Нарисовать русско народный костюм: Рисунок как нарисовать русский народный костюм

Содержание

Русский народный костюм «Василиса», красный атласный комплект

(ср. рейтинг: 5.00; оценок: 2) 5.00 2

Размер: XS — 40-42S — 44M — 46-48L — 50XL — 52-542XL — 563XL — 585XL — 62

Под заказ

Товар с выбранным набором характеристик недоступен для покупки

3 949 Р × Русский народный костюм «Василиса», красный атласный комплект теперь в вашей корзине покупок

Размер	XS — 40-42, S — 44, M — 46-48, L — 50, XL — 52-54, 2XL — 56, 3XL — 58, 5XL — 62
Тип	взрослый
Цвет	красный
Материл	атлас
Вес	1 кг

Русский народный костюм «Василиса», красный атласный комплект

«Сарафан» на персидском языке «саран па» означает буквально «через голову», в переводе с иранского-«одетый полностью», на санскрите «сари»-«кусок ткани».

Первоначально сарафан был частью мужского гардероба.
Его носили князья во время парадных встреч и шился он из дорогих тканей.
Затем эта одежда перешла к духовенству, а потом стала и женской одеждой.
Впервые сарафан как одежда упоминается в русских летописях в XIV в.
Окончательной принадлежностью женского гардероба он стал лишь в XVII веке.
В русских деревнях по сарафану можно было узнать о социальном статусе женщины.
Например, девушка на выданье из крестьянской семьи обязана была иметь в составе приданого до десяти будничных сарафанов.
Шили сарафаны из всех возможных тканей, как домотканых, так и фабричных, сарафаны отличались разнообразнейшим декором.
Комплект одежды с сарафаном включал в себя — сарафан, рубашку и пояс.
Затем комплекс дополнился головным убором.

Комплект «Василиса»(рубашка и сарафан) изготовлены в г.Брянск.
Ткань — атлас.
Цвет — красный.
Отделка — декоративная тесьма.

Представленный на фото кокошник продается отдельно.

Чтобы сделать заказ, звоните прямо сейчас по телефонам: +7(495)744-1003, +7(812) 313-2450

Категории: Русский народный костюм Женская одежда

Русский народный костюм «Василиса», красный атласный комплект отзывы

Посмотрите все 2 отзыва о Русский народный костюм «Василиса», красный атласный комплект

26 самых известных скульптур всех времен

Фотография: Shutterstock

От доисторических времен до 21-го века, вот самые известные скульптуры всех времен рассмотреть произведение со всех сторон. Будь то прославление исторической личности или создание произведения искусства, скульптура тем более мощна благодаря своему физическому присутствию. Самые знаменитые скульптуры всех времен мгновенно узнаваемы, они созданы художниками на протяжении веков и из разных материалов, от мрамора до металла.

Как и уличное искусство, некоторые скульптурные произведения большие, смелые, и их нельзя не заметить. Другие образцы скульптуры могут быть деликатными, требующими тщательного изучения. Прямо здесь, в Нью-Йорке, вы можете увидеть важные экспонаты в Центральном парке, выставленные в таких музеях, как The Met, MoMA или Guggenheim, или как публичные произведения искусства под открытым небом. Большинство из этих знаменитых скульптур могут быть идентифицированы даже самым случайным зрителем. От «Давида» Микеланджело до «Шкатулки Брилло» Уорхола — эти культовые скульптуры определяют произведения как своих эпох, так и их создателей. Фотографии не передают эти скульптуры должным образом, поэтому любой поклонник этих работ должен стремиться увидеть их лично для полного эффекта.

Электронное письмо, которое вам действительно понравится

Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.

Вводя свой адрес электронной почты, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности, а также соглашаетесь получать электронные письма от Time Out о новостях, событиях, предложениях и рекламных акциях партнеров.

🙌 Отлично, вы подписались!

Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!

Самые известные скульптуры всех времен

Фотография предоставлена Naturhistorisches Museum

1. Венера Виллендорфская, 28 000–25 000 лет до н. э.

Эта миниатюрная фигурка из истории искусства, высотой чуть более четырех дюймов, была обнаружена в Австрии в 1908 году. Никто не знает, для чего она служил, но догадки варьировались от богини плодородия до помощи мастурбации. Некоторые ученые предполагают, что это мог быть автопортрет, сделанный женщиной. Это самый известный из многих подобных объектов, относящихся к старому каменному веку.

Фотография предоставлена CC/Wiki Media/Philip Pikart.

2. Бюст Нефертити, 1345 г. до н.э. самым противоречивым фараоном древнеегипетской истории: Эхнатоном. Жизнь его королевы, Нефертити, является чем-то загадочным: считается, что она правила как фараон какое-то время после смерти Эхнатона или, что более вероятно, как соправительница мальчика-короля Тутанхамона.

