Как нарисовать мелодию: Как нарисовать моя Мелодия карандашом поэтапно

Рисуем музыку

«Рисуем музыку»

 

Этот урок состоит из нескольких разделов и все они направлены на развитие музыкальной памяти и слуха.

 

Занятие 1.

«Рисуем музыку»

 Такое упражнение очень полезно для развития внимания, памяти и музыкального слуха. Применять его можно в младших и более старших группах.

 Для такого творческого занятия потребуется карандаш, ластик и обычная бумага.

 Первое, что вы делаете – это выбираете подходящую песенку. Она не должна быть сложной, с обилием украшений или множеством куплетов. Это должна быть простая и знакомая всем детям мелодия, например «Маленькой елочке» или «Кузнечик».

 Все ребята чертят на своем листе ровную линию – это будет ход песни. Далее, все ученики вместе с учителем исполняют песню, можно петь ее с аккомпанементом или под фонограмму. Теперь, пропевая каждый слог, дети должны поставить точку. Первый звук располагается посередине, а вот следующие уже меняются. Если он выше – отметка должна располагаться выше, если ниже – то точку нужно поставить немного ниже, чем предыдущий звук.

 Можно упростить процесс и использовать не всю песню, а лишь один куплет. Точки проставлены, теперь остается лишь соединить их одной линией и полюбоваться полученным рисунком.

Конечно, такое задание очень трудное, особенно неподготовленным ребятам, но оно весьма эффективно для развития музыкального слуха и памяти.

Занятие 2.

«Музыкальное эхо»

Дети учатся различать динамику звуков, а также воспроизводить громкие и тихие ноты. Что для этого нужно? Учитель или воспитатель поет громко короткую фразу, путь это будет хорошо известная песенка, которая исполняется на каждом уроке, например «Гуси» или «Котик, котенька, коток». Можно и вовсе исполнять отдельные звуки. После того, как взрослый исполнил свою партию, наступает очередь учеников. Первая парта поет фразу также громко, как и учитель. Вторая – исполняет чуть тише, третья – еще тише и т.д.

 

Рисунок на тему рисуем песню. Как нарисовать карандашом музыкальные инструменты: пошаговая инструкция

Тема урока: «Можно ли нарисовать музыку?»

Возраст учащихся – 7-9 лет (1-2 класс художественного отделения детской школы искусств)

Цель: создание ассоциативной композиции по мотивам музыкальных произведений.

Задачи:

• научить учащихся приемам передачи настроения музыкального произведения через художественные средства изображения; грамотная организация плоскости листа;
• развивать у учащихся творческие способности, фантазию, образное и ассоциативное мышление;
• воспитывать у учащихся эстетический вкус, интерес к классической музыке; воспитывать внимательность, аккуратность при работе красками.

Материалы для учащихся: бумага формата А3, гуашь, кисти.

Зрительный ряд: репродукции работ В. Кандинского.

План урока:

1. Организационный момент
2. Беседа, прослушивание музыкальных пьес
3. Самостоятельная практическая работа учащихся
4. Подведение итогов урока, анализ работ

Ход урока

Дорогие ребята! Сегодня тема нашего занятия не очень обычная. Мы с вами будем пытаться нарисовать музыку.

Давайте разберемся: живопись и музыка – что может быть общего между ними? В чем разница? (Живопись мы видим, музыку мы не можем видеть – это абстрактное искусство, – но можем ее слышать. Музыка измеряется во времени, она звучит определенное время, а картину можно рассматривать бесконечно ).

И живопись, и музыка вызывают определенные чувства. Слушая музыку, мы можем представить какие-то образы, картины. Давайте послушаем музыку и попробуем представить, какой образ хотел передать композитор.

Повелко Елена играет пьесы: Майкапар «Дождик», Рубах «Воробей», Филипп «Колыбельная».

Что можно нарисовать, прослушав эту музыку? Почему мы каждый раз представляем себе разные картины?

У музыки может быть свое настроение, свой характер. При помощи чего мы можем передать настроение в рисунке? (При помощи цвета ).

А теперь другая мелодия.

Поломошнова Светлана играет «Адажио» Баха.

Цвет воздействует на человека определенным образом. Одни цвета успокаивают нервную систему человека (как вы думаете – какие?), другие возбуждают (какие?). Действие цвета обусловлено как непосредственным влиянием на организм человека, так и ассоциациями, которые вызывают цвета на основе предыдущего опыта человека. Восприятие цвета очень индивидуально.

Как же нам нарисовать музыку?

Художник Василий Кандинский сначала писал обычные картины, но как-то увидел свою картину, стоящую на боку. «В этом что-то есть, – подумал художник. – Почему бы не написать картину, где нет предметов, а только «хор красок». Он предположил, что цветные пятна и линии, расположенные в определенном порядке, вызовут сами по себе эмоции у зрителя. Он сравнивал себя с композитором и пытался писать картины как музыкальные произведения.

Рисунок 1

В музыке мелодические темы взаимодействуют, сталкиваются. В картинах Кандинского происходит то же самое. Цветные пятна спорят, сталкиваются, проникают друг в друга. Каждый цвет художник соотносил с звуком определенного инструмента. Например, желтый цвет, подобен звуку трубы, светло-синий – флейты, а темно-синий – виолончель. Звуки фортепиано он представлял фиолетовыми.

Рисунок 2

Рисунок 3

Рисунок 4

А теперь послушаем музыку, подумаем, какое у нее настроение, какими цветами можно ее передать.

Поломошнова Светлана играет «Поэму» Фибиха, «Вариации» Парцхаладзе.

Далее идет практическая работа. Ученики работают на листах формата А3. Во время практической работы можно еще раз проиграть музыкальные произведения. В конце занятия все работы вывешиваются на стенде. Каждый учащийся дает своей работе «музыкальное» название.

Нас ежедневно окружает огромное количество звуков. Это и звуки природы, и индустриальные шумы, и музыка. У каждого звука есть свой характер, своя громкость, свой темп и ритм, своё настроение. Есть звуки приятные нашему уху и звуки раздражающие. Я предлагаю вам релаксационное упражнение, которое поможет вам восстановить силы, успокоиться и расслабиться. Можете сделать его сами или предложить ребенку или даже группе детей.

Рисование музыки и релаксация

Выберите приятную мелодию, которая дарит вам спокойствие и умиротворение, найдите спокойное место, расслабьтесь и погрузитесь в музыку. Когда вы почувствуете единение с музыкой можно начинать рисовать. Лучше взять лист бумаги формата А3 для акварели. Лист можно смочить водой перед рисованием, и открыть краски.

Ваша рука с кистью должна следовать за музыкой. Каждый новый звук — это движение кисти, каждый новый инструмент — это новый цвет. Рука двигается изображая музыкальный рисунок, как бы продолжая звуки на бумаге. Будьте сосредоточены на звуках и в то же время расслаблены. Линии, штрихи и пятна будут выливаться из под вашей кисти как музыка выливается из динамика. Они могут быть прерывистыми или плавными, светлыми или темными, насыщенными или бледными. Все зависит от ваших чувств, вашего воображения, мироощущения и цветовосприятия. Когда работа будет закончена, посмотрите на неё целиком. Какие чувства она у вас вызывает? Какая часть картины наиболее приятная и почему? Если ваша картина получилась приятной и умиротворяющей, то вы можете повесить её на видное место и возвращаться к ней, когда вам тревожно или грустно.

Рисование музыки с детьми

Если вы предложили рисование музыки детям, то будьте готовы, что такое задание вначале может вызвать у них сложности. Прослушав музыку уточните какие чувства она вызывает у ребят, какой цвет, по их мнению, может изображать такие чувства. Какие движения характерны для такой музыки. Дети могут подвигаться под музыку или подвигать кистями в воздухе. Эти простые упражнения предадут им уверенности.

Во время работы обязательно хвалите детей и поддерживайте их, чтобы стимулировать поток ассоциаций, рожденных музыкой. Все ассоциативные упражнения достаточно трудны для детей, но они очень хорошо развивают их воображение и абстрактное мышление. Кроме того, такие задания способствуют развитию внимания, также ими можно заинтересовать и гиперактивных детей. Есть еще один важный момент: такие упражнения обучают детей слушать и воспринимать музыку, а также прислушиваться к своим чувствам и иллюстрировать их при помощи цвета и линии.

После окончания рисования работы обсуждаются. Похожими или разными они получились, какие чувства вызвала музыка, какие цвета, линии и формы были использованы для её изображения. Изменилось ли настроение ребят после выполнения задания.

Глинка «Жаворонок»

Чайковский «Подснежник»

Рахманинов «Испанская полька»

Штраус Увертюра «Маленькая мышь»

Моцарт «Турецкое рондо»

В этом разделе вы узнаете как нарисовать разные музыкальные инструменты карандашом поэтапно. Наши уроки подходят для разной степени подготовки. Мы собрали для вас несколько примеров уроков, вам остается выбрать понравившейся урок и приступить к рисованию музыкальных инструментjs. В итоге у вас будет легко и красиво нарисованные музыкальные инструменты карандашом по шагам. Приступайте прямо сейчас. Пишите комментарии под статьей, делитесь с друзьями.

Содержание уроков по рисованию музыкальных инструментов

Кликайте на нужный вариант, перейдете до него.

1 вариант — Как нарисовать простые музыкальные ноты поэтапно

Исходник

Давайте нарисуем ноты. Вы знаете названия этих нот?

ШАГ 1

Нарисуйте самый большой круг, рядом еще четыре круга одинакового размера. Примерно на одном уровне. Вверх проведите прямые вспомогательные линии. У третьей ноты нарисуйте изгибающуюся линию. У четвертой сверху нарисуйте четырехугольник.

ШАГ 2

Начните прорисовывать ноты как на картинке. В основном тут простые формы.

ШАГ 3

Теперь осталось обвести кружочки и у первой ноты нарисовать все изгибы.

РЕЗУЛЬТАТ

Аккуратно сотрите все вспомогательные линии и ваш рисунок готов.

3 вариант — Как нарисовать легкую гитару поэтапно

Исходник

Давайте нарисует вот такую простую гитару.

ШАГ 1

Первым делом мы нарисуем гриф и головку гитары — это самая верхняя часть. И нарисуйте колки гитары. Это как раз маленькие овальчики по бокам.

ШАГ 2

Теперь плавными линиями рисуйте деку гитары.

ШАГ 3

Повторите контур внутри.

ШАГ 4

Нарисуйте струны тонкими линиями. И резонаторное отверстие.

РЕЗУЛЬТАТ

Ваша гитара готова, если вы хотите что-то более сложное, то приступайте к следующему уроку.

