Еда как вдохновение: топ-10 натюрмортов в истории живописи
Праздность и гедонизм, хлеб насущный и пир горой, накрытые столы, рынки и завтраки. Тема еды в живописи всегда была одной из самых популярных и вдохновляла многих художников на великолепные натюрморты. Со временем, изображение накрытого стола, ломящегося от яств или аскетичного, стало самостоятельным жанром.
В обзоре журнала об искусстве Точка ART — 10 натюрмортов, написанных в разное время выдающимися мастерами этого жанра.
Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569
Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569 © Hallwyl Museum, StockholmВ XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.
Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.
Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615
Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615 © Rijksmuseum, Amsterdam«Breakfast piece», так называется тип натюрморта, зародившегося в 1610 году в Харлеме и Антверпене. Флорис Ван Дейк был одним из первых, кто начал рисовать эти «части завтрака», столы, сервированные на одного человека, при этом еда на них столь обильна, что ею вполне можно было накормить большую компанию: пирамида из сырных голов возвышается в центре стола, накрытого восточной скатертью; рядом стоят корзины с фруктами и хлебами, тарелки с маслинами и орехами, кувшин и бокалы с вином. Иллюзия реальности поразительна; недаром в XVII веке Теодор Шревелиус писал: «Это Флорис ван Дейк, который может заманить и поймать страстных женщин и даже птиц своей художественной кистью».
Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621
«Фруктовая лавка» входит в серию из четырех картин фламандского художника, знаменитого своими потрясающе изобильными натюрмортами: «Лавка дичи», «Овощная лавка» и «Рыбная лавка». Фламандский натюрморт — это праздник жизни, торжество природы. В своих натюрмортах Снейдерс не только воспевал изобильную природу, но и зашифровывал в них разные смыслы. В «Фруктовой лавке» все имеет свое символическое значение: и знатная дама, выбирающая персики, и лающая у ее ног собачка, и обезьянка, опрокидывающая корзину с фруктами. И конечно, невозможно оторвать взгляд от массивного деревянного прилавка, ломящегося от корзин со всеми мыслимыми фруктами. Кажется, все, что растет и плодоносит, есть во «Фруктовой лавке»: виноград и смоква, гранаты и апельсины, лимоны и сливы, черешня и груши, персики, яблоки и ежевика. «Полная драгоценных яств кладовая», — так называл картины Снейдерса Левинсон-Лессинг.
Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573
Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573 © Musée du Louvre, ParisИтальянский живописец, декоратор, маньерист, Джузеппе Арчимбольдо был одним из самых замечательных насмешников своего времени. Он создавал портреты, но так, как прежде никто не делал. Его портреты смело можно назвать и натюрмортами, ведь «лица» на них собраны, наподобие мозаики, из фруктов, овощей, птичьих перьев, рыбьих плавников, грибов и травы. Люди эпохи Возрождения любили головоломки, загадки и всевозможные странности, так что Арчимбольдо не был более странным, а просто потакал вкусам своего времени.
«Лето» — одна из четыре картин цикла «Времена года», символизирующая этапы человеческой жизни: юность, молодость, зрелость и старость. Юность жизни у Арчимбольдо состоит из сочных и спелых фруктов, овощей и ягод — айвы, персиков, вишни, винограда, малины и ежевики, огурца, помидора и баклажана, в обрамлении колосьев пшеницы.
При жизни Арчимбольдо бы невероятно популярен, но после смерти на долгие годы впал в забвение. Интерес к его творчеству снова появился в 30-е годы ХХ века и уже не ослабевал. Картины Джузеппе Арчимбольдо можно найти музеях Вены, Инсбрука, Мадрида, в парижском Лувре и Галерее Уффици, в Швеции и США.
Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763
Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763 © Musée du Louvre, ParisВ эпоху, когда французская живопись была известна своим величием и декоративными украшениями, натюрморты и жанровые сцены Жана-Батиста-Симеона Шардена удивляли своей простотой и скромностью. А еще они всегда были почти математически выверены: все предметы на картинах аккуратно и тщательно расставлены, нет ни одной небрежной детали. Но несмотря на непритязательность, натюрморты Шардена очаровательны. «Кто-то пишет красками, а кто-то — чувством». Эти слова художника о живописи в самой большой степени относятся к его картинам.
Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838
Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838 © Киевский национальный музей русского искусстваПредметный мир натюрмортов Хруцкого лишен особого символического значения, но говорит о многом. Незатейливая кухонная утварь, овощи и грибы, ягоды и фрукты показывают жизнь в небольшом сельском поместье второй трети XIX столетия, все напоминает о летнем приволье и домашнем уюте.
Глядя на «Грибы, рыба и овощи», можно почти физически ощутить свойства каждого из изображенных предметов: шершавость лукошка, замшевую мягкость грибных шляпок, прохладный бок рыбины и гладкость медного блюда. Можно даже почувствовать запах леса, еловой хвои, реки, жизни рядом с природой, в гармонии с ней.
Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881
Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881 © Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, WilliamstownНатюрморт в творчестве импрессионистов занимал не главную роль, но, тем не менее, встречается почти у всех художников этого направления. Ренуар — не исключение, за жизнь он написал 1880 натюрмортов!
Фруктово-овощные миксы Ренуара не всегда реалистичны с точки зрения гастрономической совместимости, но всегда восхитительны по цвету, свету и «вкусу». Он писал натюрморты сразу по окончании очередного портрета, чтобы отдохнуть и перезагрузиться, отчасти поэтому все они такие очаровательные и легкие. Натюрморт «Лук» прост и аскетичен. Шесть луковиц и две головки чеснока выписаны мастерски, текстура всех предметов выписана виртуозно, круглые луковые бока кажутся лакированными. Несмотря на простоту, в натюрморте ощущается жар и яркость Средиземноморья — картина была написана Ренуаров во время путешествия по Италии.
Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918
Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 © Государственный Русский музейТрудно представить, что душевное и колористически щедрое, светоносное искусство Кустодиева сохранило свои удивительные качества даже в ту пору, когда болезнь лишила его возможности двигаться. Но художника, по его же словам, спасала «чудесная страна воспоминаний» — сюжеты и люди уже ушедшей, но не утратившей свой терпкий аромат жизни. «Купчиха за чаем», написанная Кустодиевым в голодном Петрограде 1918 года — замечательный и характерный пример такого образного воспоминания о пышных красавицах, о теплых лазоревых вечерах, о ритуалах торжественных чаепитий, о жизни такой прекрасной в ее неторопливости и размеренности.
В этом натюрморте Кустодиева всего в избытке, всего вдосталь, но эта избыточность не кажется вульгарной. Мраморные плечи дородной купчихи, огромный сверкающим самовар, очевидно пышущий жаром, истекающий сахарным соком арбуз соседствует на столе с выпечкой и фруктами, кот, ластящийся к хозяйке, — это не лубок, а воплощенная на холсте мечта. Мечта о жизни, которая могла бы быть такой.
Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918
Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918© Государственный Русский музей
Предметный мир натюрмортов Петрова-Водкина, как некая внутренняя вселенная, очень точно показывает настроение окружающего мира. Глядя на неодушевленные предметы, лежащие на столе (единственным «живым» персонажем картины является собака, но ее замечаешь в последнюю очередь), сразу чувствуешь настроение этого утра. Кажется, за столом кто-то только что сидел и отошел на минуту, оставил недопитый стакан с чаем, не притронулся к еде. Впереди целый летний день, в котором, возможно, будет небольшое путешествие, может быть даже приключение — на столе мы видим фонарик и спички. Верный пес не отходит от стола, в ожидании хозяина и, возможно, какого-то лакомства.
Возможно, за границами этого идиллического фрагмента, находится что-то более суровое, не видимое нам, и можно бесконечно фантазировать на тему предполагаемых событий этого летнего дня, очевидно лишь то, как мастерски Петров-Водкин простым языком вещей смог рассказать жизнь, со всеми ее радостями и тревогами.
Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923
Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923 © Музей изобразительных искусств, Нижний ТагилЗинаида Серебрякова — одна из первых и наиболее любимых публикой в России профессиональных художниц, мирискусница «новой волны». В своем творчестве она создала множество обаятельных и милых женских и детских образов, много рисовала мужа, себя, детей, передавая атмосферу своего дома и теплоту домашней обстановки. Почти все семейные портреты представлены как жанровые сцены, в которых большую роль играет натюрморт. «На кухне» — не исключение.
Самое сложное в детском портрете — не скатиться в кукольность и сентиментальность. Серебряковой удалось избежать этого, дети на ее картинах не играют какую-то определенную роль, навязанную взрослыми, а живут своей важной жизнью, в которой множество разных серьезных и интересны дел. Именно так изображена на картине и младшая дочь художницы, Катя. Привычный быт здесь возведен в ранг красоты и гармонии, все настолько пронизано любовью и теплом, что даже рыбины на переднем плане не кажутся холодными. То, с какой почти идеализированной реалистичностью выписаны все детали натюрморта, говорит нам: в домашнем, семейном кругу не бывает неважных мелочей, все значимо и ценно.
Также читайте в журнале:
Моне, Климт, Ренуар и другие: самые красивые сады в живописи
От Брейгеля до Кустодиева: Нарушители социальной дистанции в искусстве
10 малоизвестных течений современного искусства: Египетский сюрреализм, Негритюд, AfriCOBRA
Однажды летним днем
Знойное или дождливое, но непременно яркое. Лето требует от палитры художников всех оттенков зеленого и всех цветов радуги для россыпи полевых цветов, да и самой радуги, что рассекает небо после теплого ливня. О красках лета и солнечных полотнах — Наталья Летникова.
Василий Поленов. Московский дворик. 1878
Москва, Дурновский переулок в районе старого Арбата. Московский дворик более века назад. Трава вместо асфальта, лошадь с телегой вместо машин, маленькие домики вместо махин из стекла и бетона. Таким увидел город ХIХ века художник Василий Поленов из окна своего дома. Столетие спустя от пейзажа, что принес славу художнику, осталась лишь зелень деревьев, солнечные блики, купола храма Спаса на Песках и воспоминания о некогда почти провинциальном укладе ныне столичного мегаполиса.
Алексей Венецианов. Жнецы. 1825
Лето трудовое, крестьянское. Сельская жизнь — излюбленная тема Алексея Венецианова. Своих жнецов живописец увидел, прогуливаясь по полям. Мать и сын из деревни Тверской губернии, где жил художник, — Анна Степанова и Захарка — оставили серпы и завороженно наблюдают за бабочками. Спокойные и умиротворенные — за миром ярким и радостным. Слишком «прост» и «безыскусен» — говорили о пейзаже художника современники из Академии художеств, а сам автор подарил полотно императору Александру I.
Александр Герасимов. После дождя. 1935
Мокрый эффект. Пейзаж, натюрморт и жанровая сценка, которая еще секунду назад была наполнена обитателями деревянного дома. Скамейка опустела, едва хлынул летний дождь. Сад и терраса блестят от капель и солнечных бликов. Александр Герасимов увидел эту мокрую террасу, приехав к родителям в город Козлов. Уже будучи знаменитым мастером, писавшим портреты Ленина и Сталина, уловил момент торжества природы, напоенной влагой в жаркий солнечный день. Эта картина стала любимой для художника.
Николай Мещерин. Перед рассветом. 1905
Летний луг… в синих оттенках. Картина вполне реалистичная, если это предрассветный час, причудливо упали тени и разыгралось воображение художника. Выходец из купеческой семьи Николай Мещерин — самоучка. Приобщался к живописи, глядя на работу других. Или наоборот. Левитан разглядел деревенские сараи именно на этюдах Мещерина, воскликнув: «Замечательный мотив!» И русские мотивы художника без внимания не остались.
