Детский рисунок мир глазами детей: Рисунки на тему мир глазами детей. Простые срисовки.

О конкурсе — Всероссийский конкурс детского рисунка «XXI век глазами детей»

Всероссийский конкурс детского рисунка «XXI век глазами детей» (далее — Конкурс) направлен на создание условий для выявления творческого потенциала детей, широкого представления результатов детского художественного творчества, формирования исторического сознания подрастающего поколения, пополнение архива современных детских рисунков.

Целью Конкурса является формирование исторического сознания подрастающего поколения средствами художественного творчества — создания рисунков на темы ключевых событий XXI века, оказавших влияние на исторические процессы и ставших важными вехами мирового и отечественного развития.

Условия и правила участия в Конкурсе.
К участию в Конкурсе приглашаются учащиеся системы общего и дополнительного образования (дошкольные образовательные учреждения, общеобразовательные школы, детские художественные школы, детские школы искусств, детские творческие студии при дворцах/домах детского творчества и дворцах/домах культуры).

Заявки на участие в Конкурсе подаются образовательными учреждениями — не более 6 работ от одного учреждения. Один участник может представить одну работу, выполненную индивидуально и самостоятельно под руководством педагога. Коллективные работы на Конкурс не принимаются.

Образовательные учреждения самостоятельно проводят предварительный отбор лучших детских творческих работ для участия в Конкурсе.

Возрастные группы участников Конкурса.
Конкурс проводится для участников следующих возрастных групп:

• Первая группа (дошкольная): 5-7 лет;
• Вторая группа: 7-10 лет;
• Третья группа: 11-14 лет;
• Четвертая группа: 15-17 лет.

Темы Конкурса.
В 2023 году на Конкурс выносятся следующие Темы:

1. XXI век — от истории к современности.
2. Мир вокруг нас: экология XXI века.
3. Наука нового столетия.
4. Искусство в XXI веке: традиции и новации.
5. Движение вверх: спортивные достижения нового столетия.
6. Мой город/ мой край сегодня и завтра.

Технические требования к конкурсным работам.
Работа, представленная на Конкурс, может быть выполнена в одной из следующих техник:

1. Графика (уникальная цветная или черно-белая, печатная).
2. Живопись (акварель, гуашь).
3. Декоративное искусство (бумажный коллаж, декоративная графика, декоративная живопись, смешанные техники).
4. Цифровое искусство (цифровая графика, цифровая живопись).

Работы выполняются в формате A3, ориентация формата (вертикальная/ горизонтальная) на усмотрение автора.

Представленные на Конкурс работы должны соответствовать заявленной теме, выполнены в одной из перечисленных техник и соответствовать требованию к формату.

В заявке необходимо указать регион, населенный пункт, полное наименование образовательного учреждения/организации, адрес образовательного учреждения, ФИО участника, возраст участника, тему работы в соответствии с темами конкурса, технику исполнения работы, название работы, электронный адрес участника, почтовый адрес участника, ФИО педагога, должность педагога.

Цифровое изображение работы представляется на Конкурс в виде файла JPG/JPEG с максимальным качеством и минимальной степенью сжатия, цветовая модель RGB, глубина цвета стандартная 8 bit, размер файла по большой стороне 3508 px, разрешение 300 ppi. Цифровая копия бумажной работы должна быть получена предпочтительно с помощью сканера формата A3. Не желательно предоставлять цифровые копии, выполненные с помощью фотосъемки (фотоаппарат, камера смартфона и т.п.). На цифровой копии не должно быть явного мусора, ярко выраженного цифрового шума, цифровых артефактов, неравномерности освещения, с нарушенной экспозицией, геометрическими искажениями. Имя файла набирается кириллицей в формате «Фамилия Имя Отчество Возраст».

Заявки, не соответствующие требованиям, не допускаются к участию в Конкурсе.

Этапы проведения Конкурса в 2023 году.
Первый этап.
Февраль — март 2023 года. Проведение отборочного тура в образовательных учреждениях, выявление победителей — участников Всероссийского Конкурса.

Второй этап.
Март — апрель 2023 года. Подача заявок на участие в Конкурсе от образовательных организаций и их регистрация.

