Конкурс детских рисунков «Веселый город глазами детей» (0+)
На главнуюНовости
С 6 по 13 октября библиотеки МБУ «МИБС» проводили конкурс детских рисунков «Веселый город глазами детей», посвященный Всемирному дню улыбки (в рамках проекта «Мой добрый город»).
На конкурс принимались работы (рисунки) в цветном исполнении на бумаге формата А4 в произвольной технике рисования. Ребята рисовали цветными карандашами, фломастерами, красками, превращая белый лист бумаги в красочные картины.
С 6 по 13 октября в Центральной детской библиотеке прошёл конкурс детских рисунков «Весёлый город глазами детей», посвящённый Всемирному дню улыбки.
В конкурсе приняли участие воспитанники специализированного детского сада №225 и школы-интерната №66, читатели библиотеки. Они представили 30 работ, которые были экспонированы в фойе библиотеки.
В своих рисунках ребята изобразили родной город и любимые места отдыха. Город глазами детей – это мирный город, где царят красота, дружба и радость.
При создании рисунков начинающие художники использовали различные виды техники рисования и графические материалы.
Е. Ю. Шевченко, гл. библиограф ЦДБ, тел. 77-25-82.
В библиотеке «Единство» прошел конкурс рисунков «Веселый город глазами детей». В конкурсе приняли участие 26 учащихся школ №41, №8, №12 и лицея №11.
Дети с помощью разнообразной палитры красок изобразили всю красоту и настроение любимого города. Дети рисовали не только те места, где можно весело отдохнуть и с друзьями провести время, но и парки, аллеи, клумбы, памятники, которые украшают город, создают уют и поднимают настроение. В своих рисунках ребята поделились своими впечатлениями и передали через кисти свою любовь к городу. На выставке представлено более 18 рисунков.
Лучшие работы будут отмечены грамотами и подарками.
Г.
В. Сулагаева, гл. библиотекарь библиотеки «Единство», тел. 74-44-66.
В библиотеке «Экос» с 6 по 13 октября также экспонировалась выставка детского рисунка «Веселый город глазами детей». Всего было представлено на конкурс 15 рисунков, лучшие работы наших читателей будут отмечены сладкими призами. Рисунки выполнены читателями младшего и среднего школьного возраста, при посещении библиотеки. Здесь созданы комфортные условия не только для чтения, но и всестороннего проявления творческих способностей. Экспозиция продолжает пополняться и вызывает неподдельный интерес всех посетителей.
Р. Я. Юрьева, зав. библиотекой «Экос», тел. 73-31-90
В библиотеке «Абашевская» также завершился чудесный конкурс детских рисунков «Веселый город глазами детей» в рамках проекта «Мой добрый город». Ребята в возрасте от 9 до 12 лет приносили нам свои работы. Удивительно, как дети видят наш город, сколько в их рисунках радостного настроения и тепла!
С 6-13 октября проходила выставка конкурсных работ в читальном зале библиотеки.
Читатели и гости библиотеки, побывавшие на выставке рисунков могли выбрать лучшую из 24 представленных работ юных художников, а так же в группе ВК Библиотека «Абашевская» можно было познакомиться с работами участников и отдать свой голос за понравившуюся работу.
По итогам голосования были определены победители конкурса. На торжественном мероприятии авторам лучших работ были вручены грамоты и памятные подарки, остальные участники конкурса получили поощрительные призы.
Отдельная благодарность Е. В. Зацепиной учителю начальных классов МБОУ «Средней общеобразовательной школы №61 им. И. А. Касакина» и Н. В. Федоренко инструктору по труду МКУ СРЦН «Полярная звезда», ОДП «Теремок» за подготовку и активное участие учеников в конкурс детских рисунков «Веселый город глазами детей».
Т. М. Шарафутдинова, зав. библиотекой, Р. А. Быкова, гл. библиотекарь, тел. 31-55-26
Город глазами детей.
