Мода на Nature: bogachkova1957 — LiveJournal
В Музее В.А.Тропинина – выставка «Мода на Nature. Пейзаж и натюрморт из собрания музея». Выставка очень маленькая, а представленные работы далеко не шедевры. Но все-таки приведу ряд картин. И начну с натюрмортов. В этом моем любимом жанре на выставке представлено только три картины.
Первый натюрморт принадлежит кисти нидерландского художника Бальтазара ван дер Аста (1593-1657). Этот художник писал, прежде всего, натюрморты с цветами, насекомыми, улитками и фруктами, пространственное расположение которых и композиция заимствованы чаще всего у Яна Брейгеля или Босхарта.
Бальтазар ван дер Аст. Натюрморт с фруктами. XVII век. Дерево, масло.Картина отличается тщательной, миниатюрной манерой письма, которая передает и игру света в каплях воды, и различие фактур предметов. Пирамидальная схема придает композиции упорядоченность и торжественную статику, оживляемую присутствием живности.
Следующий художник Джозеф Нигг (1782-1863) — один из самых известных художников-цветочников Австрии, получивший образование в венской Академии изящных искусств, и с 1800 по 1843 годы работавший главным художником венского фарфорового завода. В 1818 году в честь столетия со дня основания завода он был особо отмечен как ведущий живописец, чтящий и сохраняющий традиции. И даже его картины на холсте выглядят так, как будто написаны на фарфоре. Единственно, что его связывает на картине с романтизмом XIX века – это горный пейзаж с мрачным грозовым небом.
Третий и последний натюрморт на выставке принадлежит неизвестному художнику круга Франса Снейдерса.
Неизвестный художник круга Франса Снейдерса. Лавка дичи с фигурами. Фландрия. XVII век. Холст, масло.Данная работа в стиле барокко практически копирует знаменитые натюрморты Снейдерса, т.е. включает в себя: развал дичи или рыбы, фигуры продавцов или покупателей и пейзаж, который в данном случае очень скупой.
Немного истории Nature. Пейзаж и натюрморт как отдельные жанры изобразительного искусства появились в Италии, а затем заняли особенное место в живописи Голландии и Фландрии в XVI — XVII вв. Богатство и разнообразие видов таких картин, огромное количество дошедших до нас экземпляров говорят об их исключительной популярности.
Поначалу более востребованной была декоративная функция картин и гравюр. Пейзажи и натюрморты часто украшали интерьеры в качестве десюдепортов — картин над дверями. Но позже появились и «тематические экспозиции».
Выбор сюжетов, конечно, был обусловлен модой и личными вкусами владельца дома. Это могли быть страны и города, посещенные во время путешествий, или места в России, где человек жил. Натюрморты могли воплощать тоску по экзотике или восхищение плодами родной земли. Особенно насыщенным (иногда даже слишком) оказалось убранство интерьеров эпохи бидермайера (1820–1840-е годы), когда стремление превратить частное пространство в некое подобие Универсума достигло пика.
Во второй половине XIX века многое изменилось. Важнейшая категория культуры классицизма — гармония интерьера с внешним миром — оказалась утрачена. В то же время широкое распространение фотографии приводило к вытеснению из интерьерной декорации произведений живописи и графики, замене «вечного» искусства «моментальным».
Рассмотрим теперь некоторые пейзажи из собрания музея В.А.Тропинина, многие из которых экспонируются впервые. Начну с работы Семёна Фёдоровича Фёдорова (1867—1910), ученика И.И.
Шишкина и участника русско-японской войны, на которой он был тяжело ранен. Художник был мастером лесных летних и зимних пейзажей, оживляемых речками, ручьями, мельницами, видами храмов и др. Его произведения написаны в традициях русской живописной школы, в них чувствуется влияние его учителей — И.И. Шишкина и Ю.Ю. Клевера.
А вот имя уроженца Черниговщины Виктора Михайловича Резанова (1829-1904), русского художника-пейзажиста, академика Императорской академии художеств известно лишь узкому кругу искусствоведов и коллекционеров произведений живописи. Хотя он был близким другом Ивана Шишкина.
В.М.Резанов. Сельский пейзаж. Вторая половина XIX – начало ХХ вв. Холст, масло.Лев Львович Каменев (1833-1886) — академик и один из учредителей Товарищества передвижных выставок был живописцем тонкого лирического дарования. Любимый ученик и друг А.К. Саврасова, он не был революционером в области живописи, не отличался экспериментаторством, ему чужда была какая бы вычурность, склонность к «самовыражению ради самовыражения».
С конца 1860-х годов художник много работал под Москвой, в частности в Саввинской слободе под Звенигородом. В этих живописных местах художником и был написан следующий пейзаж.
Алексей Фомич Кондырев был простым учителем рисования в 1о-й Московской гимназии. В 1852 г. получил звание свободного художника пейзажной акварельной живописи.
А.Ф.Кондырев. Подмосковье. Пейзаж с березами. 1866. Бумага, акварель.Василий Андреевич Жуковский (1783-1852) для большинства прежде всего поэт, друг А.С. Пушкина, Н.В. Гоголя, К.П. Брюллова и других современных ему деятелей искусства. Но и изобразительное искусство представляло для него большой интерес и занимало значительное место в жизни. Жуковский — автор многочисленных пейзажей с видами мест, в которых он побывал в своих многочисленных путешествиях и поездках. В приведенном пейзаже чувствуется влияние друга художника, немецкого живописца эпохи романтизма Каспара Давида Фридриха.
А следующие две работы интересны, прежде всего, изображением на них Симонова монастыря в Москве, половина которого была уничтожена в советское время.
К.И.Рабус. Вид теплого собора. Из альбома «Московский Симонов монастырь». Литография Г.Кирстена. Москва. 1843. К.И.Рабус. Вид Симонова монастыря с северной стороны. Из альбома «Московский Симонов монастырь». Литография Г.Кирстена. Москва. 1843.На выставке организаторы попробовали воссоздать атмосферу уютного жилища в стенах музея, сервировав новогодний стол из старинных предметов – что, по-моему, получилось удачно.
Новогодняя сервировка стола на выставке оформлена Мастерской Кати Гердт.Использованные источники: материалы выставки и Максима Костыря — заведующего научным отделом музея Академии художеств.
10 картин великих художников, с которым можно познакомить ребёнка в игровой форме
Мультфильмы, книжные иллюстрации, раскраски – сегодня существует множество способов и возможностей завладеть вниманием ребёнка и познакомить его с окружающим миром.