Третий этап.
Май 2023 года. Работа Жюри Конкурса. Объявление победителей — лауреатов и дипломантов Конкурса.

Четвертый этап.
Июнь 2023 года. Проведение выставки работ победителей Конкурса.

Пятый этап.
Июнь — октябрь 2023 года. Сбор оригиналов творческих работ лауреатов и дипломантов конкурса, подготовка архива детского рисунка «XXI век глазами детей».

Шестой этап.
Ноябрь 2023 года. Передача работ в Архивный комитет Санкт-Петербурга в рамках II Всероссийского форума учителей в области искусств и литературы.

Критерии оценки конкурсных работ.
Основными критериями оценки работ являются соответствие заявленной теме Конкурса, оригинальность творческого замысла и исполнения работы, самостоятельность исполнения, качество исполнения работы (композиция, цветовое или графическое решение, оформление).

Международный конкурс детского рисунка «Казахстан глазами детей мира»

ПОЛОЖЕНИЕ

о проведении Международного конкурса детского рисунка

 «Казахстан глазами детей мира»

Организаторы:

• Управление образования г. Астаны
• Представительство Международного Союза педагогов-художников (РФ)   в Республике Казахстан.
• Детская художественная школа- клуб ЮНЕСКО  г.Астаны
• Библиотека Первого Президента РК – Елбасы
• Министерство иностранных дел Республики Казахстан
• Центр современного искусства « Куланши»
• Академия художеств Республики Казахстан
• Союз художников  г. Астаны

 1. Общие положения

 За годы Независимости наше молодое государство достигло многих результатов в различных сферах, способствующих социальному и экономическому прогрессу. Воспитание казахстанского патриотизма, бережного отношения к истории, культуре родного государства являются неотъемлемой частью общей системы образования в Казахстане.

Успехи, достигнутые Казахстаном за время независимости, стали доказательством стабильности, миролюбия и межнационального согласия народа Казахстана.

         Современный Казахстан – это молодое независимое  государство с богатой историей и несомненно, с блестящим будущим!

2. Цели и задачи конкурса

         Основной целью  и задачей конкурса является: ознакомление с культурой и творчеством Казахстана,  создание условий для раскрытия их личностного и творческого потенциала.

3. Задачи конкурса

• Стимулирование  интереса подрастающего поколения к истории   Казахстана;
• Развитие интереса к изучению истории, культуры государства;
• Популяризация детского творчества;
• Привитие любви и уважения к культуре и традициям народа  Казахстана.

4. Содержание конкурса

•  «Сказки и легенды  народа Казахстана»
• «История Казахстана»
• «Пейзажи Казахстана»
• «Сакральные места Казахстана»
• «Народные праздники»
• «Обычаи и традиции народа Казахстана»

5. Участники Конкурса

• К участию в конкурсе приглашаются дети от  7  до 16 лет.

6. Порядок проведения конкурса

• Приём электронных заявок на почту  от организаций (сканированный вариант с подписью руководителя, печатью и вариант в формате  Word) направляются на электронную почту ДХШ [email protected]

до 30 апреля (включительно) 2019 г.

• Прием работ участников конкурса – до 25  мая (включительно) 2019г.

Работы, представленные на конкурс позднее указанного срока окончания приема работ, на конкурс не принимаются.

Работы принимаются по адресу:

Индекс 010000

Республика Казахстан г.Астана, пр. Богенбай батыра,17

Детская  художественная  школа – клуб ЮНЕСКО г. Астаны

• Результаты  конкурса будут рассылаться на электронные почты –

В первых числах июля 2019 г.

7. Требование к конкурсным работам

• Рисунки,  выполненные в любой технике (можно в смешанной) и любыми  материалами.
• Формат работ – А3 (42х30 см)
• Работы на конкурс принимаются без рам и паспорту, не скрученные.
• Каждая работа должна быть снабжена этикеткой-описью на обратной стороне работы в правом нижнем углу, на которой необходимо указать по желанию  (на казахском, русском и  английском языках):

1. Страна; город;
2. Наименование организации;
3. Адрес организации;
4. Фамилия и имя участника;
5. Возраст участника;
6. Название работы;
7. Техника исполнения;
8. Контактные данные автора работы.

