Цветы нарисованные на черном фоне: Обои Рисованные цветы на черном фоне на рабочий стол

Как выбрать удачный фон для своей картины?

Перевод статьи, автор – Bob Davies

Фон является неотъемлемой частью картины, независимо от того, что на ней изображено.

Даже если вы решите оставить просто белое пятно вокруг изображения, вы все равно таким образом создаете фон для него, так как холст или бумага, будь они белые или тонированные, в конечном итоге будут также восприниматься как часть законченной картины.

Таким образом, очень важно правильно подобрать фон для картины, а не просто “нарисовать что-нибудь”, чтобы поскорее закончить работу.

Давайте в этой статье попробуем разобраться, на что стоит обратить внимание художнику, когда приходит время подумать над фоном картины.

Я подготовил и собрал работы художников-педагогов и их студентов, с той целью, чтобы прокомментировать выбор фона на каждой из них.

Несколько типов фонов:

1.Чистый лист

Фон не добавляется.

Эта картина прекрасно выглядит без добавления фона.

В этом сделанном цветными карандашами рисунке Джейн Лэзенби теплый оттенок тонированной бумаги прекрасно выступает и в качестве основного цвета в портрете собаки, и в качестве нетронутого фона.

2. Виньетирование

Часть фона прорисовывается для того, чтобы сосредоточить внимание зрителя на главном объекте, при этом области по краям рисунка остаются нетронутыми.

Роб Дадли намерено оставил в своем натюрморте такие большие непрокрашенные участки по краям. Такой подход позволил ему привлечь внимание зрителя к главным элементам картины, в особенности к прекрасным отражениям на металлическом чайнике.

3. Простой и незамысловатый фон

Серия плавных цветовых переходов.

Выбрав такой вариант фона для своей работы с подсолнухами, Мэриан Даттон смогла не только подчеркнуть и ясно выделить головки цветов, благодаря плавным цветовым переходам фона, но также при его помощи установила источник света справа.

Добавленная тень от вазы позволила ей не зависнуть в воздухе, а твердо встать на стол, даже несмотря на то, что никакого прорисованного стола на картине нет.

4. Более детальный фон

Интерьер дальней стороны комнаты, например, или фон из листьев и деревьев в зарисовках с природы.

В этой работе Мэриан решила подчеркнуть птицу и привлечь к ней больше внимания, сделав фон за ней бледным и простым.

Очень просто и схематично нарисованные поверх фона листья в остальной части картины мягко указывают на главный предмет изображения, подчеркивают его красоту.

5. Фон как главный объект

Расположение фона на ближнем/среднем плане позволяет ему исполнять поддерживающую, связующую роль.

В этом пейзаже Роба Дадли с драматичным вечерним небом нет ярко выраженного центра картины, так что все внимание привлекает к себе множество оттенков, которыми художник передал жар летнего вечера.

Центром этой картины мог бы стать город, но он здесь прорисован лишь силуэтом на заднем плане картины, он сам стал фоном для того, чтобы подчеркнуть красоту вечернего неба.

Если вы закроете нижнюю часть картины рукой, то останется видно только небо и его переливающиеся оттенки. Чтобы получить гармоничное сочетание, отлично работающее вместе, вам нужны и сюжет картины, и фон.

Мы рассмотрели лишь пять примеров различных вариантов фона. На самом деле их может быть много больше, в соответствии с огромным количеством существующих картин. Все зависит от желаемой степени детализации, прорисовки, силы воздействия фона на зрителя.

3 фактора для хорошего фона:

1) Фон дополняет картину, но не конкурирует с главным изображением.

Посмотрите как Джейн Лэзенби в этой зарисовке пейзажа Невады ослабила горы вдали, чтобы передать ощущение глубины пейзажа. По сути, для дальних гор использованы те же цвета, что и для гор переднего плана, но они в достаточной мере приглушены белым цветом.

Таким образом, горы дальнего плана никак не конкурируют за внимание с главным центром картины, но в то же время они создают хороший массивный фон, который выгодно оттеняет и подчеркивает скалы на переднем плане.

2) Фон объединяет картину

В этой работе Мэриан Даттон при написании фона сделала несколько мазков теми же оттенками красок, которые она использовала при написании птицы и цветов на переднем плане.

Этот прием сделал фон более интересным, как бы намекая зрителю, что вдали то же есть цветы и птицы, но сам фон достаточно размыт, чтобы не отвлекать на себя внимание зрителя от главных объектов картины.

3) Фон улучшает картину

В этом прекрасном простом снежном пейзаже Джеффа Кирси я удалил при помощи программы на компьютере группу деревьев дальнего плана.

Несмотря на то, что они были нарисованы в технике по-сырому быстро и без детализации, посмотрите, как сильно меняется впечатление от картины без них.

Совет начинающим художникам: Потратьте какое-то время заранее на то, чтобы продумать фон для своей работы.

Типичные ошибки при рисовании фона

Довольно часто, даже для опытных художников, выбранный фон получается не таким, каким задумывался, или не дает нужного эффекта.

1. Слишком сильный тон

Рассмотрим сначала правую картинку без фона. Диана нарисовала ее акварелью (да-да, это акварель, а не фотография!) без намека на фон потому, что была уверена – сюжет картины говорит сам за себя и достаточно силен для того, чтобы обойтись без фона.

Воспользовавшись программой редактирования фотографий я добавил к ее работе синий фон. Посмотрите как сильно проигрывает работа с наличием фона оригинальной версии Дианы.

Итак, если картина самодостаточна сама по себе, без наличия фона, пусть будет так!

2. Фон слишком детальный и отвлекает на себя внимание.

Если бы Барбара при работе над своей картиной стала бы просто копировать оригинальный снимок со всем его несметным количеством мелких деталей, то это убило бы ее живопись.

Вместо этого фон вдали она нарисовала в виде солнечного летнего неба. Кроме того, на переднем плане картины вся область травы была обобщена с использованием техники виньетирования, чтобы позволить зрителю сфокусироваться на тележке с цветами.

Запомните, что фон – это не то, что прячется где-то там вдали за главными объектами картины. Фон выполняет поддерживающую, связующую роль в картине, и может проявляться также и на переднем плане, как в этом примере.

3. При прорисовке фона допущена ошибка, которая сразу же притягивает к себе взгляд.

Посмотрев внимательно на эти две картинки, подготовленные Сиан Дадли, мы без труда заметим, что ошибки, допущенные в левом варианте работы, неизменно притягивают к себе взгляд зрителя.

На правой же картинке эти ошибки уже исправлены, так что мы можем полностью сосредоточиться на прекрасных нарциссах.

4. Цвета для фона подобраны неверно, в таком случае фон и основной сюжет картины кажутся частями разных работ.

На этой своей работе Джилл Фаркухарсон изобразила прекрасный закат на фоне городского венецианского пейзажа.

Обратите внимание на то, как хорошо подобраны цвета для теплого неба, зданий и воды, все они гармонируют друг с другом.

На правом варианте картины я заменил теплый оттенок неба на более холодный. На первый взгляд, мы не видим ничего ужасного. Однако смешение на одной картине теплых и холодных оттенков в данном случае полностью нарушило баланс в картине Джилл. В том числе, это произошло и из-за того, что отражение неба в воде теперь тоже будет намного холоднее. Сам по себе новый вариант неба вовсе не плох, но в этой картине он не сработает ей на пользу.

5. Фон занимает собой большую часть работы, при этом сам по себе он неинтересен.

Независимо от изображаемого сюжета, в любой картине желательно создавать спокойные, “тихие” области, чтобы уравновесить и привести в гармонию области интереса и центр картины.

Однако иногда вы можете увлечься и сделать фон чересчур спокойным, тогда необходимо немного изменить его при помощи наложения текстур или добавления нескольких деталей. Вам нужно успеть вовремя остановиться, главная задача – сделать фон не скучным, но при этом он не должен конкурировать с главными элементами картины.

Прекрасный пример к написанному выше – работа Мари с уличной танцовщицей. При помощи цветных карандашей Мари сумела ухватить суть движений девушки, динамику танца.

Мари оставила фон практически белым, однако подчеркнула динамичность танца несколькими штрихами, следующими за движениями рук танцовщицы, а также добавила намек на стену за спиной девушки.

Вроде бы не очень заметные, но в тоже время важные дополнения. Эти действия с фоном позволили Мари значительно улучшить ее работу.

Как же выбрать фон для своей картины?

Надеюсь, что к этому моменту вы уже поняли, что выбор фона – очень важная часть работы над картиной. Фон должен соответствовать выбранной вами теме работы, будь то пейзаж, натюрморт, портрет и так далее.

Давайте рассмотрим пример с натюрмортом. С какой стороны находится источник освещения? Работа будет выполняться в высоком или низком ключе, будет ли она выполнена в светлых или темных тонах?

Обратите внимание, что понятия высокого и низкого ключа отнюдь не подразумевают под собой чересчур светлые или темные работы.

Это просто обозначает, что  оттенки, используемые в работах, выполненных в низком ключе, будут более сближены, чем оттенки в работах, выполненных в высоком ключе, где мы можем наблюдать больший диапазон использованных оттенков – от самых светлых до самых темных.

Посмотрите на натюрморты, выполненные Кэрол Мэсси.

Обратите внимание на то, как на выполненном в высоком ключе натюрморте слева используется свет, чтобы подчеркнуть кувшин, добавить яркие блики на бокал, помочь инжиру и винограду светиться.

Свет также отражается от каменной стены и столешницы. А это значит, что есть и более темный тон на передней стороне стола, которая остается в тени.

Чтобы сделать более интересным участок стены за основной композицией, туда были добавлены несколько трещин.