С маленькими детьми можно просто описывать картину, обращая внимание на детали, разнообразие красок и оттенки цветов. С детьми постарше можно пойти дальше и акцентировать внимание на сюжете и настроении людей, изображённых на картине, и на конкретных примерах рассказать о жанрах и направлениях в живописи. А можно даже попробовать повторить шедевры и создать свою реплику картины. Конечно, такое занятие подразумевает участие родителей. Польза для всех очевидна.
Предлагает вашему вниманию подборку картин, которые по праву признаны мировым достоянием. Некоторые из них бесценны. Это шедевры, представляющие разные жанры и направления.
1. М. Караваджо «Корзина с фруктами»М. Караваджо «Корзина с фруктами» (1597)
Итальянский художник Микеланджело де Караваджо (1571-1610) считается реформатором европейской живописи 17 века, основателем реализма и одним из крупнейших мастеров барокко в живописи.
«Корзина с фруктами» написана 22-летним художников более 400 лет назад и считается первым в истории живописи натюрмортом. Молодой мастер навсегда вошёл в историю как основатель этого новаторского для того времени жанра.
Что это за жанр – натюрморт? Это изображение предметов и вещей, которые относятся к повседневной жизни и быту людей. Натюрморты, как правило, не содержат в себе никакого сюжета, кроме самой композиции, собранной из двух и более предметов. Задача художника – запечатлеть предметы такими, какие они есть. В данном случае, Караваджо постарался изобразить фрукты максимально естественно. Некоторые из них выглядят так, как будто их только что сорвали и небрежно положили в корзину. Местами изображение даже напоминает фотографию.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребенка: что он видит на картине? Какие фрукты на ней изображены? Какого они цвета?
2.
Я. Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой» Я. Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой» (1665)
Портрет «Девушка с жемчужной серёжкой» кисти культового нидерландского художника Яна Вермеера (1632-1675) входит в число самых загадочных картин тысячелетия. А сам живописец признан одним из величайших мастеров живописи Золотого века Голландии.
Картина выполнена в популярном в 17 веке жанре «трони», в переводе с голландского – «голова, лицо». Это небольшие портреты, на котором модель изображалась в каком-то необычном костюме.
Поклонников и искусствоведов восхищает то, насколько реалистичным у Вермеера вышел портрет девушки, её поворот головы и взгляд… Уникальность картины ещё и в том, что герои на других полотнах художника редко смотрят друга на друга и почти никогда на зрителя, но не девушка с жемчужной серёжкой.
Исследователи до сих достоверно не знают, кто изображен на картине. Как и то, что сережка – это жемчуг. В 2018 году специалисты нидерландского музея просветили картину рентгеновскими лучами и провели анализ краски.
Выяснилось, что раньше блики на серьге выглядели иначе и художник на самом деле изобразил её в виде плоской серебряной или эмалевой подвески. Но, несмотря на этот факт, картину по-прежнему именуют как «Девушка с жемчужной серёжкой».
Для создания своих работ Вермеер использовал лучшие в 17 веке доступные художникам пигменты, которые придавали картинам светимость. В частности, натуральный ультрамарин и тот, что сейчас называется «жёлтый старых мастеров». Эти два цвета как раз представлены на картине «Девушка с жемчужной серёжкой».
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: кого он видит на картине? Пусть опишет девушку, сколько ей может быть лет? Какие цвета и оттенки он видит?
3. В. Поленов «Московский дворик»
В. Поленов «Московский дворик» (1873)
Это одна из самых известных картин русского пейзажиста и мастера жанровой живописи Василия Поленова (1844-1927).
Этой работой художник дебютировал на 6-й выставке Товарищества передвижников.
Интересно, что картину Поленов написал на скорую руку и был не совсем ею доволен. Однако «Московский дворик» имел огромный успех у критиков. Работа, по их мнению, выделялась на фоне остальных произведений какой-то особой поэтичностью и элегическим тургеневским настроением.
После «Московского дворика» Поленова окрестили мастером «интимного» пейзажа, что значит «глубоко личный, задушевный, сокровенный». Вообще само понятие «интимный пейзаж» подходит любому полотну, в котором можно почувствовать эмоциональное состояние его автора.
Картина стала знаковой для истории Москвы. Благодаря ей можно заглянуть в прошлое и представить себе, каким был город в 1870-х годах. В 19-20 веках главной градостроительной единицей города были не улицы и площади, а дом и двор. Особняки занимали тогда порой целые кварталы и были окружены садами и дворовыми постройками. Кстати, изображенная на картине церковь Спаса в Песках близ Арбата практически в том же виде сохранились в столице до сих пор.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: что он видит на картине? Что делают дети и женщина? Какое время года изображено? Каких животных и птиц он видит?
4. К. Моне «Поле маков»
К. Моне «Поле маков» (1873)
Создатель этой картины «Поле маков» – французский художник Клод Моне (1840-1926) — вошёл в историю живописи как основатель импрессионизма (в переводе с французского — «впечатление»).
Для написания своих картин Моне разработал методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть окружающий мир, всю его подвижность и изменчивость, и одновременно передать свои мимолётные впечатления.
Художник представил свою работу на первой в истории живописи выставке импрессионистов. На ней он изобразил свою жену Камиллу и их сына Жана, которые часто становились моделями для его картин.
Работа была создана в период возникновения пленэра, то есть рисования на открытом воздухе.
По этому поводу друг художника, писал: «Всё, что написано прямо и на месте, всегда имеет силу и живость прикосновения, чего нельзя найти в студийной работе». С небольшим переносным холстом в руках Моне много времени проводил на природе, неподалёку от своего дома в предместье Парижа – Аржантёе.
«Поле маков» в полной мере передаёт тёплую атмосферу прогулки по полям и очарование летнего беззаботного дня и благодаря этому признано одной из самых известных пейзажных картин 19 века.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: что изображено на картине? Что делают люди? Какие растения он может перечислить? Какие цвета использовал художник для написания картины.
5. И. Айвазовский «Радуга»
И. Айвазовский «Радуга» (1873)
Картина «Радуга» – одна из 4000 работ, которые выдающийся маринист 19 века Иван Айвазовский (1817-1900) посвятил водной стихии.
На своих полотнах он изобразил больше десятка морей на разных континентах. А всего за свою жизнь художник создал около 6000 тысяч живописных произведений.
Айвазовский родился в Крыму и влюбился в море с раннего детства. Он мог часами сидеть на берегу, всматриваться в каждую деталь и любоваться красотой морского пейзажа. В дальнейшем это позволило ему очень реалистично изображать различные состояния морской воды.