Архип Куинджи. Березовая роща. 1879
Певец просторов, Архип Куинджи несет в пейзаже восторженное чувство красоты и света. «Иллюзия света была его богом», — писал о художнике Илья Репин. А сам Куинджи смело делил мир на контрастные цвета — как на полотне «Березовая роща», которое художник представлял на выставке одной картины. Соседство света и тени, необычные оттенки, к примеру отдающий зеленью ручей, превращают привычный пейзаж средней полосы в картину сказочную — мира нереального.
Константин Коровин. Крым. Гурзуф. 1917
Читайте также:
Дачник с мольбертом и пестрые краски крымского пейзажа. Летние впечатления русского импрессиониста Константина Коровина вылились не в одно полотно. Художник, отдыхая в Гурзуфе, посвятил Крыму целую серию картин. «На краю террасы в больших ящиках росли высокие олеандры, и розовый цвет их на фоне синего моря веселил берега гор»… В «чудесном доме» Коровина рождались чудесные полотна. На которых смешивались не только краски, но и запахи цветов, свежести моря и величавых гор. Летняя мечта.
Цветочные натюрморты европейских художников
Источник: Привалова
Цветочные натюрморты европейских художников
Идея воздействовать на психологическoе состояние людей через магию красоты картин художников и сочетания цветов не нова, ведь в самой природе искусства заключена огромная целительная сила, как отражение всеобщей гармонии мира.
(John E. Nicholls,1885 — 1955)
В чем же секрет оздоравливающего воздействия картин художников?
(John E. Nicholls,1885 — 1955)
Как известно, психологическое состояние человека теснейшим образом связано с его физическим здоровьем.
Процесс созерцания картины художников — это приобщение к Прекрасному, процесс эстетического воздействия на человека, призванный и способный пробудить его воображение, создать особый мир красоты в его душе.
(Harold Clayton,1896-1979)
Исследования показывают, что с помощью воображения можно привести в норму функционирование вегетативной нервной системы и непосредственно влиять на иммунитет.
(Harold Clayton,1896-1979)
Установлено, что сильные позитивные эмоции вызывают картины художников, где изображены прекрасные цветы.
(Gerald Cooper, 1899-1975)
Картины художников с яркими красками помогают справиться с депрессией.
(Gerald Cooper, 1899-1975)
Натюрморт – жанр живописи, в котором изображаются неодушевленные предметы. В переводе с французского означает «мертвая природа». Почтительное отношение к нему сохранилось в английском и голландском вариантах названия.
(Gerald Cooper, 1899-1975)
Вместо слова «натюрморт» англичане используют словосочетание «still life» (спокойная жизнь), а голландцы — «stilleven» (остановившаяся или замерзшая жизнь).
Наибольшее распространение в живописи получили натюрморт с фруктами, голландский натюрморт, натюрморт с цветами.
Цветы, даже единичные, всегда особо оживляли картины художников. А в прекрасных букетах отражается радостная гармония цветущего мира природы.
Эта энергия радости и любви находит отклик в сердце каждого, грея душу приятными нотками воспоминаний.
Цветы в натюрмортах зачастую органично соседствуют с изображением плодов, — это мир красоты форм, говорящий языком красок и сочетанием цветов о богатстве и щедрости природы.
В своих картинах художники стараются передать фактуру и цветовую гамму предметов как можно точней и естественней, добавляя акцент роскоши и пышности, скомпоновывая их с художественным смыслом.
Натюрморт с цветами – король всех натюрмортов, и это неудивительно: никто не сможет устоять перед магией красоты цветов!
Натюрморт — это? Натюрморты известных художников
Что такое натюрморт?
Какая это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.
Блез Паскаль
И правда, задерживал ли Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну… разве что, когда был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом — особая магия натюрморта.
В переводе с французского языка натюрморт означает «мертвая природа» (nature morte). Однако это лишь дословный перевод.
На самом деле натюрморт — это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов, мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней Греции и Древнего Рима.
Натюрморт (фреска из Помпей) 63-79 г., Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.
Когда в гости к римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт из гробницы Вестория Приска в Помпеях.
В центре композиции — сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для вина.
Однако натюрморт — это не только фрукты, овощи и цветы, но и… человеческий череп, призванный отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.
Выдающийся пример — аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды, где рядом с черепом изображена трубка — символ неуловимости земных наслаждений, стеклянный сосуд — отражение хрупкости жизни, ключи — символ власти домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в которой едва теплятся угли, значит ее угасание.
Суета сует. Ванитас, 1628, Виллем Клас Хеда.
Виллема Хеду по праву называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи, посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых современников художника.
Невероятно, насколько точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца — таинственность, поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.
Натюрморты известных художников
Натюрмортом часто увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных произведениях я расскажу Тебе дальше.
Пабло Пикассо — самый дорогой художник мира
Уникальный и неподражаемый — именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в. Пабло Пикассо. Каждая работа автора — тандем оригинального замысла и гениальности.
Натюрморт с букетом цветов, 1908 г.
Натюрморт с луковицами, 1908 г.
Кроме традиционно совершенных реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом. Художник раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.
И хотя искусствоведы не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат самым богатым коллекционерам мира.
Гитара и ноты, 1918 г.
Эксцентричный Винсент Ван Гог
Наряду со знаменитой «Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом творчества Ван Гога. Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле к приезду друга Поля Гогена.
«Небеса — восхитительного голубого цвета. Солнечные лучи — бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского… Я не могу написать что-то столь прекрасное…» — обреченно говорил Ван Гог. Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество раз.
Ваза с 12 подсолнухами, 1889 г.
Несчастная любовь, бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».
Натюрморт с красными маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г.
Ирисы. Сен-Реми, май 1890 г.