Некоторые египтологи считают, что на самом деле она была матерью Тутанхамона. Этот бюст из известняка, покрытый лепниной, считается работой Тутмоса, придворного скульптора Эхнатона.

Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/Maros M r a z

3. Терракотовая армия, 210–209 гг. до н.э. могила Шихуанди, первого императора Китая, умершего в 210 г. до н.э. По некоторым оценкам, армия, предназначенная для защиты его в загробной жизни, насчитывает более 8000 солдат, а также 670 лошадей и 130 колесниц. Каждый в натуральную величину, хотя реальный рост зависит от воинского звания.

Фотография предоставлена CC/Wiki Media/LivioAndronico

4. Лаокоон и его сыновья, второй век до н.э. Ватикан, где и находится по сей день. Он основан на мифе о троянском жреце, убитом вместе со своими сыновьями морскими змеями, посланными морским богом Посейдоном в отместку за попытку Лаокоона разоблачить уловку троянского коня.

Первоначально установленная во дворце императора Тита, эта фигуративная группа в натуральную величину, приписываемая трем греческим скульпторам с острова Родос, не имеет себе равных в исследовании человеческих страданий.

Фотография: предоставлено CC/Wikimedia/Livioandronico2013

5. Микеланджело, Давид, 1501-1504

Давид Микеланджело, одно из самых знаковых произведений в истории искусства, возник в результате более крупного проекта по украшению контрфорсы великого собора Флоренции, Дуомо, с группой фигур, взятых из Ветхого Завета. David был одним из них, и фактически он был начат в 1464 году Агостино ди Дуччо. В течение следующих двух лет Агостино успел начертить часть огромной глыбы мрамора, вытесанной из знаменитой каменоломни в Карраре, прежде чем остановиться в 1466 г. (никто не знает почему). недолго работал над ним. Мрамор оставался нетронутым в течение следующих 25 лет, пока Микеланджело не возобновил его резьбу в 1501 году. В то время ему было 26 лет. Законченный Давид весил шесть тонн, а это означало, что его нельзя было поднять на крышу собора. Вместо этого она была выставлена прямо перед входом в Палаццо Веккьо, ратушу Флоренции. Фигура, одно из чистейших воплощений стиля Высокого Возрождения, была немедленно воспринята флорентийской общественностью как символ собственного сопротивления города-государства силам, выстроившимся против него. В 1873 году Дэвид был перемещен в галерею Академии, а его копия была установлена на прежнее место.

Фотография предоставлена CC/Wiki Media/Alvesgaspar

6. Джан Лоренцо Бернини, Экстаз святой Терезы, 1647–1652 гг. церковь Санта-Мария-делла-Виттория. Барокко было неразрывно связано с Контрреформацией, посредством которой католическая церковь пыталась остановить волну протестантизма, захлестнувшую Европу 17-го века. Произведения, подобные работам Бернини, были частью программы по подтверждению папской догмы, чему отлично послужил гений Бернини, наполняющий религиозные сцены драматическими повествованиями.

«Экстази » — тому пример: сюжет — святая Тереза Авильская, испанская монахиня-кармелитка и мистик, написавшая о своей встрече с ангелом, — изображена как раз в тот момент, когда ангел вот-вот вонзит стрелу ей в сердце. Экстази безошибочно узнаваемы в эротическом подтексте, наиболее очевидно в оргазмическом выражении лица монахини и извивающейся ткани, обернувшей обе фигуры. Архитектор, как и художник, Бернини также спроектировал обстановку часовни из мрамора, лепнины и краски.

Фотография предоставлена Метрополитен-музеем/фондом Флетчера

7. Антонио Канова, Персей с головой Медузы, 1804–1806 гг.

Итальянский художник Антонио Канова (1757–1822) считается величайшим скульптором 18-ый век. Его работа олицетворяла неоклассический стиль, как вы можете видеть в его исполнении в мраморе греческого мифического героя Персея. На самом деле Канова сделал две версии произведения: одна находится в Ватикане в Риме, а другая — в Европейском дворе скульптур Метрополитен-музея.

Фотография: The Metropolitan Museum Of Art

8. Эдгар Дега. Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица, 1881/1922

Хотя мастер-импрессионист Эдгар Дега наиболее известен как художник, он также работал в скульптуре, производя был, пожалуй, самым радикальным усилием его творчества. Дега вылепил «Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица» из воска (из которого после его смерти в 1917 году были отлиты последующие бронзовые копии), но тот факт, что Дега одел своего одноименного персонажа в настоящий балетный костюм (в комплекте с лифом, пачкой и тапочки) и парик из настоящих волос произвели фурор, когда Танцовщица дебютировала на Шестой выставке импрессионистов 1881 года в Париже. Дега решил покрыть большую часть своих украшений воском, чтобы они соответствовали остальным чертам лица девушки, но он сохранил пачку, а также ленту, повязанную сзади ее волос, что сделало фигуру одним из первых примеров найденного предмета. искусство. Танцовщица была единственной скульптурой, которую Дега выставлял при жизни; после его смерти в его мастерской было найдено еще около 156 экземпляров.