Всё творчество художника окрашено чертами романтизма. Поэтому и водная стихия на полотнах Айвазовского чаще всего бурная, неспокойная, как и на картине «Радуга». Это история одного крушения со счастливым концом. Небольшое судно, не выдержав удары стихии, предательски накренилось и вот-вот пойдёт ко дну. Люди, в надежде на спасение, пересели в крохотные шлюпки и продолжают противостоять грозной буре. В обречённой ситуации, живописец даёт надежду на лучшее: он изображает маленькую чайку, которая как бы указывает людям путь к спасению. И радугу – излюбленный романтиками мотив и библейский символ окончания потопа.
Задание для ребёнка:
Пусть ребёнок внимательно посмотрит на картину и найдёт чайку и радугу. Что происходит в море? В каких цветах выполнена работа?
6. В. Ван Гог «Звёздная ночь»
В. Ван Гог «Звёздная ночь» (1889)
Картина «Звёздная ночь» – это ещё один шедевр, автор которого нидерландский художник Винсент Ван Гог (1853-1890) считал своим провалом. Культовой работа была признана спустя время. Произведение даже стало «иконой» для экспрессионистов. Художники-экспрессионисты стремились не воспроизводить окружающий мир, а передать зрителю собственное эмоциональное состояние с помощью формы и цвета.
Картину «Звёздная ночь» Ван Гог написал в тот момент, когда находился в больнице для душевнобольных на юге Франции. Пациентам запрещалось выходить на улицу, поэтому художник создавал её в спальне, глядя в окно. Звёзды вызывали у Ван Гога особые ощущения.
Он писал своему брату: «Глядя на звёзды, я всегда начинаю мечтать».Художник создавал картину в состоянии обострённого восприятия реальности. Это, как считают искусствоведы, а также сила воображения позволили ему увидеть ночное небо таким, каким его до этого не видел никто.
Но картина только на первый взгляд кажется неправдоподобной. Вихревые потоки на ночном небе, который изобразил Ван Гог, по мнению исследователей, не что иное как турбулентность, а самая крупная звезда с белым ореолом на картине – это Венера. Эту планету можно было наблюдать на юге Франции как раз в мае 1889 года.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: что он видит на картине? Что его удивляет, когда он смотрит на произведение? Какие цвета он может назвать?
7. П. Пикассо «Девочка на шаре»
П. Пикассо «Девочка на шаре» (1905)
Автор картины «Девочка на шаре» – всемирно известный испано-французский художник Пабло Руис-и-Пикассо (1881-1973).
В изобразительном искусстве он известен как один из основоположников кубизма, а также как самый «дорогой» художник в мире.
И хотя выбранная нами работа не относится к новому направлению, её называют предшественницей кубизма благодаря необычному сочетанию человеческих фигур и геометрических объектов. Это, в частности, шар и куб – главные художественные инструменты в искусстве Пикассо.
«Девочку на шаре» художник написал в 24 года на стыке так называемых «голубого» и «розового» периодов своего творчества. Именно тогда в его жизни, после нескольких лет поиска себя и нищеты, началась светлая полоса. Перемены отразились и на цветовой гамме его картин: уходя от холодных синего и серого, Пикассо стал использовать тёплые приглушённые цвета: красный, оранжевый, коричневый, и, прежде всего, розовый.
В это время Пикассо был частым гостем в цирке в испанском городе Медрано. Персонажами его картин становятся арлекины, бродячие актёры и акробаты. Вообще, многие художники в своём творчестве использовали мотив цирковых артистов и, как считают искусствоведы, тем самым подчеркивали своеобразную духовную близость с ними.
С одной стороны, романтичными и свободными, с другой – бедными и голодными.
Несмотря на незамысловатый сюжет, картина «Девочка на шаре» наполнена символизмом. Лёгкость и гибкость молодой девушки, балансирующей на шаре, противостоят массивности и устойчивости куба, на котором сидит гигантский атлет. Именно такая игра контрастов – тяжести и лёгкости, по мнению исследователей, и сделало картину знаменитой. Полотно стало сагой о равновесии, о взаимодействии человеческих темпераментов, а также отразило размышления Пикассо о судьбе искусства и художника в целом.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: кого он видит на картине? Какие объекты и цвета он может назвать?
8. Б. Кустодиев «Масленица»
Б. Кустодиев «Масленица» (1906)
Эта картина русского живописца Бориса Кустодиева (1878-1927) значительно выделяется на фоне работ других русских мастеров, прежде всего, своей масштабностью, многоплановостью и необычной красочностью.
Зритель словно наблюдает размах праздничных гуляний с высоты птичьего полета.
Будучи учеником лучших художников 19-20 веков, Кустодиев стремился найти собственное творческое направление и самобытный стиль. Ему хотелось уйти от реализма и писать не с натуры, а исходя из собственных представлений о русской красоте. И ему это удалось. Для этого он использовал изобразительные приёмы русского лубка: метафоричность, декоративность, открытые, чистые цвета, а также яркую живописность народной росписи и даже стилистику вывесок провинциальных лавочек и трактиров.
Кустодиев не раз в своём творчестве обращался к праздничной теме проводов зимы. Его вдохновляли сценки из жизни простых людей, традиционные народные гуляния и провинциальный уклад. Особенно ярмарки и балаганы. В одном из писем он рассказывал: «Ярмарка была такая, что я стоял как обалделый. Ах, если бы я обладал сверхчеловеческой способностью всё это запечатлеть. Затащил мужика с базара – и писал при народе. Чертовски трудно! Будто впервые.
За 2–3 часа надо сделать приличный этюд… Пишу бабу покладистую – хоть неделю будет стоять! Только щёки да нос краснеют».
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: что изображено на картине? Какой это праздник? Что делают люди? Какие цвета использовал художник для написания картины?
9. В. Васнецов «Спящая царевна»
В. Васнецов «Спящая царевна» (1900-1926)
Эту хорошо знакомую нам с детства картину «Спящая царевна» знаменитый русский художник Виктор Васнецов (1848-1926) писал почти 40 лет, но так и не закончил. Широкая публика увидела работу уже после смерти автора, на выставке в 1927 году. Картина имела огромный успех и её признали одним из лучших произведений Васнецова.
«Спящая царевна» входит в цикл «Поэма семи сказок», а сюжет базируется на «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях» Александра Пушкина и «Спящей красавице» Шарля Перро.
Художник выбрал эпизод, когда молодая царевна укололась веретеном и впала в долгий столетний сон, а вместе с ней заснуло всё её королевство.
Васнецова считают одним из первых мастеров-живописцев, который оживил на своих полотнах волшебный мир русских сказок и былин. Интерес к древнерусской культуре зародился у художника во время обучения в духовном училище, а затем в семинарии, где он изучал жития святых, хронографы, летописные своды, притчи и фольклор. О себе Васнецов писал: «Я сказочник, былинник, гусляр живописи».