Теперь посмотрим на натюрморт справа. Он выполнен в низком ключе. Мы также можем видеть свет на картине, который в данном случае куда более рассеянный и не такой яркий.

Посмотрите, верхняя и передняя поверхности стола сближены по тону, в отличие от рассмотренного нами ранее натюрморта. Такой приглушенный свет дает возможность белым лепесткам цветов засиять на основном фоне.

Выбор цветового и тонового решения работы следует продумать заранее, это так же важно, как и выбор места расположения и количества ключевых элементов вашей работы.

Так, при работе над сложной пейзажной сценой, вам нужно продумать как упростить детали для фона и приглушить местами цвета, чтобы получить спокойные участки вашей работы, не отвлекающие внимание зрителя от главного изображения.

Джеймс Уиллис изобразил на своей работе весьма оживленную уличную сценку с множеством людских фигур, занятых разговорами или просто гуляющих по городу.

Джеймс уравновесил такую оживленную сценку при помощи простого синего неба, а также упростил дома вдали улицы, нарисовав их блоками, без детализации, но лишь с намеками на окна, двери и балконы.

Если вы рисуете с фотографии, не нужно в точности копировать все, что вы там видите, особенно это касается фона.

Что касается портретов, то очень часто фон не соответствует изображаемому объекту и иногда способен даже ухудшить общее впечатление от картины, нежели сделать ее лучше.

Посмотрите на портрет девочки, выполненный Питером Киганом в технике “по-сырому”.

На фотографии видно, что за спиной девочки находится часть гладильной доски и холодильник. Все очень современное, но согласитесь – это не подходящий фон для того, чтобы включить его в портрет вашего ребенка!

Питер принял решение не добавлять фон к своей работе, и в результате мы получили портрет, где ничто не отвлекает нас от лица ребенка.

Вот еще один портрет Питера. Как мы можем видеть, на исходной фотографии фон настолько пестрый и детальный, что отвлекает наше внимание от лица мужчины.

Питер решил эту проблему так – выбрал для фона всего лишь один желтый цвет, а также применил технику виньетирования, позволяющую еще больше сосредоточить внимание зрителей на лице.

Желтый цвет, как дополнительный для фиолетового, прекрасно сочетается с фиолетовым и синим цветами на бабочке и костюме мужчины.

Однако, иногда у вас будет возникать желание, чтобы фон вокруг предметов соответствовал реальности.

На этой картине изображены мои собаки Блейз и Визз. Я нарисовал ее в подарок для своего друга много лет назад.

Мы хотели поймать сущность маленького чертенка в Виззе, который щенком был большим шалуном, а также запечатлеть его брата Блейза в естественной для них обстановке у нас дома.

Наблюдая за ними, мы подметили, что кожаная танкетка – любимое место Визза, куда он бежит сразу же, как чувствует, что ему грозят неприятности.

А небольшая резиновая игрушка, выглядывающая из-под танкетки – это была любимая вещь их обоих, так что ее обязательно нужно было включить в композицию.

Мы нашли угол в гостиной с правильным расположением двери и отсутствием какого-либо беспорядка. Узор на ковре отсутствовал, и в результате мы нашли фон, который был совершенно подлинен с точки зрения реальности, но дополнен и ненавязчив с художественной точки зрения.

Иногда бывают случаи, когда сложно понять, где заканчивается основной сюжет картины и начинается фон. Однако это не должно стать для вас проблемой, если вы заранее обдумаете этот вопрос.

Джоанн Бун-Томас – автор чудесных спонтанных акварелей, и ее яркими цветочными работами справедливо восхищаются.

Посмотрите на фотографию мальвы. Цветы сфотографированы на фоне бледного облачного неба. Картинка статична и скучна.

А теперь сравните ее с акварелью справа, где фотография использовалась лишь для того, чтобы определиться с формой цветов, к которым художница добавила буйство красок и движение, и картина стала смотреться совсем иначе.

Несмотря на то, что фон кажется сложным, а отдельные его участки даже темнее по тону, чем изображенные цветы, все это было сделано специально, чтобы усилить, подчеркнуть бледно-розовые лепестки цветов так, чтобы внимание зрителя сфокусировалось на них.

При написании фона Джоанн была сконцентрирована на том, чтобы цвета фона причудливо сочетались с самими цветами. Большую часть работы с фоном она выполнила в технике по-сырому, позволяя пятнам краски растекаться причудливо, сливаться друг с другом и самим создавать фон для картины.

Примеры фонов

Я бы хотел завершить эту статью подборкой других работ, которые вы могли бы рассмотреть более близко, а возможно и вдохновиться для написания ваших собственных картин.

Посмотрите на этот морской пейзаж Дейва Джеффри. Облака на дальнем плане прорисованы при помощи полусухой кисти, что придает картине особое настроение.

Более плотные и большие облака были написаны мазками в разных направлениях, чтобы подчеркнуть ветреную погоду, а нижняя часть облаков прорисована мазками слева направо, увлекая взгляд зрителей к яхтам.

Все это вместе позволяет передать атмосферу ветреного дня у воды.

В этом прекрасном пейзаже с совой художник Пол Эппс так же использовал подобный прием, однако тут мы видим, что травы на переднем плане также образуют часть фона, чтобы еще эффектнее выделить главного героя картины – сову.

Такого эффекта удалось добиться используя бледные кремовые и оранжевые цвета для травы, мягко сливающейся с небом. Фон не перегружен деталями, но смотрится очень хорошо и спокойно из-за правильно подобранного цветового решения.

Ребекка Де Мендонка для своей прекрасной пастельной работы с балериной решила вообще практически не добавлять фон.

Работа выполнена на темной бумаге, которая прекрасно контрастирует со светлыми оттенками, использованными для рисования балерины.

Так что художница лишь подчеркнула ее, добавив картине жизни и движения при помощи нескольких ярких штрихов желтого и оранжевого в качестве фона.

Глинис Барнес-Меллиш известная акварелистка, отдающая предпочтение портретам.

Посмотрите на ее работу с купающейся девушкой. Здесь хорошо видно, как в некоторых случаях прекрасно работает сдержанный фон.

Основной фокус сделан на теплые, нежные тона кожи девушки и ее затылок. Поэтому приглушенные и более прохладные оттенки бледно-голубого, серого, использованные для стен, ванны, мыла, полотенец не отвлекают наше внимание от ее фигуры, но призваны лишь еще больше подчеркнуть ее.

А теперь давайте посмотрим другую работу. Кэрол Масси пишет акрилом натюрморт с бутылкой вина и бокалом.

В этом случае она использовала акриловую бумагу с подходящей текстурой холста и нарисовала фон при помощи валика и красок.

Я сделал два скрина из ее видео мастер-класса, которые более наглядно отражают то, что я хотел сказать.

Никогда не бойтесь экспериментировать с различными текстурами, особенно в части, касающейся прорисовки фона!

А вот великолепный тигр Джонатана Ньюи, нарисованный на простом зеленом фоне.

Это идеальный вариант, когда главный объект картины несет в себе слишком много различных деталей, как в данном случае пестрый меховой окрас тигра.

Обратите внимание на то, что хотя дальний план и прорисован всего несколькими большими уверенными мазками, они создают ощущение листвы за силуэтом зверя.

Черный лабрадор с картины Джейн Лэзенби, тревожно озирающийся по сторонам, изображен на размытом светлом фоне. Однако мы понимаем, что собака находится в поле благодаря нескольким более детальным мазкам на переднем плане, изображающим травы.

В картине Роба Дадли с изображением устья реки художник использовал одинаковые цвета для неба и его отражения в воде. Внимательно присмотревшись, вы увидите повторяющиеся синие и бледно-желтые цвета.

Возможно, для вас это очевидно, однако новички в акварельной живописи часто забывают об этом.

Такие вещи объединяют вашу работу. Запомните, что небо и море должны быть нарисованы вами в первую очередь, до того, как вы решите добавить на рисунок что-то еще.

Фон важен для любой работы, также и для работ, нарисованных при помощи угля.

Взгляните на картину Джоанн Бун-Томас, на которой изображен сельский дом. Я удалил с нее все нарисованные Джоанн облака, и вот что у меня получилось.

А теперь посмотрите на оригинальный рисунок Джоанн, где все облака находятся именно там, где она их нарисовала.

Обратите внимание на то, насколько иначе воспринимается версия Джоанн, хотя она всего лишь добавила несколько размазанных силуэтов облаков тут и там.

Давайте посмотрим на еще одну учебную работу Джоанн с изображением путешественников.

Бывали ли случаи, когда вы считали свои акварели испорченными после того, как на них образовывались так называемые “хлопья” в местах смешения красок?

Если да, то у меня есть отличные новости для вас!

В процессе работы над своим этюдом с путешественниками, Джоанн была сосредоточена на том, чтобы фигуры и фон были нарисованы с использованием одних и тех же цветов. Этот прием позволяет сразу же объединить всю картину.

Джоанн прекрасно удалось передать ощущение яркого света, используя очень насыщенные оттенки фона в тех местах, где он вплотную подходит к фигурам, а также оставляя белые ореолы вокруг части самих фигур путешественников.

Оставив незакрашенной правую часть картины, Джоанн смогла усилить ощущение яркого солнечного света. Посмотрите на сам фон за фигурами путешественников – там отчетливо видны “хлопья”.

Однако в данном случае они не разрушают всю работу, а наоборот делают более интересной за счет применения такой необычной текстуры для фона.

Подведем итоги

Итак, повторим… Планируйте и создавайте фоны для своих работ таким образом, чтобы они:

• дополняли работу, но не конкурировали за внимание с основным объектом;
• помогали объединять картину;
• повышали уровень всей работы в целом.