• Коллективные работы на Конкурс не принимаются!
• Участие в конкурсе бесплатное.

8. Подведение итогов конкурса

• Информация о победителях и призерах будут размещены на сайтах: Библиотеки Первого Президента РК – Елбасы; Министерства иностранных дел Республики Казахстан; ЦСИ « Куланши», Управления образования г.Астаны,  Детской художественной школы- клуб ЮНЕСКО  г.Астаны.
• По итогам Конкурса рисунков «Казахстан глазами детей мира» будет организована церемония награждения победителейи торжественное открытие выставки.
• Церемония награждения победителей  состоится в июле месяце (о дате будет сообщено дополнительно).
• Победители будут отмечены дипломами от Оргкомитета.

Исп. Айнур Оразбаева

+ 7  701 999 74 43

Приложение 1

Образец заявки

Наименование организации

 Заявка на участие

в Международном конкурсе детского рисунка

 «Казахстан глазами детей мира»

  М. П.        Ф.И. руководителя              Подпись                   

Приложение 2

Образец этикетки

Поделитесь этой новостью!

Глазами ребенка – Тейт и т. д.

В своей книге « Элементы рисунка » (1857 г.) Джон Раскин призвал художников попытаться восстановить то, что он называл «невинностью глаза», изображать природу со свежестью и жизненная сила ребенка или слепого человека, внезапно прозревшего. «Ребенок видит все в состоянии новизны, — повторял Бодлер в «Художнике современной жизни» (1863 г.), — гений есть не что иное, как детство, вновь обретенное по желанию». Впоследствии многие художники пытались нарушить академические условности, предприняв экспериментальные регрессии к воображаемому детскому состоянию визуальной грации. Моне и Сезанн, например, стремились воссоздать момент Дамаска, передавая в красках структурированную идею чувственного взрыва первого взгляда. В 1904 Сезанн сказал Эмилю Бернару: «Я хотел бы быть ребенком».

Интерес к детскому творчеству мог бы показаться логическим следствием этого эмпиризма, но только во время повального увлечения примитивным искусством в первые десятилетия двадцатого века художники начали серьезно относиться к детскому искусству. В попытке очистить искусство от его упадка fin-de-siècle они обратились к первобытным культурам, которые на снисходительном языке того времени считались культурными отсылками к «детству человека»; первобытное искусство часто сравнивали с грубыми произведениями искусства, созданными детьми, которых превозносили как доморощенных благородных дикарей. Многие из величайших художников века — Кандинский, Клее, Матисс, Пикассо, Миро и Дюбюффе — имели значительные коллекции детских рисунков. Они изучали и подражали спонтанным и волевым искажениям детских картинок, как будто они, подобно снам, открывали царскую дорогу в бессознательное.

Следовательно, современное искусство часто — и до сих пор — отвергается клише «это мог бы сделать ребенок». Как показывает Джонатан Файнберг в The Innocent Eye (1997), отнюдь не обижаясь на такие сравнения, экспрессионисты, кубисты, футуристы и представители русского авангарда часто разыгрывали параллель и часто выставляли свои работы рядом с детским искусством. : в 1908 году работы Кокошки впервые были показаны рядом с детскими каракулями; между 1912 и 1916 годами Альфред Штиглиц устроил четыре выставки, посвященные детскому творчеству, на своем легендарном 29-летии.1 галерея в Нью-Йорке; в 1917 и 1919 годах Роджер Фрай показывал детские работы в мастерских Омеги; а выставка Дадаизма 1919 года в Кельне включала инфантильные каракули, выставленные рядом с произведениями искусства Макса Эрнста и его коллег.