Во всех картинах художника современники отмечали высочайшее декоративное мастерство художника, разнообразие цветов, орнаментов и узоров в традициях русского зодчества.
Надо отметить, что за свою жизнь Виктор Васнецов внёс вклад в самые разнообразные области искусства – театральную декорацию и костюмы, архитектуру и прикладное искусство. Он создал иллюстрации к произведениям Пушкина и Лермонтова, свыше десяти лет своей творческой жизни посвятил работе над росписями Владимирского собора в Киеве.
А также создал эскизы главного фасада Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке в Москве.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: кого и что он видит на картине? Пусть он вспомнит сказку? Какие цвета использовал художник для написания картины?
10. В. Кандинский «Жёлтое-красное-синее»
В. Кандинский «Жёлтое-красное-синее» (1925)
Создатель этой знаковой для изобразительного искусства 20 века картины – великий новатор, французский и русский художник Василий Кандинский (1866-1944). Известный авангардист и один из основоположников абстракционизма – стиля в искусстве, который отвергает реалистичное воспроизведение окружающего мира.
Абстракции в творчестве художника представлены в целой серии «импровизаций», «импрессий» и «композиций». Многие из них выглядят как сложные механизмы или случайные наборы геометрически форм и цветовых блоков, без сюжета и без названия.
Но это только на первый взгляд. Все работы Кандинского – это выверенная композиция, созданная на основе внутренних переживаний и уникальной, неповторимой философии автора.
Существует несколько версий относительно того, что же изображено на картине «Жёлтое-красное-синее». Часть поклонников его творчества считают, что это абстрактный портрет самого Кандинского. И действительно, в прямой линии параллельной боковым сторонам картины угадывается очертания шеи и от неё подбородок, рот, нос, лоб, левый глаз, окружённый красным окуляром очков. Завершает портрет изящный воротничок в форме усечённого круга.
Внутри воображаемой головы – конструкция из жёлтого и голубого прямоугольников с устремлённым в небо красным лучом. Предположительно, это Воронцовский маяк, один из символов Одессы. В этом городе жили родители и родственники художника.
Выбранные цвета тоже не случайны. Для Кандинского, говоря его же словами, синий – это «небесный» цвет, а жёлтый – «типично земной». А вот алый – «упорный, навязчивый, сильный тон… подобен равномерно пылающей страсти; это уверенная в себе сила, которую нелегко заглушить».
Многие исследователи сходятся во мнении, что Кандинский был синестетом, то есть обладал особой формой восприятия мира. Синестезия выражалась у художника в единстве чувств: он видел цветовые образы, когда слышал музыку, и слышал музыку, когда писал.
Задание для ребёнка:
Спросите у ребёнка: какие объёкты изобразил художник? На что или на кого они похожи, если смотреть их вместе? Пусть перечислит цвета на картине, например, какие из них тёплые и холодные, насыщенные и пастельные.
Актуальная и полезная информация для современных родителей — в нашей рассылке.
С нами уже более 50 000 подписчиков!
Читайте также в нашем блоге:
Быстрая регистрация
Получите 5% скидку на первый заказ!
10 самых известных картин с фруктами
Природные объекты всегда были одними из самых популярных предметов, на которые обращали внимание величайшие художники на протяжении всей истории.
Фрукты долгое время были в центре внимания самых опытных художников, поскольку они представляют жизнь и природу ярким, уникальным и красочным способом по сравнению с другими объектами натюрморта.
Фрукты обычно используются в натюрмортах из-за их характерной окраски и разнообразной формы. Известные художники во многих различных художественных стилях и движениях сосредоточили свои наиболее широко известные работы на фруктах в различных формах.
Такие художники, как Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и многие другие, известны своими работами, посвященными фруктам.
Вот 10 самых известных картин с фруктами, когда-либо созданных.
1.
Корзина с яблоками – Поль СезаннПоль Сезанн известен своей способностью изображать различные предметы с точки зрения, отличной от той, которую обычно видит большинство людей.
Его работа под названием «Корзина яблок», пожалуй, самая известная из когда-либо созданных картин с фруктами, во многом благодаря его странному, но привлекательному изображению объектов на картине.
Написанная в 1893 году, картина изображает большую корзину с яблоками, высыпанную на стол, также украшенный мятой скатертью, а также бутылку вина и печенье.
Читайте также: Известные картины Поля Сезанна
Каждый объект имеет свою уникальную форму, цвет и даже свои ракурсы по сравнению с остальными произведениями. Многие ранние критики рассматривали это как неспособность Сезанна должным образом уловить определенные аспекты натюрморта, но более поздние любители искусства и энтузиасты обратили внимание на различия как на то, что действительно сделало картину шедевром.
Большинство последователей и поклонников Сезанна утверждали, что художник изображает сцену таким образом, что предлагает множество различных точек зрения, которые объединяются для поистине уникального изображения на холсте.
Кажется, что яблоки скатываются со стола, но поверхность кажется наклонной справа налево, из-за чего винная бутылка слегка наклоняется. Множество различных способов использования перспективы являются частью того, что делает эту картину такой особенной.
2.
Натюрморт с корзиной фруктов – КараваджоИтальянский художник эпохи барокко Микеланджело Меризи да Караваджо был известен своим мастерством в написании сцен, изображающих резкие контрасты между светом и тьмой.
Его работа под названием « Натюрморт с корзиной фруктов » является одной из величайших когда-либо созданных фруктовых картин и демонстрирует способность художника улавливать вариации света и тени при работе с разными цветами.
Написанная в 1599 году, эта работа была одним из немногих натюрмортов, созданных художником, поскольку он в основном сосредоточил свои усилия на религиозных сценах из христианства. Картина выставлена в библиотеке в Милане, Италия, и любопытным образом привлекает внимание любителей искусства и критиков своим своеобразным изображением фруктов.
Караваджо нарисовал простую корзину с фруктами, стоящую на столе, которая на первый взгляд кажется довольно простой, но при ближайшем рассмотрении обнаруживается любопытная степень деградации фруктов, нарисованных на холсте.
Некоторые листья были съедены маленьким червем, и большая часть плодов, а также винограда, похоже, уже давно прошли стадию созревания и начали гнить.
Художник, вероятно, решил изобразить фрукт как своего рода метафору, которая показывает образ, который кажется красивым, но при ближайшем рассмотрении обнаруживаются некоторые нежелательные характеристики.
3.