Мы могли бы рассмотреть еще много разных картин, но моя задумка была в том, чтобы научить вас рассматривать фон как неотъемлемую часть ваших работ, даже если вы добавляете или исправляете его позже, в процессе рисования.

Хотелось бы также надеяться, что вы разобрались с тем, почему конкретный фон в некоторых случаях работает, а в других нет.

И я вполне уверен, что преуспел в своей затее, потому что раз вы дочитали эту статью до конца, то уже не сможете не обращать внимания на фон в своих или чужих работах.

Теперь вы будете в состоянии помочь себе в своих творческих поисках.

Я уверен в этом!

Источник:

Перевод: Творческая Мастерская Марины Трушниковой

Надеюсь, что этот материал окажется вам полезным! Буду благодарна за репост.

Зло, искушение и полная свобода. Что означал черный цвет в искусстве разных эпох

Согласно Библии, черный был первым и единственным цветом на земле, но в конце концов появился свет, который ознаменовал появление жизни. Так черный был определен как безжизненный, и на долгие годы за ним закрепилась дурная слава цвета смерти.

Однако за тысячи лет до этого его значение было иным. В наскальной живописи — например, в пещере Ласко 15–18 тысяч лет назад — черный не кажется таким уж мрачным. Им нарисованы почти все животные и единственный среди сотни анималистичных рисунков человек. До сих пор нет единой версии, в чем смысл этих изображений. Наиболее убедительное объяснение — что в пещере Ласко проходили обряды посвящения.

Было важно не просто создать изображение, но и сделать так, чтобы оно сохранилось надолго, поэтому вместо недолговечной краски на основе древесного угля стали использовать оксид марганца. Такие рисунки просуществовали десятки тысяч лет.

Если от палеолита сохранилась наскальная живопись, то следы великой греческой цивилизации остались на осколках глиняных сосудов.

В античном мире ремесленники использовали несколько методов росписи. Сначала это было изображение-знак — то есть геометрические узоры, например греческий меандр, которым закрашивали сосуд целиком. Затем — изображение-образ, в том числе чернофигурная роспись (VI век до нашей эры), в которой темные силуэты контрастно выделялись на терракотовом фоне. В это же время были выработаны классические формы греческих ваз — это амфоры, связанные с погребальными культами и ритуальными пиршествами в честь бога виноделия Диониса.

Этот цветовой выбор не был случайным: противопоставление света и тьмы проходит через всю эллинскую культуру, ее философию (например, присутствует в платоновском мифе о пещере).

И если в мифологии эта борьба окончилась ничьей, то в вазописи победил свет — следом за чернофигурной росписью появилась краснофигурная, благодаря которой изображение стало более живым, а рисунок — свободным.

Читайте также

Страсти Христа, женская сексуальность, кровь войны и символ власти. Что означал красный цвет в искусстве разных эпох

В эпоху раннего Средневековья черный цвет считался одновременно хорошим и плохим. С одной стороны, он ассоциировался с внутренним достоинством, в него облачались монахи в знак смирения и воздержания, а с другой — этот цвет напоминал о загробном мире, грехах и силах зла.

К началу Х века баланс сил сильно меняется — во многом благодаря трактатам моралистов и теологов: отныне долгие годы черный будут считать цветом дьявола. Лишь монахи-бенедиктинцы продолжали хранить верность черным рясам: надевая их, они также примеряли на себя роль отверженных и презираемых. Но они были тем редким исключением, которое подтверждало правило.

Дьявол Средневековья сохранил черты античного сатира: темное тело с козлиными ногами, мохнатой головой с рогами и длинным хвостом. Его прислужники (бесы или демоны) выглядели так же, но иногда их рисовали с несколькими лицами — чаще всего второе находилось у них на уровне живота, либо в паху или на заду. Оно символизировало животное начало: похоть, уродство, множественность.

Встретить в церкви образ искусителя и его свиты можно на сюжетах из жизни Христа. Звероподобный дьявол должен неустанно напоминать молящимся о страшных муках ада.

В русских средневековых манускриптах их еще иногда рисовали зелеными, хотя в «Повести временных лет» бесы описаны как «черни, крилаты, хвосты имуще». Темные тона подчеркивали обособление от божественного света: там, где нет света, нет Бога, а значит, это и есть ад.

В эпоху Ренессанса черный берет реванш.

В это время появляется множество портретов, где модели с головы до ног облачены в черные костюмы — и по своему дорогому убранству они весьма далеки от монашеских ряс. Как пишет историк Мишель Пастуро, причин у столь грандиозной перемены было две:

• черный стали использовать в рыцарской геральдике (отсюда у этого цвета появляется значение благородства),
• черным был соболиный мех, который привозили из России для королевского и княжеского гардеробов (отсюда вторая ассоциация — роскошь).

О том, как модно-аристократический черный цвет переняли художники, говорит история о двух портретах Рафаэля. Еще в 20 лет Рафаэль создает портрет герцога Урбинского Гвидобальдо да Монтефельтро в черно-золотых одеждах (эти два цвета были геральдическими в герцогстве Урбино).

А на следующий год он уже рисует себя в черном:

Такой образ был художнику на руку. Тогда он только закончил учиться и вместо того, чтобы осесть дома и вслед за отцом стать придворным живописцем, отправился попытать счастья во Флоренции. Завоевать внимание в городе, в котором творили Микеланджело и да Винчи, было непросто. Автопортрет должен был продемонстрировать потенциальным заказчикам, что художник не только искусен, но и знает толк в моде. Это сработало: вскоре к Рафаэлю обратился Аньоло Дони, богатый торговец тканями, который покупал работы у самых прославленных мастеров своего времени.

После Рафаэля в черных одеждах будет изображать себя еще художник-искусствовед Джорджо Вазари, а еще столетие спустя — испанский придворный живописец Диего Веласкес, благодаря которому черный долго будет ассоциироваться с придворной культурой Испании.

Долгие годы черный был популярен в основном в сфере моды. Но итальянский художник Караваджо в конце XVII века создал с его помощью новую манеру изображения, которая пользовалась не меньшим спросом среди живописцев, чем черные ткани у аристократов.

Новый метод назвали тенебросо (от итальянского «мрачный»), потому что в палитре Караваджо темных красок было значительно больше, чем светлых, а контраст яркого света и непроницаемой тени создавал выразительный театральный эффект. Работает это так: луч света выхватывает предмет из тьмы и моделирует объемы фигуры или предмета.

Тенебросо можно увидеть в картине «Обращение Савла». Савл — в скором будущем святой Павел — долгое время участвовал в гонениях на христиан, пока однажды на дороге не увидел «с неба свет, превосходящий солнечное сияние». От этого мощного потока он упал наземь и, услышав голос Иисуса, уверовал в него.

В правом верхнем углу картины Караваджо изобразил такой сильный свет, что вокруг всё превращается в тьму — хотя, по Библии, дело происходит днем. Впервые в истории живописи контраст светлого и почти черного получил такую драматическую силу.

Эпатажные картины Караваджо римская публика принимала с трудом: ее шокировали и странные вспышки света, и сам тон сцен, в которых священные события переносились в мир простых людей.

Но зато художникам пришлась по вкусу его манера тенебросо — и вскоре образовался целый круг его последователей (причем не только в Италии), которых позже окрестили караваджистами.

Не меньшая драматичность была в полотнах испанского художника Франсиско Гойи. Он жил на рубеже XVIII–XIX веков, когда в стране был ужасный кризис. Как это часто бывает в истории, в такие моменты во всех сферах культуры и искусства на первый план выходит человек из народа. Гойя интересовался жизнью махо (они же мачо — щеголи из простонародья) и мах (подруг махо — таких же щеголих). Это были жители самых бедных районов Мадрида, которые не считались ни с законом, ни с мнением окружающих.

О том, как выглядели экстравагантные женщины из народа, можно судить по картине Гойи «Махи на балконе»: головы покрыты кружевными мантильями, на плечах короткие жакеты, расшитые золотом. Если последней деталью можно было пренебречь и не надевать без необходимости, то мантилья стала неотъемлемой частью наряда мах.

Гойя был еще и придворным художником и, посвятив героям трущоб несколько полотен, привлек внимание аристократии к этим людям. Вскоре из-под его кисти появились два портрета известных светских дам в платьях, в которых обычно расхаживали модницы-махи. Первым было изображение герцогини Каэтане Альбы (которуюдолгое время считали моделью для «Обнаженной махи»), а вторым стал портрет самой королевы Марии Луизы.

Долгие годы в Испании, со второй половины XVI века, черный цвет был монополией придворной знати. Но во времена вторжения французов (с 1808 по 1814 годы) светская мода сильно изменилась. Женщины из испанских аристократических семей стали одеваться на французский лад в светлые платья без корсетов с завышенной талией — таким образом они проявили свою конформность. Но махи не хотели идти на уступки захватчикам: стали ходить в черном и по старой традиции продолжали покрывать головы кружевными накидками.

В этом смысле очень символично, что Гойя в поздние годы всё предпочитал изображать в темных тонах. В это время он жил затворником в пригороде Мадрида, скрываясь от немилости нового короля и обвинений со стороны инквизиции за свои либеральные взгляды. Стены собственного дома он расписывал серией фресок, которую условно называют «Мрачные картины» (в буквальном переводе «черные», от исп. pinturas negras).

Эти произведения долгое время казались странными макабрическими сюжетами старого и больного Гойи, почти полностью потерявшего слух. Однако искусствовед Антонио Муньос-Касаюса считает, что так художник выражал свой протест, выступая против засилья французских солдат и жестокости испанских королей. В этих фресках чиновники становятся участниками ведьминского шабаша, а отправляясь в паломнические походы, бьют друг друга и пожирают.