На художников повлияла не только «примитивность» детского творчества, как если бы детство было само по себе темным континентом, совершенно другим для них, но и прогрессивные образовательные технологии, которые некоторые из них испытали в детстве. Представление о детстве как о царстве невинности и свободы было изобретением восемнадцатого века, восходящим к Руссо и Локку, которые оба написали трактаты о воспитании (до этого дети считались мини-взрослыми). В Изобретая детский сад (1997), Норман Бростерман утверждает, что педагогические инструменты, которые использовались для обучения творчеству во второй половине девятнадцатого века и основывались на этих романтических идеях, можно интерпретировать как закладывающие основу для геометрической абстракции в искусстве. Он убедительно показывает, что двадцать красивых «подарков» или художественных игрушек, которые немецкий педагог Фридрих Фрёбель использовал для обучения детей пониманию узоров и форм, были строительными блоками модернизма. Брак, Мондриан, Кандинский, Клее, Ле Корбюзье и Фрэнк Ллойд Райт — все ходили в детские сады, и многие из них прямо признали этот долг.

Наряду с творческим подпитыванием детского творчества, стремлением к бросающейся в глаза детской технике и якобы легкому доступу к бессознательному (чтобы попытаться воззвать к внутреннему ребенку в каждом из нас), многие художники создавали произведения искусства специально для детей. Поступая таким образом, они часто стремились отразить некоторую окулярную невинность и примитивизм, которыми они восхищались в детском искусстве. Эти творения, созданные для того, чтобы к ним прикасались и чтобы с ними играли, подобно тому, как африканские фетиши были созданы для того, чтобы их использовали, а также чтобы на них смотрели, возможно, лучше всего рассматривать как философские игрушки, такие как дары Фребеля, а не как произведения искусства: они учили идее искусства, которое ценилось спонтанное самовыражение и игра превыше всего. Те игрушки, которые пережили детские игры их владельцев, являются горькими реликвиями, воплощающими утопические ожидания, которые авангард проецировал на детей.

В 1902 году Пауль Клее, разыскивая рамы в хранилище своих родителей, наткнулся на стопку рисунков, которые он нарисовал в возрасте от трех до десяти лет. В письме к своей невесте он назвал их «самыми значительными [я сделал] до сих пор». Он только что вернулся из четырехлетней художественной школы в Риме, но вся его академическая подготовка казалась бесполезной, когда он столкнулся с эмоциональной сыростью этих первых усилий. Он включил восемнадцать рисунков в более поздний каталог своих работ, пропустив почти все произведения искусства, которые он создал в промежуточные годы до их повторного открытия. Такие работы, как Девушка с куклой  1905, в которой мы видим Клее в ностальгическом диалоге со своим юношеством, были сознательно исполнены, по его признанию, «в детском стиле».

В 1907 году у Клее родился сын Феликс, и по мере взросления он хранил и выставлял многие из своих «примитивных» работ; когда люди пренебрежительно сравнивали картины Клее с детскими («безумные, инфантильные каракули», по словам одного рецензента), он отвечал: «Картины, которые рисует мой маленький Феликс, лучше моих». Клее описал работу группы Blauer Reiter («Синий всадник») как возвращение к «примитивным началам искусства» и прославлял то, как эти художники искали подлинность и вдохновение «в этнографических коллекциях или дома, в детской». делал. В Палаточный городок с голубой рекой и черными зигзагообразными облаками  1919, он почти в точности скопировал смелые очертания одной из картин своего двенадцатилетнего сына .

Эта цепочка влияния завершает круг в игрушках, которые Клее сделал для своего сына. В их число входят корабли, железнодорожная станция из картона и 50 ручных марионеток, из которых 30 остались. Создание им этого гротескного состава — Касперл и Гретль (Панч и Джуди), Смерть, Дьявол, полицейский, крокодил — совпало с его первыми экспериментами со скульптурой и, как и с такими произведениями искусства, как Голова, сделанная из куска кирпича, сглаженного рекой Лече  1919, в куклах использованы найденные материалы: подкова, ореховая скорлупа, спичечный коробок, электрическая вилка. Автопортрет , например, на котором изображен художник с огромными глазами, бородкой и меховой шапкой, сделан из двух говяжьих костей, покрытых гипсом и одетых в потертый кусок серой ткани, вырезанный из одного из старых костюмов художника. Фигура дьявола сделана из выброшенной перчатки из свиной кожи, два пальца превращены в рога, а в носу есть медный обруч. В 1921 января, когда четырнадцатилетний Феликс стал самым юным учеником Баухауза, он ставил там сатирические спектакли с этими марионетками (впоследствии он стал оперным режиссером). Его отец делал фоны, как вспоминал Феликс о слиянии влияний, из фотографий, «снятых с Blauer Reiter».