Банка персиков – Клод МонеКлод Моне был французским художником и одним из основателей импрессионистского движения, но некоторые из его ранних работ привлекли значительное внимание. Его картина под названием «Банка персиков» широко считается одной из самых недооцененных его работ, поскольку она демонстрирует целый ряд талантов молодого художника.
Выполненная в 1866 году, «Банка персиков» — известная работа, на которой изображена возвышающаяся банка консервированных персиков, отбрасывающая уникальное отражение на мраморную плиту.
Способность Моне изобразить отражение кувшина на мраморе — вот что действительно делает эту картину шедевром.
В более поздней жизни художника было создано множество природных картин, в которых основное внимание уделялось пейзажам и цветам, но эта конкретная работа является прекрасным примером его более ранних работ.
4.
Еда, также известная как бананы – Поль ГогенПоль Гоген отправился на Таити, чтобы рисовать картины, изображающие жизнь на живописном острове и его жителей.
Его работа под названием «Еда, также известная как бананы» была одной из первых картин, которые художник создал после своего приезда и была написана в 1891 году. и другие фрукты, включая гуаву и апельсины, размещенные на столе, а на заднем плане сидят трое детей.
Гоген нарисовал то, что на первый взгляд может показаться естественной обстановкой, но эта конкретная сцена вовсе не является традиционной формой трапезы для островитян, которые в то время обычно не ели пищу, поставленную на стол.
Читайте также: Картины с едой
Художественное изображение в основном сосредоточено на пропорциях и реакции детей на еду перед ними.
Эта работа известна своим изображением света и тьмы частично затененного стола и является свидетельством увлечения Гогена таитянской культурой.
5.
Натюрморт с яблоками и кувшином – Камиль ПиссарроФрукты, похожие на яблоки, являются одним из наиболее характерных объектов натюрморта, так как они часто окрашиваются в различные оттенки от зеленовато-желтого до ярко-красного. Так обстоит дело с работой Камиллы Писсарро «Натюрморт с яблоками и кувшином».
Эта картина была написана в 1872 году и является одним из немногих натюрмортов, выполненных художником.
На картине очень простая, но элегантная сцена с яблоками на тарелке с кувшином и стаканом.
Естественное освещение, которое Писсарро смог запечатлеть на этой картине, является частью того, что делает ее одной из самых выдающихся картин с фруктами всех времен, и в основном благодаря этому работа получила признание.
6.
Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой – Франсиско де Сурбаран Одним из самых известных натюрмортов, созданных испанским художником, является «Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой» Франсиско де Сурбарана.
Эта картина была написана в 1633 году в Севилье, в то время, когда художники были известны своим стремлением изображать сцены максимально реалистично в каждой детали.
Работа Сурбарана изображает стол с тремя подношениями на нем, которые представляют собой важные уровни религиозной интерпретации. Набожный католик, Сурбаран нарисовал сцену, представляющую Святую Троицу, которая так часто изображалась в религиозных произведениях того времени.
Тот факт, что художник решил включить ссылку в этот натюрморт, свидетельствует о глубокой приверженности католической вере. Работа художника также изображает интенсивные уровни светлых и темных переходов, которые также имеют религиозный оттенок, распространенный в 17 веке.
7.
Гранаты – Джон Сингер СарджентДжон Сингер Сарджент был итало-американским художником, создававшим работы, которые многие считали почти фотогеничными по композиции и реалистичности.
Его работа под названием «Гранат» поистине самобытна.
Картина была создана в 1908 году и представляет собой пышную зеленую ауру, окружающую созревающие гранаты.
Многие искусствоведы и энтузиасты считают, что эта картина вдохновлена путешествиями художника на остров Майорка.
Картина лишена какой-либо пространственной привязки, которая используется в большинстве других работ в этом стиле, а изображение ярко-зеленого гранатового куста Сарджента простирается до края холста.
8.
Фрукты, выставленные на прилавке – Гюстав КайботтНи одна работа не изображает широкий спектр сияющих цветов, которыми могут обладать определенные фрукты, лучше, чем картина Густава Кайботта под названием «Фрукты, выставленные на прилавке».
Эта работа была сделана в 1881 году и представляет собой простое изображение обычной сцены, которую можно увидеть на прилавке с фруктами, где различные виды фруктов разделены аккуратными корзинами, покрытыми белой тканью.
Цветовая палитра является частью того, что делает эту картину одной из самых известных фруктовых картин всех времен.
Художник равномерно распределяет живые цвета по холсту таким образом, чтобы он был равномерно разделен и узорчат.
Яркие цвета апельсинов в левой части картины усиливаются легкими зелеными оттенками соседних груш. Точно так же яркие красные цвета хорошо сбалансированы более мягкими желтыми цветами на правой стороне холста.
9.
Вортумнус (Вертумно) – Джузеппе АрчимбольдоОдной из самых уникальных когда-либо созданных фруктовых картин является портрет Джузеппе Арчимбольдо под названием Вортумн (Вертумно). Написанная в 1591 году, эта работа посвящена римскому императору Рудольфу II и представляет собой странный, но красиво оформленный портрет различных фруктов, овощей и цветов, составляющих бюст императора.
Явным намерением художника было связать правителя с Вертумно, римским богом времен года, а также роста растений.
Многие критики считали, что картина была задумана как шутка, но художник отметил, что использование растений и фруктов для изображения могущественного императора было сделано для того, чтобы изобразить способ, которым он пришел к власти.
Это одно из самых захватывающих и творческих произведений искусства эпохи Возрождения. В настоящее время картина выставлена в Швеции, где она находится с середины 1600-х годов.
10.
Натюрморт с яблоками, грушами, лимонами и виноградом – Ван ГогВинсент Ван Гог был известен как мастер натюрморта. Его способность изображать естественные растения, деревья и другие предметы, включая фрукты, не похожа ни на одного другого художника на протяжении всей истории.
Работа Ван Гога под названием «Натюрморт с яблоками, грушами, лимонами и виноградом», возможно, является одной из самых известных картин с фруктами, когда-либо созданных, поскольку на ней изображено множество фруктов, уникально расположенных на скатерти.
Картина хорошо известна как картина, на которой Ван Гог начал экспериментировать с более широкими мазками и комбинацией дополнительных цветов.
Разнообразие оттенков представлено в аккуратно расположенной сцене с яблоками и грушами, украшающими стол и окружающими сочный виноград, разбросанный по центру произведения.
Ярко-зеленые цвета листьев приятно контрастируют с темно-красными и фиолетовыми яблоками и сливами, расположенными в нижней части картины.
Странная пульсирующая манера, в которой Ван Гог рисовал фрукты, а также скатерть, вероятно, является частью работ, которые он назвал «жестокими натюрмортами». Эта картина была частью серии работ, посвященных фруктам, выполненных художником в 1887 году.