Удивительные, ни на ничто не похожие изображения стали последним посланием Гойи своим современникам, которое они так и не смогли увидеть: фрески находились в заброшенном доме и были открыты лишь полвека спустя.

Сделать с помощью черного привлекательное изображение удалось лишь художникам-символистам. В своем искусстве они отвергали реалистичный подход, считая, что нужно создавать загадочные произведения, глядя на которые зритель мог бы путешествовать по глубинам собственной души.

Это было весьма необычное заявление для конца XIX столетия, когда культура повсеместно переживала кризис безверия. После издания «Происхождения видов путем естественного отбора» Чарльза Дарвина в 1859 году человек потерял статус божественного творения, а новые труды по психологии стали опровергать представление о человеке как о хозяине себя самого.

На этом фоне картины символистов воспринимались как культ красоты и мира фантазий — иногда опасных в своих проявлениях. Всё таинственное для художников было неразрывно связано с необузданной похотью и насилием — с теневой стороной бытия, в которой они искали художественную выразительность.

Главным символистским манифестом стала картина немецкого художника Франца фон Штука «Грех». В ней тема ночи становится аллегорией больших страстей, ведь, увидев обнаженное женское тело, вы почти сразу встречаетесь со страшным змием. Так библейская фигура Евы стала воплощением искушения в духе мужских фантазий.

Сильные и независимые героини вроде Саломеи, Клеопатры и Юдифи, готовые в любой момент вступить в битву полов, — стали архетипическими femme fatale рубежа XIX–XX веков, которые воплотили актуальные для того времени представления идеи о равенстве женщины и мужчины.

Русский художник Казимир Малевич, прославившийся «Черным квадратом», тоже начинал свой творческий путь с символизма. Правда, работая в этом стиле, он не добился успеха, но интерес к мистическому отразился на его абстракции.

Первый его «Квадрат» (а всего их было пять) был представлен на выставке 1915 года весьма необычным образом: традиционно художники развешивали свои произведения по всей стене, а Малевич выстроил композицию от угла, в котором и находилась картина. В русских домах такие места называли красными углами: в них помещали иконы. Такая развеска помогла «соединить» все представленные картины с «Квадратом», сделав его центром всей экспозиции.

Все формы художник свел к простым геометрическим фигурам и ограничился основными цветами спектра. Черным он сделал лишь квадрат, потому что черный — это абсолютный ноль, начало и конец всех цветов. А квадрат для Малевича был универсальной формой, из которой исходят все другие: если сложить его по диагонали, получится треугольник, если вращать — круг, если дублировать — прямоугольник. Художник верил, что, создав черный квадрат, он вернулся к первоосновам всего существующего.

Свою живописную систему он назвал супрематической (от лат. supremus — «высший»). По его мнению, она завершила классическую историю изобразительного искусства и открыла новую, где у искусства нет функций и задач:

«Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыдных Венер, тогда только увидим чисто живописное произведение».

Большую роль в появлении супрематизма сыграла иконопись, которую художник внимательно изучал. Например, квадрат воспроизводит традиционную форму иконы Спаса Нерукотворного, но при этом не содержит узнаваемого образа. Сам Малевич видел в нем непостижимый образ Бога, который невозможно превзойти, и считал «Квадрат» своим главным произведением.

По иронии судьбы, именно «Квадрат» превратился в товарный фетиш, став одним из самых воспроизводимых образов в сфере рекламы и дизайна.

В начале 1950-х годов абстракция вновь стала самой популярной художественной формой. Пережив войну, многие просто не видели смысла изображать реальность — столь пугающей она им казалась. Главным художественным центром абстракции была Америка, где, начиная с абстрактного экспрессионизма Джексона Поллока, активно развивалась нефигуративная живопись.

Но уже с 1960-х годов художники стали выступать против открытой эмоциональности абстрактного экспрессионизма: они отвергали мазки и тактильные поверхности «живописи действия» (когда Поллок поливал свои холсты краской, получался слой толщиной в несколько сантиметров). Представители этого нового направления стремились избежать мистической трактовки своих произведений, а потому создавали предельно элементарную форму.

В этих работах он хотел уничтожить традиционное соотношение фигуры и фона, когда объект доминирует. Идея на самом деле не новая: еще Пит Мондриан в картине «Композиция с овальными и цветными плоскостями» 1914 года хотел уравнять в правах задний план с передним, покрывая весь холст геометрической сеткой.

Однако полвека спустя эта же концепция в исполнении Стеллы взбудоражила критиков. Демонстративная структурность и минималистичность его изображений словно говорили: мы только живописные объекты, а не «экзистенциальные опыты», как у Ротко, Ньюмана и Поллока. Самая знаменитая картина из этой серии — «Знамена ввысь!» (в названии цитируется первая строка нацистского марша).

Может показаться, что эти линии на черном фоне напоминают свастику, а ее форма — знамя. На деле в картине не было никакой связи с милитаристским контекстом. Художник хотел уничтожить любой намек на то, что картина — это «творение свыше», сводя всю работу с краской и формой к простым техническим манипуляциям. Он наносил краску так, чтобы поверхность казалась идеально гладкой, лишенной какой-либо фактуры, а ширину черной полосы и крестообразную композицию полос определили параметры деревянной перекладины подрамника.

Так Стелла доказал, что часто мы видим в произведении то, что в нем не было заложено.

За этот радикальный ход в газетах его прозвали малолетним преступником, а его отказ от романтичных живописных свойств абстрактного экспрессионизма расценили как пощечину общественному вкусу. Но это направление уже зашло в тупик. С точки зрения других художников, Стелла своими работами предлагал выход из него к чистой абстракции.

Сегодня у черного цвета есть множество интерпретаций: от бунтарского и агрессивного (цвет рокеров) до стильно-аскетичного (одежда архитекторов). Черный — это одновременно анархистский, фашистский и нигилистский цвет, он выражает наиболее экстремистские убеждения.

Испанский художник Сантьяго Сьерра каждую свою акцию готовит как протест против человеческого унижения и порабощения капиталистической системой труда. Всё действие он обязательно фиксирует на пленке, причем исключительно черно-белой. По словам художника, таким образом он отдает дань двум испанским мастерам: Гойе и Пикассо с его монохромной антивоенной «Герникой».

Художник постоянно инициирует ситуации, когда человек получает деньги за то, что он в жизни никогда бы не сделал, если бы не нужда. Сексуальный акт в Los Penetrados ставит вопрос о том, что подтолкнуло неизвестных друг другу людей, никогда не работавших в порноиндустрии, согласиться продать свое тело. А черно-белая картинка этого видео не передает эстетику съемки, но создает холодно-отстраненную атмосферу документации происходящего.

Впервые Сьерра сделал человека объектом для манипуляций еще в 1998 году, когда предложил 50 долларов одному бедному мексиканцу, остро нуждавшемуся в деньгах, за татуировку на спине. Это была простая линия длиной в 30 см, но художник впервые почувствовал себя эксплуататором. Год рефлексируя над тем, что произошло, он в конце концов повторил акцию, только с 6 участниками, и заплатил им еще меньше (по 30 долларов).

В этом проекте Сьерра есть и историческая аллюзия. В эпоху Древнего Рима рабов помечали клеймами, но не так, как мы привыкли это себе представлять: раскаленное железо, крики ужаса и страшные ожоги. Клеймом была именно татуировка, которая стала восприниматься как метка для низших сословий.

Эту традицию Сьерра воскресил в своей акции, наделяя ее безотрадным подтекстом современных реалий: «Мне импонирует мрачный тон моих работ, и я намерен его придерживаться — это как моя подпись, и это неизменно оказывает воздействие», — заявил художник в интервью.

Почитайте еще историю красного, синего и желтого цветов в искусстве.

In The Dark: Создание драматического фона

Темная сторона может быть очень красивой, когда дело касается вашего сада. В этом году в тренде темные фасады и растения, которые контрастируют с вашими бежевыми соседями. Я полюбил темные сараи с тех пор, как моя семья совершила поездку по Кентукки и Теннесси. Время от времени мы проезжали мимо старого табачного сарая, выкрашенного в черный цвет (его фото вы можете увидеть здесь). Темный внешний вид нагревает внутри и помогает в сушке табака.Сараи получили свой темный цвет из-за креозота, который помогал отпугивать насекомых, а именно термитов, и, возможно, поэтому мы видим их до сих пор.

Черный дом поглощает весь свет и позволяет растениям на переднем плане излучать все цвета и отражения. (Фото: Ник Маккалоу)

Более темные стены делают яркие цветы особенно привлекательными, потому что взгляд сразу привлекает смелые оттенки. Растения в кашпо: Strelitzia nicolai и Ipomea ‘Illusion Emerald Lace.(Фото: Ник Маккалоу)

Растения в оконных ящиках: Coleus «Dark Chocolate», Lantana «Luscious Lemonade», Begonia boliviensis «Waterfall Encanto Orange», Setcreasea pallida «Purple Heart» и Dichondra argentea «Emerald Falls». (Фото: Ник Маккалоу)

Сочетание пышной зеленой листвы и черной текстуры создает четкий контраст. Когда строение, такое как сарай или беседка, окрашено в темный цвет, вариации зеленого цвета на переднем плане становятся намного более выраженными. Два оттенка зеленого, которые в противном случае могли бы выглядеть одинаково, разделены разными оттенками и насыщенностью цвета.Точно так же темные стены делают яркие цветы и уличную мебель более привлекательными, потому что ваши глаза привлекают более яркие цвета, заставляя их выделяться еще больше.