Немецко-американский художник Лайонел Фейнингер, который был связан с группой Blauer Reiter и разработал обложку для манифеста Баухауза 1919 года, также был страстным производителем игрушек. Его шедевром был «Город игрушек», созданный для трех его сыновей и добавленный к каждому Рождеству: «Время, — сказал он, — для моего периодического увлечения изготовлением игрушек». Он состоит из, по описанию одного из его сыновей, «готических, сломанных, тесных и красочных, с двускатными фасадами [зданий], с нависающими верхними этажами, огромными дымоходами и крутыми крышами». Эта грубо вырезанная экспрессионистская декорация, домики которой не выше фута высотой, населена люмпенами, безногими деревянными фигурами с узловатыми лицами и торчащими носами — рыбак на зюйдвестке с огромной трубкой, два священника-иезуита с высокие шляпы, немецкий полицейский в остроконечной каске, их лица нарисованы с грубой экономией искусного карикатуриста.

«Игрушки, созданные художником, могут служить для понимания формальных идей их создателя», — писал сын Фейнингера. «Настоящая работа» каждого из них имеет игривую грацию и легкость, а в «игрушках» мы находим достаточно серьезности, чтобы напомнить нам о серьезности детской игры». «Экскурсии в игровой мир» Фейнингера, как его сын называл создание игрушек, не только давали детям инструменты для их воображения, но и подпитывали «настоящую работу» художника, служив экспериментами с геометрией, цветом и пространством. Действительно, «Город игрушек» похож на трехмерную версию одной из картин Фейнингера.

В 1913 году один из игрушечных поездов, который Фейнингер сделал для своих сыновей, так впечатлил мюнхенского производителя, что тот попытался запустить его в серийное производство (до начала войны были построены только прототипы). Несколько других художников делали игрушки для массового рынка. Уругваец Хоакин Торрес-Гарсия, основатель конструктивного универсализма, разработал линию игрушек, когда он был начинающим художником в Париже после Первой мировой войны. В 1920 году, после того как он переехал в Нью-Йорк, он основал компанию Aladdin Toy Company для производства своих «девяток».0003 juguetes трансформируемый »- комические коротконогие фигурки, домики конфетного цвета, мультяшные пароходы и зверинец животных, которые представляли собой мозаику из кусочков, которые можно было складывать и смешивать для создания различных модульных форм. Это были развивающие игрушки, которые повторяли абстракции из дерева, которые он делал в то время, грубо вытесанные версии полотен его друга Мондриана. В 1920-х годах Александр Колдер также разработал красочную линию качающихся слонов и зебр, а также тюленей и лягушек, которые двигались, когда вы тащили их по полу. В то время как немногие художники считали свои игрушки частью своей «настоящей работы», Колдер не стеснялся связи между искусством и игрой: он выставил свой цирк в чемодане, созданный в Париже между 1926 и 1931, а также его проволочные скульптуры и мобильные телефоны. Есть фильм о 63-летнем Колдере, режиссёре своего кинетического интермедия, искусно манипулирующем своими 70 с лишним артистами в комической процессии игрушек: проволочными акробатами и акробатами, клоунами, танцовщицей живота с заводной рукояткой, бьющим воду слоном, укротитель львов, глотатель мечей, ковбой с лассо и метатель ножей — каждая анимированная фигурка создана с остроумным шармом ручной работы. В большом театре Колдера, как и во всех философских игрушках, мы видим, как стирается граница между искусством и игрой: homo sapiens становится тем, что голландский историк Йохан Хейзинга назвал homo ludens , «человек-игрок».