Всеохватывающие натюрморты Поля Сезанна
«Я хочу вернуть природе вечность», — любил повторять великий французский художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.
Стремясь показать предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом, словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты — сбоку, ящик в столе — снизу, а кувшин — с разных сторон одновременно.
Персики и груши, 1895 г.
Натюрморт с вишнями и персиками, 1883-1887 гг.
Натюрморты современных художников
Палитра цветов и самых разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими картинами талантливых современников?
Британец Сесил Кеннеди
От картин этого художника невозможно оторвать взгляд — настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется, я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?
Сесила Кеннеди по праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.
Бельгийский художник Джулиан Стапперс
Сведения о жизни бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его картинах. Жизнерадостные натюрморты художника — в коллекциях самых богатых людей мира.
Грегори Ван Раальте
Современный американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес, листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.
Талантливый художник живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.
Иранский художник Али Акбар Садехи
Ali Akbar Sadeghi — один из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с иконописью и искусством витража.
Натюрморты современных украинских художников
Что ни говори, а в украинских мастеров кисти — свое, уникальное видение его величества натюрморта. И сейчас я Тебе это докажу.
Сергей Шаповалов
Картины Сергея Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом, добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка Новгородковского района Кировоградской области.
Сергей Шаповалов – заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.
Игорь Деркачев
Украинский художник Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас. Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю. Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.
Картины художника пронзены теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через картины автора передается и всем поклонникам его творчества.
Виктор Довбенко
По словам автора, его натюрморты — зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах — неповторимый летний аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.
Читай также:
Заметили орфографическую ошибку? Выделите её мышкой и нажмите Ctrl+Enter
Неожиданные натюрморты — История красоты — LiveJournal
Ну, что, еще картиночки посмотрим?Неожиданные натюрморты — это потому, что мы ожидаем обычно совсем других сюжетов от их авторов. Традиционно эти художники работали в совершенно иных жанрах, предпочитая пейзаж, портрет или жанровую живопись. Лишь изредка им что-то взбредало в голову и они восклицали: «А рисану-ка я эту вазочку с туберозой!». Правда, случалось это крайне редко. Так редко, что мне пришлось полдня рыться в источниках, чтобы разыскать их натюрморты.
НАЧНЕМ С НАШИХ:
Марк Шагал «Белые цветы на красном фоне». 1970. У Марка всего пара-тройка натюрмортов, написанных в уже зрелом возрасте, и то он, привыкший к изображению человечески-животных фантасмагорий, ни в одном из них не удержался — хоть кусочек людской физиономии, хоть где-то с краюшку, да вставит.
Я вот, например, очень люблю натюрморты, а большинство художников — нет. Как-то не солидно это маститому творцу, все студенты изучают азы рисования с постановочных натюрмортов.
Особенно непопулярным был натюрморт во второй половине 19 века, в наибольшей степени — у импрессионистов, еще его недолюбливали наши передвижники. У некоторых из них я не нашла ни одного натюрморта. Нет таких работ и, например, у Нестерова, Куинджи, Айвазовского, Перова, Григория Мясоедова (кто найдет, подскажите, добавлю).
Виктор Васнецов «Букет». Сказочный или былинный сюжет — пожалуйста, Киевский Владимирский собор расписать легко, а вот с натюрмортами у художника не густо. Однако они есть!
Конечно, и среди импрессионистов есть исключения — очень любил натюрморты Сезанн, хоть он и не считал себя импрессионистом. «Оторвались» на натюрмортах постимпрессионисты — Ван-Гог и Матисс (перечисленных я не буду здесь освещать — мы охотимся за редкими работами «нелюбителей» натюрморта). Но, в основном, представители этих направлений это цветочно-фруктовое дело недолюбливали — буржуазно и патриархально, без любимого пленэра — скукота! Даже Берта Моризо — единственная девчонка среди импрессионистов, и та не любила этот немного «девчоночий» жанр.
Илья Репин «Яблоки и листья», 1879. Натюрморт — не типично для Репина. Даже здесь композиция не похожа на классическую постановку — все это может валяться где-то на земле под деревом, никаких бокалов и драпировок.
Не всегда натюрморт переживал плохие времена. Он начал появляться в 16 веке, пока как часть жанровых живописных полотен, а в 17 веке, благодаря голландцам, перерос в самостоятельный жанр живописи. Очень популярен был в 18 и в первой половине 19 века, а потом, благодаря новаторским движениям в искусстве, популярность стала падать. Возрождение моды на натюрморт началось примерно в 20-х годах 20 века. Многие художники-представители современного искусства опять взялись за вазы и персики, но это уже были новые формы. Конечно, полностью жанр никогда не умирал, и сществовала (и сейчас существует) целая плеяда художников-натюрмортистов. Мы будем болтать об этом потом, а пока я умолкаю, только кое-что буду комментировать, а вы просто посмотрите редкие натюрморты авторов, которые писали их лишь изредка:
Валентин Серов «Сирень в вазе», 1887.
На его известных работах можно видеть только кусочек натюрморта — персики перед девочкой. Проникновеннейшему портретисту, видно, скучно было писать цветы и трупики птичек.
Исаак Левитан. «Лесные фиалки и незабудки», 1889. Гений русского пейзажа иногда писал и чудесные натюрморты. Но очень редко! Есть еще кувшин с одуванчиками — прелестный!
Василий Суриков «Букет».
Автор «Утра стрелецкой казни» любил размах и драматизм. Но сохранилось и это — немного наивные и очаровательные розочки.
Борис Кустодиев. «Натюрморт с фазанами«, 1915. Нередко в его работах присутствуют огромные натюрморты — он рисовал купчих и румяных мужичков за столами, буквально ломящимися от яств. Да и вообще его жизнерадостные яркие полотна похожи на натюрморт, даже если это портрет, но вот отдельных изображений не купчихи, а ее завтрака, встречается немного.
