Доклад про натюрморт: Доклад на тему Натюрморт (в живописи) 4, 6, 7, 8 класс сообщение

		Шаг 1 Художник начинает рисовать с размывки ультрамаринового синего, жженой охры и чешуйчатой ​​белизны. Тени размыты, чтобы создать простую гризайльную визуализацию объекта, собранного в самые простые и четкие формы.
		Шаг 2 Используя кисть из щетины, художник наносит цвет широкими мазками, чтобы установить основные отношения в композиции.
		Шаг 3 Работая медленно и уделяя большое внимание цветовому восприятию в каждой точке изображения, художник делает простые и четкие утверждения, смешивая и накладывая один цвет за раз. Художник склонен слегка преувеличивать насыщенность цвета, понимая, что он сможет вернуться позже и добавить серого, если потребуется. Хотя художник немного растушевывает и растушевывает кистью, он старается не переусердствовать с изображением.
		Шаг 4 В некоторых случаях художник меняет кисть на соболиную ближе к концу картины, чтобы получить более тонкую и более качественную законченную работу. Завершенная картина: Демонстрационный натюрморт 2003 г., 10 x 15½. Коллекция художника.

Установка стандарта искусства натюрморта

Голландская натюрмортная живопись установила стандарт неземной виртуозности в 17 ^ом веке, и я никогда не смогу смириться с необычным сочетанием предметов, которые эти художники выбирали для изображения: всевозможная еда, полированное столовое серебро. и блестящее стекло, вышитые и тщательно выделанные скатерти, и тонны и тонны цветов.

О чем я иногда забываю, так это о том, насколько символичными были все эти объекты для зрителей, которые имели возможность увидеть их много лет назад. И также интересно отметить, что художники часто целенаправленно изображали предметы, которые могут быть сложной задачей для рисования, чтобы продемонстрировать свои навыки рисования.

Весь этот символизм и желание покрасоваться вылились во множество картин, которые выглядят чрезмерно и немного нереально. Возьмем, к примеру, цветочный натюрморт. Рисование цветов было популярным направлением в золотой век голландской живописи. Символично, что художников и зрителей интересовала природа существования цветка — от свежесрезанного и цветущего до увядания и умирания — из-за подразумеваемого «морального» урока, стоящего за произведением, а именно, что жизнь мимолетна, а смерть неизбежна.

Но и живые цветы на картине были признаком высшей роскоши. В 17 ^-м -м веке иметь букет цветов было практически неслыханно даже в самых богатых семьях. На самом деле, в большинстве голландских домов цветы выставлялись совсем не так, как мы привыкли. Вместо этого цветы выставлялись один за другим в небольших вазах или подставках для тюльпанов, специально предназначенных для относительно небольшого количества цветов.

Получите бесплатную электронную книгу по технике рисования натюрмортов! БЕСПЛАТНО и эксклюзивно для подписчиков Artist Daily eNewsletter. Введите свой адрес электронной почты в поле ниже, чтобы получать бесплатную электронную книгу, а также электронные информационные бюллетени с советами по рисованию натюрмортов и многим другим!

[fw-capture-inline кампания=”RCLP-подтверждение-натюрморт-живопись” спасибо=”Спасибо за загрузку!” interest=”Art” offer=”/wp-content/uploads/pdfs/StillLifeUpdate. pdf”]

Создав такую ​​показную цветочную картину, изображающую невероятные букеты, большинство зрителей даже не надеялись увидеть их на самом деле. лично или у себя дома, художники делали две вещи: во-первых, указывали на искусственность таких выставок как напоминание о том, что жизнь состоит не только из роскоши, и тратить деньги на такие вещи — пустая трата времени. Но они также ниспровергали саму эту идею — показывая такие красивые букеты, они в первую очередь сильно соблазняли зрителей купить картину, по сути передавая мысль о том, что в реальной жизни не может быть такой роскоши, но эта картина даст им вам и цветы на этой картине никогда не умрут.

