свое, уникальное видение его величества натюрморта. И сейчас я Тебе это докажу.
Сергей Шаповалов
Картины Сергея Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом, добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка Новгородковского района Кировоградской области.
Сергей Шаповалов – заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.
Игорь Деркачев
Украинский художник Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас. Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю. Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.
Картины художника пронзены
теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через
картины автора передается и всем поклонникам его творчества.
Виктор Довбенко
По словам автора, его натюрморты — зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах — неповторимый летний аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.
Читай также:
- Рисуем натюрморт,
- Сказочник из Финляндии,
- Вкусные картины.
Теги: УдивительноеДля самых умныхВдохновение
Заметили орфографическую ошибку? Выделите её мышкой и нажмите Ctrl+Enter
Другие материалы по темеПесни о любви на слова российс…
Еще мелодичнее: об употреблени…
Почему сентябрь так называется
Летающая змея
Тайны Сахары
Ужин в подводном царстве
Цветок-губы
История игры в классики
20 известных художников для детей
Узнайте о некоторых из самых известных художников и научите своих детей создавать свои собственные шедевры с помощью наших простых и выполнимых известных художников арт-проектов.
ЗАНЯТИЯ ДЛЯ ДЕТЕЙ ИЗВЕСТНЫМИ ХУДОЖНИКАМИ
ЗАЧЕМ ИЗУЧАТЬ ИЗВЕСТНЫХ ХУДОЖНИКОВ?
Изучение работ мастеров не только влияет на ваш художественный стиль, но даже улучшает ваши навыки и решения при создании собственных оригинальных работ.
Детям очень нравится знакомиться с разными стилями искусства, экспериментировать с разными средствами и техниками с помощью наших арт-проекты известного художника.
Дети могут даже найти художника или художников, чьи работы им очень нравятся и вдохновят их на новые творческие работы.
Почему так важно узнавать об искусстве прошлого?
- Дети, которые знакомятся с искусством, ценят красоту!
- Дети, изучающие историю искусства, чувствуют связь с прошлым!
- Художественные дискуссии развивают навыки критического мышления!
- Дети, которые изучают искусство, узнают о разнообразии в раннем возрасте!
- История искусства может пробудить любопытство!
ВЫПОЛНЕННЫЕ ТВОРЧЕСКИЕ ЗАНЯТИЯ ДЛЯ ДЕТЕЙ
Наличие правильных принадлежностей и наличие «выполнимых» художественных занятий может действительно остановить вас на пути, даже если вы любите заниматься творчеством.
Вот почему я собрал для вас невероятный ресурс, используя известных художников в истории для вдохновения.
НАКОНЕЦ-ТО ВЫ СМОЖЕТЕ ПОМОЧЬ СВОИМ ДЕТЯМ:
- Исследуйте новых способа творчества!
- Найдите вдохновение в известных произведениях искусства.
- Создайте уникальных произведения искусства!
- Экспериментируйте с различными художественными техниками, чтобы создавать уникальные произведения искусства.
- Попробуйте новых идеи, которые легко осуществимы для детей (да и для взрослых тоже!).
- Узнайте больше о каждом известном художнике и узнайте, что делает его искусство уникальным.
ПЛЮС, освойте изящные художественные приемы и стили, даже если вы не настолько хитры или «артистичны». Вместо этого все делается для того, чтобы повеселиться и побудить детей экспериментировать с простыми художественными занятиями!
С помощью преподавателя художественного образования… У меня есть 16 известных художников , которыми я хочу поделиться с вами! Каждый художник предлагает уникальные художественные проекты, которые вдохновляют, привлекают и «выполнимы»!
Известные художники включают Моне, Ван Гога, Матисса, Дали, Поллока, Уорхола, Мондриана, Кандинского и многих других…
Нажмите здесь, чтобы начать бесплатное испытание известных художников!ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ ДЛЯ ДЕТЕЙ
Узнайте о некоторых из самых известных художников в истории, а также о простых и выполнимых художественных проектах для детей.
Нажмите на ссылки, чтобы получить полные инструкции и бесплатные печатные формы для каждой художественной деятельности.
НОВИНКА! Наслаждайтесь арт-проектом с совой в стиле художника Кеножуака Ашевака Прихорашивающаяся сова .
Изготовить витраж по мотивам Марка Шагала к Хануке.