Виктор Борисов-Мусатов «Сирень», 1902.
Мне очень нравятся его самобытные плотна, ни на чьи больше не похожие. Его всегда можно узнать, и в этом натюрморте — тоже.
Михаил Врубель «Цветы в синей вазе», 1886
Какой талант! Как до обидного мало успел! Цветы тоже шикарны, как и демоны.
Василий Тропинин «Дупель и снегирь», 1820-е.
Крепостной художник, похоже, относился к жанру натюрморта без особого почтения, и поэтому почти никогда его не рисовал. То, что вы видите — даже не полноценное полотно, а этюд.
Казимир Малевич. «Натюрморт». А вы думали, и яблоки у него квадратные?
Иван Крамской «Букет цветов. Флоксы», 1884
Прямо на дачу захотелось — у меня там тоже летом были флоксы.
Василий Кандинский «Рыба на голубой тарелке». Еще не полностью все в закорючках, на картине прослеживаются глаза и даже рот, и они даже рядом!
Натан Альтман «Мимоза», 1927
Мне нравится. Что-то в этом есть.
Иван Шишкин, 1855.
А где же мишки и лес?!
Еще хотела Петрова-Водкина вставить, но у него довольно много натюрмортов, как казалось. И у Машкова, Лентулова, Кончаловского, так что они для этого поста не подходят.
ЗАГРАНИЧНЫЕ:
Эгон Шиле «Натюрморт», 1918
А вы думали, он только голых несовершеннолетних рисовать умел?
Альфред Сислей. «Натюрморт с цаплей». Мертвые птички — драма в быту.
Еще Сислей. Ну, люблю я его!
Гюстав Курбе. Яблоки и гранаты на блюде. 1871
Эдгар Дега «Женщина, сидящая у вазы с цветами», 1865
Не смотря на название, женщина занимает процентов 30 площади полотна, поэтому сочла это за натюрморт. А вообще, Дега намного больше цветов любил рисовать людей. Особенно балерин.
Эжен Делакруа. «Букет».
Ну, слава тебе Господи, никто никого не ест и ни в кого не стреляет!
Теодор Жерико «Натюрморт с тремя черепами»
Вообще, Жерико как-то подозрительно любил синие трупы и всяческую «расчлененку». И натюрморт у него соответствующий.
Камиль Писсарро «Натюрморт с яблоками и кувшином», 1872
Клод Моне «Натюрморт с грушами и виноградом», 1867.
Были у него натюрморты, были, но относительно немного.
Огюст Ренуар «Натюрморт с большой цветочной вазой», 1866
У него, по сравнением с остальными, здесь представленными, довольно много натюрмортов. И каких! Кто-то из его современников сказал, что у него отсутствуют грустные работы, и я его обожаю, поэтому сюда впихнула. А еще потому, что его натюрморты все-таки мало известны, намного меньше, чем все эти купальщицы и т.п.
А это знаете кто?! Пабло Пикассо! 1919 год.
Пабло был удивительно продуктивен! Огромное число картин! И среди них натюрморты занимают намного меньший процент, чем все остальное, да и то они были в основном «кубистические». Именно поэтому он попал в подборку. Чтобы вы поняли, насколько это был чокнутый (но, безусловно, талантливый!) и непостоянный человек, посмотрите на картину ниже. Это тоже он, и в тот же год!
Пабло Пикассо «Натюрморт на комоде», 1919
цветочно-фруктовые, рыбные, охотничьи натюрморты. Картины знаменитых художников из Голландии
Голландские натюрморты, созданные в XVI-XVIII веках, представляют собой зашифрованные послания от автора к зрителю. Изображенные на них предметы — это символы, которые были понятны современникам, но не всегда угадываются сейчас. И все же многие знаки известны нам благодаря сохранившимся эмблематическим сборникам XVIII столетия. Изучение голландских натюрмортов дает понять, насколько глубокий смысл в них вкладывался. Каждая картина, если прочитать ее правильно, превращается в нравственный урок.
Натюрморты в Голландии заменили иконы жителям протестантских стран, где были запрещены изображения святых. Картины с цветами, фруктами, посудой, дичью и вином напоминают о бренности земного мира, проповедуют умеренную и праведную жизнь. Постепенно традиция распространилась и в католической Фландрии, а позже — во Франции. Какие знаки использовали живописцы, чтобы передать этот смысл?
Голландские натюрморты с цветами
Голландские натюрморты с цветами появились раньше других. В основе их символики лежит язык цветов, сложившийся еще в эпоху Готики и Возрождения. Значение того или иного растения было понятно каждому образованному дворянину. Сложность состояла в том, что многие цветы обладали несколькими значениями, иногда почти противоположными.
Например, нарцисс был одним из символов Богоматери, но также мог означать самовлюбленность, как в древнегреческом мифе. То же самое с тюльпанами: они символизируют и обращение Богоматери к Христу, и расточительную страсть богатых голландцев к коллекционированию луковиц. В итоге один и тот же натюрморт может читаться по-разному.
Классический натюрморт с цветами писали в соответствии со сложившейся «иконографией». Внизу изображали увядшие соцветия и осыпавшиеся лепестки, как метафору бренности. Земное несовершенство могли также обозначать мухи или пустые раковины. В центре размещали цветы, означавшие скромность и душевную чистоту, обычно полевые: ландыши, незабудки или фиалки. По краям их окружают пышные розы, гвоздики или анемоны как символ греховного тщеславия и стремления к роскоши. Наверху или в центре изображается самый красивый цветок — знак добродетели и надежды на спасение.
Ваза означает хрупкость, когда она стеклянная, или человеческое тело как сосуд души. Если в верхней части картины порхает бабочка, стрекоза или птичка, — это символ бессмертной души.