Надеемся, вам понравился наш список известных картин с фруктами.
Известные картины с фруктами. Исследуйте мир натюрмортов с фруктами
Почти каждый художник в какой-то момент задавался вопросом: «Что я рисую?». Иногда простые предметы — это те, которые мы видим каждый день, и они находятся прямо на нашей кухне! Натюрморты с фруктами, от старых мастеров до модернистов 21 века, составляют основу портфолио каждого художника. В этой статье мы совершим путешествие во времени, чтобы исследовать некоторые из самых известных картин с изображением фруктов, о которых вы можете вспомнить, а также символику фруктов в живописи с точки зрения истории искусства.
Содержание
- 1 От яблок к апельсинам: символика фруктов в живописи
- 2 10 самых известных картин с фруктами
- 2.1 Рудольф II Габсбургский в образе Вертумна (ок. 1590–1591) Джузедоппеимбола
- 2.2 Натюрморт с виноградом и другими фруктами (ок. 1630 г.) Луки Форте
- 2.3 Фронтиспис (1850–1853 гг.) Доротеи Элизы Смит
- 2.4 Айва, лимоны, груши и виноград (1887 г.) Винсента Ван Гога
- 2.5 Дама с фруктами (1894) Раджа Рави Варма
- 2.6 Натюрморт с яблоками (1895 – 1898) Поль Сезанн
- 2.7 Гранаты; Majorca (1908) от Джона Сингера Сарджент
- 2,8 EVE (1919) от Ochiai Rōfū
- 2,9 апельсины и лимоны (1925 — 1926), Julio Romero de Torres
- 2.10 Viva La Vida (1954) на Frida
- 2.10 Viva La Vida (1954) на Frida
- 2.10 Viva La Vida (1954). 3 Часто задаваемые вопросы
- 3.1 Что такое фруктовые картины?
- 3.2 Что символизируют фрукты в искусстве?
- 3.
3 Кто самый известный рисовальщик фруктов?
От яблок к апельсинам: символика фруктов в живописи
Некоторые из ваших любимых фруктов были изображены на многих известных натюрмортах или изображены на некоторых из самых красивых картин в истории искусства. . Хотя тема может показаться простой, история фруктов в искусстве восходит почти 3000 лет назад к Древнему Египту в виде натюрмортов. Эти древние натюрморты обычно находили в погребальных гробницах и рассматривали как готовую еду для умерших, чтобы они могли насладиться ими в загробной жизни. Понятно, что портретная живопись — это способ увековечить память о предмете еще долго после того, как он покинул физический план существования, однако увековечить какой-либо плод для конкретного использования в загробной жизни — это еще один уровень, на котором художники и древние народы рассматривали натюрморт. фруктовая живопись.
«Изобилие фруктов» (1860 г.
) Северина Розена; Severin Roesen, CC0, via Wikimedia Commons Древние римляне также изображали фрукты в мозаичном искусстве, чтобы показать свою открытость к гостеприимству своих гостей, а также считались эмблемой времен года. Другие коннотации, связанные с фруктами в истории искусства , включают аллегорические значения, связанные с течением времени, хрупкостью человеческой жизни, удовольствием, плодородием, молодостью и изобилием.
Состояние, в котором фрукты были представлены на картинах, также указывало на идею, которую художники хотели передать, и варьировалось от акцента на человеческой смертности через разложение до богатства и земных удовольствий, переживаемых через свежесть и гибкую эстетику фруктов. .
10 самых известных картин с фруктами
Изображение фруктов — это нечто большее, чем их внешний вид, и некоторые из лучших мастеров-художников доказали это своим творческим самовыражением и техникой рисования.
Ниже мы рассмотрим некоторые из самых известных изображений фруктов в истории искусства, а также их символическое значение. В других случаях картина с фруктами — это просто забавный этюд!Натюрморт с фруктами (ок. 1603 г.) Караваджо; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons
Rudolf II of Habsburg as Vertumnus (c. 1590 – 1591) by Giuseppe ArcimboldoArtist Giuseppe Arcimboldo (1526 – 1593) Дата c. 1590 – 1591 Средний Масло на панели Dimensions (cm) 70 x 57 Where It Is Housed Skokloster Castle, Skoklosters, Sweden This fascinating fruit painting was created by Guiseppe Arcimboldo in 1590 and был создан по образцу императора Рудольфа II, императора Священной Римской империи и правителя Хорватии и Венгрии.
Джузеппе Арчимбольдо был творческим художником, чье воображение разыгралось в его фруктовых портретах. Рудольф II Габсбургский в образе Вертумна изображает императора как римского бога времен года, который также был богом фруктов. Картина служила имперской аллегорией, изображая множество видов цветов и фруктов, как намек на золотую эру правления императора.Картина выполнена в стиле маньеризма и является одной из самых известных фруктовых картин художника.
Рудольф II Габсбургский в образе Вертумна (ок. 1590–159)1) Джузеппе Арчимбольдо; Giuseppe Arcimboldo, Public Domain, Via Wikimedia Commons
Натюрморт с виноградом и другими фруктами (ок. 1630). )Дата c. 1630 Средний Медь, масло Размеры (см) 31,4 x 25,9 Где хранится Музей Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес, СШАо котором мало что известно, но его Натюрморт с виноградом и другими фруктами остается культовой картиной с фруктами 17 века. Натюрморт представляет собой великолепный образ изобилия, представленный сочным виноградом и подчеркнутый округлостью яблок внизу. Картина также имеет эмалевое покрытие, которое видно по каплям влаги на фруктах. Форте также включала маленьких насекомых и улиток с гранатом, лежащим в левом нижнем углу, намекая на тему изобилия. Картина была создана на медной поверхности, что вместе с тонкой кистью создало потрясающую фруктовую картину.
Натюрморт с виноградом и другими фруктами (ок. 1630 г.) Луки Форте; Getty Center, Public domain, via Wikimedia Commons
Frontispiece (1850 – 1853) by Dorothea Eliza SmithArtist Dorothea Eliza Smith (1804 – 1864) Дата 1850 – 1853 Медиум Акварель на бумаге Dimensions (cm) Unavailable Where It Is Housed Oak Spring Garden Foundation, Upperville, Virginia, United States Frontispiece is a famous fruit still- картина о жизни художницы-ботаника Доротеи Элизы Смит.