BRONWYN BANCROFT
Женщина из Бунджалунга, Бронуин Бэнкрофт — художница из числа коренных народов Австралии и иллюстратор детских книг, опубликовавшая более 40 книг.
Работа Бэнкрофт сосредоточена на ее родной стране, животных, красоте ее земли и ее истории. Ее работы часто отражают климат Австралии, от суровых пустынь до субтропических тропических лесов. Бэнкрофт использует смелые, яркие цвета в своих картинах.
Бэнкрофт также была модельером, известным своими красочными тканями и текстилем. В своих художественных работах и за их пределами Бэнкрофт активно занимается рядом социальных проблем, особенно тех, которые затрагивают коренных австралийцев.
Создайте пейзажную картину и красочное украшение в стиле Бронвин Бэнкрофт.
ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКИА
Жан-Мишель Баския начал свою карьеру уличного художника и художника-граффити на улицах Нью-Йорка. Искусство Баскии сосредоточено на контрастах, таких как богатство и бедность, интеграция и сегрегация. Он использовал поэзию, рисование и письменное слово, чтобы выразить себя таким способом, который придавал силы.
Баския написал много автопортретов. И в своих портретах, и в автопортретах он исследует свою личность как человека латиноамериканского и афроамериканского происхождения.
Он использовал социальные комментарии в своих картинах как инструмент для идентификации со своим опытом в черном сообществе, а также для борьбы с расизмом и предрассудками.
Вдохновитесь творчеством Баския и создайте свои собственные причудливые автопортреты с помощью масляной пастели или ленточной техники.
САЛЬВАДОР ДАЛИ
Сальвадор Дали был известным испанским художником, который создавал картины, скульптуры и фильмы о своих снах.
Этот стиль искусства называется сюрреализм .
Сюрреализм — это направление в искусстве, в котором художники создают сказочные сцены и показывают ситуации, которые в реальной жизни были бы странными или невозможными. Сюрреалистические изображения исследуют подсознательные области разума.
Художественное произведение часто не имеет особого смысла, поскольку обычно пытается изобразить сон или случайные мысли.
Дали также был известен своими длинными вьющимися усами. Ему нравилось носить сумасшедшую одежду и носить длинные волосы, что в то время шокировало людей.
Повеселитесь, создав скульптуру лица из простого теста, вдохновленную фотографией Сальвадора Дали по имени Циклоп.
М.К. ESCHER
Мауриц Корнелис Эшер был голландским художником-графиком, родившимся в 1898 году, который делал математически вдохновленные гравюры на дереве, литографии и меццо-тинто.
Он также был рисовальщиком, книжным иллюстратором, дизайнером гобеленов и художником-монументалистом, но его основная работа была гравером.
Он стал известен своими детализированными реалистичными отпечатками, в которых были достигнуты причудливые оптические и концептуальные эффекты.
М.К. Эшер известен как мастер тесселяции. Мозаика представляет собой соединенные узоры, состоящие из повторяющихся фигур, которые полностью покрывают поверхность, не накладываясь друг на друга и не оставляя отверстий.
Например, шахматная доска представляет собой мозаику, состоящую из чередующихся цветных квадратов. Квадраты встречаются без перекрытия и могут бесконечно растягиваться на поверхности.
Создайте свое собственное произведение искусства, вдохновленное Эшером, с помощью мозаичных изображений Эшера, рождественских мозаичных изображений и заданий по созданию мозаики в виде рождественской елки.
ФРИДА КАЛО
Фрида Кало была мексиканской художницей, наиболее известной своими автопортретами . Она любила включать в свои работы элементы мексиканской культуры, такие как яркие цвета и образы природы.
В детстве Фрида была инвалидом из-за полиомиелита, но все еще собиралась пойти в школу, чтобы стать врачом. Однако в возрасте 18 лет ее сбил автобус, что вызвало у нее пожизненные боли и проблемы со здоровьем.
Пока она выздоравливала, к ней вернулся ее детский интерес к искусству. В больнице мать предоставила ей специально изготовленный мольберт, который позволял ей рисовать в постели, а отец одолжил ей несколько своих масляных красок. Над мольбертом у нее было зеркало, чтобы она могла видеть себя.
Получайте удовольствие с…
- Фрида Кало раскраска
- Frida Winter Art
- Frida Kahlo Leaf Art
- Frida Kahlo Collage
- Frida Kahlo Collage
- Frida Kahlo Collage
- Frida Kahlo Collage 9000
- .
ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ
Василий Кандинский — известный художник, родившийся в 1866 году в России, а затем живший в Германии и Франции.
Кандинскому часто приписывают роль пионера абстрактное искусство . Абстрактное искусство вносит изменения в форму, форму, цвет и линию, чтобы создать искусство, которое не похоже ни на что узнаваемое.
Такие художники, как Кандинский, используют искусство для выражения своих чувств и эмоций, обычно с помощью смелого использования линий и цветов.
Кандинск y Круги являются прекрасным образцом абстрактного искусства. Кандинский использовал композицию сетки, и внутри каждого квадрата он нарисовал концентрические круги, что означает, что круги имеют общую центральную точку.
Он считал, что круг имеет символическое значение, связанное с тайнами космоса, и использовал его как абстрактную форму.
Создайте свое собственное искусство концентрических кругов с помощью одного из этих художественных проектов Кандинского.
- Круги Кандинского
- Елка Кандинского
- Сердца Кандинского
- Елочные игрушки Кандинского
- Новогоднее украшение Кандинского
- Елочная открытка Кандинского
Бумага арт2 Газета арт20028
HILMA AF KLINT
Искусство Хильмы Аф Клинт, родившейся в 1862 году в Швеции, считается одним из самых ранних произведений, созданных в абстрактном или современном стиле.
Многие ее работы созданы еще до таких художников, как Василий Кандинский и Пит Мондриан.
Стиль и дизайн ее работ были основаны на ее мистических духовных убеждениях. Клинт создавал смелые и красочные картины, в которых нельзя было узнать ничего из физического мира.
Абстрактное искусство — это форма искусства, в которой используются формы, форма, цвет и линия для создания произведений искусства, которые выглядят менее или совсем не похожими на что-либо узнаваемое. Такие художники, как Клинт, используют искусство для выражения чувств и эмоций или убеждений, обычно с помощью смелого использования линий и цвета.
Клинт думал, что ее работа новаторская и что ее будет трудно понять. Из-за этого она попросила, чтобы ее работы не показывались публике, по крайней мере, через 20 лет после ее смерти.
Однако только в последние годы работе Хильмы Аф Клинт уделяется должное внимание.
Создайте собственное абстрактное искусство в стиле Хильмы Аф Клинт.
Любите все эти известные проекты художников в одном месте? Пришло время вступить в Библиотечный Клуб!ЯЙОЙ КУСАМА
Яёи Кусама — японская художница, талантливая во многих областях искусства! Она работает в области скульптуры, живописи, перформанса, видео, моды, поэзии и писательства!
У Кусамы, родившейся в 1929 году в сельской местности Японии, было трудное детство, и она говорит, что искусство спасло ей жизнь.
Узнайте у Кусамы, как искусство может помочь людям преодолеть невзгоды.
Кусама известна в мире искусства как «Принцесса в горошек». Ее искусство в горошек началось, когда она была молода, когда Кусама видела точки во сне.
Кусама жила в Нью-Йорке в конце 50-х и 60-х, во время движения поп-арт. Но ее все больше разочаровывали художники-мужчины, получившие известность за ее идеи. В 1970-х она вернулась в Японию.
Только недавно ее работа получила признание благодаря развитию социальных сетей. В более позднем возрасте Кусама стала одной из самых продаваемых художниц всех времен.
Попробуйте это веселое занятие по рисованию тюльпанов, вдохновленное картиной Яёи Кусамы «Тюльпан» 1986 года или картиной бабочки в горошек.
ROY LICHTENSTEIN
Американский художник Рой Лихтенштейн хорошо известен тем, что использует в своих работах мультипликационные ленты, которые были очень популярны в 1950-х годах. Лихтенштейн восхищался мастерством художников комиксов, которые могли создавать сложные истории о любви и войне в мультяшной форме.
Наряду с другими великими художниками, такими как Энди Уорхол, Лихтенштейн стал ведущей фигурой в движении поп-арт.
Создайте свой собственный комикс, вдохновленный пасхальным кроликом, поп-артом на Хэллоуин или открыткой с рождественской елкой.
Поп-арт на ХэллоуинАНРИ МАТИСС
Известный художник Анри Матисс родился во Франции в 1869 году. Матисс был рисовальщиком, печатником и скульптором, но прежде всего он известен как художник.
Говорят, что наряду с Пабло Пикассо Матисс оказал глубокое влияние на развитие современного искусства. Он разработал стиль, узнаваемый благодаря использованию интенсивных цветов, повторяющихся узоров и уплощенных форм.