Недавно в одном из моих проектов цвет этой беседки был изменен с кремово-бежевого на темно-бронзовый. (Фото: Ник Маккалоу)

Обратите внимание, как темная структура отступает и исчезает в саду, выделяя серебристую листву Stachys ‘Helen von Stein’ (Ухо ягненка) и зеленовато-желтый цвет Hakonechloa macra ‘Aureola’ (японская лесная трава).Темный цвет позволяет растениям быть звездами. (Фото: Ник Маккалоу)

Часто идея нарисовать что-то черным вызывает страх, что этот объект будет казаться тяжелее в пространстве. Фактически, черные структуры могут делать противоположное — отступать и стирать линии в саду.

В дополнение к тому, что цвета выделяются, текстуры листвы и перьев выделяются из-за резкого, четкого контраста с темным оттенком. (Фото: Ник Маккалоу)

Это очевидно по тонким перьям Calamagrostis acutiflora «Karl Foerster» (ковыль тростниковый).(Фото: Ник Маккалоу)

Этот темный павильон создает драматический фон для Panicum virgatum «Cloud Nine» (перекати-поле) в ботаническом саду Ю-Делл в Крествуде, Кентукки. (Фото: Ник Маккалоу)

Любой, кто выбрал цвета краски, знает, что это может быть трудной и непосильной задачей. Вот список фаворитов, которые служат «повышенными нейтральными» — оттенками, которые являются изысканными, классическими и обязательно будут отлично смотреться в любом саду.

• Бенджамин Мур: Мех енота
• Фарроу и Болл: Off-Black
• Бенджамин Мур: глубокая бронза
• Фарроу и Болл: черный как смоль
• Шервин Уильямс: перец

Black Background Art на продажу

Frankenstrat Studio Shoot

Журнал гитаристов

Краснохвостый черный какаду

© Деби Далио

Золотой рекорд проигрывателя

Каспар Бенсон

Кружевной веер для фламенко

T-immagini

Плетеная грива серого коня

Хенрик Соренсен

Белая лошадь Lusitano на прогулке

Кристиана Ставски

Белые чернила в воде на черном фоне

Biwa Studio

Самец западной равнинной гориллы

Майк Хилл

Черный и белый цветок Maco

Йохан Кловшё

Рентгеновское изображение цветка

Крис Парсонс

Мотылек Орхидея на черном фоне

Майк Хилл

Крупный план электрогитары

Студия Яги

Женщина готовится прыгнуть назад

Бен Уэлш

Король азиатских лев

Фотография Стивена Бридсона

Футбольный мяч в тени

Томас Норткут

Как пламя

Char

Взрывная роза

Дон Фаррелл

Лютики персидские Ranunculus Asiaticus

Фотография Магды Индиго

Ботаник-дог

Томас Хоул

Цветок ранункулюса

Аннфрау

Белая роза

Лола Л.Фалантес

Дым

Хенрик Соренсен

Солнечная система, произведение искусства

Sciepro

Бриллиант 02

Mina De La O

Кофе, налитый в чашку, плещется

Хенрик Соренсен

Белая каттлея Орхидея Cattleya Sp

Майк Хилл

Арабский жеребец

Фотографии Марии Итиной

Собака в прыжке в воздухе, черно-белый

Генри Хоренштейн

Рыба-клоун на зеленом анемоне

Фотография Аластера Поллока

Драматический ягненок, черно-белый

Майкл Нил О’Доннелл

Танцовщица под водой на фоне черного

Томас Барвик

Груши

Эдди Обрайан

Элегантная красота

Dhmig Photography

Джордж Харрисонринго Старрджон

Джон Доминис

Тост с шампанским

Архив рекламы Берта Харди

Созерцательная горилла

Дин Фикар

Исландские маки — вид сверху

Билл Грейси

Крупный план плавных световых дорожек

John M Lund Photography Inc

Всплеск белой краски на черном фоне

Biwa Studio

Рыболовная сеть

Brainsil

Георгин в нежных оттенках серого

Розмарин Калверт

Бутылка холодного шампанского

P1 изображений

Золотая лошадь

Фотографии Марии Итиной

Pinkalicius Ranunculus… Розовый для

Фотография Магды Индиго

Смешивание цветного дыма в темной комнате

Хенрик Соренсен

Балерина под водой

Хенрик Соренсен

Глаз зебры

Хенрик Соренсен

Пальмовый какаду

Роджерсмитпикс

Фламинго

Томмл

Три волана на черном фоне

Сири Стаффорд

Белая орхидея на черном фоне

Imv

Винтажный бейсбол на черном фоне

Крис Парсонс

Бак в черно-белом

Малькольм Макгрегор

Красная роза

Иван Тиртха

Завитки черных чернил в воде

Терри Маккормик

Модели напряжений в пластиковой посуде

Дэвид Хоган

Пианист

H.Армстронг Робертс

Носорог

Малькольм Макгрегор

Высокогорный скот в двери сарая

Керрик

Фотография обнаженной женщины с мокрой спиной

Daj

Помидоры

Фотография Магды Индиго

Взгляд бенгальского орла

Эндрю Дж. Тан

Портрет стоящей серой лошади

Хенрик Соренсен

Беркут-самка

А Л Кристенсен

Белоголовый орлан

Dansphotoart на Flickr

Шампанское с пузырьками

Джеймсачард

Гитара

Даниэль Т Джестер

Horse Eye

Ана Гассент

Сова

Канеко Рио

Мандрил

Художественная фотография Саманты Николь

Макро оболочки наутилуса крупным планом, изолированные

Csphoto

Глаз лягушки, крупный план

Джонатан Ноулз

10 лучших цветочных картин, чтобы начать неделю

Кто не любит хороший букет? Цветочные натюрморты были основой искусства почти с самого начала.Будь то букет роз или хризантема с одинарным стеблем, художники предложили свой взгляд на листву разными способами, чем можно сосчитать. Чтобы начать неделю, вот 10 холстов, полных цветов — некоторые из них любимые, а другие вы, возможно, еще не знакомы, — чтобы украсить ваш понедельник.

Ренуар не привыкать рисовать розы, существует множество вариаций на эту тему, и среди них сложно выбрать любимую.Однако эта версия ощущается как теплые, снисходительные объятия. Красные и оранжевые розы переполняют вазу, из которой они появляются, подражая своим моделям. Видимые мазки создают романтическое настроение, и даже фон красив своими кистями, зеленью и апельсинами. Картина демонстрирует более позднюю сосредоточенность Ренуара на чувствах своих предметов, а не на их точном изображении.

Художник Anishinaabe Норвал Морриссо считается дедом, или Mishomis , современного искусства коренных народов Канады.Самопровозглашенный художник-шаман, Морриссо изображает животных, растения и фигуры анисинаабе, которые он испытывал в видениях. Цветочная тема из двух частей представляет собой почти зеркальное отображение цветущего растения в окружении птиц и бабочек. Яркие цвета исходят от работы, создавая эстетически приятную и заставляющую задуматься картину.

Могольский художник 17 ^{-го годов} -го века, который в основном работал при дворе Джахангира, Устад Мансур известен своими детально прорисованными изображениями дикой природы и листвы.Его доблесть сначала принесла ему титул устад , что означает «мастер», а позже он получил почетное звание надир-аль-‘аср , или «чудо эпохи». Цветочные орнаменты Мансура временами были в центре его работы, а иногда — второстепенными украшениями, напоминающими более ранние персидские рукописи. Его картина цветка, столь же техническая, сколь и прекрасная, изображает стадии цветения, в то время как цветочные используются, чтобы подчеркнуть иллюстрацию павлина, в такой же красивой, но деликатной манере.

Конечно, нельзя обсуждать цветочные картины, не приехав в Джорджию О’Киф. «Если бы я могла нарисовать цветок именно таким, каким я его вижу, никто бы не увидел то, что вижу я, потому что я бы нарисовала его маленьким, как маленький цветок», — однажды сказала О’Киф о своей работе.«Поэтому я сказал себе — я нарисую то, что вижу — что это за цветок для меня, но я нарисую его крупно, и они будут удивлены, найдя время, чтобы взглянуть на него — я заставлю даже занятых жителей Нью-Йорка найти время чтобы увидеть то, что я вижу в цветах ». В конечном итоге О’Кифф так и поступил. Ее картины увлекательны, иногда дезориентируют, и легко забыть, что вы смотрите на картину с цветком. Jimson Weed было одним из крупнейших произведений, когда-либо созданных O’Keeffe.

Яркие желтые и красные цветы прыгают с холста Джона Констебля Цветы в стеклянной вазе . Цветы сопровождаются насыщенно-зелеными, экспрессионистскими листьями, иногда с синими завитками и глубокими нейтральными драпированными цветами. Ваза захватывает свет трансцендентным образом, напоминающим белые пятна, которые впоследствии стали известны как «снег констебля», которые усеивают большие пейзажи, которыми больше всего известен художник.

Когда дело дошло до цветочных натюрмортов, у фламандцев это было. Ян Брейгель Старший, пожалуй, один из самых известных фламандских мастеров, которого часто считают пионером живописи-букета. Его тщательно проработанные картины жизни на подоконнике — отличительная черта жанра, привлекающая внимание посетителей музеев, искусствоведов, ботаников и энтомологов.Совершенно мрачные, но полные жизни картины Брейгеля гиперреалистичны. Тюльпаны, розы, незабудки, нарциссы, пионы, ирисы и многие другие цветы переливаются в безупречных композициях, и если вы присмотритесь, то увидите мельком пчел, бабочек и гусениц. Картины также наполнены символизмом, особенно тем, что обозначает жизненные циклы.

Среди самых влиятельных японских художников Хокусай любил рисовать цветы и птиц. Снегирь и Плакучая вишня , написанная в 1834 году, является ярким примером работы Хокусая и представляет собой интригующую картину листвы. Яркий синий фон оттеняет цветущие вишни, которые, кажется, плывут в кадре. Снегирь-самец небрежно свешивается с ветки, добавляя чувство неуверенности, позволяя легко понять, почему отпечатки этой работы часто отображаются в перевернутом виде. Без золотой середины пространство становится плоским, как это характерно для японских картин.