В Серове прошел конкурс рисунка «Двор моей мечты»
В конце декабря Центр «Эдельвейс» подвел итоги конкурса рисунков «Двор моей мечты». Творческое состязание стартовало 16 ноября и проходило одновременно с ежегодным рейтинговым голосованием по отбору общественных территорий, подлежащих благоустройству в рамках реализации муниципальной программы «Формирование современной городской среды на территории Серовского городского округа на 2018-2024 годы» – составляющей национального проекта «Жилье и городская среда».
Свои идеи по преображению городских пространств воспитанники «Эдельвейса», их родители и педагоги подготовили к 15 декабря. В рисунках были отображены дизайн-проекты благоустройства общественных территорий из перечня рейтингового голосования.
Всего в конкурсе приняли участие 12 клубов. На суд жюри было представлено 48 работ, над которыми трудились 218 человек. Лучших из них наградил первый заместитель главы администрации Серовского городского округа Андрей Пикулёв.
– Совсем не важно, кто какое место занял, важна ваша неравнодушная позиция к нашему родному городу и его облику. В 2021 году мы начинаем благоустраивать нашу главную площадь – Преображенскую, сделаем несколько дворовых территорий. Есть планы и на последующие периоды. Поэтому все идеи, которые вы отразили в своих рисунках, будут учтены при дальнейшем благоустройстве нашего города, – отметил Андрей Юрьевич, вручив подарки и дипломы сразу десяти победителям – по числу номинаций.
Больше всех предложений, 11 идей, было представлено по преображению сквера на улице Циолковского в районе бывшего кинотеатра «Космос» – победителя предварительного рейтингового голосования. В шести работах изображен сквер для выгула и дрессировки собак на улице Карбышева. Территории на улице Короленко, 12, было посвящено пять рисунков. По четыре – скверу у железнодорожного вокзала и площади Воина-освободителя в поселке Энергетиков. Также были представлены по три дизайн-проекта территории, прилегающей к пересечению улиц Л.
Толстого и Р. Люксембург, и на улице Заславского, 34, и по одному проекту посвящено лиственничной аллее у кинотеатра «Юбилейный» и территории вдоль улицы Луначарского. Кроме того, участники конкурса подготовили предложения по преображению и других городских общественных пространств.
Все рисунки можно увидеть на официальном сайте МБУ ДО ЦДП «Эдельвейс», в группах МБУ ДО ЦДП «Эдельвейс» «ВКонтакте» и «Одноклассники».
Между тем, в настоящее время в Серовском городском округе проходит разработка дизайн-проектов тройки-победителей территорий, выбранных с учетом общественного мнения горожан. Само рейтинговое голосование состоится с 25 января по 1 февраля 2021 года.
Ольга МАЛИНОВА
Фото автора
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
Глазами ребенка
Иногда, чтобы что-то оценить, нужно это знать, понять причину, цель или методы.
Иногда есть некоторый исторический контекст, который добавляет актуальности или важности.
Иногда умение изготовить вещь очевидно, кажется трудным, требует техники, мастерства, терпения.<
Иногда просто приятно посмотреть – красиво, и от этого становится хорошо.
Автопортрет, Винсент Ван Гог, Музей Орсе, Париж, ФранцияЯ вспомнил об этом прошлым летом, когда мы с женой поехали в Париж и взяли с собой нашу тогда еще 5-летнюю дочь. Поскольку она единственный ребенок, она привыкла получать много внимания от родителей, поэтому иногда мы просим ее согласиться с чем-то, что хотят сделать мама и папа, хотя мы знаем, что через 30 минут ей будет скучно. . Так было, когда мы проходили через музей д’Орсе, наверное, 3-й из 4-х музеев Парижа, через который мы ее заставили пройти.
Винсент Ван Гог — один из моих любимых художников, а в Музее д’Орсе хранится одна из лучших коллекций его работ, так что эта небольшая экскурсия должно было случиться . Как и ожидалось, минут через 30 дочка сказала, что ей скучно и я не готова уходить. Пытаясь продлить наше пребывание, я взял ее на руки и начал носить с собой, пока мы рассматривали картины.