4 вариант — Как нарисовать классическую гитару поэтапно

Исходник

Эта гитара чуть сложнее, у нее присутствуют все те же детали только более тщательно прорисованные.

ШАГ 1

Нарисуйте прямую длинную линию. Сверху нарисуйте головку, точнее то что ей станет. Нарисуйте деку двумя овалами. В этих овалов нарисуйте две прямые линии.

ШАГ 2

Прорисуйте все детали головки и грифа. На грифе нарисуйте порожек, струны. Ниже изобразите резонаторное отверстие.

ШАГ 3

Теперь соедините овалы так чтобы получилась дека. Сделайте ее двойным контуром. Также резонаторное отверстие. Нарисуйте подставку. На нижней вспомогательной линии. Туда же протяну струны.

РЕЗУЛЬТАТ

Гитара готова. Надеюсь у вас получилось.

6 вариант — Как нарисовать простую бас-гитару поэтапно

Исходник

Теперь нарисуем бас-гитару. Внешне она отличается формой.

ШАГ 1

Нарисуйте гриф и головку, а также деку. В нем проведете три вспомогательные линии и еще одну на грифе.

ШАГ 2

Благодаря вспомогательной линии на грифе можно нарисовать точную форму деки. Они похожи на рожки. Придайте им объем. На деке нарисуйте три датчика. А на головке изобразите колки.

ШАГ 3

Теперь проведите прямые линии. Это струны. Кружочки — это ручки громкости, нарисуйте их.

ШАГ 4

Нарисуйте горизонтальные линии на грифе и другие детали.

РЕЗУЛЬТАТ

Получилось ли у вас? Надеемся у вас получается рисовать по нашим урокам.

7 вариант — Как нарисовать барабанную установку поэтапно

Исходник

Кажется сложно? А давайте попробуем нарисовать барабанную установку.

ШАГ 1

Начните с основных вспомогательных линий. Посередине листа проведите длинную линию, рядом свева еще одну такую же. Дальше справа линию меньшего размера. А рядом с ней еще одну короткую. Теперь горизонтальные линии. Начните сверху. Потом посередине и почти в самом низу. Нарисуйте круг — это будет бас-барабан. Чуть выше два овала том-тома. и еще несколько вертикальных линий. Слева узкий овал будущей тарелки. От бас-барабана проведите опорные линии. И справа основание для тарелки.

ШАГ 2

Добавьте деталей. У том-тома нарисуйте закругления. Нарисуйте контур напольного том-тома. Изобразите объем бас-барабана. И другие детали.

ШАГ 3

Нарисуйте овалы тарелок и их основы. У барабанов прорисуйте мелкие детали, контуры.

ШАГ 4

Добавьте еще больше деталей. Барабан на полу называется бас-барабаном. Два барабана повыше — это том-том. Барабан рядом это напольный том-том.

ШАГ 5

Дорисуйте том-том и опоры у тарелок. Осталось совсем немного.

ШАГ 6

Нарисуйте толщину и другие детальки. Удалите вспомогательные линии.

РЕЗУЛЬТАТ

У вас получилась настоящая ударная установка. Кто-то мечтает на ней играть, а кто-то рисовать:)

В мире существует множество музыкальных инструментов. Каждый из них выглядит по-разному. Хотя некоторые можно подразделить в подгруппы. Например, скрипка, гитара, контрабас схожи по виду, но разные по размеру. Дудочка, флейта также похожи друг на друга. В детском саду или в школе детям могут дать задание изобразить один из них. Как нарисовать карандашом музыкальные инструменты? В данной статье речь пойдет об этом.

Начало работы

В первую очередь, нужно запастись необходимыми инструментами — это альбом, хорошо наточенные простой и цветные карандаши, мягкий ластик, при необходимости — циркуль и линейка. Чтобы что-то нарисовать, нужно эту вещь сначала увидеть. Хорошо, если дома имеется сам музыкальный инструмент. А если его нет? Тогда на помощь придут книги и Интернет. Конечно же, сразу нарисовать хорошо получится не у всех. Скорее даже, у многих не получится. Но расстраиваться не стоит. Несколько тренировок позволят получить желаемый результат.

Как нарисовать музыкальный инструмент (пошагово, для детей)?

Рассмотрим как можно нарисовать саксофон и флейту.

Рисуем один угол вершиной вниз. Снаружи его еще один угол. Затем вершину наружного угла округляем. Правые линии внутреннего и наружного углов приближаем друг к другу, но не до конца. Между линиями остается 1 см. Туда рисуется изогнутая деталь. Это будет та часть саксофона, в которую будет дуть музыкант. Боковые же линии двух углов отдаляются где то на 3-4 см. В конце их рисуется овал. Это будет место, откуда будет слышаться музыка. Остается дорисовать только мелкие детали. По всей длине инструмента делаются клавиши в форме кружочков, закрепленных на планке. Остается только разукрасить в нужный цвет готовый инструмент.

Она рисуется очень легко. Сначала чертятся две параллельные линии, примерно 20 см. Концы соединяются. Один конец округляется. Это будет сторона, куда нужно дуть. На втором конце рисуется овал. Посередине получившейся заготовки нарисовать круглые отверстия. Флейта готова.

Разобравшись, как нарисовать карандашом музыкальные инструменты, можно приступить к рисованию других, более сложных предметов.

Гитара — один из самых распространенных музыкальных инструментов во всем мире. Существуют различные итальянская, русская, классическая, акустическая и электрическая. Все они отличаются друг от друга размером, цветом и дизайном. Сегодня мы посмотрим, как нарисовать гитару классическую. Сделать это совсем не трудно, главное — следовать простой инструкции.

Рисуем контуры

Итак, разбираемся, как нарисовать гитару карандашом поэтапно. Данный музыкальный инструмент состоит из трех частей: корпус, гриф и голова. Начнем с прорисовки базовых форм нашего эскиза. Для этого поместите лист бумаги вертикально перед собой. Нарисуйте два круга: один большой — в основании, на нем — второй, поменьше. Круги должны быть немного приплюснуты. Это — будущий корпус. Теперь вверх от основания нижней фигуры проведите прямую вертикальную линию. Это будущий гриф. Сверху нарисуйте небольшой прямоугольник — здесь будет располагаться голова гитары. Также посредине кругов наметьте черточки, они нам понадобятся позднее.

Рисуем гриф и голову

Продолжаем разбираться, как нарисовать гитару. Начертим основные детали грифа. Здесь располагаются 19 ладов — линии, которые изменяют звук, а также 6 струн, при помощи которых этот звук издается. В центре пересечения горизонтальной и вертикальной черточек в верхнем кругу рисуем небольшую характерную окружность. Затем чертим кверху две параллельные линии (гриф). Теперь можно изображать лады — 19 горизонтальных линий, располагающихся по убыванию к центру инструмента. Вдоль грифа изображаем тонкие параллельные линии — струны. На этом же этапе можно изобразить голову гитары. Для этого на заготовленном прямоугольнике сверху над грифом расположите колки — специальные детали, используемые для настройки звука.

Рисуем корпус

Далее, чтобы уточнить, как нарисовать гитару, перейдем к изображению корпуса. Это самая мощная часть музыкального инструмента, по форме она похожа на Обведите одновременно оба круга, прорисовав посредине между ними плавную линию. Изобразите подставку (на месте заготовленной заранее черточки посреди нижнего круга). Прорисуйте струны от грифа к подставке. Теперь вы уже освоили почти все, чтобы понять, как нарисовать гитару. Сотрите все вспомогательные линии и подрисуйте недостающие детали. Для этого еще раз сравните ваш эскиз с предложенным образцом.

Раскрашиваем рисунок

Получившаяся картинка уже сама собой представляет настоящий шедевр. Однако нет предела совершенству. Можно украсить работу, используя цветные фломастеры или Цветовая гамма этого инструмента не имеет ограничений. Можно выбрать любой цвет. Как правило, используются песочный и коричневый оттенки. Но бывают красные, желтые и синие гитары. Освоив базовую технику рисования, вы легко сможете разобраться, как нарисовать рок-гитару, джазовую или акустическую модель этого прекрасного музыкального инструмента. Таким образом, вы можете создать целую коллекцию мелодичных красавиц.

Рисуйте …музыку — новости образования

Музыкальным звукам соответствуют определенные цвета, а сочетаниям звуков – определенные соцветия, и эти звуки можно нарисовать в виде свободного изображения линий, форм, разных узоров. При этом рисование приблизит детей к миру музыки и научит их воспринимать и ощущать искусство. Иногда, то, что изобразить, нам подскажет название произведения, а также помогут и музыкальные термины, обозначения композитора.

Музыку можно просто слушать, не задумываясь над тем, что хотел ею выразить композитор. Но если вслушаться в ведущую мелодию, можно понять, о чем эта музыка, какие мысли, чувства и настроения она передает, причем можно подсказать детям, что часто, например, в классической музыке, можно услышать исполняемый музыкальными инструментами „диалог“, т. е. происходит как бы определенный разговор, который исполняется музыкальными инструментами, только надо научиться это понять, вслушиваться в музыку.

Под радостную, звонкую мелодию хочется петь, танцевать, веселиться. А если мелодия медленная, грустная – помолчать, погрустить. Чтобы понять язык музыки, надо не только слушать ее, но можно и рисовать. Ведь музыкальные звуки похожи на разные оттенки цвета: они могут быть легкими и прозрачными, нежными, а могут быть яркими и насыщенными.

Мелодичный рисунок можно изобразить в виде разнообразных линий – прямых, волнистых, зигзагообразных, тонких и толстых, свернутых в спираль. А можно нарисовать музыку красочными пятнами, цветовое решение которых будет зависеть от вашего отношения к музыкальному произведению. Конечно, это арт-терапия, которая прекрасно подходит для работы с детьми, для выявления их внутренних психологических проблем, о которых ребенок словами рассказать не может. Проанализировав музыкальный рисунок ребенка, можно составить картину эмоционального состояния ребенка.

В первый раз детям сложно понять, как изображать музыку. Постарайтесь объяснить, что они могут использовать любые цвета, линии и формы для её изображения. Если это дошкольники или младшие школьники, то можете в первый раз порисовать вместе с ними. Но сразу объясните, что здесь нет правильного или неправильного рисунка. Каждый изображает музыку так, как именно он её чувствует. На уроках музыки, обучая изображать музыку, можно делать так:

1. прослушать с детьми музыкальное произведение,

2. предложить обсудить и высказаться, какую цветовую гамму можно представить, слушая музыку,

3. рисунок детей под звучанием музыкального произведения.