Для нас отдавать дань традиции голландской живописи и быть частью этого увлекательного и увлекательного жанра stii life означает действительно понимать мотивацию искусства и техническое исполнение, которое потребовалось, чтобы получить эти удивительные финальные работы, и работать над этим. фундамент живописи, который нам нужен, чтобы иметь свои собственные художественные золотые века.

Фокусы при рисовании натюрмортов

Многие начинающие художники, как правило, посвящают свою энергию аккуратному рисованию и раскрашиванию объектов, и им трудно создать сильную композицию. «Легко запутаться во всех возможностях», — говорит художник-преподаватель Джеймс Сулковски, который проводит семинары на пленэре, чтобы помочь студентам преодолеть страх перед принятием решений. Некоторые художники-инструкторы предлагают использовать видоискатель, которым пользуются многие художники, когда сталкиваются с большой сценой. Видоискатель можно купить в любом магазине товаров для творчества или сделать простой из картона. Независимо от материала, он служит одной и той же цели: видоискатель позволяет художнику изолировать ключевые элементы сцены, а также просматривать несколько композиций, прежде чем записывать одну из них на бумаге.

Столкнувшись с большой сценой, полезно задать несколько вопросов. Почему я хочу нарисовать эту сцену? Что меня в ней изначально привлекло? Какой контент нужен, чтобы привлечь зрителя и заставить его почувствовать то же, что и я? Ответив на эти вопросы, становится ясно, что данная сцена не высечена на камне. Художник может изменить сцену в соответствии с эмоциями или сообщением, которым он или она стремится поделиться со зрителем. Натюрморт предназначен для того, чтобы разжигать воображение и будоражить чувства; это должен быть образ, который так и просится, чтобы его написали или нарисовали. Если какая-то область или изображение вам не нравятся, измените местоположение или выберите другие темы. Или можно сильно обрезать сцену и сосредоточиться на мельчайших деталях, которые часто остаются незамеченными в большой сцене.

Сулковски рекомендует учащимся определить точку фокусировки перед нанесением кисти на холст. «Независимо от обстоятельств художник должен определить фокус своей картины, а затем структурировать процесс рисования так, чтобы зритель сразу понял центр интереса. При рисовании на пленэре очень важно помнить об этом, чтобы время и энергия не тратились на проработку второстепенных участков холста». То же самое относится и к рисованию натюрморта.

Художник-преподаватель из Нэшвилла Гейл Леви предлагает ученикам своей мастерской часами расставлять элементы, чтобы создать лучшую композицию. Она советует сначала собрать вместе больше объектов, чем, по их мнению, им понадобится для натюрморта, а затем выбрать один в качестве фокуса. «Сначала разместите этот объект, а затем окружите его поддерживающими элементами», — предлагает она. Рисуя натюрморт, Леве начинает с фокуса и делает измерения на холсте, пропорциональные центру интереса.

В своей картине Reflections in Gold Леви использует правило третей, чтобы привлечь внимание зрителя к вазе и фруктам (посмотрите демонстрацию картины). Это одно из нескольких устройств, которые могут привлечь внимание зрителя к центру интереса. Это правило, используемое в живописи и фотографии, предназначено для создания более эстетически приятной композиции. Он советует художникам разделить холст на три части как по горизонтали, так и по вертикали и поместить центр интереса в точку пересечения или в верхнюю или нижнюю треть кадра. При этом фокус выносится из «мертвой точки» холста, и взгляд зрителя направляется по всему пространству. Как только фокус установлен, определение эмоций или сообщений, которые он вызывает, поможет решить, какой из вышеупомянутых инструментов наиболее эффективно расскажет четкую и вызывающую воспоминания визуальную историю.

Настоящая неподвижность в натюрморте

Сара Силтала в основном пишет натюрморты и пейзажи, хотя иногда она рисует фигуры углем, чтобы отточить свои навыки рисования. «Меня вдохновляет природа и ее щедрые дары, будь то фрукт, цветок, облако, дерево или птица», — говорит она. «Видеть красоту повсюду вдохновляет меня рисовать». Это неудивительно, учитывая, что художник вырос в окружении живописных пейзажей Нью-Мексико, которые десятилетиями привлекали художников-пленэристов со всего мира. Иногда вдохновение приходит к ней мгновенно, а иногда ей приходится размышлять над предметом, прежде чем она начнет его рисовать.