Началась тактика отвлечения внимания – я начал задавать ей вопросы о картинах, на которые смотрел:
Сколько ушей ты видишь?
Где самый черный черный?
Куда художник пытался заставить вас смотреть?
Как вы думаете, на что похожи эти желтые вспышки?
Звездная ночь Винсента Ван Гога, Музей Орсе, Париж, Франция мы смотрим на картину по-разному. Иногда нам нужно было подойти ближе, иногда нам нужно было отойти подальше. Она начала квалифицировать то, на что смотрела —«Эта мне нравится больше, чем та», или
«эта бледно-голубая посередине хороша» , или
«эта женщина выглядит грустной, ей должно быть очень одиноко»
Она начала смотреть на картины как на историю, а не как на изображение, и я начал делать то же самое. Мы начали придумывать собственные истории о том, что происходило на картинах, которые мы видели. Это был лучший опыт, который у меня когда-либо был в музее.
Дети в этом плане забавны, их нетерпение или нетерпимость к чему-либо обычно происходит от непонимания или отсутствия интереса к текущей деятельности. Малейшие изменения повлияют на то, как они что-то видят, и в результате их поведение изменит ваше поведение. Нет никаких сомнений в том, что это занятие с моей дочерью сделало мою поездку в музей д’Орсе значительно более приятной — наша 30-минутная экскурсия длилась почти 3 часа.
«Ирисы в саду Моне», Клод Моне, Музей Орсе, Париж, ФранцияНайдите время, чтобы замедлиться и посмотреть на то, на что вы смотрите. Это может быть набор мазков кистью, на которые вы смотрите, или люди, стоящие в очереди за кофе. Глядя на вещи вокруг вещей, на которые вы смотрите, вы можете добавить к опыту способы, о которых вы не узнаете, пока не попробуете. Иногда все, что нужно, это пятилетний ребенок, чтобы указать вам на это.
Был ли у кого-нибудь еще подобный опыт?
еще лучше из жизни архитектора
Galveston Road Trip
Что я сейчас слушаю?
Глазами ребенка – Тейт и т.
д. свежесть и жизненная сила ребенка или слепого человека, внезапно прозревшего. «Ребенок видит все в состоянии новизны», — повторял Бодлер в году «Художник современной жизни».0014 (1863 г.), «гениальность есть не что иное, как детство, обретенное по желанию». Впоследствии многие художники пытались нарушить академические условности, предприняв экспериментальные регрессии к воображаемому детскому состоянию визуальной грации. Моне и Сезанн, например, стремились воссоздать момент Дамаска, передавая в красках структурированную идею чувственного взрыва первого взгляда. В 1904 году Сезанн сказал Эмилю Бернару: «Я хотел бы быть ребенком». Интерес к детскому творчеству мог бы показаться логическим следствием этого эмпиризма, но только во время повального увлечения примитивным искусством в первые десятилетия двадцатого века художники начали серьезно относиться к детскому искусству. В попытке очистить искусство от его fin-de-siècle упадок, они обращались к первобытным культурам, которые на снисходительном языке того времени считались культурными отсылками к «детству человека»; первобытное искусство часто сравнивали с грубыми произведениями искусства, созданными детьми, которых превозносили как доморощенных благородных дикарей.
Следовательно, современное искусство часто — и до сих пор — отвергается клише «это мог бы сделать ребенок». Как показывает Джонатан Файнберг в книге The Innocent Eye (1997), отнюдь не обижаясь на такие сравнения, экспрессионисты, кубисты, футуристы и представители русского авангарда часто разыгрывали параллель и часто выставляли свои работы рядом с детским искусством. : в 1908 году работы Кокошки впервые были показаны рядом с детскими каракулями; между 1912 и 1916 годами Альфред Штиглиц устроил четыре выставки, посвященные детскому творчеству, на своем легендарном 29-летии.1 галерея в Нью-Йорке; в 1917 и 1919 годах Роджер Фрай показывал детские работы в мастерских Омеги; а выставка Дадаизма 1919 года в Кельне включала инфантильные каракули, выставленные рядом с произведениями искусства Макса Эрнста и его коллег.