Такие будут пожелания к детям:

а) заполнить полностью листочек цветовыми пятнами, не оставляя не закрашенных пространств,

б) наложить пятна одного цвета в разных местах, а лишь затем набирать на кисть новый цвет,

У детей получатся красивые и разные по цвету музыкальные рисунки, в которых можно увидеть много разноцветных ноток, высоких и низких или длинных и быстрых, пробегающих в музыкальном произведении. Результат рисования удивит и порадует всех, ведь дети не только прослушали музыку, но и смогли ее изобразить.

Иллюстрация: nsportal.ru

Рисуя музыку можем решить такие задачи:

1. развить чувство цвета посредством музыки и рисования,

2. научиться уравновешивать цвет с музыкой, опираясь на различие наиболее ярких средств музыкальной выразительности (темп, динамику, ритм),

3. поддержать фантазию и творчество детей к импровизации с цветовыми пятнами,

4. развивать навыки в определении общей темы рисунка.

Рисование под музыку — один из приемов арт–терапии, который поможет:

1. усилить внутренние позитивные процессы, направленные на выздоровление,

2. на бумаге можно выразить и оставить мнение об эмоциональном состоянии, навеянное музыкальным произведением,

3. слушая классическое музыкальное произведение у каждого возникает какой-то конкретный образ, его и изображают.

Арт — терапевтическая практика позволяет говорить о влиянии музыки и рисования под музыку на эмоциональное состояние и сделать следующие выводы:

• рисование под музыку позволяет выражать свои эмоции и чувства..Человек получает реальную возможность как бы увидеть на рисунке свой внутренний мир,

• рисование под музыку формирует навыки саморегуляции (рисуя, человек стабилизирует и регулирует себя),

• улучшается способность слышать свой внутренний ритм и ритм других людей, что стимулирует выражение положительных эмоций к окружающим людям.

В процессе рисования под музыку формируется:

● завершенность действия. Необходимо уложиться во время, отводимое на урок.

● завершенность процесса важна для эмоциональной ситуации (незаконченное действие отвлекает внимание и понижает настроение).

Подбор музыки — это может быть классика, спокойный женский вокал, популярная (поп), тяжелая деструктивная музыка (рок), музыка авторская, или — с этнотемами, звуки природы без ритма, сказочные звуки, неоклассика, регги, дип, даб, электроника и т. д.

Использование арт-терапевтических приемов развивает эмоциональную сферу по таким направлениям:

1. осознание человеком своих желаний и эмоций,

2. расширение спектра эмоций человека и развитие навыков адекватной вербальной и невербальной передачи собственного эмоционального состояния,

3. обучение навыкам саморегуляции эмоций.

Иллюстрация из интернета

Нас ежедневно окружает огромное количество звуков. Это и звуки природы, и различные шумы, и современная музыка. У каждого звука есть свой характер, своя громкость, свой темп и ритм, своё настроение. Есть звуки приятные нашему уху и звуки раздражающие. Я предлагаю вам релаксационное упражнение, которое поможет вам восстановить силы, успокоиться и расслабиться. Можете сделать его сами или предложить ребенку или даже группе детей ( М. Глинка „Жаворонок“, П. Чайковский „Подснежник“, С. Рахманинов „Итальянская полька“, Й. Штраус Вальс „Голубой Дунай“, В. А. Моцарт „Менуэт“).

Выберите приятную мелодию, которая дарит вам спокойствие, расслабление и погружение в музыку. Когда вы почувствуете единение с музыкой можно начинать рисовать. Лучше взять лист бумаги формата А3 или А4 для акварели или для другой техники рисования. и открыть нужные цвета краски.

Далее, например, ваша рука с кистью должна следовать за музыкой. Каждый новый звук — это движение кисти, каждый новый звук — это новый цвет. Рука двигается изображая музыкальный рисунок, как бы продолжая звуки на бумаге. Будьте сосредоточены на звуках и в то же время расслаблены. Линии, штрихи и пятна будут выливаться из под вашей кисти как музыка выливается из звучащего динамика. Они могут быть прерывистыми или плавными, светлыми или темными, насыщенными или бледными.

Всё зависит от ваших чувств, вашего воображения, вашего мироощущения и ощущение цвета. Когда работа будет закончена, посмотрите на неё целиком. Какие чувства она у вас вызывает? Какая часть картины наиболее приятная и почему? Если ваша картина получилась приятной и умиротворяющей, то вы можете повесить её на видное место и возвращаться к ней, когда вам тревожно или грустно.

Если вы предложили рисование музыки детям, то будьте готовы, что такое задание вначале может вызвать у них много непонимания и сложности. Прослушав музыку, помогите им понять, какая она и как ее изобразить:

1. уточните какие чувства она вызывает у ребят,

2. какой цвет, по их мнению, может изображать такие чувства,

3. какие движения характерны для такой музыки, дети могут подвигаться под музыку.

Эти простые упражнения придадут им уверенности. Во время работы обязательно хвалите детей и поддерживайте их, чтобы стимулировать поток ассоциаций, рожденных музыкой. Все эти упражнения нетрудны для детей, и они очень хорошо их развивают:

• воображение,

• абстрактное мышление,

• развитие внимания,

• заинтересованность гиперактивных детей,

• обучают детей слушать и воспринимать музыку,

• прислушиваться к своим чувствам и иллюстрировать их при помощи цвета, линий, форм.

После окончания рисования работы обсуждаются. Похожими или разными они получились, какие чувства вызвала музыка, какие цвета, линии и формы были использованы для её изображения. Изменилось ли настроение ребят после выполнения задания. Например, такую картину могли нарисовать дети, слушая М.–К. Чюрлениса Симфоническая поэма „Море“, в которой есть и темные и светлые музыкальные моменты. Можно даже рисовать всему классу единую картину, это детям запомнится.

Интегрированные уроки музыки и рисования это, вроде, просто — нужно взять кисти и краски включить музыку и начать рисовать. При этом не что-то конкретное, а просто музыку, мелодию. В первый раз может быть сложно, но потом все легче и легче.

Рука становится проводником между музыкой и бумагой. Вы интерпретируете музыку как кардиограмма интерпретирует биение сердца, но только здесь нет никаких правил — как изобразить мелодию, которую вы слышите, знаете только вы. Это развивает воображение и учит выражать свои мысли и чувства на бумаге.

Думаю, это способствует развитию их образного мышления. Рекомендую ряд классических произведений, которые не могут никого оставить равнодушными, это:

Н. Римский-Корсаков. „Полет шмеля“ (быстрый темп), К. Дебюсси. „День фана“ (медленный темп), Э. Григ. „В Пещере Горного короля“ (с ускоряющимся темпом), К. Сен-Санс. „Слон“ (нижний регистр), С. Вайнюнас. „Кузнечик“ (высокий регистр), М. Равель. „Болеро“ (все громче), Ж. Бизе. Опера „Кармен“- Увертюра (громкое вступление) и другие любимые произведения.

Изобразить музыку — звучит замечательно! А ведь каждый человек, одну и ту же мелодию каждый будет изображать по-разному. И в рисунке может отобразиться вся личность человека, с внутренними радостями и проблемами. Рисуйте музыку.

Мира ЯКУБОВСКАЯ,

учитель эксперт музыки

Вильнюсская Вяркяйская школа — многофункциональный центр

* * * * *

При подготовке данной публикации использованы материалы http://healingarts.ru/

Можно ли нарисовать картину с помощью мелодии? Выставка «Музыка и море» в ЦДТ «Ново-Переделкино»

Занятия вокалом — это не только выполнение дыхательных упражнений, сопровождающихся списком рекомендаций, но и умение оценить и прикоснуться к прекрасному. Педагог Елена Соколова решила совместить приятное с полезным. На онлайн — встрече она продемонстрировала выставку рисунков юных художников студии «Гармония» ЦДТ «Ново-Переделкино», отражающих морскую стихию.

«Водная стихия издавна влекла к себе людей. Море, фонтаны и сама вода пробуждают фантазию, увлекают неразгаданной тайной. Например, образ моря воспет поэтами, его рисуют художники, мелодии и ритмы волн легли на нотные строки великих композиторов. Более того, вода использовалась для игры на инструментах в Древнем Риме, а в Византии были популярны водные органы».

Собеседница остановилась на творчестве некоторых композиторов, обращавшихся к морской тематике:

«Например, Римский-Корсаков. Его первым увлечением были морские путешествия в дальние страны. Отец, видя его тягу, отдал сына в кадетский корпус, закончив который, Николай Андреевич совершил экспедицию к берегам Северной Америки, изучая моря. Впоследствии можно сказать, что он изображал их музыкальными красками. Причем каждый раз по-разному: в операх «Садко», «Сказка о царе Салтане», в симфонической поэме «Шехерезада». Эти музыкальные картины отражают море как спокойным, так и бурным».

Важно отметить связь спокойной мелодии и спокойного моря на картине. Если музыка тревожная, значит, и характер рисунка будет таким же, и наоборот.

Затем Елена Соколова предложила послушать симфонию «Море» французского композитора Клода Дебюсси:

«Его музыка — это чудо импрессионистского искусства, произведение поможет нам понять, каким он видел море. При помощи музыки он запечатлел три состояния стихии — дремлющую морскую гладь в утреннем тумане, восхитительную игру волн с бликами света и извечную борьбу моря с неукротимым ветром. В музыке Клода Дебюсси стихия изменчива».

После рассказа Елены Соколовой можно ознакомиться с тремя вышеописанными морскими состояниями в виде рисунков.

Третий композитор и художник одновременно — Микалоюс Константинас Чюрлёнис (Николай Константинович Чюрлёнис) считается родоначальником профессиональной литовской музыки:

«В его произведениях море играет особую роль. Чюрлёнис понимал, что оно — сердце Земли во всех смыслах. Он также и сам рисовал картины с морем».

Во время сонаты Чюрлёниса «Море», на рисунках можно наблюдать преимущественно спокойные волны, волнующиеся лишь изредка.

Художественная онлайн — выставка «Музыка и море» состоит более чем из 60 работ.

Фото: ютуб-канал ЦДТ «Ново-Переделкино.

— Никита Кротов

Конспект урока на тему: «Графическое изображение мелодии»

«Графическое отображение мелодии»

Цель: практическое освоение простейших элементов музыкального языка в творческой форме, образно-ассоциативное постижение музыкального языка.