Голландские натюрморты с накрытым столом
Еще один популярный тип голландского натюрморта — это сервировка стола. Разнообразные фрукты, морепродукты, напитки и другие предметы — все это имело свое значение. Вот небольшой список «съедобных» символов:
- спелые плоды — богатство и процветание;
- земляника — знак добродетели и трудолюбия;
- гроздь винограда и гранат — жертва Христа;
- лимон — предательство или разочарование;
- яблоко — напоминание о грехопадении;
- ветчина — чревоугодие;
- устрицы — мирские соблазны и прелюбодеяние;
- хлеб и вино — таинство причастия;
- сельдь — символ Христа и постной пищи;
- пшеничные колосья — знак возрождения и обновления.
Часто на натюрмортах появляется высокий стеклянный сосуд — он символизирует хрупкость человеческой жизни. Если бокал наполнен наполовину — это призыв к умеренности, а пустой означает смерть. Бутылка символизирует пьянство, нож — предательство, а серебряная посуда — богатство.
Иногда разнообразная снедь на картине воплощает четыре стихии:
- воздух — живая или битая птица, бабочки и стрекозы;
- вода — рыба и моллюски;
- земля — фрукты, овощи и злаки;
- огонь — солнечный свет или хлеб.
Главная мораль голландских натюрмортов состоит в напоминании о смерти и вечной жизни, но каждый мастер воплощает эту идею по-своему. Зритель, рассматривая картину, включается в культурную игру и пытается разгадать все ее смыслы. В этом один из секретов популярности голландского искусства.
Если вы хотите купить старинную картину для своей коллекции, найти ее поможет сайт Very Important Lot! Здесь регулярно проводятся аукционы, на которых можно приобрести редкие произведения искусства русских или зарубежных мастеров.
картин известных художников-натюрмортов
Ваша корзина пуста. Начните просматривать наши самые популярные картины:Посмотреть все самые популярные картины .
Цветочных натюрмортов известных художников
Ваша корзина пуста. Начните просматривать наши самые популярные картины:Посмотреть все самые популярные картины .
Желтых картин известных художников
Почему мы так любим желтые картины?
Почему люди так любят желтые картины? Почему мы так любим художников, любивших желтый? Желтый цвет так поднимает настроение, а желтые картины, такие как серия Винсента Ван Гога о подсолнухах, действительно поднимают нам настроение, но вы когда-нибудь задумывались об истории желтой живописи? Сколько всего желтых или почти всех желтых картин вы можете придумать? Я нашел довольно много, но Винсент Ван Гог с его картинами подсолнечника оказался одним из первых художников, рисовавших желтым цветом, который использовал цвет не только для описания объекта — в данном случае желтые цветы в желтой вазе — но также использовал желтый для влияют на наши эмоции и изменяют настроение.
В конце девятнадцатого века желтый стал цветом разврата, он символизировал скандал и полумонд. Желтый использовался как для провокации, так и для шока.
Позже художники пошли дальше и стали рисовать картины о желтом — о самом желтом цвете, а не о простом использовании цвета для описания объекта.
Что означает желтый и что он значил для художников на протяжении веков? Это не тезис, а скорее первые размышления о желтой, желтой краске и картинах художников, которые все или почти все желтые.
Давайте внесем немного солнечного света в нашу жизнь с желтыми картинами!
Старые мастера любили желтый
Но являются ли полностью желтые картины чем-то новым?
Хотя в прошлом были картины с преобладанием желтого цвета, я не смог придумать или найти какие-либо образцы полностью желтых картин до постимпрессионистов в общепринятой истории западного искусства. (Если вам что-то известно, оставьте комментарий в поле в конце статьи).
Такие художники, как Рембрандт, Шарден, Вермеер и Питер Брейгель, все рисовали картины преимущественно желтого цвета, но они противопоставляли желтый цвет синему или темному светотени. Хотя эти картины в основном желтые, на самом деле они не совсем желтые — если вы понимаете, о чем я. Они, как правило, связаны с желтыми «предметами», например, спелой кукурузой или золотом, или же происходят в темных помещениях, освещенных проникающими лучами солнца или свечей.
Картины о цветах, где сам цвет имеет значение или даже предмет, кажутся современным явлением.
В прошлом были художники, любившие желтый, Брейгель Рембрандт, Вермеер. Так что же произошло в конце 19 века, заставив художников бегать за солнечным цветом?
Это история желтого цвета в красках и картинках.
Питер Брейгель Харвестеры — ранний образец желтой картины
Питер Брейгель Старший (около 1525 — 9 сентября 1569) был фламандским художником, известным своими пейзажами и крестьянскими сценами с немного комическим оттенком.
Брейгель жил на пике Ренессанса, когда светская жизнь выходила на первый план, и католическая церковь была брошена под сомнение протестантизмом.Его жанровые картины были необычными для того времени — раньше художники создавали в основном портреты для богатых или религиозных деятелей и часто совмещали их. Брейгель, однако, смотрел на обычных людей вокруг себя, и он получил имя «Крестьянин Брейгель».
Он любил рисовать праздники и церемонии деревенской жизни, свадьбы, обеды, танцы, игры и, как на картине ниже, время сбора урожая. «Комбайны» Питера Брейгеля были ранним примером картины, преимущественно желтой.
«Урожай сена» — часть серии из шести картин, иллюстрирующих месяцы года. Он был заказан антверпенским купцом Никлаесом Йонгелинком. картина открывает новые горизонты в отсутствии религиозного сюжета и нереализованном стиле. Желтый цвет, конечно, случаен, поскольку на картине изображено поле спелой кукурузы.
Ваза с пятнадцатью подсолнухами — Ван Гог — Ван Гог был художником, который любил желтые картины.