По словам Элизабет Тернер, в эссе о пособии Колдера по рисованию для детей Animal Sketching (1926), в котором были представлены эскизы его проволочных цирковых конструкций, художник находился под сильным влиянием книги психолога Джеймса Салли « Исследования детства » ( 1896 г.). В области революционной теории Сюлли был одним из первых, кто провел параллели между детским искусством и искусством «примитивных» культур: «Нельзя ли сказать, что импульс художника имеет свои корни в счастливой полусознательной деятельности ребенок в игре, всепоглощающее усилие «высказать», то есть дать внешнюю форму и жизнь внутренней идее, и этот импульс игры становится импульсом искусства (предположим, что он достаточно силен, чтобы пережить годы игры). ), когда он освещается растущим участием в общественном сознании».

В 1907 году, когда он впервые посетил этнографический музей Трокадеро, Пикассо сделал куклу-фетиш с гвоздями вместо глаз для дочери своей уборщицы. Юную девушку, видимо, испугал его суровый тотемический дар. В том же году Пикассо также обменялся картиной со своим соперником Матиссом. На сильно схематизированный портрет последнего, Маргарита  1906–1907, повлияли его наблюдения за рисунками его шести- и семилетних сыновей, и Пикассо, как вспоминает его биограф Джон Ричардсон, «очень любопытно было увидеть, как Матисс использовал инстинктивное видение своих детей». Пикассо также признавал, что портрет Матисса вдохновил центральные фигуры его примитивистского шедевра 9.0003 Les Demoiselles d’Avignon  1907.

Пикассо был очарован детским искусством. Он чувствовал, что его отец, профессор рисования, преждевременно подтолкнул его к академическому стилю, и он стремился вернуть себе юношеский задор, которым пожертвовал. В 1956 году во время экскурсии по выставке детского творчества Пикассо сказал Герберту Риду: «Когда я был в возрасте этих детей, я умел рисовать, как Рафаэль. Мне потребовалось много лет, чтобы научиться рисовать, как эти дети». Есть несколько фотографий, на которых он наблюдает за рисованием своих четверых детей, на его лице выражение восторженного внимания, а иногда он предавался совместным каракулям. «Удивительно, — сказал он, — вещи, которые выходят из их рук, часто меня чему-то учат». Пикассо делал кукол ручной росписи для своей старшей дочери Майи, которая изображена держащей одну из них в свои 19 лет.38 ее портрет. Он также делал для Майи и своего сына Паоло изящные фигурки из бумаги — однажды он сделал их клоунами и персонажами комедии дель арте, с которыми они могли играть в миниатюрном театре, который он создал из пустого пакета Gauloises. . В 1946 году Брассай сфотографировал подборку прихотей Пикассо для Cahiers d’Art : «Маленькие птички из оловянных капсул, дерева или кости; дрозд из куска дерева, отшлифованная океаном кость, которую Пикассо превратил в голову орла… многочисленные силуэты, вырезанные или просто вырванные пальцами из бумаги или картона, вызывают истинное наслаждение. Обычно он использовал бумажные салфетки или пачки сигарет. Среди бесчисленных вещей много животных: рыбы, лисы, козлы и стервятники; а также маски сатиров, детские лица и черепа».

В конце 1940-х у Пикассо родились еще двое детей от Франсуазы Жило, Палома и Клод, и он сделал им похожие игрушки. Он вырезал Паломе серию деревянных кукол из ее строительных блоков. Они стоят по стойке смирно, как экспонаты в антропологическом музее, их разрисованные лица превращаются в кегли с пухлыми лицами. Иногда он использовал игрушки своих детей как найденные предметы, которые он изобретательно включал в свои собственные произведения искусства, как, например, он сделал знаменитые игрушечные машинки, которые его дилер подарил Клоду в 9 лет.0003 Бабуин и ее детеныш  1951.

Матисс назвал свою ретроспективу 1950-х годов «Взгляд на жизнь глазами ребенка». «Художник, — писал он, — должен смотреть на все так, как если бы он видел это в первый раз: он должен смотреть на жизнь так, как он смотрел в детстве, и если он утратит эту способность, он не сможет выразить себя в оригинальный, то есть личный способ». Более поздние работы Пикассо, основанные на изучении им собственного детского искусства, становились все более экспрессионистскими, и он переосмыслил историю искусства, создав версии 9 Веласкеса. 0003 Las Meninas  1957 и Le Dejeuner sur l’herbe  1960 Мане, представляя канон как бы глазами ребенка. Его усилия вызвали предсказуемую критику: в 1960-х годах Джон Бергер обвинил Пикассо в том, что он «сведен к игре, как ребенок… обречен рисовать без слов».