Задачи:

• Развивать ассоциативно-художественное мышление путем сопоставления линии в рисунке с музыкой (пением), речью;

• Развивать чувство ритма, ощущение высотности звука

Ход урока

Здравствуйте, ребята. Сегодня мы с вами поговорим о том, что такое мелодия. Как вы думаете, для чего нужна мелодия в музыке. Какую функцию она выполняет? Возможна ли музыка без мелодии? (ответы детей)

Верно, ребята, мелодия — это лицо музыкального произведения, его душа и без мелодии невозможно представить себе ни одно музыкальное произведение, потому что она — главный элемент в музыке. Для слушателя музыка без мелодии — то же, что картина без рисунка. Именно с помощью мелодии композитор выражает свою главную мысль в произведении.

Мы с вами уже знаем, что мелодия может стоять на месте, идти вверх и вниз, плавно и скачками, кружить на месте и т.д. Рисунок мелодического движения складывается из его различных направлений. Основные из них:

• восходящее движение;

• нисходящее движение;

• волнообразное движение, образующееся от последовательно чередующихся восходящего и нисходящего направлений;

• «горизонтальное» движение на повторяющемся звуке.

Первые три направления движения могут быть: поступенными (т.е. по соседним ступеням звукоряда), скачкообразными (по любым интервалам звукоряда больше секунды) или смешанными. Волнообразное движение может происходить в пределах сравнительно небольшого диапазона, быть восходящим и нисходящим.

Мелодия, не имеющая мотива, называется речитативом. Я предлагаю вам послушать небольшой музыкальный отрывок и проанализировать его мелодию. (Слушаем)

Ребята, есть ли у этой песенки мелодия? (Ответы).

Мелодия этой песенки очень проста, она состоит только из одной ноты, потому что в этой песенке изображается барабанная дробь, а значит, главное здесь — это ритм. К счастью, таких песен очень мало, ведь тогда все мелодии были бы одинаковые, на одно лицо.

Если мы попробуем сыграть мелодию песни «Во поле берёза стояла» на барабане, то у нас не получится мелодии, потому что барабан играет на одном звуке. А в мелодии звуки редко стоят на месте (ведь главное в музыке — ДВИЖЕНИЕ): они то вверх бегут, то вниз, то друг через друга прыгают.

И у каждого звука есть своя высота и длительность. Давайте послушаем еще одну мелодию и попробуем определить, мелодия стоит на месте или движется?

Верно, в этой попевке мелодия сначала стоит на одном звуке, а потом движется наверх, потом снова стоит на месте и спускается вниз.

А теперь давайте попробуем нарисовать линиями движение этой мелодии (рисуем).

А вот еще одна попевка. Послушайте и попробуйте определить движение мелодии. Слова вам подскажут. (слушаем, рисуем).

Итак, вот что должно получиться:

Ребята, а теперь давайте попробуем выполнить небольшое задание самостоятельно. Нужно найти верное графическое изображение мелодии этой песни (соотнести).

ПРИМЕР

ПРИМЕР:

 

 

Отлично, у нас все получилось. Итак, ребята, мы с вами увидели, что мелодию можно не только услышать, сыграть, но еще и нарисовать, даже если мы не знаем нот. Это можно сделать простыми линиями. И сразу будет видно, куда движется мелодия: вверх или вниз, или стоит на месте, или делает большие скачки. А теперь домашнее задание:

Задание 1. Прочитайте слогами и прохлопайте ритм песенки. Определите направление движения мелодии. Нарисуйте график движения мелодии этой песни.

Задание 2. Прочитайте слогами и прохлопайте ритм песенки. Определите направление движения мелодии. Нарисуйте график движения мелодии этой песни и ее ритмический рисунок

 

НЕТРАДИЦИОННАЯ ТЕХНИКА РИСОВАНИЯ: «РИСОВАНИЕ МУЗЫКИ».

НЕТРАДИЦИОННАЯ ТЕХНИКА РИСОВАНИЯ: «РИСОВАНИЕ МУЗЫКИ».

Если представить, что звукам соответствуют определенные цвета, а сочетаниям звуков – определенные пятна, то можно нарисовать музыку в виде свободного изображения линий, пятен, разнообразных узоров. При этом эстетические ощущения приблизят детей к миру музыки и научат их воспринимать и ощущать искусство изнутри. Музыку можно просто слушать, не задумываясь над тем, что хотел ею выразить композитор. Но если вслушаться в мелодию, можно понять, о чем эта музыка, какие чувства и настроения она передает. Под радостную, звонкую мелодию хочется петь, танцевать, веселиться. А, если мелодия медленная, грустная – тихо посидеть, подумать, погрустить. Чтобы понять язык музыки, надо не только слушать ее, но и слышать музыку.

Музыку можно не только послушать, но и нарисовать. Ведь музыкальные звуки похожи  на разные оттенки цвета: они могут быть легкими и прозрачными, нежными, а могут быть яркими и насыщенными. Мелодичный рисунок можно изобразить в виде разнообразных линий – прямых, волнистых, зигзагообразных, тонких и толстых, свернутых в спираль. А можно нарисовать музыку красочными пятнами, цветовое решение которых будет зависеть от вашего отношения к музыкальному произведению.

На практике это можно сделать так:

1.Прослушать с детьми музыкальное произведение.

2.Предложить высказаться, какие цветовые ассоциации вызывает прослушанная музыка.

3.Работа детей, сопровождаемая звучанием музыкального произведения.

4.Пожелания детям по ходу работы: заполнить лист цветовыми пятнами полностью, не оставляя не закрашенных пространств, при этом можно наложить пятна одного цвета в разных местах, а лишь затем набирать на кисть новый цвет.

У детей получатся красивые и разные по цветовому решению музыкальные рисунки, в которых можно увидеть много разноцветных ноток, ранее спрятанных в музыкальном произведении. Результат рисования удивит и порадует всех, ведь мы не только послушали музыку, но и смогли ее изобразить.

 

МУЗЫКАЛЬНЫЙ РИСУНОК

Задачи:

1.Развить чувство цвета посредством музыки и рисования.

2.Совершенствовать умение соотносить цвет с музыкой, опираясь на различие наиболее ярких средств музыкальной выразительности (темп, динамику, ритм).

3.Стимулировать творчество детей к импровизации с цветовыми пятнами.

4.Развивать композиционные навыки в компоновке общего панно.

Nudge или как нарисовать свою мелодию

Вы любитель хорошей музыки и хотите создать что – то свое, но не обладаете музыкальным образованием? Что – то действительно необычное, запоминающееся и волнующее слушателя? И вы прямо видите свою мелодию? Тогда для именно для Вас появился музыкальный сервис Nudge, позволяющий в прямом смысле слова нарисовать свою мелодию в специальном редакторе и представить ее широкой публике.

Nudge – это поистине оригинальный аудио – сервис, который позволит воплотить ваши самые смелые мечты и даст возможность создать свою музыкальную композицию. Здесь вы сможете в самом прямом смысле нарисовать свою мелодию и поделиться ею с общественностью.

Сервис предоставляет к вашим услугам «рабочую область», которая состоит из отдельных ячеек. Каждая ячейка отвечает за какой – то отдельный звук. Создать свою мелодию очень просто, нужно отмечать курсором мыши отдельные ячейки, которые закрашиваются  разными цветами  и появляется наша неповторимая мелодия. Светлая полосочка, пробегающая из левой части окна в правую извлекает из вашей мелодии звуки. И позволяет прослушать то, что вы создали.

После того, как зайдете на Nudge, вам может показаться, что это какой – то непонятный и примитивный инструмент,  позволяющий воспроизводить лишь однообразные мелодии. Но, не спешите закрывать страницу, вам нужно лишь копнуть немного поглубже и вы обнаружите в сервисе очень продвинутые возможности. Например вы можете создать индивидуальные партии звучания для каждого инструмента, настроить громкость, эффекты, а также многое другое. Сервис позволяет создать действительно необычную электронную музыку, которой можно порадовать себя и друзей.

Конечно, люди с профессиональным музыкальным образованием могут лишь посмеяться над этим сервисом. Ведь если вы обладаете слухом и можете без труда наиграть любой мотивчик например на фортепьяно или другом музыкальном инструменте, или сделать свою небольшую композицию, используя сэмплы для создания музыки, то для вас данный сервис может показаться смешным. Но, все – таки Nudge является очень увлекательным сервисом для любителей делать небольшие непрофессиональные музыкальные композиции.

В общем если вы хотите создать небольшую музыкальную композицию и порадовать себя и своих знакомых, то создавайте музыку с помощью Nudge – это очень увлекательно.

Хотите написать отличную мелодию? Нарисуй картинку

Написано Гэри Эвером с веб-сайта « The Essential Secrets of Songwriting »
Следуйте за Гэри в Твиттере

Если вы хотите написать убойную песню, она должна быть такой, которую люди легко запомнят и которую они будут напевать по улице. Это означает, что ему нужна интересная форма. Один из способов сделать это — достать ручку и бумагу и… начать рисовать.

Штриховой рисунок основной формы вашей мелодии, взлетов и падений и т. д., облегчите рассмотрение того, как это работает с вашей лирикой. В общем, вам нужно, чтобы более повествовательная часть вашей лирики (т. е. куплет) звучала ниже, чем припев. Нагруженные эмоциями слова будут теми словами, которые будут звучать выше, так как более высокий диапазон будет больше попадать в цель.

Вы сможете увидеть все это более четко, если нарисуете линию того, как, по вашему мнению, будут разворачиваться ваши мелодии. В некотором смысле это похоже на составление карты энергии песни, потому что энергия очень тесно связана с вокальным диапазоном (другими словами, с мелодией).)

Карта мелодии будет напоминать вам, когда вы пишете, что ваша мелодия должна иметь определенные особенности, и наиболее важной из них будет кульминация.

Итак, следуйте этим советам:

1) Возьмите лист бумаги и поверните его боком (в альбомной ориентации).
2) Напишите текст куплета и текст припева горизонтально (вам может понадобиться склеить несколько листов бумаги вместе). линия, которая движется примерно вверх.
4) Решите, когда и куда переместится мелодия оттуда. Принимайте решения, основываясь на эмоциях текста. Слова, которые несут большую эмоциональную ценность, обычно должны быть выше.
5) Вторую половину куплетов (включая пре-припев) хочется сдвинуть вверх.
6) Мелодии припева обычно звучат выше, чем мелодии куплета.

После того, как вы нарисуете основную форму мелодии, вы обнаружите, что ваше воображение будет более стимулироваться, когда вы начнете создавать свою песню.И написание своей мелодии будет меньше похоже на бесцельное блуждание, а больше на то, что у него есть цель — отправная точка и цель.