В конце жизни Матисс начал создавать композиции из бумаги. Он научился рисовать ножницами после того, как из-за проблем со здоровьем он был прикован к инвалидной коляске, а из-за ограниченных движений ему было слишком сложно рисовать.
Матисс использовал яркую бумагу и ножницы, чтобы вырезать фигуры, животных, листья, танцоров и цветы.
Затем он направлял своих помощников в аранжировке композиции.
Большие аранжировки были размещены прямо на стенах его студии и изменены до тех пор, пока он не остался доволен размещением.
Сделайте свой собственный «рисунок» с формами, вдохновленными Матиссом, с изображением листьев, цветов, коллажей зимних птиц или коллажей рождественской елки.
Цветы МатиссаПЬЕТ МОНДРИАН
Пит Мондриан — голландский художник, наиболее известный своими абстрактными картинами. Мондриан известен как основатель De Stijl, голландского художественного движения художников и архитекторов.
Хотя Пит Мондриан наиболее известен своими абстрактными картинами, сделанными из квадратов и прямоугольников, Пит Мондриан начал рисовать реалистичные сцены. Особенно ему нравится рисовать деревья.
Влияние искусства Мондриана можно увидеть и во многих других вещах — от мебели до моды.
Создайте свое собственное абстрактное искусство из квадратов и прямоугольников с зданиями Мондриана, рождественскими украшениями Мондриана и арт-проектами сердца Мондриана.
CLAUDE MONET
Клод Моне был французским художником, который любил рисовать в детстве. Использование света Моне в его работах было уникальным, поскольку он пытался уловить меняющиеся цвета света. Он использовал широкий спектр ярких цветов и быстро рисовал короткими мазками.
Моне считали импрессионистом. Импрессионизм — это стиль живописи, зародившийся во Франции в начале 1860-х годов, когда художники начали рисовать на улице, а не в мастерской.
Они хотели запечатлеть определенные моменты времени, а поскольку условия освещения постоянно менялись, им приходилось работать очень быстро.
Импрессионисты пытались запечатлеть не картину реальной жизни, а скорее впечатление о том, как представлялись им в то время человек, предмет, атмосфера, пейзаж.
Попробуйте создать собственное импрессионистское искусство Моне с этим заданием «Подсолнух Моне».
БАБУШКА МОИСЕЙ
Бабушка Мозес, настоящее имя которой Анна Мэри Робертсон Мозес родилась в 1860 году.
Она была американской народной художницей, которая начала рисовать только в 78 лет! Хотя в детстве она интересовалась искусством, мать поощряла ее проводить время по-другому.
Когда ее муж скончался, бабушка Мозес пыталась отвлечься, занимаясь шитьем под названием «вышивание». Однако ее артрит затруднял шитье. Ее семья предложила ей заняться рисованием в качестве альтернативного хобби.
Большинство ее работ были изображениями простой фермерской жизни и сельской местности ее дома в штате Нью-Йорк. Этот вид искусства известен как первобытное искусство, потому что бабушка Мозес была самоучкой.
Создайте свое собственное примитивное зимнее искусство с бабушкой Мозес.
GEORGIA O’KEEFFE
Джорджия О’Киф — американская художница, жившая с 1887 по 1986 год. Она была известна своими картинами с увеличенными цветами, небоскребами Нью-Йорка и пейзажами Нью-Мексико.
О’Киф нарисовала природу так, чтобы показать, как она себя чувствует. Она признана пионером американского модернизма.
Хотя О’Киф писала в основном маслом, на протяжении всей своей карьеры О’Киф экспериментировала с разными материалами, включая уголь, акварель и пастель. Но пастель была единственным средством наряду с маслом, которое она регулярно использовала на протяжении многих лет.
Пастели позволяют размыть или сделать края более жесткими. Отпечатки пальцев О’Киф часто были видны на ее пастельных картинах, показывая, что она плотно вдавливала пигмент в бумагу.
Попробуйте смешивать цвета с пастельными тонами при создании рисунков из цветов, листьев или пуансеттии!
ПАБЛО ПИКАССО
Пабло Пикассо был художником, скульптором, гравером и керамистом, родившимся в 1881 году в Малаге, Испания. Он провел большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции, и умер в 1973.