Если единственные работы Пита Мондриана, с которыми вы знакомы, — это его знаменитые картины с сеткой, его цветы могут показаться шокирующе нехарактерными. Картина Мондриана, выполненная акварелью и углем, Хризантема , демонстрирует иную грань творчества художника. Строгий и выразительный, он далек от черно-белых работ с яркими всплесками цвета.Тем не менее, новое исследование, проводимое в Фонде Бейелера в Швейцарии, надеется установить связь между его работами, основанными на природе, и его абстракциями. В любом случае, Chrysanthemum — это потрясающе тонкая ода цветку и прекрасный пример другой стороны творчества Мондриана.

Еще одно произведение искусства, которое может стать неожиданным вариантом их обычного стиля, — это произведение Роя Лихтенштейна Black Flowers .Используя свои культовые точки Бен-Дея, Лихтенштейн изобразил вазу с тюльпанами, которые почти полностью распустились. Лишенная цвета, картина приобретает плоский, газетный вид, отдавая дань уважения традициям цветочной живописи прошлых поколений.

Швейцарская натуралистка Мария Сибилла Мериан сделала себе имя как одна из первых энтомологов. , но именно благодаря ее ботаническим иллюстрациям она вошла в наш список сегодня.Ее скрупулезная детализация и научный взгляд сделали ее одним из самых известных художников-ботаников. Листва, которую она изображает, представлена ​​в инновационной композиции, как в случае Тюльпан-попугай, Auriculas и красная смородина, с сорокой мотыльком, ее гусеницей и куколкой . Как видно из названия, он также показывает различные этапы жизни Месяца Сороки, что является общей характеристикой иллюстраций Мериан. На протяжении своей карьеры Мериан опубликовала ряд гравюр, некоторые из которых теперь приписываются ее дочери Доротее.

Шаг 8: Покрасьте свой первый объект

Как нарисовать то, что вы видите

Прежде чем мы начнем, посмотрите Часть 3 из «Как рисовать реализм» ниже. Если у вас нет видео, вы можете либо приобрести его, нажав на видео ниже, либо вы можете посмотреть мое бесплатное видео на YouTube «Как рисовать маслом», нажав здесь.Бесплатное видео охватывает весь процесс рисования, оно не демонстрирует ничего, кроме рисования одной серебряной чашки.

После просмотра видео также потратьте некоторое время на интерактивную замедленную съемку, в которой я рисую натюрморт с «желтыми цветами», даже если вы уже просматривали его раньше. Обратите особое внимание на то, как я закладываю каждый шаг один за другим, заканчивая каждый шаг перед тем, как перейти к следующему.

После того, как вы просмотрели интерактивный таймлапс и закончили просмотр Часть 3 из «Как нарисовать реализм» , продолжайте читать ниже. Не начинайте рисовать , пока не прочтете всю страницу!

Рисовать по одному объекту за раз

В большинстве случаев я рисую по одному объекту за раз. Это означает, что я полностью заканчиваю над любым объектом, над которым работаю, прежде чем перейти к другому объекту. Это не значит, что я не вернусь к нему и не внесу коррективы позже, когда натюрморт будет закончен, но я стараюсь полностью закончить один объект, прежде чем двигаться дальше — и обычно я никогда не возвращаюсь и не работаю над ним снова.

Слишком сложно сосредоточиться на нескольких объектах одновременно.Еще одно преимущество рисования одного объекта за раз заключается в том, что если краска сохнет или становится липкой, вы можете дать ей высохнуть, а затем продолжить рисование свежей краской. Это намного сложнее сделать, если у вас есть предметы, которые высохли, когда они были только наполовину окрашены.

Это одна из многих причин, по которым я рекомендую сначала нарисовать фоновый цвет вокруг любого объекта, который вы рисуете. Таким образом, если ваша краска высохнет на холсте, вы можете очень легко смешать цвета с сухим фоном, чтобы снова смочить эти области и продолжить свой натюрморт.

Правила покрытия холста краской

Эти правила в основном применяются к тому, как вы наносите свой цвет до тех пор, пока холст полностью не покроется в определенной области. После того, как вы покрыли холст объекта, который рисуете, вы измените свой подход к рисованию, и некоторые из этих правил могут быть нарушены. Я расскажу об этом позже в разделе «Как только ваш холст будет покрыт» внизу этой страницы.

Не смешивать

Это правило номер один.За ним труднее всего следить, и это также самое важное. Я не могу научить вас рисовать, если вы будете растушевывать и «исправлять» по ходу движения. Вы должны научиться рисовать мазком, а затем оставьте это в покое .

До тех пор, пока вы не закрасите все свои шаги и не покроете холст полностью, вы не можете и не должны даже пытаться судить о том, что не так с вашей картиной. Наполовину раскрашенная ваза (или что-то еще) всегда будет выглядеть совершенно неправильно. Взгляните на эти наполовину раскрашенные объекты и обратите внимание, как они выглядят неправильно, но до сих пор я рисовал их правильно.

Еще одна причина избегать смешивания — это самый верный способ испортить цвет. Один мазок наложения тени превратит ее из насыщенного естественного цвета в молочно-неуместный цвет. И вы даже не узнаете, что это произошло — на самом деле вы, вероятно, подумаете, что это помогает, потому что ваш холст вокруг него голый. Посмотрите это видео ниже, где я обсуждаю защиту ваших теней.

Есть еще одна причина не смешивать, менее очевидная. Несмешанный цвет — «вкусный» цвет.Не знаю, как еще это выразить. Вблизи, когда вы сидите за мольбертом, это может выглядеть как «юк», но сделайте шаг назад, и это будет выглядеть естественно и чудесно. Ровный смешанный цвет выглядит искусственно. Обратите внимание на изображения ниже, что если вы внимательно посмотрите на детали, в этих классических картинах не все цвета смешаны вместе.

Не преувеличивайте

Доверьтесь проверке цвета. Когда вы проверяете цвет, спросите себя, как далеко уходит цвет влево? Как далеко вправо? Как далеко внизу? Как далеко? Затем раскрасьте его соответствующим образом.Не делайте предположений. Большинство людей так делают.

Не думайте, что вы умеете лучше, чем проверка цвета. Не поддавайтесь искушению преувеличивать то, что вы видите. Не делайте ярче свечение на дне вазы. Не заставляйте линии отражения больше выделяться на столе. Не делайте свою картину более «попсовой». Художники-любители любят все перерисовывать — не делайте этого . Просто доверьтесь своей проверке цвета и при необходимости перепроверьте цвет. Не «позволяйте себе уйти» и не начинайте играть со своей краской.Очень весело преувеличивать все, что вы видите, но в итоге ваша работа будет выглядеть дилетантской и неестественной.

Взгляните на это сообщение в блоге, где я говорю о двух важных качествах хорошего реализма — одно из них — не преувеличивать: Два основных качества хорошего реализма

Краска от темного к светлому

Не прыгайте. Легче увидеть, как развивается ваш объект, если вы сначала рисуете самые темные цвета, а затем переходите к следующему значению, а затем к следующему и так далее.Взгляните на изображения ниже и обратите внимание, как вы можете увидеть, как объект развивается, потому что я нарисовал его в порядке от темных к светлым.

Другая причина, по которой я рисую от темного к светлому, заключается в том, что гораздо легче перекрасить более светлый цвет в более темный, чем наоборот. Пытаться нарисовать тень более светлым цветом очень сложно, не разбавив краску.

Нарисуйте фон

Закрашивание фона вокруг объекта поможет вам лучше рассмотреть края.Если вы просто рисуете объект на холсте без какой-либо другой краски вокруг него, ваши края будут выглядеть совершенно неправильными, даже если они правильные.

Еще одна вещь, которую он делает, это позволяет вам «натянуть» ваши линии, если вам нужно, «отодвинув» ваши линии обратно с цветом фона.

Over-Paint Your Darks

Перекрашивайте темные участки, но не перекрашивайте свет. Прочтите это сообщение в блоге, в котором я обсуждаю эту проблему: Две самые распространенные ошибки при проверке цветов

Посмотрите на отражение белой чаши на изображении ниже.

Когда вы проверяете свой цвет, большинство людей склонны проверять цвет в центре отражения, где я поместил черные точки на изображении ниже.

Но посмотрите, что произойдет, если я затем «закрашу» этим цветом область в отражении, которой, похоже, она принадлежит.

Итак, вместо этого вы должны проверить цвет вокруг внешней стороны отражения, где я разместил черные точки на изображении ниже.

Сначала нарисуйте более темный цвет, а затем — и только потом — нарисуйте небольшое пятно посередине, как я это сделал в своей картине.

Итак, когда вы рисуете натюрморт, всегда лучше перекрашивать темные участки, а не перерисовывать свет. Когда вы рисуете ступеньку, нарисуйте ее немного дальше того места, где она идет, зная, что, когда вы рисуете следующий более светлый шаг, вы немного отодвинете его назад.

Уродливая краска

Вблизи, когда вы сидите за мольбертом, ваши краски будут выглядеть некрасиво, неаккуратно и беспорядочно. Издалека весь этот беспорядок заставляет цвета танцевать, а поверхность казаться «осязаемой».Гладкая смешанная краска издали смотрится искусственно.