Силтала часто обращается к своему альбому для рисования, в котором она хранит различные рисунки, идеи и изображения, которые вдохновляют ее, когда она готовится к рисованию. Она тратит значительное количество времени на определение композиции своих натюрмортов, стремясь создать в своей работе ощущение спокойствия и умиротворения. «Меня не привлекают сложные композиции, — говорит она. «Вместо этого я концентрируюсь на одной или двух основных идеях. При настройке своих натюрмортов я переставляю и обычно удаляю объекты, чтобы быть уверенным, что поймаю оптимальные свет и тень в окончательной картине». Когда она удовлетворена аранжировкой натюрморта, она делает несколько фотографий своей окончательной установки для справки в студии. Она часто работает более чем над одной картиной одновременно, что делает невозможным создание каждого натюрморта в процессе рисования.

Вырезав и обмерив деревянную панель, она наносит левкас, а затем набрасывает свою композицию углем. Она начинает рисовать легкими мазками, медленно наращивая цвет. Если бы вы посмотрели демонстрацию натюрморта Силталы, вы бы увидели, как она работает в стиле старых мастеров, создавая слой за слоем прозрачной глазури. Она цитирует Коро, Рембрандта и Иннесса как своих вдохновителей. Независимо от размера ее поверхности, работы Силталы занимают недели, потому что каждый слой должен полностью высохнуть, прежде чем можно будет нанести следующий, даже несмотря на то, что она использует алкидную среду для ускорения процесса сушки.

«Я часто играю с каждым слоем, когда кладу его, вдавливая в него губки, скомканную ткань или пищевую пленку и снимая часть влажной глазури, чтобы открыть предыдущий слой», — отмечает художник. «После такой игры с несколькими слоями получается импрессионистское цветовое поле с просвечивающими пятнышками отдельных цветовых слоев». Силтала считает эту стадию создания слоев медитативной, так как она требует от нее работать спокойно и медленно, полагаясь на терпение по мере высыхания каждого слоя краски. «Это очень хороший баланс для моего лихорадочного образа жизни, связанного с воспитанием двух маленьких мальчиков», — говорит она. «Жизнь движется очень быстро, и я верю, что нужно время, чтобы питать дух. Я всегда в восторге, когда посетители узнают в моих картинах чувство умиротворения, потому что я запечатлеваю то, что действительно стремлюсь выразить в своих работах: тихий момент покоя, красоты и простоты в зачастую хаотичном мире».

Определение, искусство и история – Artlex

Что такое натюрморт?

Натюрморт — это произведение искусства, обычно изображающее неодушевленные предметы. Натюрморт — один из основных жанров западного искусства. Обычно обычные объекты, которые изображаются в натюрмортах, включают растения и цветы, еду, книги и многие другие объекты, которые передают предполагаемое сообщение, стоящее за произведением искусства. Натюрморт приобрел огромную популярность в Европе, особенно в Нидерландах, в 16 веке, но имеет корни в древнеегипетском, греческом и римском искусстве.

Знаменитый натюрморт

История натюрморта

Традиция создания натюрморта прослеживается на протяжении всей истории искусства. Ранние культуры создавали предметы, такие как керамика, которые были украшены элементами натюрморта. Элементы натюрморта были найдены в египетских храмах и греко-римских настенных росписях, включая ссылки на еду, богатство и смерть.

В Средние века или средневековый период (около 500-1520 гг. н.э.) элементы натюрморта были важной частью украшений, обычно встречающихся в иллюминированных рукописях и вотивных панелях. Эти элементы натюрморта обычно представляли собой предметы, как естественные, так и искусственные, которые дополняли повествование, представленное в рукописи. Вотивные панели обычно содержали символические изображения, в том числе предметы, отражающие религиозные аллегории.