Фотография предоставлена Художественным музеем Филадельфии

9. Огюст Роден, Горожане Кале, 1894–1885 гг. Многолетняя война (1337–1453) между Великобританией и Францией имеет более важное значение для истории скульптуры. Заказан парк в городе Кале (где была снята годовая осада англичан в 1346 г., когда шесть городских старейшин предложили себя казнить в обмен на пощаду населения),

Бюргеры избегали формата, типичного для монументов того времени: вместо фигур, изолированных или сложенных в пирамиду на высоком пьедестале, Роден собирал свои объекты в натуральную величину прямо на земле, на уровне зрителя. Этот радикальный шаг к реализму порвал с героическим отношением, которое обычно применялось к таким работам на открытом воздухе.

С Бюргеры Роден сделал один из первых шагов к современной скульптуре.

Фотография предоставлена CC/Flickr/Wally Gobetz

10. Пабло Пикассо, гитара, 19 лет12

В 1912 году Пикассо создал картонный макет произведения, которое оказало огромное влияние на искусство 20-го века. Также в коллекции MoMA на ней была изображена гитара, предмет, который Пикассо часто исследовал в живописи и коллаже, и во многих отношениях Guitar перенес технику вырезания и вставки коллажа из двух измерений в трехмерное. То же самое он сделал и с кубизмом, собрав плоские формы, чтобы создать многогранную форму с глубиной и объемом. Нововведение Пикассо заключалось в том, чтобы отказаться от обычного вырезания и моделирования скульптуры из твердой массы. Вместо этого Гитара была скреплена как конструкция. Эта идея отразится от русского конструктивизма до минимализма и далее. Через два года после изготовления Guitar из картона Пикассо создал эту версию из обрезанной жести.

Фотография: The Metropolitan Museum Of Art

11. Умберто Боччони, Уникальные формы непрерывности в пространстве, 1913 г. явный бред движения, чем эта скульптура одного из его корифеев: Умберто Боччони. Начав как художник, Боччони обратился к работе в трех измерениях после 19 лет.13 поездка в Париж, в ходе которой он посетил мастерские нескольких скульпторов-авангардистов того периода, таких как Константин Бранкузи, Раймон Дюшан-Вийон и Александр Архипенко. Боччони синтезировал их идеи в этом динамичном шедевре, изображающем шагающую фигуру в «синтетической непрерывности» движения, как это описал Боччони. Первоначально произведение было создано из гипса, и его знакомая бронзовая версия не была отлита до 1931 года, то есть уже после смерти художника в 1916 году, когда он был солдатом итальянского артиллерийского полка во время Первой мировой войны.0003 Фотография предоставлена CC/Flickr/Steve Guttman NYC

12.

Константин Бранкузи, мадемуазель Погани, 1913 г.

Родившийся в Румынии, Бранкузи был одним из самых важных скульпторов модернизма начала важные фигуры во всей истории скульптуры. Своего рода протоминималист, Бранкузи брал формы у природы и превращал их в абстрактные представления. На его стиль повлияло народное искусство его родины, в котором часто использовались яркие геометрические узоры и стилизованные мотивы. Он также не делал различия между объектом и основой, рассматривая их в некоторых случаях как взаимозаменяемые компоненты — подход, который представлял собой решающий разрыв со скульптурными традициями. Это культовое произведение представляет собой портрет его модели и возлюбленной Маргит Погани, венгерской студентки-искусствоведа, с которой он познакомился в Париже в 1910. Первая итерация была вырезана из мрамора, за ней последовала гипсовая копия, из которой была сделана эта бронза. Сама штукатурка была выставлена в Нью-Йорке на легендарной Оружейной выставке 1913 года, где критики осмеяли ее и осудили. Но это также была самая воспроизводимая часть в шоу. Бранкузи работал над различными версиями Mlle Pogany около 20 лет.

Фото: предоставлено Музеем современного искусства

13. Дюшан, «Велосипедное колесо», 1913 г.