Эти изображения из пары моих портретов иллюстрируют это:

Не рисовать «лучше», чем исходный текст

Это правило похоже на правило «Не преувеличивайте». Никогда не смотрите на свою работу и не начинайте влюбляться в свою манеру письма или в какой-нибудь интересный цвет, который вы случайно нарисовали. В этом курсе наша цель — нарисовать то, что мы видим. Когда вы научитесь хорошо рисовать, это совсем другое дело — я совсем не против того, чтобы художники использовали свое воображение при рисовании.Но в этом курсе, когда вы учитесь видеть цвета и рисовать, очень важно рисовать именно то, что вы видите.

Не пытайтесь улучшить свой источник, доверьтесь проверке цвета!

Использовать достаточно краски

Рисуйте кистью, полной краски, но не настолько, чтобы на поверхности краски возникали отражения и блики. И никогда не пытайтесь рисовать, используя слишком мало краски в кисти. Попытка рисовать, растирая краску по холсту кистью, не является рисованием — цвет будет другим, если холст просвечивает.Небольшой просвет холста — это нормально, но убедитесь, что ваша кисть заполнена краской, чтобы ваши цвета оставались верными.

Не торопись

Не торопитесь. Вы изучаете метод, и спешка или срезание пути только усложнят задачу в конце. Как только вы нарисуете пару картин, вы, естественно, начнете ускоряться. Вскоре все это станет второй натурой.

И после того, как вы будете рисовать этим методом в течение года или двух, вы можете отказаться от этого метода и рисовать как хотите — потому что вы будете знать, как видеть, рисовать и раскрашивать.В этот момент вы, естественно, избежите ошибок, которые очень легко сделать, когда вы все еще тренируетесь.

Как только ваш холст будет покрыт

После того, как вы закончите наложение всего цвета и закончите покрытие холста для объекта, над которым вы работаете, вы полностью измените свой подход к рисованию.

Если раньше я говорил вам доверять проверке цвета и никогда не доверять своему глазу, теперь вы должны доверять своему глазу.Важно не делать этого, пока холст не будет накрыт! Но как только ваш холст покрыт , самое время спросить себя: «В чем разница?» Если раньше вы не могли доверять своему глазу из-за чистого холста, теперь даже начинающий художник может легко увидеть различия. Например, на этом соседнем изображении вы, вероятно, сможете найти множество небольших различий между нарисованным объектом и реальным объектом.

«В чем разница?»

После того, как вы покрыли весь холст краской, и самые темные тени, а также самые яркие блики были закрашены (голый холст не виден), в этот момент (а не раньше) вы готовы начать спрашивать себя: «Что разница? »

Вот вопросы, которые вы задаете себе:

• Что более тонко: отражение в вазе на моей картине или отражение в настоящей вазе?
• Что круче: угол на краю очков на моей картине или угол на краю настоящих очков?
• Что толще: горизонтальные линии в таблице отражают мою картину или настоящие отражения толще?

Список бесконечен.Ищите небольшие (или большие) отличия, а затем исправляйте их одну за другой. Если вам нужна помощь с этой частью, опубликуйте фотографию своего прогресса на форуме Draw Mix Paint, и кто-нибудь будет рад помочь!

Зная, когда это можно назвать завершенным

Не переусердствуйте с картиной. Остановитесь раньше, чем позже. Оставьте цвет без смешивания, если вам это подходит. Чем больше вы работаете с краской — чем больше вы смешиваете и «исправляете», тем легче испортить цвет, особенно тени.Вместо того, чтобы смотреть на холст со своего места для рисования, время от времени отступайте и смотрите на картину издалека.

Судя по предмету

Когда вы выбираете тему и композицию, вы должны поработать над этим и хорошенько обдумать и обдумать. Потратьте несколько дней или больше на то, чтобы решить, что нарисовать и изучить свои идеи … затем выберите свой любимый из пятидесяти вариантов. Усердно работайте над этим.

Но как только вы решите, что вам что-то действительно нравится, и начнете работать над этим, никогда не сомневайтесь, нравится вам это или нет.По мере работы над этим — рисования, смешивания цветов и особенно рисования — вы, скорее всего, устанете от этого. Со мной такое всегда случается. Разбирая его и работая над ним часами, он больше не будет создавать искру, которая возникла, когда вы впервые увидели его и решили, что он вам действительно понравился.

Помните, когда люди увидят вашу картину, они увидят композицию впервые. Это очень и очень разное! Я хотел бы войти в комнату и посмотреть на свою картину, даже не видев ее раньше.Но, конечно, этого никогда не произойдет. Мы должны это принять.

Подходит к цвету вашего дома и сада

Вскоре после того, как я переехал в свой 100-летний дом, я решил выкрасить его фасад в коричнево-белый цвет. Обдумывая свои варианты цвета, я обращал внимание на свои предпочтения и на цвета, которые подошли бы к почтенному стилю архитектуры. Не менее важным было мое решение скоординировать палитру сада и дома для создания искусного внешнего вида и целостного дизайна.

Один из способов связать дом и сад — использовать цвета краски, которые могут повторяться в листве или цветах. Для своего дома я выбрала серебристо-зеленый мох с бордовым оттенком. Я знала, что эти цвета подойдут для очарования моего дома и станут подходящим фоном для сада, который я себе представлял.

Цвет вашего дома — это фон для вашего сада

Другой, более простой способ связать ваш сад и дом — совместить цвета ваших растений с цветами дома. Выбирая палитру растений, самым важным решением может стать определение количества цветов, которые нужно включить в нее. Я считаю, что простые цветовые схемы часто работают лучше всего. Палитры могут быть изысканными, естественными или драматичными, в зависимости от вашего стиля. Я рекомендую купить цветовое колесо в магазине художественных товаров и использовать его для определения цветов, которые будут создавать приятную гармонию или контраст вашему дому.

Цвета дома, которые легче всего вписать в сад, — это зеленый, коричневый и бежевый от природы. Когда дом уже гармонирует с окружающим ландшафтом, цвет, создаваемый цветами, нужен только для контраста. В этом случае подойдет большинство цветов, которые хорошо смотрятся на вашем доме.

Дома пастельных тонов красочны, но при этом могут мягко слиться с природным ландшафтом. Когда вы имеете дело с домом в пастельных тонах, цветовая гамма сада должна соответствовать цвету дома или хорошо контрастировать с ним.Холодный цвет дома, например синий, зеленый или фиолетовый, хорошо сочетается с холодными цветами растений, потому что они гармоничны. Точно так же дома, окрашенные в теплые тона светло-желтого, розового или абрикосового цветов, будут гармонично сочетаться с насаждениями в теплых тонах. Чтобы оживить обстановку, комбинируйте цвета, противоположные друг другу на цветовом круге. Например, синий дом в сочетании с оранжевыми цветами обеспечивает максимальный контраст.

Яркие цвета дома драматичны и должны сочетаться с одинаково эффектными цветами в саду.Повторяйте цвета дома как можно точнее и как можно дольше в течение года. С ярким цветом дома я люблю включать богатые насаждения однолетних растений стойкими яркими оттенками. Иногда я также добавляю немного более глубоких оттенков этих цветов, особенно за счет использования листвы.

Приглушенные цвета или цвета с серым пигментом более универсальны в качестве фона, чем чистые пастельные или очень яркие цвета. Для приглушенных оттенков не так важно точное совпадение растений и краски; они имеют тенденцию сочетаться с немного разными оттенками, как и твидовое пальто.

К этой приглушенной категории часто попадают кирпичные дома. Обычно относящиеся к «горячей» стороне цветового круга — оранжевой, красной и желтой — кирпичные дома лучше всего засаживать другими яркими цветами. Точно подбирать цвет кирпича и посадок не обязательно.

Выбор цвета посадки

Зеленый и бордовый цвет моего дома создают хорошие цвета фона для схем посадки. Зеленый как преобладающий цвет природы объединяет любой ландшафт.Красный является дополнением к зеленому — его противоположностью на цветовом круге — и, таким образом, обеспечивает сильный контраст. Тем не менее, приглушенная форма красного, которую я выбрал — красновато-бордовый — в сочетании с серебристо-зеленым мхом, создает дополнительную схему, которая скорее успокаивает, чем кричит.

Приглушенные нейтральные тона спереди
В нашем саду перед коттеджем под навесом норвежского клена зелень с серебристо-серой листвой украшает сцену. Основные растения включают хлопок с серебристыми листьями и лавандой ( Santolina chamaecyparissus , зоны выносливости USDA 6–9), серебряный шалфей ( Salvia argentea , зоны 5–8) и серебристо-серый можжевельник ( Juniperus virginiana ‘Grey Owl ‘, Зоны 3–9).К растениям с оттенками бордового относятся Sedum spurium, «Dragon’s Blood» (зоны 4–9), горняки ( виды и сорта Ajuga, , зоны 3–9) и сорта Heuchera (зоны 3–8).

Динамический контраст сбоку
Фиолетовый и желтый — ключевые цвета солнечной южной границы между подъездной дорожкой и домом. От золотых нарциссов весны, красного дерева и желтых тюльпанов до осеннего зрелища пурпурных астр, золотарника ( Solidago rugosa, ‘Fireworks’, зоны 5–9) и Rudbeckia ‘Herbstsonne’ (зоны 3–9) — всегда есть игра контрастов.Два древесных растения с темными листьями — пурпурный дымчатый куст ( Cotinus coggygria ‘Royal Purple’, зоны 5–9) и пурпурный бук ( Fagus sylvatica ‘Purpurea Pendula’, зоны 4–7) — повторяют цвет обрезки. и закрепите дальние концы этой границы.

Яркие блики сзади
Белый привлекает наибольшее внимание и требует осторожности. Я смотрю на белый цвет в первую очередь как фокус или чтобы объединить пространство. В нашем саду на заднем дворе, который окружает внутренний дворик, я экономно использую этот мощный цвет в качестве связующего элемента.Повторение белого цветения хосты ( Hosta cvs., Зоны 3–9) и других растений в течение всего сезона компенсируется опрыскиванием фиолетово-пурпурных цветов и акцентами бордовой листвы.