Пикассо — один из самых значительных художников в современном искусстве. За свою карьеру он создал более 20 000 картин, рисунков, скульптур и изделий из керамики. Он известен разнообразием стилей, которые он помог развить, таких как кубизм и коллаж.
Пикассо объединил различные взгляды на предметы (обычно предметы или фигуры) в одну картину, в результате чего картины кажутся фрагментарными и абстрактными.
Объекты будут сформированы из кубов и других геометрических фигур. Вот почему это называется кубизмом.
Создайте свое собственное забавное кубистическое искусство, вдохновленное Пикассо, с помощью одного из этих художественных проектов.
- Picasso Faces
- Picasso Flowers
- Picasso Pumpkins
- Picasso Turkey
- Picasso Snowman
- Picasso Jack O’Lantern
JACKSON POLLOCK
Famous American artist, Jackson Pollock was often called the Father of Действие Живопись . У Поллока был особый стиль рисования, когда он капал краской на большие холсты на полу.
Этот способ рисования назывался рисованием действия, потому что Поллок очень быстро перемещался по картине, заливая и разбрызгивая краску каплями и длинными беспорядочными линиями.
Иногда он бросал краску на холст, и на некоторых его картинах до сих пор остались следы, оставшиеся после того, как он наступил на краску.
- Роспись брызгами
- Роспись шариками
- Phamrock Painting
- Crazy Hair Painting
- Рыбная живопись
- Мраморная бита в искусстве
- Поллок Snowflake Art
- Рождественский дерево. из богатой семьи, поэтому он мог посвятить свою жизнь художнику, не беспокоясь о финансах.
Первоначально он следовал традиционному пути в мире искусства, но затем начал создавать произведения, используя новую художественную технику, позже названную пуантилизм .
Сера обнаружил, что вместо того, чтобы смешивать цвета краски на палитре, он может рисовать крошечные точки разных цветов рядом друг с другом на холсте, и глаз смешивает цвета.
Он назвал этот способ рисования дивизионизмом. Сегодня мы называем это пуантилизмом.
Его картины работали так же, как сегодня работают компьютерные мониторы.
Его точки были похожи на пиксели на экране компьютера. На протяжении своей карьеры Сёра проявлял большой интерес к интеллектуальным и научным методам искусства.Пуантилизм — это интересный метод для детей, особенно потому, что его легко сделать и для него требуется всего несколько простых материалов.
- Flower Dot Art
- Apple Dot Art
- Winter Dot Art
- Shamrock Dot Art
LORNA SIMPSON
Лорна Симпсон — известная афроамериканская художница, живущая и работающая в Нью-Йорке. Она стала известна своими уникальными работами, в которых фотографии сочетаются со словами.
Симпсон использует фотографии, видео и коллажи, чтобы подвергнуть сомнению идеи о женщинах, культуре и расе, особенно представляя опыт афроамериканцев.
Коллаж — это художественная техника, которая объединяет разные вещи для создания нового целого.
Коллаж может включать вырезки из журналов и газет, ленты, краски, кусочки цветной или самодельной бумаги, слова, фотографии и другие найденные предметы, наклеенные на лист бумаги или холст.
Коллаж — отличный способ исследовать искусство, потому что он дает свободу рассказывать истории с его помощью. Дети могут добавлять личные вещи, а также традиционные материалы для создания собственного коллажа. Заставьте детей думать и экспериментировать с визуальным повествованием.
Создайте забавный и уникальный коллаж с этим художественным проектом Лорны Симпсон.
АЛЬМА ТОМАС
Альма Томас была афроамериканской художницей, родившейся в Джорджии. В 1907 году ее семья переехала в Вашингтон, округ Колумбия, в поисках спасения от расового насилия на Юге.
Томас был творческим ребенком, всегда проявлявшим интерес к искусству. В детстве Томас мечтал стать архитектором и строить мосты, но столетие назад женщин-архитекторов было немного. Вместо этого она начала 35-летнюю карьеру преподавателя искусства в средней школе округа Колумбия.
Ее стиль рисования включал в себя большие абстрактные картины, заполненные плотными узорами ярких цветов, которые почти имитируют мозаичный узор.
Альма Томас была художницей, которая любила улыбаться и рисовать яркими красками, которые делали ее картины счастливыми и яркими.Создайте свое собственное красочное произведение искусства с помощью одного из этих художественных проектов, вдохновленных Альмой Томас.0037 Цветочная живопись
ВИНСЕНТ ВАН ГОГ
Винсент Ван Гог родился в Нидерландах в 1853 году. Он является одним из самых известных художников в мире, но при жизни он был совсем не знаменит.