Натюрморт был оформлен в конце 17 века Французской академией художеств. Согласно иерархии жанров, сложившейся в период Высокого Возрождения, натюрморт занимал низшее место, поскольку не изображал человеческие предметы. Натюрморт не был по-настоящему популярен до 17 века, когда голландские и фламандские художники упорядочивали неодушевленные предметы для создания аллегорий, используя религиозную символику.

Первым официальным натюрмортом считается Натюрморт с куропаткой и перчатками итальянского художника Якопо де Барбари, датированный 1504 годом. Хотя вполне вероятно, что другие художники изучали натюрморты и гравюры примерно в то же время. , работы де’Барбари начали формализовать жанр натюрморта в европейском искусстве.

Начиная примерно с 1600 года, элементы натюрморта часто добавляли к портретам, чтобы украсить предмет, будь то внешность, состояние или репутация человека. Символы богатства, жизни и смерти, такие как деньги, черепа, книги, песочные часы, свечи, музыкальные инструменты, еда и другие материальные удовольствия, были наиболее популярны в символических картинах, известных как 9.0012 Ванитас . Картины Ванитаса часто были темными и жуткими, напоминая зрителям о быстротечности жизни и неизбежности смерти.

Художники-натюрморты, в основном голландские художники и французские художники на тот момент, изображали свои предметы с растущим реализмом, тогда как художники, такие как Ян ван Эйк, часто рисовали повседневные предметы в гиперреалистичном стиле. Природные объекты и цветочные картины также были распространены в голландской живописи. Это было связано с отказом от религиозной аллегории среди таких художников, как Альбрехт Дюрер и Леонардо да Винчи, чьи акварельные наброски, рисунки и гравюры изображали пищу, флору и фауну в качестве предметов.

Живопись Trompe l’oeil была еще одним популярным стилем натюрморта, который возник в Древней Греции, завоевал популярность среди голландских и фламандских художников в 18 веке, а позже стал фаворитом художников рококо. Картины Trompe l’oeil должны были заставить зрителя поверить в то, что изображенная сцена реальна, отсюда и название trompe-l’œil , что переводится с французского как «обман зрения».

Натюрморт также использовался для празднования научных достижений, в частности, классификации животных и ботанических образцов, а также последствий растущей индустриализации. Морские раковины, лекарственные растения и когда-то экзотические фрукты, такие как лимоны, были среди предметов и часто изображались.

Традиция натюрморта следовала аналогичной тенденции в периоды барокко и рококо, когда цветочные мотивы были включены почти везде, от картин до штор, от мебели до обоев. Художники продолжали отворачиваться от религиозных аллегорий и даже морали картин vanitas.

Натюрморт в современном искусстве

К концу 19 века многие художники-модернисты использовали натюрморты по-разному и для разных целей. Хотя религиозный оттенок натюрмортов вышел из моды, многие художники по-прежнему опирались на эту историю, хотя бы для того, чтобы еще больше ее отвергнуть.

Натюрморты ушли от символических композиций к простым изображениям повседневных неодушевленных предметов. Тем не менее, многие художники продолжали ориентироваться в своих произведениях по отношению к иерархии жанров, где натюрморт занимал шестое и последнее место в списке. Иерархия началась с исторической или религиозной живописи, портретной живописи, жанровой живописи, пейзажной и городской живописи, анималистической живописи и, наконец, натюрморта.

Иерархия жанров быстро потеряла популярность, поскольку художники-реалисты изображали сцены из повседневной жизни, а не религиозные аллегории или исторические сцены. Реалистов больше интересовали реалии современного мира, и, хотя портреты людей из рабочего класса были популярны, многие элементы натюрморта были включены, чтобы рассказать об условиях, с которыми столкнулись многие люди из рабочего класса.

К 20-му веку художники-импрессионисты и постимпрессионисты, такие как Эдуард Мане и Анри Латур, отвергли иерархию и написали множество натюрмортов, которые часто прославляли природу и повседневную жизнь. Винсент Ван Гог был еще одним художником, который часто использовал природу и повседневную жизнь в качестве сюжета при создании картин. Это подрывное возрождение натюрмортов стало еще более революционным благодаря методам, которые такие художники использовали для изображения своих предметов. Когда-то точные и почти научные в своих изображениях художники-импрессионисты и постимпрессионисты предпочитали использовать смелые цвета и толстые мазки.