На художников повлияла не только «примитивность» детского творчества, как будто детство само по себе было темным континентом, совершенно другим для них, но и прогрессивные образовательные технологии, которые некоторые из них испытали в детстве. Представление о детстве как о царстве невинности и свободы было изобретением восемнадцатого века, восходящим к Руссо и Локку, которые оба написали трактаты о воспитании (до этого дети считались мини-взрослыми). В Изобретая детский сад (1997), Норман Бростерман утверждает, что педагогические инструменты, которые использовались для обучения творчеству во второй половине девятнадцатого века и основывались на этих романтических идеях, можно интерпретировать как заложившие основу для геометрической абстракции в искусстве. Он убедительно показывает, что двадцать красивых «подарков» или художественных игрушек, которые немецкий педагог Фридрих Фрёбель использовал для обучения детей пониманию узоров и форм, были строительными блоками модернизма.
Наряду с творческим подпитыванием детского творчества, стремлением к бросающейся в глаза детской неграмотности и якобы легкому доступу к бессознательному (чтобы попытаться воззвать к внутреннему ребенку в каждом из нас), многие художники создавали произведения искусства специально для детей. Поступая таким образом, они часто стремились отразить некоторую окулярную невинность и примитивизм, которыми они восхищались в детском искусстве. Эти творения, созданные для того, чтобы к ним прикасались и чтобы с ними играли, подобно тому, как африканские фетиши были созданы для того, чтобы их использовали, а также чтобы на них смотрели, возможно, лучше всего рассматривать как философские игрушки, такие как дары Фребеля, а не как произведения искусства: они учили идее искусства, которое ценилось спонтанное самовыражение и игра превыше всего. Те игрушки, которые пережили детские игры их владельцев, являются горькими реликвиями, воплощающими утопические ожидания, которые авангард проецировал на детей.
В 1902 году Пауль Клее, разыскивая рамы в хранилище своих родителей, наткнулся на стопку рисунков, которые он нарисовал в возрасте от трех до десяти лет. В письме к своей невесте он назвал их «самыми значительными [я сделал] до сих пор». Он только что вернулся из четырехлетней художественной школы в Риме, но вся его академическая подготовка казалась бесполезной, когда он столкнулся с эмоциональной сыростью этих первых усилий. Он включил восемнадцать рисунков в более поздний каталог своих работ, пропустив почти все произведения искусства, которые он создал в промежуточные годы до их повторного открытия. Такие работы, как Девушка с куклой 1905, в которой мы видим Клее в ностальгическом диалоге со своим юношеством, были сознательно исполнены, по его признанию, «в детском стиле».
В 1907 году у Клее родился сын Феликс, и по мере взросления он хранил и выставлял многие из своих «примитивных» работ; когда люди пренебрежительно сравнивали картины Клее с детскими («безумные, инфантильные каракули», по словам одного рецензента), он отвечал: «Картины, которые рисует мой маленький Феликс, лучше моих».
Клее описал работу группы Blauer Reiter («Синий всадник») как возвращение к «примитивным началам искусства» и прославлял то, как эти художники искали подлинность и вдохновение «в этнографических коллекциях или дома, в детской». делал. В Палаточный городок с голубой рекой и черными зигзагообразными облаками 1919, он почти в точности скопировал смелые очертания одной из картин своего двенадцатилетнего сына .
Эта цепочка влияния завершает круг в игрушках, которые Клее сделал для своего сына. В их число входят корабли, железнодорожная станция из картона и 50 ручных марионеток, из которых 30 остались. Создание им этого гротескного состава — Касперл и Гретль (Панч и Джуди), Смерть, Дьявол, полицейский, крокодил — совпало с его первыми экспериментами со скульптурой и, как и с такими произведениями искусства, как Голова, сделанная из куска кирпича, сглаженного рекой Лече 1919, в куклах использованы найденные материалы: подкова, ореховая скорлупа, спичечный коробок, электрическая вилка.