«Основные секреты написания песен» покажет вам, как писать отличные песни. Это всего лишь одна из шести электронных книг по написанию песен, написанных Гэри Юэром. (Его новейшая электронная книга «Основные секреты написания песен — Формулы последовательности аккордов» предлагается бесплатно при покупке любой другой его электронной книги по написанию песен.) Пусть эти шесть электронных книг покажут вам все аспекты написания песен. отличные песни! Читать далее..

Схематическое изображение того, как рисуется контур мелодии на…

Контекст 1

… в этом валентном пространстве возбуждения. Что касается недавних исследований, в которых такая точка зрения применяется к музыке, можно сделать выбор между трансформирующим и генеративным подходом. Первый изменяет либо партитуру, либо исполнительские особенности существующих музыкальных произведений. KTH Performance System [13], например, изменяет главным образом исполнительские (интерпретационные) аспекты произведения.В Computational Music Emotion Role System (CMERS) [14] также изменяются структурные (партитурные) параметры произведения. Важно отметить, что исследования, касающиеся CMERS, включали всесторонние исследования для получения информации о корреляциях между структурными и исполнительскими характеристиками музыки, с одной стороны, и эмоциями, с другой. Эти идеи были применены в этом вкладе, чтобы сформулировать правила, основанные на доказательствах, для управления мелодиями в соответствии с их присущими значениями валентности и возбуждения и их соответствующими эмоциями.В дополнение к этому Oliveira et al. [8] фокусируется на системе, основанной на знаниях, которая использует эмпирические данные для получения модели классификации музыкальных сегментов, которые затем можно рекомбинировать и преобразовывать в соответствии с желаемой эмоцией. Последний класс сред генерирует музыку с эмоциональным содержанием с нуля. В этом контексте Генератор аффективной музыки Уоллиса [15] использует координату в двухмерном пространстве валентности и возбуждения в качестве входного параметра для создания чисто генеративной музыки.На рис. 1 показан графический интерфейс генератора аффективной музыки. В построении учитываются структурно-перформативные параметры, связанные с ритмом, мелодическим контуром, гармонией и артикуляцией. Дальнейшие исследования пользователей показали, что пользователи правильно оценивали сгенерированную музыку [7]. Таким образом, можно заключить, что эти порождающие отображения функциональны. Поскольку Уоллис основывает свои правила на работе Ливингстона, мы использовали его реализацию в качестве ориентира для нашего прототипа. В заключение можно сказать, что существуют надежные алгоритмы и консолидированные знания для систематического получения эмоциональных реакций у пользователей [15, с.1]. Тем не менее, мы видим недостаток прикладных вариантов использования и их оценок, особенно в целях поддержки творчества, развлечения или совместной работы. Таким образом, вопрос остается без ответа, предлагают ли такие концепции подходящий подход к сокрытию музыкальной сложности для конечного пользователя посредством метафоры для музыкального выражения высокого уровня, в то же время предлагая опыт, который дает пользователям радость музыкального выражения. Как указывалось ранее, основная идея состоит в том, чтобы помочь пользователям создавать музыку на основе их эмоциональных представлений в рамках некоторого представления пространства возбуждения валентности.Напрямую, чтобы перемещаться внутри него, пользователям может быть представлена ​​двумерная поверхность для управления их соответствующим вектором возбуждения валентности, подобно генератору аффективной музыки Уоллиса (см. рис. 1). Однако вопрос, на основе чего генерируются сами музыкальные события, пока остается без ответа. Важным вопросом для систем поддержки совместного творчества, особенно для музыкальных приложений, является поощрение участия пользователей в творческих усилиях [16, 17], что в идеале приводит к прямой связи с музыкальным продуктом в форме воплощения музыки. 18].В связи с этим мы видим ценность в том, чтобы дать пользователю возможность формировать музыкальные события таким образом, чтобы они непосредственно отражали намеченный контур мелодии и особенно уважали этот мелодический замысел даже при преобразовании его в отношении эмоционального. Таким образом, мы фокусируемся не на стохастических процессах, а на простых средствах создания мелодического содержания, которое затем репрезентируется в альтернативных эмоциональных контекстах. Что касается аспектов совместной работы, приложение предназначено для двух сотрудников, поскольку это позволяет нам проводить целенаправленную оценку определенных аспектов, таких как оценка согласия пользователей с воспринимаемыми эмоциями или моделями чередования.Мы используем мультисенсорный стол в качестве общего интерфейса, поскольку он предлагает средства, упрощающие протоколы социального общения [19, 20]. Далее будет подробно описана работа по реализации этой статьи под названием FugueGenerator. Как следует из названия, мелодическая основа создается пользователем. Обсуждавшееся ранее формирование контуров мелодии реализуется путем непосредственного рисования ее на 2D-поверхности. Мелодические линии постоянно повторяются, следуя последовательности аккордов. Значения валентности и возбуждения можно контролировать вручную и, таким образом, соответствующим образом изменять базовую гамму, темп, артикуляцию и тембр.Для совместной работы два человека могут создать свою собственную соответствующую мелодию в одном общем рабочем пространстве параллельно для полифонии. Кроме того, элементы управления валентностью и возбуждением являются частью общего и личного рабочего пространства соответствующего пользователя: валентность — это глобальный (общий) элемент управления, а возбуждение — частный элемент управления для каждого пользователя. Это решение будет подробно рассмотрено в этом разделе. Графический пользовательский интерфейс FugueGenerator состоит из следующих элементов: поверхности для контуров мелодии (рис.2,1), контроллеры локальных настроек возбуждения (рис. 2,2), глобальный регулятор валентности (рис. 2,3), регулятор регистра, указывающий, какая мелодия играет в нижнем регистре (рис. 2,4). ). Приложение разработано таким образом, что каждый игрок работает со своей стороны экрана, стоя у соответствующего края вертикального сенсорного дисплея. Рисование контура мелодии выполняется касанием и перетаскиванием поверхности мелодии, как показано на рисунке 3. Высота каждой полосы представляет собой ноту, она указывает относительную высоту звука основной гармоники.Набор тактов образует последовательность нот, при этом проигрываемый в данный момент такт (нота) выделяется. Количество тактов в последовательности зависит от локальной настройки возбуждения (см. параграф 3.1.4). Темп одинаков для обоих контуров мелодии, а деления доли (количество тактов) эквивалентны длительности нот; например последовательность с двумя тактами состоит из двух половинных нот. Тональный строй мелодий основан на основной ноте, лежащей на средней линии поверхности. Отклонение вверх эквивалентно положительному отклонению высоты тона от основной ноты и наоборот (ср.инжир. 3). Величина отклонения высоты тона также зависит от локального возбуждения (см. параграф 3.1.4) и общих настроек валентности (см. параграф 3.1.3). Такие относительные высоты затем управляют выбором абсолютных частот в качестве арпеджио воспроизводимого в данный момент аккорда. В системе используется повторяющаяся последовательность аккордов (тоника, субдоминанта, доминанта, тоника). Общей тональной основой является лад, который изменяется в соответствии с глобальным значением валентности, как описано в параграфе 3.1.3. Тем не менее, основная нота всегда остается неизменной.Как упоминалось ранее, значение валентности определяет выбор режима. Ливингстон [14] эмпирически показал корреляцию между валентностью и счастливыми мажорными или печальными минорными модами, а Персичетти [21] предложил упорядочение мод от самых темных до самых ярких. После этого мы реализовали корреляцию между валентностью и модами. На это большое влияние оказала работа Уоллиса [15]. Это упорядочение по восходящей валентности или яркости следующее: фригийское, эолийское, дорийское, миксолидийское, ионийское, лидийское.Мы снова основывали структурные и артикуляционные преобразования на работе Ливингстона [14], они показаны в таблице 1. На сложность ритма и темп влияет возбуждение, поскольку увеличение возбуждения также увеличивает количество тактов (и нот). на поверхности мелодии. Таким образом, самая низкая настройка возбуждения имеет две половины, а самая высокая — 16 шестнадцатых нот, что приводит к быстрым и волнующим мелодиям при высокой настройке возбуждения. Однако эти локальные значения возбуждения также влияют на глобальный темп (средневзвешенное значение), так что согласие пользователей в крайних значениях шкалы возбуждения может еще больше усилить эффект.До сих пор правила преобразования валентности и возбуждения применялись только к отдельным аспектам общего состава. В этом разделе мы сообщим о дополнительных взаимосвязях, которые были дополнительно реализованы и касаются тембра синтезированного звука и ритмической сложности. Они показаны в таблице 2. Синтез выполняется с помощью простого двухоператорного FM-синтеза и дополнительных эффектов. С увеличением возбуждения к синтезированному звуку добавляется больше гармоник. Валентность используется для добавления искажения при низких настройках (мрачное настроение) в сочетании с высокими настройками возбуждения, что приводит к тембру, похожему на искаженную гитару, что проявляется в музыкальных жанрах, таких как хэви-метал.Кроме того, мрачное настроение в сочетании с уменьшением возбуждения вносит большее скольжение (невнятность) между нотами, подчеркивая эффект легато. Для яркого настроения тембровая палитра варьируется в зависимости от возбуждения от неразмытого чистого синуса до ярких тонов, подобных колокольчику/чиптуну. Артикуляцию между стаккато и легато можно непрерывно изменять, изменяя время затухания огибающей амплитуды по отношению к общему …