Велосипедное колесо считается первым революционным реди-мейдом Дюшана. Однако, когда он завершил работу в своей парижской студии, он действительно понятия не имел, как ее назвать. «Мне пришла в голову удачная идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и смотреть, как оно вращается», — говорил позже Дюшан. Дюшану потребовалась поездка в Нью-Йорк в 1915 году и знакомство с обширным производством товаров фабричного производства, чтобы Дюшан придумал термин «готовый товар». Что еще более важно, он начал понимать, что создание искусства традиционным, ручным способом казалось бессмысленным в индустриальную эпоху. Зачем беспокоиться, утверждал он, когда широко доступные промышленные товары могут справиться с этой задачей. Для Дюшана идея произведения искусства была важнее того, как оно было сделано. Это понятие — возможно, первый настоящий пример концептуального искусства — полностью изменит историю искусства в будущем. Однако, как и обычный предмет домашнего обихода, оригинал Велосипедное колесо не сохранилось: эта версия на самом деле является точной копией, датируемой 1951 годом. Колдер, Цирк Колдера, 1926-31

Любимое украшение постоянной коллекции Музея Уитни, Цирк Колдера воплощает в себе игривую сущность, которую Александр Колдер (1898–1976) привнес в жизнь как художник, который помог сформировать скульптуру 20-го века. . Цирк , созданный во время пребывания художника в Париже, был менее абстрактным, чем его подвесные «мобили», но по-своему был таким же кинетическим: сделанный в основном из проволоки и дерева, Цирк служил центральным элементом импровизационных представлений, в которых Колдер перемещал различные фигуры, изображающие акробатов, глотателей мечей, укротителей львов и т. Д., Подобно богоподобному начальнику манежа.

Фотография предоставлена музеем Дж. Пола Гетти

15. Аристид Майоль, L’Air, 1938

Как живописца и дизайнера гобеленов, а также скульптора, французского художника Аристида Майоля (1861–1944) лучше всего можно описать как современного неоклассика, придавшего обтекаемую форму, 20-е векового вращения на традиционной греко-римской скульптуре. Его также можно охарактеризовать как радикального консерватора, хотя следует помнить, что даже современники-авангардисты, такие как Пикассо, создавали работы в адаптации неоклассического стиля после Первой мировой войны. Темой Майоля была обнаженная женщина, а в L’Air , он создал контраст между материальной массой своего объекта и тем, как она кажется парящей в пространстве, уравновешивая, так сказать, непреклонную телесность с мимолетным присутствием.

Фотография предоставлена CC/Flickr/C-Monster

16.

Яёи Кусама, Accumulation No 1, 1962

Японский художник, работающий в различных техниках, Кусама приехал в Нью-Йорк в 1957 году и вернулся в Японию в 1972 году. Тем временем она зарекомендовала себя как крупная фигура городской сцены, чье искусство коснулось многих основ, включая поп-арт, минимализм и перформанс. Как женщина-художник, которая часто упоминала женскую сексуальность, она также была предшественницей феминистского искусства. Творчеству Кусамы часто свойственны галлюциногенные паттерны и повторения форм, склонность, коренящаяся в определенных психологических состояниях — галлюцинациях, ОКР — она страдала с детства. Все эти аспекты искусства и жизни Кусумы отражены в этой работе, в которой обычное мягкое кресло пугающе поглощено похожим на чуму вспышкой фаллических выступов, сделанных из сшитой набивной ткани.

17.

Марисоль, Женщины и собака, 1963-64

Марисоль Эскобар (1930–2016), известная просто по имени, родилась в Париже в семье венесуэльцев. Как художник она стала ассоциироваться с поп-артом, а затем с оп-артом, хотя стилистически она не принадлежала ни к одной из групп. Вместо этого она создала фигуративные картины, задуманные как феминистская сатира на гендерные роли, знаменитости и богатство. В Женщины и собака она берет на себя объективацию женщин и то, как навязанные мужчинами стандарты женственности используются, чтобы заставить их соответствовать.

Фотография предоставлена CC/Flickr/Rocor

18. Энди Уорхол, Brillo Box (Soap Pads), 1964

Brillo Box, пожалуй, самая известная из серии скульптурных работ, созданных Уорхолом в середине 60-х годов. что фактически привело его исследование поп-культуры к трем измерениям. Верный названию, которое Уорхол дал своей мастерской — «Фабрика», — художник нанял плотников для работы на сборочной линии, скрепляя вместе деревянные ящики в форме коробок для различных продуктов, включая кетчуп Heinz, кукурузные хлопья Kellogg’s и суп Campbell’s, а также хорошо мыльные подушечки Brillo. Затем он покрасил каждую коробку в цвет, соответствующий оригиналу (белый в случае Brillo), прежде чем добавить название продукта и логотип на шелкографии. Коробки, созданные в несколько экземпляров, часто выставлялись большими штабелями, эффективно превращая любую галерею, в которой они находились, в высококультурное факсимиле склада. Их форма и серийное производство, возможно, были данью или пародией на зарождавшийся тогда минималистский стиль. Но реальная точка Brillo Box — это то, как его близкое приближение к реальной вещи подрывает художественные условности, подразумевая, что нет никакой реальной разницы между промышленными товарами и работой из мастерской художника.