Как работать с белым

Белый — яркий цвет, притягивающий взгляд, и последний цвет, видимый в угасающем свете вечера.Когда я проектирую сад для белого дома, я использую белый цвет как повторяющийся элемент. Я сплетаю белые цветы, белую пеструю листву и белые садовые конструкции по всему пространству, чтобы соединить дом и сад.

Повторяющееся использование белого цвета в пейзаже также хорошо подходит для домов в пастельных тонах и для домов с белой или кремовой отделкой. Или вы можете предпочесть белый цвет в качестве драматического акцента; масса белых петуний может привлечь внимание к вашей входной двери.

Для домов, окрашенных в темные тона, абсолютно белый цвет может давать слишком большой контраст.Белый слишком резок на фоне моего мрачного зеленого дома. Я использую его экономно; Я часто использую кремы и желтый цвет, чтобы обеспечить яркость тона, необходимую для контраста.

Я подхожу к дизайну сада точно так же, как выбираю украшения и аксессуары для украшения наряда. Больше всего мне нравится сам процесс. Моя цель — творчески связать дом и сад, чтобы создать прекрасный ансамбль.

Какие цвета растений лучше всего подходят для обычных цветов дома?

Вам не нужно перекрашивать внешний вид вашего дома, чтобы создать приятную схему с вашим садом.Вместо этого работайте с существующими цветами вашего дома и выбирайте растения, которые сочетаются с ними.

Если возможно, повторите цвет отделки или крыши по всему саду. Я рекомендую использовать белые или кремовые насаждения в качестве акцентов или объединяющих элементов с любым домом, который имеет белый или кремовый цвет в своей схеме окраски.

Чтобы стимулировать некоторые идеи для палитры, я выбрал несколько потенциальных схем посадки для каждого из шести популярных цветов дома.

Бежевый или зеленый
Нейтральные цвета — самые простые цвета для посадки, потому что цвета цветов и листвы нужны только для контраста.Повторяйте цвета крыши или отделки в насаждениях. Классическая цветовая гамма включает фиолетово-синие, нежно-розово-красные, лавандовые и желтые насаждения. Избегайте использования слишком большого количества ярких цветов.

Белый
Обилие белых или пастельно-голубых, желтых и розовых растений объединит дом и пейзаж. Избегайте только темных, насыщенных цветов, потому что они будут резкими на белом фоне. Допускается умеренное использование темных цветов в качестве мелких резко контрастирующих деталей. Листва синего, серебристого или пестрого цвета также является хорошим акцентом.

Желтый
Практически любой цвет хорошо сочетается с желтым домом. Контрастные посадки лаванды и пурпура, которые являются противоположностью желтого на цветовом круге, сделают впечатляющее заявление. Используйте золотистые или кремовые пестрые листва, чтобы добавить к ландшафту больше желтого.

Кирпично-красный
Яркие цвета — оранжевый, желтый, алый — естественны по сравнению с кирпичом, равно как и более мягкий персиково-розовый и мягкий желтый цвет. Фиолетово-синие цветы или бордово-красные листья станут хорошими акцентами.Избегайте холодных пурпурно-красных и лилово-розовых тонов, потому что они могут конфликтовать с кирпичом.

Коричневый
Многие мягкие цвета хорошо сочетаются с коричневым. Использование бледных и глубоких розовых и желтых оттенков вместе с бордовым создаст богатый и мягкий вид. Пурпурный или красный могут не очень хорошо сочетаться с коричневым, но могут быть прекрасными акцентами.

Синий
При посадке на фоне синего дома руководствуйтесь цветовым кругом. Выберите противоположный цветовой круг синего — мягкий оранжевый, золотисто-желтый, медный — для энергичного образа или выберите соседние цвета — лавандовый, синий, фиолетовый — для охлаждения сцены.Серебряная или сине-зеленая листва делает легкий акцент. Бордовый цвет может быть трудным для хорошей интеграции.

Получайте наши последние советы, практические статьи и обучающие видеоролики, отправленные на ваш почтовый ящик.

Как нарисовать цветение вишни на черной бумаге

Когда я жил в Вашингтоне, прогулка по улице во время сезона цветения сакуры была похожа на парение в розовых и белых облаках.Ночью так очаровательно наблюдать, как цветы танцуют в лунном свете, как маленькие феи.

Вы увидите, как легко запечатлеть волшебство в сегодняшнем уроке о том, как нарисовать цветущую вишню на черной бумаге и создать ночной пейзаж из цветущей сакуры, мерцающей в лунном свете.

Я использовал этот метод, чтобы нарисовать и эти две картины ниже. Как только вы овладеете основами, вы сможете создать так много красивых картин! (Некоторые из полезных ресурсов представляют собой партнерские ссылки.Полное раскрытие здесь. )

Используйте немного разбавленной белой краски и нарисуйте первый слой луны. Просто отметьте, где находится форма, не беспокойтесь о том, чтобы она была идеальной. Прелесть акриловой краски в том, что она непрозрачна и быстро сохнет, а это значит, что можно улучшить все, нанеся большее количество слоев краски.

Теперь приступим к раскрашиванию цветущей сакуры! Используйте кисть меньшего размера и белую краску и нарисуйте каждый цветок по пять лепестков.Достаточно просто, правда?

Так как мы рисуем вишневое дерево, обратите внимание на большую форму, образованную этой группой цветов. Я сделал здесь волнистую форму, но вы можете импровизировать!

Статья по теме: Нарисуйте красивые акварельные цветы менее чем за 30 минут!

Далее мы добавляем золотисто-желтый цвет к картине. Он придаст теплый отблеск луне и заставит лопнуть цветочные центры.

Начните с центра луны и постепенно двигайтесь наружу, чтобы позволить желтому раствориться в первом слое белой краски (которая к этому моменту должна высохнуть).При необходимости добавьте еще слоев краски.

Окуните кончик маленькой кисти в густую желтую краску и сделайте крошечную точку в центре каждого цветка.

Нарисуйте силуэт ствола и ветвей дерева, нарисовав небо вокруг них тонким слоем синего, смешанного с небольшим количеством черного и белого. Это смягчит синий цвет и сделает его менее насыщенным.

Если вы нервничаете по поводу правильного расположения веток, используйте карандаш и слегка нарисуйте несколько ориентиров, которые позже можно стереть или покрыть краской.

Используйте ту же серовато-синюю краску, чтобы нарисовать озеро горизонтальными мазками.

Нарисуйте отражения луны на озере тонкими горизонтальными мазками желтого и белого цветов. Теперь картина начинает оживать.

Нанесите слой краски несколько раз, чтобы цвет стал сияющим.

Частью волшебства является звездная ночь и падающие лепестки цветов.Сначала мы создаем звезды с помощью той же техники разбрызгивания, что и в этой простой и веселой картине осеннего дерева.

Постучав кистью по палочке (или концу другой кисти), мы можем создать красивые брызги!

Затем мы добавим падающие цветы в нескольких случайных местах. Это создает ощущение движения, которое завершает сказочную страну чудес.

Видите? Рисовать не так уж сложно, правда? =)

А теперь небольшой проект подарка / поделки — сделайте свои собственные наборы цветочных открыток с помощью этих бесплатных открыток для печати!

Сделайте свои собственные наборы цветочных открыток с бесплатными открытками для печати!

Если вы любите пробовать более простые проекты рисования, вот несколько на выбор:

Сделайте пузырьковую краску Гортензии! На самом деле, не нужно красить!

Счастливой живописи!

Нежные цветы распускаются на чернильно-черном фоне в стилизованных ботанических татуировках Эстер Гарсиа

Искусство Дизайн Иллюстрация

#цветы # татуировки

29 августа 2019

Лаура Стаугайтис

Татуировщик из Чикаго Эстер Гарсиа создает чернильно-черный фон на своих клиентах, которые перемежаются нежными цветочными узорами.Душистый горошек и садовые розы, а также бабочки и птицы появляются из черных палитр, обрамленных стилизованными узорами. Гарсия, которая в основном самоучка и имеет двадцатилетний опыт работы татуировщиком, известна своими пышными ботаническими рисунками и подходом к татуировке, основанным на художественных проектах. Она делится с Колоссалом, что ее текущая серия татуировок на черном фоне началась как решение для сокрытия (новая татуировка, специально разработанная и размещенная, чтобы скрыть более старую, которая больше не нужна).

«Мне показалось медитативным и очень приятным создание гладкой насыщенной поверхности там, где раньше был хаос, но довольно скоро я начал искать способы сделать ее немного более декоративной», — объясняет Гарсия. «На меня очень повлияли картины голландских мастеров с пышными цветами и фруктами, и мне нравится глубина и богатство, которые предлагает темный фон. Оказывается, это отличный способ придать татуировке деликатность, и совсем не нужно прикрывать ее ».

Помимо того, что она продолжает заниматься татуировкой, Гарсия также сотрудничает с дизайнером из Чикаго Кайл Летендре в области текстильного и коммерческого дизайна, а также проводит серию выездных семинаров для обучения молодых художников развитию уникального стиля и устойчивого ведения бизнеса.Вы можете увидеть больше татуировок Гарсии в Instagram, а также узнать, какие предстоящие проекты она предлагает на своем веб-сайте.

#цветы # татуировки

Имеют ли для вас значение такие рассказы и художники? Станьте колоссальным участником и поддержите независимые публикации в области искусства. Присоединяйтесь к сообществу читателей-единомышленников, которые увлечены современным искусством, помогите поддержать нашу серию интервью, получите доступ к партнерским скидкам и многое другое.Присоединяйся сейчас!