Context 2

… в этом пространстве возбуждения валентности.Что касается недавних исследований, в которых такая точка зрения применяется к музыке, можно сделать выбор между трансформирующим и генеративным подходом. Первый изменяет либо партитуру, либо исполнительские особенности существующих музыкальных произведений. KTH Performance System [13], например, изменяет главным образом исполнительские (интерпретационные) аспекты произведения. В Computational Music Emotion Role System (CMERS) [14] также изменяются структурные (партитурные) параметры произведения. Важно отметить, что исследования, касающиеся CMERS, включали всесторонние исследования для получения информации о корреляциях между структурными и исполнительскими характеристиками музыки, с одной стороны, и эмоциями, с другой.Эти идеи были применены в этом вкладе, чтобы сформулировать правила, основанные на доказательствах, для управления мелодиями в соответствии с их присущими значениями валентности и возбуждения и их соответствующими эмоциями. В дополнение к этому Oliveira et al. [8] фокусируется на системе, основанной на знаниях, которая использует эмпирические данные для получения модели классификации музыкальных сегментов, которые затем можно рекомбинировать и преобразовывать в соответствии с желаемой эмоцией. Последний класс сред генерирует музыку с эмоциональным содержанием с нуля.В этом контексте Генератор аффективной музыки Уоллиса [15] использует координату в двухмерном пространстве валентности и возбуждения в качестве входного параметра для создания чисто генеративной музыки. На рис. 1 показан графический интерфейс генератора аффективной музыки. В построении учитываются структурно-перформативные параметры, связанные с ритмом, мелодическим контуром, гармонией и артикуляцией. Дальнейшие исследования пользователей показали, что пользователи правильно оценивали сгенерированную музыку [7]. Таким образом, можно заключить, что эти порождающие отображения функциональны.Поскольку Уоллис основывает свои правила на работе Ливингстона, мы использовали его реализацию в качестве ориентира для нашего прототипа. В заключение можно сказать, что существуют надежные алгоритмы и консолидированные знания для систематического получения эмоциональных реакций у пользователей [15, с. 1]. Тем не менее, мы видим недостаток прикладных вариантов использования и их оценок, особенно в целях поддержки творчества, развлечения или совместной работы. Таким образом, вопрос остается без ответа, предлагают ли такие концепции подходящий подход к сокрытию музыкальной сложности для конечного пользователя посредством метафоры для музыкального выражения высокого уровня, в то же время предлагая опыт, который дает пользователям радость музыкального выражения.Как указывалось ранее, основная идея состоит в том, чтобы помочь пользователям создавать музыку на основе их эмоциональных представлений в рамках некоторого представления пространства возбуждения валентности. Напрямую, чтобы перемещаться внутри него, пользователям может быть представлена ​​двумерная поверхность для управления их соответствующим вектором возбуждения валентности, подобно генератору аффективной музыки Уоллиса (см. рис. 1). Однако вопрос, на основе чего генерируются сами музыкальные события, пока остается без ответа. Важным вопросом для систем поддержки совместного творчества, особенно для музыкальных приложений, является поощрение участия пользователей в творческих усилиях [16, 17], что в идеале приводит к прямой связи с музыкальным продуктом в форме воплощения музыки. 18].В связи с этим мы видим ценность в том, чтобы дать пользователю возможность формировать музыкальные события таким образом, чтобы они непосредственно отражали намеченный контур мелодии и особенно уважали этот мелодический замысел даже при преобразовании его в отношении эмоционального. Таким образом, мы фокусируемся не на стохастических процессах, а на простых средствах создания мелодического содержания, которое затем репрезентируется в альтернативных эмоциональных контекстах. Что касается аспектов совместной работы, приложение предназначено для двух сотрудников, поскольку это позволяет нам проводить целенаправленную оценку определенных аспектов, таких как оценка согласия пользователей с воспринимаемыми эмоциями или моделями чередования.Мы используем мультисенсорный стол в качестве общего интерфейса, поскольку он предлагает средства, упрощающие протоколы социального общения [19, 20]. Далее будет подробно описана работа по реализации этой статьи под названием FugueGenerator. Как следует из названия, мелодическая основа создается пользователем. Обсуждавшееся ранее формирование контуров мелодии реализуется путем непосредственного рисования ее на 2D-поверхности. Мелодические линии постоянно повторяются, следуя последовательности аккордов. Значения валентности и возбуждения можно контролировать вручную и, таким образом, соответствующим образом изменять базовую гамму, темп, артикуляцию и тембр.Для совместной работы два человека могут создать свою собственную соответствующую мелодию в одном общем рабочем пространстве параллельно для полифонии. Кроме того, элементы управления валентностью и возбуждением являются частью общего и личного рабочего пространства соответствующего пользователя: валентность — это глобальный (общий) элемент управления, а возбуждение — частный элемент управления для каждого пользователя. Это решение будет подробно рассмотрено в этом разделе. Графический пользовательский интерфейс FugueGenerator состоит из следующих элементов: поверхности для контуров мелодии (рис.2,1), контроллеры локальных настроек возбуждения (рис. 2,2), глобальный регулятор валентности (рис. 2,3), регулятор регистра, указывающий, какая мелодия играет в нижнем регистре (рис. 2,4). ). Приложение разработано таким образом, что каждый игрок работает со своей стороны экрана, стоя у соответствующего края вертикального сенсорного дисплея. Рисование контура мелодии выполняется касанием и перетаскиванием поверхности мелодии, как показано на рисунке 3. Высота каждой полосы представляет собой ноту, она указывает относительную высоту звука основной гармоники.Набор тактов образует последовательность нот, при этом проигрываемый в данный момент такт (нота) выделяется. Количество тактов в последовательности зависит от локальной настройки возбуждения (см. параграф 3.1.4). Темп одинаков для обоих контуров мелодии, а деления доли (количество тактов) эквивалентны длительности нот; например последовательность с двумя тактами состоит из двух половинных нот. Тональный строй мелодий основан на основной ноте, лежащей на средней линии поверхности. Отклонение вверх эквивалентно положительному отклонению высоты тона от основной ноты и наоборот (ср.инжир. 3). Величина отклонения высоты тона также зависит от локального возбуждения (см. параграф 3.1.4) и общих настроек валентности (см. параграф 3.1.3). Такие относительные высоты затем управляют выбором абсолютных частот в качестве арпеджио воспроизводимого в данный момент аккорда. В системе используется повторяющаяся последовательность аккордов (тоника, субдоминанта, доминанта, тоника). Общей тональной основой является лад, который изменяется в соответствии с глобальным значением валентности, как описано в параграфе 3.1.3. Тем не менее, основная нота всегда остается неизменной.Как упоминалось ранее, значение валентности определяет выбор режима. Ливингстон [14] эмпирически показал корреляцию между валентностью и счастливыми мажорными или печальными минорными модами, а Персичетти [21] предложил упорядочение мод от самых темных до самых ярких. После этого мы реализовали корреляцию между валентностью и модами. На это большое влияние оказала работа Уоллиса [15]. Это упорядочение по восходящей валентности или яркости следующее: фригийское, эолийское, дорийское, миксолидийское, ионийское, лидийское.Мы снова основывали структурные и артикуляционные преобразования на работе Ливингстона [14], они показаны в таблице 1. На сложность ритма и темп влияет возбуждение, поскольку увеличение возбуждения также увеличивает количество тактов (и нот). на поверхности мелодии. Таким образом, самая низкая настройка возбуждения имеет две половины, а самая высокая — 16 шестнадцатых нот, что приводит к быстрым и волнующим мелодиям при высокой настройке возбуждения. Однако эти локальные значения возбуждения также влияют на глобальный темп (средневзвешенное значение), так что согласие пользователей в крайних значениях шкалы возбуждения может еще больше усилить эффект.До сих пор правила преобразования валентности и возбуждения применялись только к отдельным аспектам общего состава. В этом разделе мы сообщим о дополнительных взаимосвязях, которые были дополнительно реализованы и касаются тембра синтезированного звука и ритмической сложности. Они показаны в таблице 2. Синтез выполняется с помощью простого двухоператорного FM-синтеза и дополнительных эффектов. С увеличением возбуждения к синтезированному звуку добавляется больше гармоник. Валентность используется для добавления искажения при низких настройках (мрачное настроение) в сочетании с высокими настройками возбуждения, что приводит к тембру, похожему на искаженную гитару, что проявляется в музыкальных жанрах, таких как хэви-метал.Кроме того, мрачное настроение в сочетании с уменьшением возбуждения вносит большее скольжение (невнятность) между нотами, подчеркивая эффект легато. Для яркого настроения тембровая палитра варьируется в зависимости от возбуждения от неразмытого чистого синуса до ярких тонов, подобных колокольчику/чиптуну. Артикуляцию между стаккато и легато можно непрерывно изменять, изменяя время затухания огибающей амплитуды по отношению к общему …

Project MUSE — Преобразование мелодии-рисования

Студия электронной музыки при Государственной консерватории им. Римского-Корсакова Санкт-Петербурга.Александр Сергеевич Белоненко Студия электроники, акустики и музыки им. Хатояма Итиро при Лаборатории электронной и компьютерной музыки консерватории им. области электронной и компьютерной музыки, включая обучение композиции и музыковедению с использованием электронных и компьютерных технологий. Существенная часть оборудования студии была подарена семьей Хатояма из Киото, Япония.Студию ведет Александр Сергеевич Белоненко, Санкт-Петербургская государственная консерватория им. Римского-Корсакова. 1

, Санкт-Петербург, Театральная площадь, 3. Россия. творческие контакты с Исследовательским институтом «Прометей» в Казани, Россия, Университетом Шеффелд Халлам в Великобритании и Институтом исследований и координации акустической музыки (IRCAM) в Париже. вела работу в научно-исследовательской, творческой и педагогической областях, значительная часть которой выполнена с участием студентов Санкт-Петербургской консерватории и воспитанников Хорового училища им. Глинки.Некоторые результаты этой работы, в том числе студенческие экспериментальные и/или электронные композиции, демонстрировались в 1994-1995 гг. на нескольких международных конференциях, проходивших в Москве. С момента открытия студия поддерживает Казань и Санкт-Петербург. В 1995 году «Школа-студия» совместно с Ансамблем «Новая музыка» Санкт-Петербургской консерватории приняла участие в концертной программе четвертого Санкт-Петербургского Пасхального фестиваля. Студия систематически организует открытые музыкальные сессии, посвященные выдающимся электронным и компьютерным музыкальным произведениям. сочинения и другие творческие произведения выдающихся композиторов второй половины ХХ века.На момент написания статьи студия планирует конференцию, посвященную столетию Льва Термена и участие в других юбилейных мероприятиях, приуроченных к этой дате. Преобразование мелодии-рисунка Галеев Булат Михайлович Терменвокс позволяет преобразовывать движения рук в пространстве в мелодию. Некоторые приемы точного положения контакта реостата по вертикали). Как бы просто это ни было, это устройство, тем не менее, представляло собой интерпьютерный дисплейный монитор с горизонтальными линиями, разграничивающими одинаково темперированное преобразование плоских рисунков в звуковые паттерны, напоминающие технологию, используемую терменвоксом.Тридцать лет назад мы с Р. Сайфуллиным изобрели и построили электромеханическое устройство на основе этих приемов. Его основным элементом был большой плоский реостат, включенный в цепь управления частотой (w) электронного звукового генератора (рис. 1). Вертикальное смещение электрического контакта с реостатом вызывало изменение высоты звука (Igw) , в то время как горизонтальное смещение (влево или вправо) не вызывало изменения высоты тона (w = const, здесь имеется в виду значение w при частоте М.Галеев, Инслитут «Прометей», Казанский государственный технический университет (КГТУ). ул. Маркса, 10 К, Казань 420111, Россия. Электронное письмо: . Перевод Владимира Чудновского. Установление связи между слуховым и зрительным восприятием: при рисовании на плоскости криволинейных фигур (кругов, спиралей и т. д.) слушатели могли описать фигуры, образованные линиями, без визуального наблюдения за процессом рисования. Наши эксперименты с устройством способствовали нашим исследованиям в области слухо-зрительной синестезии [11.Спустя годы я пришел к пониманию того, как принципы, на которых было основано это устройство, могут быть применены к музыкальной практике с помощью компьютерных технологий [2]. Опыт в компьютерном программировании (А. Шумилов и Д. Пиотровский) вернул меня к этим идеям по прошествии многих лет [3,4]. Мы создали программное обеспечение под названием Computer Brusophon, которое представляет «звуковое поле» в виде линейчатого поля для рисования на компьютере в сотрудничестве с двумя коллегами exFig. 1. Оригинальное устройство Галеева/Сайфуллина для звукоизвлечения посредством рисования, снятое в телестудии в 1961 году.Оператор (Р. Сайфуллин, на заднем плане) двигает электрический контакт по плоскому реостату. (Человек на переднем плане — телеоператор.) 1996 ИСАС1 ЛЕОНАРД0 МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖУРНАЛ, Том. 6, pp. 61-67, 1996 61 Рис. 2. Скриншот программы Computer Brusophon для генерации звука средствами рисования, 1992 г. по кусорам он сканирует линию).Кнопки на верхней и левой периферии экрана соответствуют таким функциям, как включение и выключение звука, активация мыши, изменение скорости, с которой…