Этот знаменитый натюрморт с фруктами демонстрирует технические таланты Смит и ее способность систематизировать различные фрукты, сохраняя при этом точность в своих подробных изображениях. На ее картине представлены фрукты умеренной зоны с этикеткой, на которой написано: «Группа различных сортов фруктов: Manzana-helada (или замороженное яблоко), разрезанное по центру группы».Натюрморт с фруктами создан как дань уважения моменту, когда каждый фрукт достигает своей полной зрелости, а также как отражение красоты и аромата.
«Фрукты рынка Лимы» (1853 г.) Доротеи Элизы Смит; Доротея Элизабет Смит, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Айва, лимоны, груши и виноград (1887) by Vincent van GoghArtist Vincent Willem van Gogh (1853 – 1890) Date 1887 Medium Oil on холст Размеры (см) 46 x 55 Где хранится Музей Ван Гога, Амстердам, Нидерланды Эта великолепная картина с фруктами — одна из самых известных картин с изображением фруктов постимпрессиониста Винсента Ван Гога, созданная в конце 19 века.
Изначально картина представляла собой пейзаж, но вместо этого Ван Гог решил сосредоточиться на простом натюрморте с изображением айвы, лимонов, груш и винограда . Картина также была написана для брата художника и арт-дилера Тео, который призвал Ван Гога использовать больше цвета в своих работах. Натюрморт Ван Гога источает все цвета, сосредотачиваясь исключительно на вариациях одного цвета, желтого, и подчеркивая силу его разнообразия в тонах охры, разделенных сочной зеленью и персиковыми нюдами. В истории искусства груша была связана с китайской верой в то, что плод был символом бессмертия со словами 9.0013 li переводится как «разлука» и «груша». Вместо пейзажа Ван Гог увековечил выражение цвета через грушу и пролитие ее сущности на раму картины, также покрытую желтым цветом.Айва, лимоны, груши и виноград (1887 г.) Винсента Ван Гога; Винсент Ван Гог, общественное достояние, через Wikimedia Commons0256
Artist Raja Ravi Varma (1848 – 1906) Date 1894 Medium Oil on canvas Dimensions (cm) 45 x 60 Место хранения Фонд наследия Раджи Рави Вармы, Бангалор, Индия Леди с фруктами0014 — известная картина с фруктами, созданная индийским художником Раджей Рави Вармой в конце 19 века.
Варма был знаком с искусством и поэзией с раннего возраста, а позже приобрел большую известность, настолько большую, что его даже искали королевские особы. Современный взгляд Вармы и интерпретация классических и мифологических повествований — вот что выделяло его работы, и он был ярым сторонником того, чтобы сделать свои работы доступными и доступными для всех. «Дама с фруктами» изображает женщину, держащую апельсин, и является одной из самых известных картин художника. В истории искусства апельсин был символом богатства и процветания.В индуизме и буддизме оранжевый цвет считается священным и ассоциируется с чистотой.
Still Life with Apples (1895 – 1898) by Paul CézanneArtist Paul Cézanne (1839 – 1906) Date 1895 – 1898 Средний Холст, масло Dimensions (cm) 92. 7 x 68.6Where It Is Housed The Museum of Modern Art, New York City, United States Still Life with Apples is a известный натюрморт с фруктами, созданный постимпрессионистом Полем Сезанна в конце 19 века. Картина отражает убеждения Сезанна в то время, когда натюрморт не был в полной мере уважаем французским художником 19-го века. Создавая эту картину с фруктами, Сезанн привлек внимание к процессу и замыслу живописи и осветил зрителя своим процессом, утверждая, что рисование с натуры не обязательно копирует ее, а скорее является реализацией своих ощущений. Художник еще больше поднял натюрморт, предложив несколько видов и оторвавшись от традиционной линейной перспективы. Различные углы можно определить по тому, как скатерть смещается вдаль к занавеске. Что больше всего выделяется, так это незавершенность работы, которая, возможно, дополняет идею картины, то есть имитацию жизни посредством визуального опыта видения.
Натюрморт с яблоками (1895 – 1898) Поля Сезанна; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Гранаты; Majorca (1908) by John Singer SargentArtist John Singer Sargent (1856 – 1925) Date 1908 Medium Oil on canvas Размеры (CM) 73 x 56,5 , где он размещен . иллюстрирует спелость плода, обнажая ярко-красные косточки граната. Имя Сарджента было знакомо всем, особенно после его «спорной» картины «Портрет мадам X 9».0014 (1884 г.) был выпущен. Гранаты были выполнены с определенной степенью реализма в авангарде разума Сарджента с четким акцентом на привлечение внимания к изобилию, которое представляет плод. Согласно древним греко-римским верованиям, гранат считался священным фруктом, символизирующим женское плодородие.Гранаты; Майорка (1908) Джона Сингера Сарджента; Джон Сингер Сарджент, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Миф о гранате был основан на истории о Плутоне и Прозерпине, когда Плутон похитил Прозерпину и унес ее в подземный мир. Церера, ее мать, была так огорчена, что земля стала холодной и бесплодной. Согласно Судьбе, если кто-то съел пищу в подземном мире, он остался бы там на неопределенный срок, но Прозерпина уже съела зерна граната до того, как ее похитили, и до зимы была заключена в подземный мир.
С тех пор плод стал называться запретным плодом из-за его ассоциации с повествованием о Плутоне и Прозерпине.
Eve (1919) by Ochiai RōfūArtist Ochiai Rōfū (1896 – 1937) Date 1919 Medium Цвет на бумаге Размеры (см) 351,5 x 172,2 Где хранится Музей искусств Токио, Яматане0261 Eve — популярная японская картина художника-модерниста Очиай Рофу, чьи работы отражают влияние как японской, так и европейской культур.
Художник вырос в христианской семье и был вдохновлен фовистским подходом к цвету, который имитирует некоторые цветовые палитры, встречающиеся в работах постимпрессионистов, таких как Поль Гоген . Картина с фруктами Eve иллюстрирует сцену с библейским персонажем Евой, которая собирает фрукты с дерева. Традиционно в искусстве Ева изображалась белой женщиной, но здесь она предстает индианкой. Фрукт, связанный с этим повествованием, также является яблоком, но Очиай решил заменить его персиком. В то время как картина получила смешанные отзывы и много критики за «много проблем», символ персика восходит к китайским и японским культурным верованиям, которые определяют персик как символ долголетия и плод, отпугивающий злых духов. Персики в западноевропейской истории также символизируют плодородие, женскую сексуальность и мимолетность жизни.
Oranges and Lemons (1925 – 1926) by Julio Romero de TorresArtist Julio Romero de Torres (1874 – 1930) Date 1925 – 1926 Medium Oil on canvas Dimensions (cm) 75 x 104 Where It Is Housed Museo Julio Romero de Torres, Córdoba, Spain «Апельсины и лимоны» — один из самых известных фруктовых натюрмортов, созданных испанским художником Хулио Ромеро де Торресом в 20 веке.