Advertising

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

19. Donald Judd, Untitled (Stack), 1967

голые предметы первой необходимости. Для Джадда скульптура означала выражение конкретного присутствия произведения в пространстве. Эта идея была описана термином «конкретный объект», и в то время как другие минималисты восприняли ее, Джадд, возможно, придал этой идее самое чистое выражение, приняв коробку в качестве своей фирменной формы. Подобно Уорхолу, он производил их как повторяющиеся единицы, используя материалы и методы, заимствованные из промышленного производства. В отличие от консервных банок Уорхола и Мэрилин, искусство Джадда не относилось ни к чему, кроме самого себя. Его «стеки» — одни из самых известных его произведений. Каждая состоит из группы одинаковых неглубоких ящиков из оцинкованного листового металла, выступающих из стены и образующих колонну из равномерно расположенных элементов. Но Джадд, который начинал как маляр, интересовался цветом и текстурой так же, как и формой, что видно здесь по зеленоватому лаку для кузова, нанесенному на переднюю поверхность каждой коробки. Игра Джадда цвета и материала дает Untitled (Stack) изысканная элегантность, смягчающая абстрактный абсолютизм.

Фотография предоставлена CC/Flickr/Rocor

20.

Ева Хессе, Hang Up, 1966

Как и Бенглис, Гессе была женщиной-художницей, которая фильтровала постминимализм через, возможно, феминистскую призму. Еврейка, бежавшая из нацистской Германии в детстве, она исследовала органические формы, создавая изделия из промышленного стекловолокна, латекса и веревки, которые напоминали кожу или плоть, гениталии и другие части тела. Учитывая ее биографию, заманчиво найти скрытый смысл травмы или беспокойства в таких работах, как эта.

Фотография предоставлена Музеем современного искусства

21. Ричард Серра, One Ton Prop (Карточный домик), 1969

Вслед за Джаддом и Флавином группа художников отошла от эстетики минимализма с чистыми линиями. Как часть этого постминималистского поколения, Ричард Серра поместил концепцию конкретного объекта на стероиды, значительно увеличив его масштаб и вес и сделав законы гравитации неотъемлемой частью этой идеи. Он создал ненадежные уравновешивающие действия из стальных или свинцовых пластин и труб весом в тонны, что придавало работе ощущение угрозы. (В двух случаях такелажники, устанавливавшие детали Серры, были убиты или покалечены, когда конструкция случайно обрушилась.) В последние десятилетия работа Серры приобрела криволинейную утонченность, которая сделала ее чрезвычайно популярной, но на начальном этапе она работала как One Ton Prop (House of Cards), на котором изображены четыре свинцовые пластины, прислоненные друг к другу, передал его опасения с жестокой прямотой.

Фотография предоставлена CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

22. Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970

Следуя общей контркультурной тенденции 1960-х и 1970-х годов, художники начали бунтовать против коммерциализации галереи. мира, развивая радикально новые формы искусства, такие как земляные работы. Ведущей фигурой этого жанра, также известного как ленд-арт, был Роберт Смитсон (1938–1973), который вместе с такими художниками, как Майкл Хейзер, Уолтер Де Мария и Джеймс Террел, отправился в пустыни на западе Соединенных Штатов, чтобы создать монументальные произведения, которые действовали в согласии со своим окружением. Этот подход к конкретным участкам, как его стали называть, часто использовал материалы, взятые непосредственно из ландшафта. Так обстоит дело со Смитсоном 9.0049 Спиральная пристань , которая вдается в Большое Соленое озеро штата Юта от мыса Розел на северо-восточном берегу озера. Сделанный из грязи, кристаллов соли и базальта, добытых на месте, Spiral Jetty имеет размеры 1500 на 15 футов. Он был погружен под воду на десятилетия, пока засуха в начале 2000-х годов снова не подняла его на поверхность. В 2017 году Spiral Jetty был назван официальным произведением искусства штата Юта.

Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

23. Луиза Буржуа, Паук, 1996

Фирменная работа художницы французского происхождения, Паук , была создана в середине 1990-х годов, когда Буржуа (1911–2010) было уже за восемьдесят. Он существует в многочисленных версиях разного масштаба, в том числе монументальных. Паук задуман как дань уважения матери художника, реставратору гобеленов (отсюда намек на склонность паукообразных плести паутину).

Shutterstock

24. Энтони Гормли, Ангел Севера, 19 лет98

Лауреат престижной премии Тернера в 1994 году, Энтони Гормли — один из самых знаменитых современных скульпторов в Великобритании, но он также известен во всем мире своим уникальным подходом к фигуративному искусству, в котором широко варьируются масштабы и стиль основан, по большей части, на одном и том же шаблоне: слепок собственного тела художника. Это относится к этому огромному крылатому монументу, расположенному недалеко от города Гейтсхед на северо-востоке Англии. Расположен вдоль главной магистрали, Ангел достигает 66 футов в высоту и 177 футов в ширину от кончика крыла до кончика крыла. По словам Гормли, работа задумана как своего рода символический маркер между индустриальным прошлым Британии (скульптура находится в угольной стране Англии, в самом сердце промышленной революции) и ее постиндустриальным будущим.