Натюрморт продолжал развиваться и снова стал популярным в Европе и даже на других континентах, таких как Соединенные Штаты. В то время как европейские традиции живописи все еще были заметны, натюрморт стал отдельным движением в Америке. Trompe l’oeil и мир природы по-прежнему были популярными предметами среди американских художников, которые также часто использовали гиперреалистическую живопись.

Сдвиг в сторону абстракции в мире искусства также изменил представление о том, как выглядели натюрморты, что также верно для большинства картин, созданных в начале 20-го века. Такие художники, как Анри Матисс, Поль Сезанн, Пабло Пикассо, Марсель Дюшан, Жоан Миро, Джорджия О’Киф и Фрида Кало, входят в число художников, ответственных за инновации в натюрморте, которыми восхищаются и по сей день.

Натюрморт в современном искусстве

Ко второй половине 20-го века натюрморты уже вышли за рамки холста и вошли в сферу скульптуры и фотографии. Художники экспериментировали с определением натюрморта и глубиной смысла, который могли передать предметы быта. Дадаизм и реди-мейд были одним из способов, которым искусство натюрморта сломало бесчисленные границы в мире искусства и привело к еще большему количеству изменений в последующих движениях современного искусства.

Поп-арт стал движением, почти полностью посвященным натюрморту. Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн изображают предметы массового производства и понятие потребительства, используя типичный графический стиль, характерный для произведений поп-арта. « Sandwich and Soda» Лихтенштейна, 1964 года, заново изобретает натюрморты, включая картины vanitas, для критики американской потребительской культуры.

Искусство натюрморта продолжает оставаться популярной традицией среди многих современных художников. Такие художники, как Яёи Кусама, продолжают создавать натюрморты, которые бросают вызов визуальным условностям и самому искусству. Такие произведения, как «9 Кусамы».0012 Натюрморт , выпущенный в 1996 году, демонстрирует, насколько сильно изменилась натюрмортная живопись со времен Средневековья в Северной Европе. Со всеми технологическими разработками, произошедшими с начала 21-го века, натюрморт, несомненно, будет продолжать развиваться увлекательными способами.

Известная цитата о натюрморте

«Сезанн сделал из чашки живое существо, точнее, в чашке он осознал существование чего-то живого. Он поднял натюрморт до такой степени, что он перестал быть неодушевленным. Он писал эти вещи, как писал людей, потому что был наделен даром угадывать внутреннюю жизнь во всем. Его цвет и линия одинаково подходят к духовной гармонии. Человек, дерево, яблоко — все это использовалось Сезанном для создания того, что называется «картиной» и представляет собой образец подлинной внутренней и художественной гармонии».

– Василий Кандинский (1866-1944) Русский живописец.

Известные художники-натюрморты

• Абрахам ван Бейерен (1620–1690)
• Адриан Корт (1665–1707)
• Амброзиус Босхарт (1573–1621)
• Андре Дерен (1880–1954)
• Антуан Воллон (1833–1900)
• Бальтазар ван дер Аст (1593–1657)
• Караваджо (1571–1610)
• Клара Питерс
• Клод Моне (1840–1926)
• Эдуард Мане (1832–1883)
• Фернан Леже (1881–1955)
• Флорис ван Дейк (1575–1651)
• Франсиско де Сурбаран (1598–1664)
• Франсиско Гойя (1746–1828)
• Франс Снайдерс (1579–1657)
• Фрида Кало (1907–1954)
• Жорж Брак (1882–1963)
• Джорджия О’Киф (1887–1986)
• Джорджио Моранди (1890–1964)
• Джованна Гарцони (1600–1670)
• Гюстав Курбе (1819–1877)
• Хармен Стенвейк (1612–1656)
• Анри Фантен-Латур (1836–1904)
• Анри Матисс (1869–1954)
• Якоб Фоппенс ван Эс (1596–1666)
• Ян Брейгель Старший (1568–1625)
• Ян Давидс.