В 1983 году Энди Уорхол выставил 128 картин, созданных специально для детей, в галерее своего европейского дилера Бруно Бишофбергера в Цюрихе. Хотя сами по себе они не игрушки, это картины игрушек — их изображения взяты из коробок с винтажными и заводными игрушками, которые он собирал. Большая часть шелкографии Картины игрушек — панда, играющая на барабанах, самолет, попугай, космический корабль, полицейская машина, обезьяна и вертолет — состоят из трех смелых цветов, наложенных друг на друга таким образом, чтобы казалось, что они должны быть смотреть через 3D-очки. Они также были опубликованы в виде настольной книги по поп-арту и восходят к более ранней карьере художника в конце 1950-х годов в качестве иллюстратора детских книг (он иллюстрировал несколько томов для книжного клуба Doubleday).

Мини-музей Уорхола, одна большая игрушка, был такой же игровой площадкой, как и скульптурные игровые площадки, спроектированные Исаму Ногучи для Нью-Йорка и других мест. Игрушечные картины были выставлены как уменьшенная версия ретроспективы Уорхола 1971 года Уитни, где электрические стулья и Мэрилин были показаны на фоне обоев с изображением коровьего поля, которые, казалось, высмеивали размышления зрителя о жевании жвачки. В Цюрихе он заменил коров стайкой рыб, которые сверкают на голубом фоне и все плывут, разинув рты, как ветроуказы, в одном направлении. Взрослые должны были присесть на корточки, чтобы посмотреть на полотна, развешенные на уровне глаз трех-пятилетних детей. (С взрослых, не сопровождаемых ребенком до шести лет, взимается вступительный взнос, деньги идут на благотворительность для детей.) После того, как он выставил серию игрушек, Уорхол начал сотрудничать с Жаном-Мишелем Баския над серией полотен. Очевидно, у Бишофбергера возникла идея этого партнерства после того, как его четырехлетняя дочь работала с Баския над картиной «9». 0003 Untitled  1984. Когда его спросили, какими художниками он восхищается, Баския сказал: «Что мне действительно нравится и повлияло на меня, так это работы трех-четырехлетних детей». (Один из самых ранних автопортретов Уорхола, Господь дал мне мое лицо, но я могу выбрать себе нос  1948, тоже нарочито ребяческий: он показывает пальцем в стиле ар-брют в живописных ожиданиях.) В одной из совместных работ Уорхол поступил с Баския, как бы ссылаясь на этот факт, Уорхол включил космический корабль из серии игрушек.

В 1983 году Баския нанял восьмилетнего Джаспера Лака, которому он платил двадцать долларов в день, чтобы он рисовал мотивы своих картин: ракетоподобный Эмпайр Стейт Билдинг и удочку с огромным крючком. Баския, как и все художники-авангардисты, увлеченные детским искусством, мог лишь подражать бессознательной наивности детей, которая не могла сравниться с настоящей. В 1986 году на своей выставке в галерее Мэри Бун Баския представил Лака Уорхолу как «лучшего художника Нью-Йорка».

Блог Orange Blossom — издательство Orange Blossom

17.03.2022

0 комментариев

Гостевой пост Дон Милстри

При иллюстрировании книги с картинками нам нужно смотреть на мир глазами ребенка. Можно так много узнать о жизни, если мы просто откроем свой разум для более простого взгляда на вещи, как мы это делали в молодости. Воображение расцветает в сознании ребенка!

При иллюстрации для детей необходимо учитывать все неписаные возможности. Недостаточно взять написанные слова истории и буквально перенести их в рисунки. Спросите себя: «Как я мог представить себе эти слова, когда был ребенком?» Дети обладают прекрасным даром, позволяющим им видеть «больше». Как иллюстраторы, мы должны копнуть глубже и найти этот особый дар зрения, спрятанный глубоко внутри каждого из нас.
​
Иллюстрации, богатые деталями, являются прямым результатом хорошего воображения. Допустим, наша задача — интерпретировать слова «Ван Гог, большая желтая прудовая улитка, медленно пробиралась по теплой скале к кромке воды». В предложении определенно достаточно деталей, чтобы нарисовать красивую картинку, такую ​​как пример ниже, но простое рисование точной картинки не является иллюстрацией.