Предоставлено CC/Flickr/Richard Howe

25. Аниш Капур, Cloud Gate, 2006 г.0049 Облачные ворота

, центральное произведение искусства Аниша Капура для парка Тысячелетия Второго города, представляет собой как произведение искусства, так и архитектуру, обеспечивая арку, готовую для Instagram, для воскресных гуляющих и других посетителей парка. Модель Cloud Gate , изготовленная из зеркальной стали, благодаря отражающей способности и большому размеру является самым известным произведением Капура.

Предоставлено художником и Грином Нафтали, Нью-Йорк

26. Рэйчел Харрисон, Александр Македонский, 2007 г.

Работы Рэйчел Харрисон сочетают в себе непревзойденный формализм и умение наполнять кажущиеся абстрактными элементы разнообразными значениями, в том числе политическими. Она яростно ставит под сомнение монументальность и связанные с ней мужские прерогативы. Харрисон создает большую часть своих скульптур, складывая и расставляя блоки или плиты из пенополистирола, а затем покрывая их смесью цемента и живописных завитков. Вишенка на торте — это какой-то найденный объект, либо один, либо в сочетании с другими. Ярким примером является этот манекен на вытянутой форме с брызгами краски. Работа в плаще и обращенной назад маске Авраама Линкольна возвышает теорию истории великого человека с ее воспоминанием о завоевателе Древнего мира, стоящем на скале клоунского цвета.

Подробнее

Посмотрите лучшие картины Пикассо

Электронное письмо, которое вам действительно понравится

Подпишитесь на нашу рассылку. Откройте для себя лучшее из города, в первую очередь.

🙌 Отлично, вы подписались!

Спасибо за подписку! Ждите скоро свой первый информационный бюллетень в своем почтовом ящике!

Ваш краткий путеводитель по искусству Лос-Анджелеса за февраль 2023 г.

Ваш список обязательных для посещения, веселых, познавательных и очень художественных событий Лос-Анджелеса в этом месяце, включая Алисию Пиллер, Брэда Филлипса, Mulyana, биеннале MexiCali и многое другое.

к Мэтт Стромберг

30 января 2023 г.

Февраль — большое событие в мире искусства Лос-Анджелеса, когда проходят четыре арт-ярмарки (Frieze, Felix, Spring Break и выставка искусств в Лос-Анджелесе), которая приедет в город в конце этого месяца (не говоря уже о дне музеев бесплатно). Галереи и музеи здесь устраивают амбициозные выставки, чтобы воспользоваться моментом. К ним относятся лаокоонические собрания Алисии Пиллер в Craft Contemporary, фантасмагорическая мультимедийная среда Trulee Hall в Rusha & Co и выставка пленительных картин Амира Фаллаха в Музее Фаулера, которые взяты из столетий высокой и низкой визуальной культуры. Странствующая биеннале MexiCali приземляется в Чиче в Риверсайде своим последним выпуском, посвященным спорным историям продовольствия и сельского хозяйства в Калифорнии и Мексике, а в галерее Центра современного искусства Калифорнийского университета в Ирвине представлены видеоинсталляции британского дуэта Джейн и Луизы Уилсон. Холодная война и ее современные отголоски.

***

Бриджит Маллен: Сенсорный гомункул

Сенсорный гомункул — это научная фигура человека, которая иллюстрирует, какая часть нашего мозга предназначена для управления определенными областями тела. Его рука и рот чудовищно велики, учитывая исключительные неврологические ресурсы, предназначенные для них. Персональная выставка Бриджит Маллен в Шуламит Назарян получила свое название от гоблиноподобного существа, и ее картины вызывают такое же чувство телесного беспокойства. Отдавая дань уважения сюрреализму и психоделии, она борется с напряжением между абстракцией и фигурацией, когда лужи, капли и мотки краски превращаются в части тела, волосы и испарения. И для Маллена, и для гомункула репрезентация не ограничивается визуальной миметикой.

Shulamit Nazarian (shulamitnazarian.com)
616 North La Brea Avenue, Fairfax, Los Angeles
Through February 10

Brad Phillips: I Know What I did Last Summer

Brad Phillips, «Дверь Брайана Де Пальмы № 2» (2022), холст, масло, 36 дюймов x 24 дюйма (фото Джейкоба Филлипа, любезно предоставлено Artist & de boer, Лос-Анджелес)

Творчество канадского художника и писателя Брэда Филлипса характеризуется противоречивостью. Его работы прыгают между автобиографическими, фотореалистичными картинами и невозмутимыми текстовыми остротами, которые превращают знакомые фразы в мрачно-юмористические лозунги. Он продолжает прокладывать курс между полюсами искренности и иронии со своей второй персональной выставкой в de boer, 9.0049 Я знаю, что я сделал прошлым летом , в котором представлены интимные портреты художницы Кристин Браш, а также дерзкие вымышленные сцены из дома режиссера Брайана Де Пальмы, который сам является автором жанров.