Мелодия | Оценка музыки

Это чтение представляет собой введение в концепцию мелодии в музыке и некоторые особые мелодические термины, с которыми мы столкнемся при изучении старинной музыки. Когда мы закончим изучение Средневековья, Возрождения и барокко, мы познакомимся с некоторыми новыми мелодическими терминами, появившимися в классическую эпоху.

Введение

Мелодия — один из основных элементов музыки. На самом фундаментальном уровне мелодия состоит из серии звуков. Соотношение этих тонов, другими словами, контраст между более высокими и более низкими тонами и/или повторение одного и того же тона — это то, что мы распознаем как мелодию или мелодию. Конечно, в западной музыке эти высоты обычно имеют определенную продолжительность, но мы еще поговорим о роли продолжительности и времени в нашем обсуждении ритма музыкального элемента.Важно помнить о мелодии — ее линейный или горизонтальный характер. Мелодии написаны горизонтальными линиями на печатной странице, и мелодии проплывают мимо наших ушей по одной ноте за раз, как вереница машин на улице или поезд. В то время как этот поток звуков является продуктом звуковых волн, которые распространяются от своего источника во всех направлениях, большинство слушателей бессознательно проводят связь между своим восприятием мелодического ряда и опытом наблюдения за проходящими объектами (например, прохождение поезд – горизонтальное движение).Эту линейную концепцию стоит помнить, когда мы позже узнаем о гармонии. Гармония включает в себя группы нот или аккордов, играемых вместе, чтобы создать «стек» звуков, приятных для слуха. Обратите внимание на вертикальную концепцию: «стеки» нот, играемых одновременно в гармонии, по сравнению с последовательностью нот, играемых одна за другой в мелодии. Этот вопрос о горизонтали и вертикали также имеет отношение к элементу текстуры, поскольку текстура в значительной степени зависит от того, была ли музыка соткана из независимых мелодических линий или построена на последовательных гармонических стеках.Таким образом, хотя мелодия может показаться очень простой концепцией, не требующей особых объяснений, способность распознавать линейный поток одной или нескольких мелодий может дать слушателю (например, студенту, сдающему экзамен по аудированию) важные подсказки относительно исторического происхождения и стилистических категорий. которому принадлежит этот кусок.

Мелодичный контур и движение

Мелодию, которая слишком долго остается на одном уровне, не очень интересно слушать. По мере развития мелодии высота тона обычно повышается или понижается.Это движение может происходить постепенно или быстро. Можно представить себе линию, которая круто идет вверх, когда мелодия внезапно переходит на гораздо более высокую ноту, или медленно идет вниз, когда мелодия плавно падает. Такая линия дает контур или форму мелодической линии. Часто вы можете получить хорошее представление о форме этой линии, глядя на мелодию, написанную на нотоносце, но вы также можете услышать ее, слушая музыку.

Формы арок (в которых мелодия поднимается, а затем падает) легко найти во многих мелодиях.

Рисунок 1. Контур

Вы также можете словесно описать форму мелодии. Например, вы можете говорить о «восходящей мелодии» или о «аркообразной» фразе. Дополнительные ноты, такие как трели и слайды, могут быть добавлены к мелодической линии как композитором, так и исполнителем, чтобы сделать мелодию более сложной и интересной. Эти дополнения обозначаются как украшения или украшения .

Другой набор полезных терминов описывает, как быстро мелодия поднимается и опускается.Мелодия, которая медленно поднимается и опускается, с небольшими изменениями высоты тона между нотами, составляет в соединении . О такой мелодии также можно говорить в терминах пошагового или скалярного движения, так как большинство интервалов в мелодии представляют собой половинные или целые шаги или являются частью звукоряда.

Мелодия, которая быстро нарастает и спадает, с большими интервалами между одной нотой и следующей, является дизъюнктивной . Можно также говорить о «скачках» в мелодии. Многие мелодии представляют собой смесь конъюнктивного и дизъюнктного движений.

 

Рисунок 2. Мелодия может демонстрировать сопряженное движение с небольшими изменениями высоты тона от одной ноты к другой или разъединенное движение с большими скачками. Многие мелодии представляют собой интересную, довольно уравновешенную смесь конъюнктивного и дизъюнктного движений.

Мелодические подразделения

Мелодии всегда делились на более мелкие составные части. На протяжении истории музыки термины, используемые для описания этих более коротких мелодических сегментов, менялись, особенно по мере того, как развивались новые жанры, использующие другой подход к мелодическому материалу.Важно не только знать эти термины и их значение, но и понимать их исторический контекст. Студенты иногда делают ошибку, описывая мелодические подразделения определенного исторического периода или жанра, используя термины из другого периода или жанра. При написании для демонстрации понимания музыкальной темы необходимо использовать термины, соответствующие этой теме. Следующие примеры предназначены для того, чтобы дать базовое введение в термины, обозначающие мелодические деления, и их контекст, который будет наиболее полезен при рассмотрении периодов Средневековья, Возрождения и барокко.

Неудивительно, что жанр, который использовался так долго и так широко, как григорианское пение, имеет поразительное изобилие терминов для различных мелодических структур. Тот факт, что простая мелодия в своей композиции так сильно зависит от элемента мелодии, только увеличивает количество мелодических терминов. Мы не будем изучать пение достаточно подробно, чтобы знать этот обширный каталог мелодических названий, но любой, кто хочет получить краткое введение, может прочитать вступительные абзацы статьи в Википедии о григорианском пении.Для целей нашего класса будет достаточно признать, что большинство простых песнопений используют сопряженное движение, поскольку мы не будем углубляться в пение настолько, чтобы понять его мелодические подразделения.

В средние века и раннее Возрождение наиболее распространенным методом композиции было использование ранее существовавшей мелодии, григорианского пения или популярной мелодии, в качестве основы, вокруг которой были составлены дополнительные мелодические линии. Ранее существовавшая мелодия была известна как cantus firmus , что буквально означает «фиксированная песня».Этот метод соответствовал вкусам своего времени, но использование существующей мелодии ограничивало творческие возможности композитора. По мере развития эпохи Возрождения композиторов начало раздражать это ограничение, и они экспериментировали с имитацией в качестве альтернативы. Подражание заключалось в написании совершенно новой мелодической идеи, которая представлялась в одной части, а затем последовательно повторялась или имитировалась каждой дополнительной частью по мере ее поступления. Каждая имитируемая таким образом мелодическая идея называлась точкой подражания .Эти моменты подражания часто не повторялись. Композитор просто продолжал писать новый мелодический материал, который имитировался во всех частях или голосах по мере развития произведения.

Изучая барокко, мы обнаружим, что используем термин тема для обозначения мелодических идей. Термин «тема» заимствован из мира литературы и используется в музыке с некоторыми из тех же значений, что и в письменной речи. Тема в рассказе — это центральная идея или концепция, вокруг которой вращается весь рассказ.Точно так же и в музыке тема — это мелодическая идея, служащая основой для всего произведения. Тема в музыке барокко, в отличие от мелодических идей, которые исполнялись только один раз в качестве точки подражания в произведении эпохи Возрождения, представляет собой мелодию, которая будет звучать неоднократно на протяжении всего произведения. В некоторых высокоструктурированных жанрах, таких как фуга, были разработаны сложные правила для обработки этой центральной мелодической идеи, и она получила особое название: предмет . Термин «субъект» используется почти исключительно в фугальной композиции.Важные мелодические идеи в других жанрах барокко наиболее уместно именовать темами.

Мелодия и музыкальная форма: Теория мелодического контура

Мелодия — один из основных элементов музыки. Нота – это звук с определенной высотой и длительностью. Соедините ряд нот одну за другой, и у вас получится мелодия. Но мелодия музыкального произведения — это не просто последовательность нот. Это ноты, которые бросаются в глаза, когда вы слушаете; линия, которая звучит наиболее важно, — это мелодия.Есть несколько общих терминов, используемых при обсуждении мелодии, которые вам, возможно, будет полезно знать.

Прежде всего, мелодическая линия музыкального произведения – это последовательность нот, составляющих мелодию. Дополнительные ноты, такие как трели и слайды, не входящие в основную мелодическую линию, но добавляемые к мелодии либо композитором, либо исполнителем для усложнения и интересности мелодии, называются украшениями или украшениями. Ниже приведены еще несколько понятий, связанных с мелодией.

«События, происходящие во времени, должны включать в себя какое-либо изменение, чтобы их можно было понимать как связанные или несвязанные… Существенными элементами любой мелодии являются продолжительность, высота тона и качество
(тембр, текстура и громкость)». Мелодии часто состоят из одной или нескольких музыкальных фраз, мотивов и обычно повторяются на протяжении всей песни или произведения в различных формах. Мелодии также могут быть описаны их мелодическим движением или высотами или интервалами между высотами (преимущественно
конъюнктивных или дизъюнктных или с дополнительными ограничениями), диапазоном высоты тона, напряжением и расслаблением, непрерывностью и согласованностью, интонацией и формой.