Когда я впервые подумал о цвете и рисовании преимущественно или исключительно в один цвет, мне в голову пришли картины Ван Гога с подсолнухами.Был ли он первым художником, нарисовавшим желтый цвет? Нет, но насколько я помню, он был одним из первых западных художников, написавших почти монохромные картины желтым цветом. На этой картине с изображением вазы с подсолнухами присутствуют штрихи зеленого и крошечные пятна оранжевого, но в основном это желто-желтый фон, желтый передний план, желтые подсолнухи и желтая ваза. И Ван Гог был не один. Примерно в то же время другие художники изучали желтый цвет и экспериментировали с монохромным.
Эта полностью желтая картина с подсолнухами была не первой монохромной желтой картиной Ван Гога.В 1887 году он написал картину «Айва, лимоны, груши и виноград», где художник даже нарисовал желтую раму, как часть своей «гармонии в желтом».
В более поздних работах Ван Гога желтого цвета использовалось меньше, но на его похоронах, состоявшихся 30 июля 1890 года, его тело, разложенное в «комнате художника», было окружено множеством подсолнечника, георгинов и других желтых цветов.
Желтый дом в Арле, Франция
Что для него значит желтый?
Желтый дом — это дом, который Ван Гог арендовал в 1888 году, чтобы разделить его с другим известным художником-постимпрессионистом Полем Гогеном.Именно здесь Ван Гог надеялся основать свою долгожданную «Студию Юга», где он и художники-единомышленники могли работать вместе. Гоген приехал в гости на девять насыщенных событиями и судьбоносных недель — но это уже другая история.
Именно в этом доме Ван Гог написал свои подсолнухи. Он работал лихорадочно, так как цветы быстро увядали — работая целый день и каждый день, чтобы написать свою серию из двенадцати картин. Этим он украсил спальню, в которой спал Гоген.
Адрес Желтого дома был 2, Place Lamartine, Arles, на юге Франции, и он состоял из четырех комнат, две на первом этаже, которые стали его ателье и кухней, и двух меньших, на первом этаже, которые выходили на площадь. Ламартин.
Это изображение не полностью желтое. Сам художник описал его как «дом и его закат под серным солнцем под чистым кобальтовым небом». Желтый и синий — сочетание цветов, повторяющееся на протяжении всей истории искусства.
Ван Гог отходил от использования местного цвета (цвета, который мы видим) объектов и вместо этого использовал цвет для выражения эмоций. Он сказал: «Вместо того, чтобы пытаться точно передать то, что я вижу перед собой, я более произвольно использую цвет, чтобы выразить себя более убедительно».
Первоначальное название этой картины на французском языке: La Maison et son entourage , позже переименованное художником La Rue )
Все началось в 1854 году, когда Конвенция Канагавы открыла торговлю между Японией и Европой, и наступил период Мэйдзи (1868-1912), который вызвал поток японских эфемеров и вылил их на Запад, дав художникам альтернативный путь. смотреть на мир. Этот новый мир был полон ярких цветов, великолепной каллиграфии, плоских и плавающих изображений, полных узоров и украшений, линейных, легких и лиричных.Такие художники, как Моне, Мане, Дега и Ван Гог, приняли восточные взгляды на мир, а также умопомрачительные новые технологические изобретения электричества, энергии пара, железных конструкций, печати и фотографии. Информация о Ван Гоге и японском сериале Википедия
Это был великолепный новый мир.
Ван Гог интересовался цветом, теориями цвета, он изучал теорию цвета Делакруа в то же самое время, когда он начал собирать гравюры укиё-э.В частности, одна гравюра, Куртизанка, вдохновила его нарисовать Желтый дом
.Информация о японизме Википедия
Поль Гоген — Желтый Христос — Ван Гог нарисовал серию подсолнухов для украшения комнаты Гогена в Арле
Поль Гоген (1848–1903) был современником Ван Гога и также принадлежал к группе постимпрессионистов. Как и Ван Гог, он интересовался символикой цвета и силой цвета воздействовать на зрителя.
Обри Бердсли и «Желтая книга» — желтый был скандальным цветом
«Желтая книга» — печально известное периодическое издание, иллюстрированное столь же печально известным и «развратным» художником Обри Бердсли.
В некотором смысле это немного обман, потому что Бердсли рисовал черным по белому, но я хотел включить «Желтую книгу», потому что она была центром внимания художников, писателей и мыслителей, которые объединились во время «Прекрасной эпохи». Оскар Уайльд был одним из главных деятелей, связанных с Желтой книгой. Посмотрите его стихотворение о желтом ниже. Желтый цвет был выбран из-за того, что он ассоциируется с декором печально известного и модного до-викторианского Регентства, а также с французским романом с характерными желтыми обложками.В Британии эти романы вызвали ужас, особенно их влияние на женщин. Тематика часто включала драматическое, гротескное и реалистичное эротическое изображение. Эти книги в желтых обложках были полны сюжетных линий, охватывающих страсти, супружескую измену, преступления и двоеженство — все предметы, которые считались неподходящими для женского ума! Мужчинам не нравилась откровенная сексуальность героинь французских романов — женщинам нравилась «Тереза Ракен» Золя. Действительно, согласно британскому медицинскому журналу «Ланцет», французские романы несут ответственность за такие социальные «болезни», как лесбиянство.
Желтая книга дала начало названию «желтых» 1890-х годов. Первыми участниками были известные и консервативные авторы, включая Уолтера Крейна, Фредерика Лейтона, Эдмунда Госсе и Генри Джеймса. Действительно, Ричард Ле Галлиен, поэт, который был тесно связан с «Новой литературой декаданса», считал, что, если не считать рисунков Бердсли, это совсем не шокирует.
Хотя Оскар Уайльд ничего не опубликовал в книге, Бердслей иллюстрировал «Саломею» Уайльда, и Уайльд также был связан с другими авторами.Оскар Уайльд также указал на «желтую книгу» как на развращающее влияние на Дориана Грея, главного героя «Портрета Дориана Грея» (1891). В данном случае рассматриваемая «желтая книга» была сочтена «Ребурсом» Йориса-Карла Гюисманса, восхитительно декадентской книгой, которую я любил во время моих дней в художественной школе.