Автопортрет , например, на котором изображен художник с огромными глазами, козлиной бородкой и меховой шапкой, сделан из двух говяжьих костей, покрытых гипсом и одетых в поношенный кусок серой ткани, вырезанный из одного из старых костюмов художника. Фигура дьявола сделана из выброшенной перчатки из свиной кожи, два пальца превращены в рога, а в носу есть медный обруч. В 1921 января, когда четырнадцатилетний Феликс стал самым юным учеником Баухауза, он ставил там сатирические спектакли с этими марионетками (впоследствии он стал оперным режиссером). Его отец делал фоны, как вспоминал Феликс о слиянии влияний, из фотографий, «снятых с Blauer Reiter».
Немецко-американский художник Лайонел Фейнингер, который был связан с группой Blauer Reiter и разработал обложку для манифеста Баухауза 1919 года, также был страстным производителем игрушек. Его шедевром был «Город игрушек», созданный для трех его сыновей и добавленный к каждому Рождеству: «Время, — сказал он, — для моего периодического увлечения изготовлением игрушек».
Он состоит из, по описанию одного из его сыновей, «готических, сломанных, тесных и красочных, с двускатными фасадами [зданий], с нависающими верхними этажами, огромными дымоходами и крутыми крышами». Эта грубо вырезанная экспрессионистская декорация, домики которой не выше фута высотой, населена люмпенами, безногими деревянными фигурами с узловатыми лицами и торчащими носами — рыбак на зюйдвестке с огромной трубкой, два священника-иезуита с высокие шляпы, немецкий полицейский в остроконечной каске, их лица нарисованы с грубой экономией искусного карикатуриста.
«Игрушки, созданные художником, могут служить для понимания формальных идей их создателя», — писал сын Фейнингера. «Настоящая работа» каждого из них имеет игривую грацию и легкость, а в «игрушках» мы находим достаточно серьезности, чтобы напомнить нам о серьезности детской игры». «Экскурсии в игровой мир» Фейнингера, как его сын называл создание игрушек, не только давали детям инструменты для их воображения, но и подпитывали «настоящую работу» художника, служив экспериментами с геометрией, цветом и пространством.
Действительно, «Город игрушек» похож на трехмерную версию одной из картин Фейнингера.
В 1913 году один из игрушечных поездов, который Фейнингер сделал для своих сыновей, так впечатлил мюнхенского производителя, что тот попытался запустить его в серийное производство (до начала войны были построены только прототипы). Несколько других художников делали игрушки для массового рынка. Уругваец Хоакин Торрес-Гарсия, основатель конструктивного универсализма, разработал линию игрушек, когда он был начинающим художником в Париже после Первой мировой войны. В 1920 году, после того как он переехал в Нью-Йорк, он основал компанию Aladdin Toy Company для производства своих «девяток».0013 juguetes трансформируемый
»- комические коротконогие фигурки, домики конфетного цвета, мультяшные пароходы и зверинец животных, которые представляли собой мозаику из кусочков, которые можно было складывать и смешивать для создания различных модульных форм. Это были развивающие игрушки, которые повторяли абстракции из дерева, которые он делал в то время, грубо вытесанные версии полотен его друга Мондриана.
В 1920-х годах Александр Колдер также разработал красочную линию качающихся слонов и зебр, а также тюленей и лягушек, которые двигались, когда вы тащили их по полу. В то время как немногие художники считали свои игрушки частью своей «настоящей работы», Колдер не стеснялся связи между искусством и игрой: он выставил свой цирк в чемодане, созданный в Париже между 1926 и 1931, а также его проволочные скульптуры и мобильные телефоны. Есть фильм о 63-летнем Колдере, режиссёре своего кинетического интермедия, искусно манипулирующем своими 70 с лишним артистами в комической процессии игрушек: проволочными акробатами и акробатами, клоунами, танцовщицей живота с заводной рукояткой, бьющим воду слоном, укротитель львов, глотатель мечей, ковбой с лассо и метатель ножей — каждая анимированная фигурка создана с остроумным шармом ручной работы. В большом театре Колдера, как и во всех философских игрушках, мы видим, как стирается граница между искусством и игрой: homo sapiens становится тем, что голландский историк Йохан Хейзинга назвал homo ludens , «человек-игрок».