Ван Гог использовал живопись как способ выразить свои эмоции. Однажды он сказал: «Если вы действительно любите природу, вы повсюду найдете красоту».
Наиболее известен своими картинами «Звездная ночь», «Спальня», «Ирисы и подсолнухи».
Развлекайтесь с этими художественными проектами…
- Звездная ночь
- Страшная ночь Хэллоуина
- Снежная ночь Живопись
- Подсолнухи Ван Гога
ЭНДИ УОРХОЛ
хотели изменить то, что, по их мнению, было очень жестким стилем общества.
Эти художники начали искать вдохновение и материалы в том, что их окружало. Они создавали искусство, используя предметы повседневного обихода, потребительские товары и медиа-изображения. Это движение получило название Поп-арт от термина Популярная культура.
Американский художник Энди Уорхол был художником, кинорежиссером и продюсером, который был ведущей фигурой в движении визуального искусства, известном как поп-арт.
Он часто использовал смелые основные цвета в своих работах, часто прямо из банки или тюбика с краской. Эти яркие цвета давали возможность быстро привлечь внимание.
Попробуйте свои силы в искусстве, вдохновленном Уорхолом.
- Цветы в стиле поп-арт
- Пасхальное яйцо в стиле поп-арт
- Поп-арт ко Дню Земли
- Поп-арт с листьями
- Искусство с эскимо
- Рождественские открытки
Хотите, чтобы все ваши проекты известных художников были собраны в одном месте? Пришло время вступить в Библиотечный Клуб!НАСЛАЖДАЙТЕСЬ ИСКУССТВОМ ВМЕСТЕ С ИЗВЕСТНЫМИ ХУДОЖНИКАМИ ДЛЯ ДЕТЕЙ
Ищете идеи для праздничных или сезонных художественных проектов для детей? Нажмите на изображения ниже, чтобы узнать больше о веселых и выполнимых тематических художественных занятиях.
Поделки Из ЦветовПоделки На День Святого ВалентинаВесенние ПоделкиПоделки На День Святого ПатрикаОсенние ПоделкиПоделки На ХэллоуинРождественские ПоделкиПоделки Из Рождественской ЕлкиЗимние Поделки13 детских книг об известных художниках, которые дети с удовольствием прочтут
Из этих 13 книг дети узнают о некоторых из самых известных художников.
Я люблю читать биографии.
Чтение о жизни других людей — о том, как они преодолевали страхи или боролись и проявляли мужество перед лицом сомнений, — дает нам представление о том, как кто-то еще продемонстрировал качества, к которым мы также стремимся.
Биографии для детей ничем не отличаются: знание того, что история, которую они читают, реальна, делает сообщение еще более сильным для детей.
Детские книги об известных художниках полны увлекательных и познавательных историй. Во-первых, многие известные художники не вызывали восхищения и даже симпатии в течение многих лет, вместо этого им приходилось проявлять настойчивость и сохранять уверенность в том, что то, что они создавали, было экстраординарным, уникальным.
Возьмем, к примеру, Анри Руссо, который начал рисовать только в более позднем возрасте, и академия снова и снова отвергала его. Переживая одну неудачу за другой, Руссо продолжал верить в себя и, наконец, окружающие стали видеть его гениальность.
А еще есть Василий Кандинский, который влюбился в живопись в юном возрасте после того, как тетя подарила ему коробку с красками. Но вместо того, чтобы заниматься искусством, он сначала стал юристом, а через несколько лет вернулся к живописи. После многочисленных отказов и неверия в свои работы Кандинский в конце концов стал всемирно известным художником, которым он является сегодня.
13 детских книг о художниках
Эти тринадцать детских книг о знаменитых художниках читать одно удовольствие. Они не только познакомят детей с именами известных художников, но также позволят детям увидеть, как каждый художник по-разному подходит к творческому процессу, сталкивается со своими собственными неудачами и ограничениями и, наконец, достаточно верит в себя, чтобы продемонстрировать миру, что его искусство стоит того.
принимая к сведению.Эта книга является прекрасным введением для маленьких детей в некоторые из мастеров – да Винчи, Вермеер, Ван Гог, Матисс, и это лишь некоторые из них. Художники перечислены в хронологическом порядке и в стиле, который нравится детям. Каждое описание художника включает биографию и репродукции его самых известных работ.