В приятной манере Винсент Ван Гог на одной из своих желтых картин «Парижский роман (желтые книги) показал стопку этих рискованных желтых книг», тем самым связав Ван Гога с английским эстетическим движением через желтый цвет.
См. Ниже стихотворение Оскара Уайльда «Симфония в желтом».
Джорджия О’Киф — Желтый кактус — Мать американского модернизма
Джорджия Тотто О’Кифф (1887–1986) была американским художником, прославившимся своими крупномасштабными картинами цветов крупным планом. Цветы, увиденные таким образом, превратились в почти абстрактные формы, а ее холсты превратились в одноцветные очерки. Она считается предшественницей художников цветного поля — см. Ротко ниже.
Марк Ротко «Желтый и золотой» — один из первых художников, написавших картины о желтом
Марк Ротко (1903-1970) был американским художником, которого обычно классифицируют как абстрактного экспрессиониста, и он также является частью группы американского цветового поля художники.
Эти картины были одними из первых, которые имели цвет около . Ротко размещал цветные прямоугольники на цветном фоне, создавая простые, но мощные изображения. Эта картина состоит из трех прямоугольников оттенков желтого и темно-красного / охры на желтом фоне.
Значение желтого
Что именно означает желтый?
Значение цветов не является точной наукой, но есть некоторое согласие в том, что означает желтый цвет.
Положительные значения желтого — свет, яркость и солнечный свет.Желтый — это счастливый цвет, который вызывает улыбку на наших лицах, и маркетологи знают, что мы с большей вероятностью купим продукты в желтых упаковках, чем в любом другом цвете.
В психологии желтый — это цвет энтузиазма и веселья, а также беспокойства и склонности к критике себя и других.
Отрицательные значения желтого цвета — трусость и обман. Не зря старые ковбои называли своих врагов желтобрюхими!
Поцелуй Гюстава Климта
Один из самых любимых образов в истории искусства
Не все то золото, что блестит, но этот образ переливается желтым золотом.Богатая, стилизованная и изысканно декоративная, мы все полюбили картину Климта, австрийского художника-символиста, «Поцелуй», выполненную в период между 1908 и 1909 годами и основанную на органичном, линейном стиле модерна и элементах британского движения искусств и ремесел. Klimpt использовал масляную краску и слои сусального золота, чтобы добиться этого богатого эффекта.
Это второй желтый натюрморт, который я создал для своего небольшого художественного класса, который я веду в Лимузене, на юго-западе Франции, по рисованию желтым цветом. Первая была полностью желтой группировкой.В эту группу я включил белый цвет, чтобы немного изучить отраженный цвет. Основная задача заключалась в том, чтобы добиться темно-желтых тонов без создания мутного цвета.
На уроках рисования мы начали немного задумываться о цвете, о значении цвета, тона и цвета. Я выбрал желтый цвет довольно произвольно и подумал, смогу ли я найти в доме достаточно желтых вещей, чтобы сделать натюрморт желтым. Мне не о чем волноваться. Первое, что я обнаружил, это то, что бутылки и упаковка продукта желтые; видимо желтый продает.Людям нравится желтый. Зачем? Я изучил психологию и значение цвета и обнаружил несколько интересных фактов, которые я исследовал ниже.
Наша картина — желтый цвет — имела большой успех. Было использовано много желтой краски, и все хорошо провели время.
Давайте закончим стихотворением о желтом Оскара Уайльда, известного в «желтых 90-х».
Надеюсь, вам понравился этот короткий экскурс в искусство, художников и желтый цвет.
.Картины Винсента Ван Гога и полный каталог работ
Щелкните здесь, чтобы увидеть галерею картин Ван Гога
В период с ноября 1881 по июль 1890 года Винсент Ван Гог написал почти 900 картин. После своей смерти он стал одним из самых известных художников в мире. Картины Ван Гога захватили умы и сердца миллионов любителей искусства и сделали любителей искусства новичками в мире искусства. Следующие отрывки взяты из писем Ван Гога, в которых описывается его развитие как художника.Также есть ссылки на страницы, на которых подробно описаны некоторые из самых известных картин Винсента Ван Гога: «Звездная ночь», «Подсолнухи, ирисы, маки,« Спальня »,« Цветущий миндаль »,« Тутовое дерево »,« Ночное кафе »и« Едоки картофеля ».
В декабре 1881 года, в возрасте 28 лет, когда он начал свои первые картины, Винсент написал своему брату Тео о том, чтобы стать художником,
«Тео, я очень доволен своим ящиком для красок, и я думаю, что я его получаю. Теперь, когда я рисовал почти исключительно в течение по крайней мере года, лучше, чем если бы я начал с этого сразу … Ибо, Тео, моя настоящая карьера начинается с рисования.Вы не думаете, что я прав, если считаю это так?
Ван Гог работал в лихорадочном темпе, стоил ему денег, вызывая у него психическое и физическое напряжение и не оставляя времени для любого другого источника дохода. Но он был настойчив. В письме от марта 1882 года Ван Гог снова написал своему брату Тео,
: «Хотя я нахожусь в финансовых трудностях, у меня, тем не менее, есть ощущение, что нет ничего более прочного, чем« ремесло »в буквальном смысле слова« работа ». своими руками.Если бы вы стали художником, одна из вещей, которые вас удивили бы, — это то, что живопись и все, что с ней связано, — довольно тяжелая работа в физическом плане. Если не брать в расчет умственное напряжение, тяжелые мысли, это требует значительных физических усилий, причем день за днем ».
В том же письме к Тео от 1882 года Ван Гог пишет:
«Есть два способа думать о живописи: как не делать этого и как это делать: как это делать — с большим количеством рисунков и небольшим количеством цвета; как этого не делать — много цвета и мало рисунков.«
.