По словам Элизабет Тернер, в эссе о пособии Колдера по рисованию для детей, Animal Sketching (1926), в котором были представлены эскизы его проволочных цирковых конструкций, художник находился под сильным влиянием книги психолога Джеймса Салли « Исследования детства » ( 1896 г.). В области революционной теории Сюлли был одним из первых, кто провел параллели между детским искусством и искусством «примитивных» культур: «Нельзя ли сказать, что импульс художника имеет свои корни в счастливой полусознательной деятельности ребенок в игре, всепоглощающее усилие «высказать», то есть дать внешнюю форму и жизнь внутренней идее, и этот импульс игры становится импульсом искусства (предположим, что он достаточно силен, чтобы пережить годы игры). ), когда он освещается растущим участием в общественном сознании».
В 1907 году, когда он впервые посетил этнографический музей Трокадеро, Пикассо сделал куклу-фетиш с гвоздями вместо глаз для дочери своей уборщицы. Юную девушку, видимо, испугал его суровый тотемический дар.
В том же году Пикассо также обменялся картиной со своим соперником Матиссом. На сильно схематизированный портрет последнего, Маргарита 1906–1907, повлияли его наблюдения за рисунками своих шести- и семилетних сыновей, и Пикассо, как вспоминает его биограф Джон Ричардсон, «очень любопытно было увидеть, как Матисс использовал инстинктивное видение своих детей». Пикассо также признавал, что портрет Матисса вдохновил центральные фигуры его примитивистского шедевра 9.0013 Les Demoiselles d’Avignon 1907.
Пикассо был очарован детским искусством. Он чувствовал, что его отец, профессор рисования, преждевременно подтолкнул его к академическому стилю, и он стремился вернуть себе юношеский задор, которым пожертвовал. В 1956 году во время экскурсии по выставке детского творчества Пикассо сказал Герберту Риду: «Когда я был в возрасте этих детей, я умел рисовать, как Рафаэль. Мне потребовалось много лет, чтобы научиться рисовать, как эти дети». Есть несколько фотографий, на которых он наблюдает за рисованием своих четверых детей, на его лице выражение восторженного внимания, а иногда он предавался совместным каракулям.
«Удивительно, — сказал он, — вещи, которые выходят из их рук, часто меня чему-то учат». Пикассо делал кукол ручной росписи для своей старшей дочери Майи, которая изображена держащей одну из них в свои 19 лет.38 ее портрет. Он также делал для Майи и своего сына Паоло умные маленькие фигурки из бумаги — однажды он сделал их клоунами и персонажами комедии дель арте, с которыми они могли играть в миниатюрном театре, который он создал из пустого пакета Gauloises. . В 1946 году Брассай сфотографировал подборку причуд Пикассо для Cahiers d’Art : «Маленькие птички из оловянных капсул, дерева или кости; дрозд из куска дерева, отшлифованная океаном кость, которую Пикассо превратил в голову орла… многочисленные силуэты, вырезанные или просто вырванные пальцами из бумаги или картона, вызывают истинное наслаждение. Обычно он использовал бумажные салфетки или пачки сигарет. Среди бесчисленных вещей много животных: рыбы, лисы, козлы и стервятники; а также маски сатиров, детские лица и черепа».
В конце 1940-х у Пикассо родились еще двое детей от Франсуазы Жило, Палома и Клод, и он сделал им похожие игрушки. Он вырезал Паломе серию деревянных кукол из ее строительных блоков. Они стоят по стойке смирно, как экспонаты в антропологическом музее, их разрисованные лица превращаются в кегли с пухлыми лицами. Иногда он использовал игрушки своих детей как найденные предметы, которые он изобретательно включал в свои собственные произведения искусства, как, например, он сделал знаменитые игрушечные машинки, которые его дилер подарил Клоду в 9 лет.0013 Бабуин и ее детеныш 1951.