Картина отражает интерпретацию Торресом классической темы натюрморта и включает в себя стоящую обнаженную женщину, которая держит апельсины в руках, прижимая их к телу. На дальнем фоне слева видны лимоны на лимонном дереве. Картина Торреса наполнена чувственностью, но в то же время делает присутствие женщины известным через отрицание ее тела из названия картины.Можно также утверждать, что картина отражает такое же отрицание женщин в искусстве и включение только через их обнаженные тела.
Viva la Vida (1954) by Frida KahloArtist Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (1907 – 1954) Date 1954 Средний Oil on Masonite Dimensions (cm) 72 x 52 Where It Is Housed Museo Frida Kahlo, Mexico City, Mexico Viva la Vida is one одна из самых узнаваемых фруктовых картин 20-го века, созданная мексиканской художницей Фридой Кало , чей уникальный стиль и исследование мексиканской культуры и личности остаются культовыми.
На картине изображены яркие арбузы в разрезе, и она признана данью Кало самой жизни. Кало создала эту оптимистичную картину с фруктами в период, когда ее здоровье ухудшалось. Фраза, написанная на картине, была исполнена всего за восемь дней до ее кончины. Можно сказать, что яркость натюрморта представляет надежду, которую приносит смерть, и возможность отдохнуть от жизненных страданий. Viva la Vida представляет собой яркий праздник жизни. Эти знаменитые картины с фруктами дают интересное представление о различных способах интерпретации и отображения изображения фруктов в изобразительном искусстве. Хорошая картина с фруктами — это не только символизм, композиция и техническое исполнение, но также контекст и характер художника, а также окружающая среда, окружающая произведение искусства.
Мы надеемся, что вам понравился обзор 10 самых известных картин с фруктами в истории искусства! Часто задаваемые вопросы
Что такое фруктовые картины?
Картины с фруктами также называют натюрмортами, поскольку они изображают неодушевленные предметы и обычно изображают различные выбранные фрукты или овощи в качестве сюжета картины.
Что символизируют фрукты в искусстве?
Присутствие фруктов в произведении искусства часто ассоциируется с натюрмортом и может иметь различные коннотации. В большинстве случаев фрукты символизируют процветание, богатство, изобилие, удовольствие, плодородие и быстротечность жизни, в зависимости от состава, цвета и внешнего вида плода.
3 Кто самый известный рисовальщик фруктов?
) Северина Розена; Severin Roesen, CC0, via Wikimedia Commons 
Ниже мы рассмотрим некоторые из самых известных изображений фруктов в истории искусства, а также их символическое значение. В других случаях картина с фруктами — это просто забавный этюд!
Джузеппе Арчимбольдо был творческим художником, чье воображение разыгралось в его фруктовых портретах. Рудольф II Габсбургский в образе Вертумна изображает императора как римского бога времен года, который также был богом фруктов. Картина служила имперской аллегорией, изображая множество видов цветов и фруктов, как намек на золотую эру правления императора.
Пола Гетти, Лос-Анджелес, США
Этот знаменитый натюрморт с фруктами демонстрирует технические таланты Смит и ее способность систематизировать различные фрукты, сохраняя при этом точность в своих подробных изображениях. На ее картине представлены фрукты умеренной зоны с этикеткой, на которой написано: «Группа различных сортов фруктов: Manzana-helada (или замороженное яблоко), разрезанное по центру группы».
Изначально картина представляла собой пейзаж, но вместо этого Ван Гог решил сосредоточиться на простом натюрморте с изображением айвы, лимонов, груш и винограда . Картина также была написана для брата художника и арт-дилера Тео, который призвал Ван Гога использовать больше цвета в своих работах. Натюрморт Ван Гога источает все цвета, сосредотачиваясь исключительно на вариациях одного цвета, желтого, и подчеркивая силу его разнообразия в тонах охры, разделенных сочной зеленью и персиковыми нюдами. В истории искусства груша была связана с китайской верой в то, что плод был символом бессмертия со словами 9.0013 li переводится как «разлука» и «груша». Вместо пейзажа Ван Гог увековечил выражение цвета через грушу и пролитие ее сущности на раму картины, также покрытую желтым цветом.
Варма был знаком с искусством и поэзией с раннего возраста, а позже приобрел большую известность, настолько большую, что его даже искали королевские особы. Современный взгляд Вармы и интерпретация классических и мифологических повествований — вот что выделяло его работы, и он был ярым сторонником того, чтобы сделать свои работы доступными и доступными для всех. «Дама с фруктами» изображает женщину, держащую апельсин, и является одной из самых известных картин художника. В истории искусства апельсин был символом богатства и процветания.
7 x 68.6
Согласно древним греко-римским верованиям, гранат считался священным фруктом, символизирующим женское плодородие.
Художник вырос в христианской семье и был вдохновлен фовистским подходом к цвету, который имитирует некоторые цветовые палитры, встречающиеся в работах постимпрессионистов, таких как Поль Гоген . Картина с фруктами Eve иллюстрирует сцену с библейским персонажем Евой, которая собирает фрукты с дерева. Традиционно в искусстве Ева изображалась белой женщиной, но здесь она предстает индианкой. Фрукт, связанный с этим повествованием, также является яблоком, но Очиай решил заменить его персиком. В то время как картина получила смешанные отзывы и много критики за «много проблем», символ персика восходит к китайским и японским культурным верованиям, которые определяют персик как символ долголетия и плод, отпугивающий злых духов. Персики в западноевропейской истории также символизируют плодородие, женскую сексуальность и мимолетность жизни.
Картина отражает интерпретацию Торресом классической темы натюрморта и включает в себя стоящую обнаженную женщину, которая держит апельсины в руках, прижимая их к телу. На дальнем фоне слева видны лимоны на лимонном дереве. Картина Торреса наполнена чувственностью, но в то же время делает присутствие женщины известным через отрицание ее тела из названия картины.
На картине изображены яркие арбузы в разрезе, и она признана данью Кало самой жизни. Кало создала эту оптимистичную картину с фруктами в период, когда ее здоровье ухудшалось. Фраза, написанная на картине, была исполнена всего за восемь дней до ее кончины. Можно сказать, что яркость натюрморта представляет надежду, которую приносит смерть, и возможность отдохнуть от жизненных страданий. Viva la Vida представляет собой яркий праздник жизни. 
Мы надеемся, что вам понравился обзор 10 самых известных картин с фруктами в истории искусства! 