De Boer (deboergallery.com)
3311 Ист Пико Бульвар, Бойл -Хайтс, Лос -Анджелес
по 25 февраля

Эмили Баркер: Илсион. Пэкер и Кристиан Джарод Витуг)
Для Биеннале Уитни 2022 года художница из Лос-Анджелеса Эмили Баркер создала кухню, которая была увеличена, чтобы стоящие посетители могли испытать трудности, с которыми сталкивается художница в качестве пользователя инвалидной коляски в домашнем пространстве. С новыми скульптурами и инсталляциями, включенными в набор «Иллюзии заботы », они продолжают обнажать предрассудки и барьеры, которые общество налагает на тех, кого оно считает «физически отличными».
Карли Пакер (carlyepacker.xyz)
2111 Sunset Boulevard, Echo Park, Los Angeles
4 февраля — 11 марта
Зал Трули: пьесы о прелюдиях Зал Трули, «Тигр лижет левитирующую леди» (2022), акрил, масло и коллаж на панели с деревянной рамой, 74 дюйма x 98 дюймов ( фото Эда Мамфорда, любезно предоставлено Artist and Rusha & Co.)
Работая на полную катушку, Трули Холл вызывает в воображении свои бескомпромиссно эротические видения на различных носителях. Сцена, которая начинается как картина, может быть преобразована в покадровую анимацию, затем в живое видео и, наконец, в театральное представление. Актеры отражаются в кинематографическом и реальном пространстве; кинореквизит возвращается в виде скульптур. Отчасти праздничный, странный лагерь, отчасти игривое исследование материала, освобождающий, развратный мир Холла предлагает привлекательный вызов уравновешенной эстетике и морали.

Rusha & Co. (rusha.co)
244 West Florence Avenue, Florence, Los Angeles
4 февраля – 11 марта
Dreamtime™: Джейн и Луиза Уилсон Джейн и Луиза Уилсон, кадр из фильма «Время сна» (2001), преобразование пленки Super 16 мм в формат HD на пленку 35 мм, продолжительность: 7 минут и 10 секунд (© Джейн и Луиза Уилсон; предоставлено Морин Пейли, Лондон)
Британский дуэт братьев и сестер Джейн и Луиза Уилсон известен своими кинематографическими инсталляциями, которые часто сосредотачиваются на институциональных пространствах, таких как правительственные или военные пространства, и историческом наследии, которое они представляют. Dreamtime™ рассказывает о Холодной войне, характерном конфликте 20-го века, который обрел новую жизнь в 21-м. В основе выставки две работы: «Город Штази» (1997 г.), снятый в бывшей штаб-квартире несуществующей восточногерманской разведывательной службы; и «Dream Time» (2001 г.), название которого происходит от американской медиакомпании, разместившей рекламу на борту российской ракеты, направляющейся к Международной космической станции в 2000 г.
Галерея Центра современного искусства, Калифорнийский университет в Ирвине (uag.arts .uci.edu)
Mesa Parking Structure, 4002 Mesa Road, Irvine, California
До 25 марта
Mulyana: Modular Utopia Mulyana, «Ocean Wonderland» (2020) Пряжа, дакрон, кабельная проволока, пластиковая сетка, металлический стержень и войлок ткань (любезно предоставлено STUDIO MOGUS)
Своими иммерсивными инсталляциями, сделанными из трикотажных и вязаных предметов, индонезийский художник Муляна придает интимным ручным работам монументальный вид. Для Modular Utopia , его первой персональной выставки в Лос-Анджелесе, он продолжает свои исследования подводной среды, сформированной его личной мифологией и индонезийскими народными традициями и костюмами. Он наполняет свои картины воображаемыми существами наряду с изображениями скелета кита в натуральную величину и умирающих коралловых рифов, смешивая фантазию с реальностью хрупких морских экосистем.
Художественный музей USC Fisher (fisher. usc.edu)
823 Exposition Blvd, University Park, Los Angeles
25 февраля – 8 апреля
Pedro Pedro: Table, Fruits, Flowers and Cakes Pedro Pedro, “ Без названия» (2022), акриловые и текстильные краски на холсте, 72 дюйма x 63 дюйма (любезно предоставлены художником и The Hole)
Педро Педро создает роскошные натюрморты, которые отражают тревожную комбинацию изобилия и отчаяния, которая определяет наш современный момент. Как и натюрморты эпохи Возрождения, на которые они ссылаются, картины Педро изображают столы, уставленные цветами, фруктами, мясом и пирожными, однако всегда присутствует намек на гниение, корку арбуза или опавшую розу. Его мультяшный стиль с элементами поп-музыки одновременно буйный и тревожный. Все эти прелести приплюснуты и прижаты к картинной плоскости маньеристским росчерком, угрожая соскользнуть с поверхности и ускользнуть из наших рук.