Матисс назвал свою ретроспективу 1950-х годов «Взгляд на жизнь глазами ребенка». «Художник, — писал он, — должен смотреть на все так, как если бы он видел это в первый раз: он должен смотреть на жизнь так, как он смотрел в детстве, и если он утратит эту способность, он не сможет выразить себя в оригинальный, то есть личный способ». Более поздние работы Пикассо, основанные на изучении им собственного детского искусства, становились все более экспрессионистскими, и он переосмыслил историю искусства, создав версии 9 Веласкеса.
0013 Las Meninas 1957 и Le Dejeuner sur l’herbe 1960 Мане, представляя канон как бы глазами ребенка. Его усилия вызвали предсказуемую критику: в 1960-х годах Джон Бергер обвинил Пикассо в том, что он «сведен к игре, как ребенок… обречен рисовать без слов».
В 1983 году Энди Уорхол выставил 128 картин, созданных специально для детей, в галерее своего европейского дилера Бруно Бишофбергера в Цюрихе. Хотя сами по себе они не игрушки, это картины игрушек — их изображения взяты из коробок с винтажными и заводными игрушками, которые он собирал. Большая часть шелкографии Игрушечные рисунки — панда, играющая на барабанах, самолет, попугай, космический корабль, полицейская машина, обезьяна и вертолет — состоят из трех смелых цветов, наложенных друг на друга таким образом, чтобы казалось, что они должны быть смотреть через 3D-очки. Они также были опубликованы в виде настольной книги по поп-арту и восходят к более ранней карьере художника в конце 1950-х годов в качестве иллюстратора детских книг (он иллюстрировал несколько томов для книжного клуба Doubleday).
Мини-музей Уорхола, одна большая игрушка, был таким же игровым пространством, как и скульптурные игровые площадки, спроектированные Исаму Ногучи для Нью-Йорка и других мест. Игрушечные картины были выставлены как уменьшенная версия ретроспективы Уорхола 1971 года Уитни, где электрические стулья и Мэрилин были показаны на фоне обоев с изображением коровьего поля, которые, казалось, издевались над жвачными размышлениями зрителя. В Цюрихе он заменил коров стайкой рыб, которые сверкают на голубом фоне и все плывут, разинув рты, как ветроуказы, в одном направлении. Взрослые должны были присесть на корточки, чтобы посмотреть на полотна, развешенные на уровне глаз трех-пятилетних детей. (С взрослых, не сопровождаемых ребенком до шести лет, взимается вступительный взнос, деньги идут на благотворительность для детей.) После того, как он выставил серию игрушек, Уорхол начал сотрудничать с Жаном-Мишелем Баския над серией полотен. Очевидно, у Бишофбергера возникла идея этого партнерства после того, как его четырехлетняя дочь работала с Баския над картиной «9».
0013 Untitled 1984. Когда его спросили, какими художниками он восхищается, Баския сказал: «Что мне действительно нравится и повлияло на меня, так это работы трех-четырехлетних детей». (Один из самых ранних автопортретов Уорхола, Господь дал мне мое лицо, но я могу выбрать себе нос 1948, тоже нарочито ребяческий: он показывает пальцем в стиле ар-брют в живописных ожиданиях.) В одной из совместных работ Уорхол поступил с Баския, как бы ссылаясь на этот факт, Уорхол включил космический корабль из серии игрушек.
В 1983 году Баския нанял восьмилетнего Джаспера Лака, которому он платил двадцать долларов в день, чтобы он рисовал мотивы своих картин: ракетоподобный Эмпайр Стейт Билдинг и удочку с огромным крючком. Баския, как и все художники-авангардисты, увлеченные детским искусством, мог лишь подражать бессознательной наивности детей, которая не могла сравниться с настоящей. В 1986 году на своей выставке в галерее Мэри Бун Баския представил Лака Уорхолу как «лучшего художника Нью-Йорка».