Ножницы Анри следует за историей Анри Матисса, когда он становится художником, но позже слишком болен, чтобы рисовать. Затем он берется за ремесло вырезания фигур из цветной бумаги, создавая некоторые из своих самых известных произведений искусства.
Me, Frida рассказывает историю Фриды Кало, мексиканки, которая переехала в Сан-Франциско, чтобы ее муж-художник Диего Ривера мог рисовать фрески. Фриде скучно в Сан-Франциско, но в конце концов она начинает рисовать. Сначала ее художественные работы не были хорошо приняты, но в конце концов Фрида совершила прорыв со своими работами «Фрида и Диего Ривера». Это история не только художницы, но и женщины, которая, несмотря на маргинализацию из-за славы своего мужа, способна добиться успеха сама по себе.
«Фантастические джунгли Анри Руссо» рассказывает историю Анри Руссо, который впервые начал рисовать в 40 лет. Книга иллюстрирует приверженность Анри изучению искусства, несмотря на то, что он никогда не посещал уроки рисования, и его решимость продолжать совершенствовать свое мастерство, несмотря на постоянную критику со стороны искусствоведов. Только когда ему исполнился 61 год, некоторые художники начинают осознавать ценность его работ. Дети не только узнают об этом знаменитом художнике, но и видят, как оставаться верным себе и не позволять поражениям мешать, позволили Руссо стать знаменитым художником, которым он является сегодня.
Кэти и ее бабушка отправляются в музей, где Кэти впервые видит Мону Лизу. Пока Кэти смотрит на картину, Мона Лиза начинает с ней разговаривать, и в конце концов они смотрят на другие произведения искусства, такие как Рафаэль, Боттичелли, Карпаччо и да Винчи. В каждом случае история картины оживает и, возможно, делает эти классические произведения искусства более интересными для детей.
«Моне рисует день» рассказывает читателю об одном дне из жизни Клода Моне, который рисует в Этрете, Франция. Когда он подходит к пляжу и начинает рисовать, мы узнаем процесс, который он использовал для создания шедевра, и насколько он отличался в то время от того, как работали другие художники.
Меня зовут Джорджия рассказывает читателю о жизни Джорджии О’Киф. Как она открыла для себя свое художественное выражение в Техасе, рисовала сады и цветы в Нью-Йорке, а затем задокументировала свои открытия на юго-западе Америки.
Дядя Анны проводит экскурсии по местному художественному музею и сегодня Анна его сопровождает. Ей сказали не задавать вопросов, не трогать предметы и не проситься в туалет. Но вдруг Анне очень нужно в туалет, поэтому она уходит от дяди и начинает «разговаривать» с какими-то произведениями искусства. Сначала она болтает с Рембрандтом, затем с Мунк, Ван Гогом, Пикассо, Уорхолом, Шагалом, Сезанна, Матисса и, наконец, с Поллоком. В конце концов, Анна находит свой путь обратно к группе своего дяди, прежде чем немного узнать о каждом художнике и их творениях.
Шумная коробка с красками — это историческая фантастическая история о Василии Кандинском и его пути к тому, чтобы стать одним из первых художников-абстракционистов. Хотя диалог вымышлен, факты верны — например, способность Кандинского воспринимать цвета как звуки и звуки как цвета. Дети видят, как искусство Кандинского поначалу не принимали, но с достаточной настойчивостью, настойчивостью и нарушением нормы он в конце концов прорвался и стал известным художником.
Действие Джексон рассказывает историю Джексона Поллока в мае и 19 июня.50 лет, когда он написал свою знаменитую работу «Лавандовый туман». Читатели знакомятся с его жизнью, его распорядком дня и знакомятся с уникальным и нетрадиционным стилем живописи Поллока.
Эта настольная книга знакомит детей с рядом известных произведений искусства Анри Матисса. Под каждым произведением искусства есть описания, в которых выделяются цвета и узоры в дизайне.
Слова Винсента Ван Гога помещены рядом с его произведениями искусства в этой книге, которая знакомит детей с широким спектром его шедевров.
Его точки были похожи на пиксели на экране компьютера. На протяжении своей карьеры Сёра проявлял большой интерес к интеллектуальным и научным методам искусства.
Альма Томас была художницей, которая любила улыбаться и рисовать яркими красками, которые делали ее картины счастливыми и яркими.
принимая к сведению.