Попробуйте представить эти слова такими, какими их мог бы увидеть ребенок. Увеличьте то, что видит ваше воображение, и увеличьте детали. Вдохните эмоции в своих персонажей. Вдохните жизнь в сцену, добавив намек на движение. Преувеличивайте обычное и освещайте слова; нарушай конвенцию!

Поскольку количество слов в книжке с картинками ограничено, нам нужно максимально использовать каждое предложение. Наша работа как иллюстраторов — показать детали, которые не упомянуты в тексте. Мы должны продвигать историю ЗА ПРЕДЕЛЫ слов.

Пример говорит нам, что Ван Гог большой, желтый и похож на улитку. Во-первых, как показать, что он большой? Сделав его окружение немного меньше по сравнению с ним, мы можем создать иллюзию размера в забавной форме, что также позволяет нам установить сцену. Убедитесь, что Ван Гог окружен легко узнаваемыми растениями и т. д., чтобы читатель мог легко определить размер. Добавление еще одного живого персонажа, который дети могут определить как соответствующий определенному размеру, поможет им сравнить их. Например, добавление божьей коровки на сцену поможет им оценить размер улитки. Кроме того, обрезание сцены вокруг Ван Гога заставит его доминировать на странице и казаться еще больше.

Мы знаем, что Ван Гог желтый, но это не обязательно означает, что он однотонный. Не было бы более увлекательно придать желтому панцирю Ван Гога горошек или полоску и, возможно, добавить немного другого цвета? Сохраняйте искусство верным словам, но представьте, что они еще больше…
​
В предложении также указано, что Ван Гог медленно движется по теплой скале. Мы можем использовать язык тела, чтобы показать движение, но как? Ван Гог может наклоняться вперед головой, а его задняя половина может быть вытянута за собой, как будто его медленно тянут за собой. Поскольку он улитка, мы могли бы сделать еще один шаг вперед, оставив след слизи на камне, чтобы показать, что в последнее время он действительно продвинулся вперед.

Из текста мы знаем, что камень теплый, но как передать теплоту неодушевленного предмета на иллюстрации? Поскольку сцена находится снаружи, очевидным источником тепла является солнце. У нас может просто быть солнце, палящее на скалу и отбрасывающее тени. Создавая отражения на слизистом следе, мы можем добавить еще один уровень детализации иллюстрации, когда солнце падает на влагу, создавая яркие белые пятна. Дети любят детали!

Наконец, нам говорят, что Ван Гог направляется к воде, что кажется достаточно простым, чтобы показать. Мы можем использовать эту информацию, чтобы проявить немного творчества. Что, если Ван Гог в этот самый момент истории окажется у кромки воды и увидит себя в отражении воды? Поместив его таким образом, что мы можем видеть часть его затылка сверху вместе с его лицом в воде, мы можем иметь два вида Ван Гога одновременно. Этот вид в ¾ создает гораздо более креативное изображение для страницы. Покажите черты лица Ван Гога в его отражении, потому что выражение равно эмоциям.

Со всеми этими свежими идеями, улучшающими текст, у нас теперь есть книжная иллюстрация, такая как пример ниже, которая привлечет внимание как взрослых, так и детей. Не забывайте, кто на самом деле читает сказку ребенку. Не забудьте сделать это интересным и для них!

Если мы не боимся воображать больше, одно хорошо написанное предложение может пробудить воображение и привести к творческой и оригинальной иллюстрации. Прежде чем взять карандаш для рисования, сядьте поудобнее, закройте глаза и дайте волю своему воображению.
Думай так, как мог бы думать ребенок… смотри так, как мог бы видеть ребенок.

Проиллюстрируйте слова так, чтобы они оживали, танцевали на странице и приветствовали ребенка в их волшебном маленьком мире… , иллюстрированный роман о привидениях для среднего класса (издательство Orange Blossom Publishing, сентябрь 2022 г.