«Многие дошедшие до нас объяснения мелодии ограничивают нас конкретными стилистическими моделями, и они слишком эксклюзивны». В разных музыкальных стилях мелодия используется по-разному. Например:

• Рок-музыка, мелодичная музыка и другие формы популярной музыки и народной музыки, как правило, выбирают одну или две мелодии (стих и припев) и придерживаются их; во фразах и текстах может встречаться большое разнообразие. «Джино Стефани делает присвоение главным критерием своего «популярного» определения мелодии (Stefani 1987a).Мелодия, утверждает он, — это музыка «под рукой»; это то измерение, которое обычная музыкальная компетентность извлекает (часто без особого уважения к целостности источника), присваивает и использует для различных целей: пение, насвистывание, танцы и т. д.». (Миддлтон, стр. 96)

• В западной классической музыке композиторы часто вводят начальную мелодию или тему, а затем создают вариации. Классическая музыка часто имеет несколько мелодических слоев, называемых полифонией, например, в фуге, типе контрапункта.Часто мелодии строятся из мотивов или коротких мелодических фрагментов, как, например, начало Девятой пьесы Бетховена. Рихард Вагнер популяризировал концепцию лейтмотивов : мотива или мелодии, связанной с определенной идеей, человеком или местом.
• В то время как как в самой популярной музыке, так и в классической музыке периода обычной практики высота и продолжительность имеют первостепенное значение в мелодиях, в современной музыке 20-го и 21-го веков высота тона и продолжительность уменьшились, а качество приобрело значение, часто первичное.Примеры включают конкретную музыку , klangfarbenmelodie , восемь этюдов Эллиотта Картера и фантазию, которая содержит часть только с одной нотой, третью часть струнного квартета Рут Кроуфорд-Сигер 1931 (позже оркестрованную как Andante для струнного оркестра ), в которой мелодия созданный из неизменного набора тонов только посредством «диссонантной динамики», и « Aventures » Дьёрдя Лигети, в котором повторяющаяся фонетика создает линейную форму.

• Джазовые музыканты используют мелодическую линию, называемую «ведущей» или «основной», в качестве отправной точки для импровизации.
• Индийская классическая музыка в значительной степени зависит от мелодии и ритма, и не столько от гармонии, сколько от вышеупомянутых форм.
• В балийской музыке гамелана часто используются сложные вариации и изменения одной мелодии, исполняемой одновременно, что называется гетерофонией.

«Непрерывность и диегетическая функция почти всей вокальной мелодии влекут нас вдоль линейной нити синтагматической
структуры песни, создавая «точку перспективы», из которой
иначе несопоставимых частей музыкальной ткани могут быть помещены в связную структуру. ‘изображение’.

Форма или контур мелодии

Мелодия, которая остается на одном уровне, довольно быстро надоедает. По мере развития мелодии высота тона может повышаться или понижаться медленно или быстро. Можно представить себе линию, которая круто идет вверх, когда мелодия внезапно переходит на гораздо более высокую ноту, или медленно идет вниз, когда мелодия плавно падает. Такая линия дает контур или форму мелодической линии. Часто вы можете получить хорошее представление о форме этой линии, глядя на мелодию, написанную на нотоносце, но вы также можете услышать ее, слушая музыку.

Мелодия этой фразы имеет форму арки.

Вы также можете словесно описать форму мелодии. Например, вы можете говорить о «круто восходящей мелодии» или о «аркообразной» фразе.

Мелодии часто описываются как состоящие из фраз. Музыкальная фраза на самом деле очень похожа на грамматическую фразу. Фраза в предложении (например, «в глубокий, темный лес» или «под ту тяжелую книгу») — это группа слов, которые вместе имеют смысл и выражают определенную мысль, но сама по себе фраза не является законченным предложением. .

Другим термином, который обычно относится к мелодии (хотя он также может относиться к ритму или последовательности аккордов), является «мотив». Мотив — это короткая музыкальная идея (короче фразы), часто встречающаяся в музыкальном произведении.

Мелодии в контрапункте

Контрапункт имеет более одной мелодии одновременно. Это приводит к изменению правил использования и развития мелодий, поэтому термины, используемые для обозначения контрапунктических мелодий, также меняются. Например, наиболее важная в фуге мелодическая идея называется ее сюжетом.Подобно мотиву, предмет часто меняется, когда появляется снова, например, звучит выше или ниже, быстрее или медленнее. Для получения дополнительной информации по этому вопросу (каламбур) см. «Контрапункт для детей».

Более длинная часть мелодии, которая постоянно появляется в музыке, например, в «теме и вариациях», часто называется темой. Темы обычно состоят как минимум из одной фразы и часто состоят из нескольких фраз.

Карта Мелодии | Бесплатный план урока музыки (Melodic Contour)

из зоны уроков

Уровень

2-4 класс

Цель

Студенты будут слушать и отображать мелодический контур знакомой детской песни с пряжей на полу музыкального класса.Этот урок предназначен для выполнения Стандарта № 6 Национальных музыкальных стандартов: прослушивание, анализ и описание музыки.

Материалы

Музыка для простой детской песенки
6 футов пряжи на каждого ученика

«Карта мелодии» План урока музыки

Шаг 1
Скажите учащимся: «Сегодня мы нарисуем популярную детскую песенку на полу в музыкальном классе».

Шаг 2
Скажите учащимся: «Давайте начнем с проверки того, сколько из вас знают эту песню.Если да, поднимите руку.» Включите выбранную песню.

Шаг 3
Скажите учащимся: «На этот раз я хочу, чтобы вы показали высоту или низкую высоту каждого тона. Когда ноты высокие, держите руку высоко». Продемонстрируйте, подняв руку высоко и на уровне пола. «Когда ноты низкие, держи руку низко». Продемонстрируйте, держа руку низко и на уровне пола.

Шаг 4
Сыграйте мелодию на фортепиано одной рукой, помогая классу продемонстрировать высоту и низость каждой высоты тона первых 8 тактов песни.

Шаг 5
Скажите учащимся: «Давайте нарисуем эту мелодию. Я хочу, чтобы вы разделились на группы по два человека, считая до 10, а затем я раздам ​​каждой группе учеников клубок пряжи. используйте эту пряжу, чтобы нарисовать эту мелодию на полу в музыкальном классе».

Шаг 6
Сосчитайте до 10, чтобы учащиеся разделились на группы по два человека. Дайте каждой паре учеников клубок пряжи. Студенческие группы должны иметь достаточно места для создания своей карты прослушивания.

Шаг 7
Скажите учащимся: «Начните с укладки пряжи по прямой линии.»

Шаг 8
Скажите учащимся: «Я сыграю первые две ноты мелодии. Я хочу, чтобы вы решили, будет ли вторая нота ниже или выше первой. Как только вы это узнаете, сформируйте пряжу, чтобы показать это изменение. в мелодии».

Шаг 9
Покажите учащимся, как должна выглядеть их карта прослушивания пряжи, нарисовав ее на доске.

Шаг 10
Повторяйте эти шаги до тех пор, пока у вас не будет карты прослушивания, показывающей мелодический контур одной или двух фраз.

Просмотр бестселлеров Планы уроков музыки

Просмотреть новые планы уроков музыки

Простая карта мелодии рисования – Обучение начальной музыке

Старшие дети начальной школы (младшие ниже)

Нарисуйте эти картинки на доске или на доске. (Подсказка: если вы не можете заранее попасть в комнату Первоначального общества, просто нарисуйте их на плакате и принесите. Линии не должны быть точными, а должны быть общими в направлении подъемов и спадов.)

(Только для вашего сведения, круги в виде палочек обозначают каждый раз, когда в песне говорится: — ты или — твой .Стрелки вверх обозначают каждый раз, когда в песне говорится справа . Цифры для каждого раза, когда песня говорит , выберите или , выберите . Лучи желтого света обозначают света . Круглая желтая точка обозначает Бога . Не рассказывайте об этом детям. Пусть узнают.)

Спросите детей:  Что вы видите? Что ты заметил? Какое отношение эти картинки имеют к этой песне?

Спойте песню для детей и получите их ответы.Возможно, вам придется петь ее снова и снова. Вы можете провести пальцем по черным линиям, чтобы дать им несколько подсказок. Вы можете спросить: «Что означают цифры?» затем спойте, чтобы помочь им найти ответ. Продолжайте задавать другие вопросы, а затем спойте, чтобы помочь им разобраться. «Что обозначают стрелки?» «Что означает желтый цвет?»

Как только они поймут, что означают символы, попросите детей спеть только те слова, где есть рисунок, и скажите им, что вы споете остальные слова.Теперь поменяйтесь местами, и дети НЕ поют ни одно из слов с символом, но они ДЕЙСТВИТЕЛЬНО поют все остальные слова, когда вы поете слова с символом.

Интригующая головоломка для детей. Проведение пальцем по черной линии во время пения помогает им визуально распознавать подъемы и спады мелодии. Понимание того, что означают символы, помогает детям заинтересоваться и вложиться в понимание песни. Слушание песни снова и снова, когда они заняты попытками понять песню, помогает им составить карту песни в их голове и памяти.И это весело!

Младшие дети начальной школы

Покажите детям карту. Скажите им, что каждый раз, когда они видят стрелу, вы бы хотели, чтобы они ударяли мизинцем кулака по ладони другой руки.

Попросите учителя подойти и быть ведущим движений кулака на ладонь по стрелкам.

Спойте песню, проводя пальцем по линии и указывая особенно на стрелки, где они должны ударить кулаком по ладони.Спросите детей, какое слово было на каждой из стрелок. Получите их ответы.

Теперь попросите их растопыривать пальцы, держа обе руки перед собой, как свет фонарика, каждый раз, когда в песне появляются желтые лучи света, И ударять ладонью по стрелам.

Попросите учителя снова быть ведущим.

Спойте песню, проводя пальцем по черной линии и указывая на стрелки и лучи света. Вы можете подчеркнуть своим голосом слова, которые появляются на каждом из них.Дети и воспитатель-ведущий выполняют движения по этим символам.

Спросите детей, заметили ли они фигурку человечка в кругу. Спросите: «Как вы думаете, что это значит?» Спойте первую строчку, проводя пальцем по черной строчке и делая ударение, когда дойдете до слова «ты». Получите их ответы (Вы). Придумайте движение, которое нужно сделать на фигурке.

Спросите детей, есть ли трое или четверо из них, которые могли бы быть лидерами с учителем, который помогал вам.Пусть они выйдут вперед. Напомните им, что они делают движения со стрелками, лучами света и фигуркой.

Спойте песню, проводя пальцем по черной линии и указывая особенно на стрелки, лучи света и фигурки из палочек. Дети впереди руководят движениями других детей.

Как дети «Какое слово мы поем на стрелах? Какое слово нам петь на лучах света? Какие слова мы поем на фигурках?» Получите их ответы.

Попросите детей выполнить действия и спеть эти слова вместе с вами на этот раз во время песни.