The Hole (theholenyc.com)
844 North La Brea Avenue, Fairfax, Los Angeles
14 февраля – 29 апреля
Алисия Пиллер: Внутри Алисия Пиллер, «Психологические семена переросли. Полевые цветы прокладывают путь» (2022 г.), смешанная техника, 75 дюймов x 85 дюймов x 11 дюймов (любезно предоставлено художником)
Внушающие благоговение скульптуры Алисии Пиллер создают впечатление буйного повседневного материала, угрожающего разрастись и захлестнуть нас, как мутант. микологический штамм. Ее конструкции включают ксерокопированные фотографии, найденные объекты и высушенные растения из смолы и латекса, создавая формы, чуждые на макроуровне, но знакомые вблизи. «В пределах » — ее первая персональная музейная выставка, инсталляция для конкретного места, курируемая Джилл Мониз, которая перемещается между геологической необъятностью и биологическими мелочами, чтобы привлечь внимание к забытым историям.
Craft Contemporary (craftcontemporary.org)
5814 Wilshire Boulevard, Mid-Wilshire, Los Angeles
До 7 мая
Амир Х. Фаллах: Ошибка границ Деталь Амира Х. Фаллаха, «Нет богов, нет» Мастера» (2020), холст, акрил (любезно предоставлено художником и Шахином Табасси)
Амир Фаллах опирается на богатую смесь источников, от персидских миниатюр до детских книг, ботанических иллюстраций, карт и текстильных узоров, для создания своих ярких максималистских картин. Родившийся в Иране во время исламской революции, Фаллах эмигрировал со своей семьей в США в возрасте 7 лет. Он достиг совершеннолетия в среде панка и уличного искусства 1990-х годов и стал соучредителем оригинального издания об искусстве и дизайне Beautiful/. Decay в виде фотокопии и скрепленного журнала, когда он был еще подростком. Заблуждение границ , его первая музейная выставка в Лос-Анджелесе, представляет живопись, скульптуру, витражи и печатные материалы, отражающие его собственный опыт миграции, материальной культуры и многогранной идентичности.
Музей Фаулера в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе (fowler.ucla.edu)
308 Charles E. Young Drive North, Westwood, Los Angeles
До 14 мая
Биеннале MexiCali: Land of Milk & Honey Jessica Кристион, «Несанкционированная гистография Калифорнии, том 2: полевые заметки» (2022 г.), видеоколлаж (любезно предоставлено художниками и биеннале MexiCali)
Запущенная в 2006 году художниками Эдом Гомесом и Луисом Г. Эрнандесом биеннале MexiCali исследует культурную и художественную среду Калифорнии и Мексики. Выпуск этого года, Земля молока и меда , посвящен сельскохозяйственному и кулинарному значению региона и связанным с ним вопросам, касающимся труда, экологии и политики. Калифорния рекламировалась как изобилующий Эдем ранними сторонниками штата, однако оборотной стороной этого мечтательного взгляда были изоляция, эксплуатация и коррупция, темы, с которыми Золотой штат все еще считается. Среди артистов-участников Кэролин Кастаньо, Эдгар Фабиан Фриас, Нарсисо Мартинес, Рубен Очоа, Жасмин Урреа и многие другие.

Центр искусства и культуры чикано Чика Марина (riversideartmuseum.org)
3581 Mission Inn Avenue, Riverside, California
25 февраля – 28 мая
1600-летний фрагмент был частью додекаэдра, загадочного объекта, который, по мнению экспертов, мог быть связан с оккультизмом.
Тейлор Майкл
Работа Франческо Сальвиати «Ренессанс» — первая картина музея на мраморе.
Элейн Вели
Выставка 1969 года 5 + 1, а теперь и Revisiting 5 + 1 напоминают о том, что история черного искусства в Соединенных Штатах скорее разнообразна, чем монолитна.

Джон Яу
Дебют художника в американском музее в Балтиморском художественном музее — презрительный, местами сатирический взгляд на угнетение, уступающий место новой истории.
Фарах Абдессамад
Кто рассказывает сказку, тот добавляет хвост: «Латинская Америка и современное искусство» исследует современное латиноамериканское искусство, не соответствуя внешним ожиданиям.
от Denise Zubizarreta
Simulation Sketchbook исходит из того факта, что цифровые художники, как и все художники, также делают наброски своих работ.
от AX Mina
Ограничение Твиттером бесплатного доступа к API может повлиять на публикации учетных записей из музейных коллекций или архивов давно ушедших художников.
Рея Найяр
Как селективный конкурс согласуется со стремлением мира современного искусства к большей инклюзивности?
Наоми Полонски
Теги: художественные гиды, Лос-Анджелес, Художественный гид Лос-Анджелеса
Мэтт Стромберг — писатель-фрилансер из Лос-Анджелеса, посвященный изобразительному искусству.