Театральная графика из коллекции Константиновского дворца Русское…: fleur_marie — LiveJournal
Театральная графика из коллекции Константиновского дворца
Русское театрально-декорационное искусство первых десятилетий XX века — одна из самых ярких страниц в истории мирового искусства. Многие русские художники, работавшие для отечественной театральной сцены, стали известны Европе благодаря «Русским сезонам» Дягилева, а позже продолжали работать для театра, уже находясь в эмиграции. В результате их творческое наследие оказалось разбросано по многочисленным зарубежным музейным и частным собраниям.
В коллекции Константиновского дворца, основу которой составляет собрание музыкантов М. Л. Ростроповича и Г. П. Вишневской, более 30 лет проживших за границей, хранится целый корпус произведений театрально-декорационной графики. Это эскизы костюмов, декораций, портреты актеров. Работы художников Добужинского, Гончаровой, Ларионова, Бенуа, Бакста, Кустодиева, Григорьева, Билинского, Чехонина, Пожедаева. Наиболее полно представлено творчество Натальи Гончаровой и Мстислава Добужинского.
Эскиз декорации к балету «Болеро» на музыку М.Равеля. 1932 г. Бумага, тушь, гуашь, чернила, карандаш. 25,5 х 32,7
Гончарова Н.С.
Наталью Сергеевну Гончарову (1881–1962) называли «амазонкой русского авангарда». В ранний период творчества Гончарова пережила увлечения импрессионизмом, кубизмом, и, наконец, футуризмом, разновидность которого — лучизм — основал ее муж Михаил Ларионов. К сценографии художница обратилась в конце 1900-х годов, а в 1913 году Дягилев поручил ей оформление «Золотого петушка» Н. А. Римского-Корсакова. Ее первое выступление в Западной Европе было признано триумфальным. В 1915 г. Гончарова уехала из России, поселившись с 1918 г. в Париже. Она продолжала сотрудничать с Дягилевым, оформив для него балеты на музыку А. К. Лядова, М. Равеля, М. П. Мусоргского, И. Ф. Стравинского и др. Кроме того, в 1930 — 1940-е гг. Гончарова много работала для других трупп и театров Европы и Америки. Корпус рисунков Гончаровой в собрании Константиновского дворца насчитывает порядка 20 листов. Один из них — эскиз декорации к балету «Болеро» М. Равеля, большая же часть — эскизы сценических костюмов. Эскизы костюмов императрицы, Екатерины II, принцессы и придворных дам были созданы для постановки «Молодая Екатерина» по пьесе А. Савуара, над которой Гончарова работала вместе с Ларионовым в самом начале 1930-х гг. Однако часть эскизов еще ждут исследования, так как их принадлежность к конкретным спектаклям пока не определена. Стиль этих работ отличается конструктивностью, строгим лаконизмом, преобладанием цветового пятна над линией. То же можно сказать и о единственном в собрании эскизе театрального костюма, исполненном М. Ларионовым — мужем художницы и не менее знаменитым русским авангардистом.
Эскиз костюма Екатерины II. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма Екатерины II. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма Воронцовой с гитарой. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма императрицы. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма придворной дамы. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма придворной дамы. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма принцессы. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма. Бумага, карандаш, акварель, тушь. 46,5 х 30,5
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма крестьянки. Бумага, акварель, гуашь, карандаш. 35,7 х 22,7
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма танцовщика. Бумага, акварель, карандаш. 37 x 27
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма танцовщика. Бумага, карандаш, гуашь. 37 x 26,7
Гончарова Н.С.
Эскиз костюма танцовщицы. Бумага, акварель, карандаш. 36,5 х 27
Гончарова Н.С.
Сценография Мстислава Валериановича Добужинского (1875–1957) огромна. Художник известный своими городскими пейзажами, участник знаменитого «Мира искусства», за свою жизнь исполнил декорации к более чем 200 спектаклям, которые ставились примерно в 50 театрах 20 стран мира. Хранящиеся в коллекции шесть эскизов к спектаклю «Казаки Платова в Париже», данному труппой Н. Балиева в 1920-х годах, великолепно раскрывают огромный дар Добужинского-сценографа. Художник даже не столько сочиняет костюмы, сколько режиссирует характеры и мизансцены, выступая подлинным соавтором постановщика. В трактовке образов он следует замечательным традициям русской сатирической графики середины XIX столетия, но стиль рисунка у него совершенно «мирискуснический», сочетающий изысканный артистизм, точность штриха и безупречное чувство формы.
Эскиз костюма к спектаклю «Казаки Платова в Париже».Бумага, карандаш, тушь, акварель. 30 х 21,5
Добужинский М.В.
Эскиз костюмов к спектаклю «Казаки Платова в Париже». Бумага, акварель, тушь. 30 х 40
Добужинский М.В.
Эскиз костюма казака к спектаклю «Казаки Платова в Париже». Бумага, карандаш, тушь, акварель. 31 х 22
Добужинский М.В.
Эскиз костюма казака к спектаклю «Казаки Платова в Париже». Бумага, карандаш, тушь, акварель. 30,5 х 22,5
Добужинский М.В.
Эскиз костюма казака к спектаклю «Казаки Платова в Париже». Бумага, карандаш, тушь, акварель. 30,5 х 21,5
Добужинский М.В.
Эскиз костюмов к спектаклю «Казаки Платова в Париже». Бумага, акварель, тушь. 20,5 х 26,7
Добужинский М.В.
Литература:
Карганова Г. В. Произведения Б. Д. Григорьева в коллекции живописи Константиновского дворца // Константиновский дворцово-парковый ансамбль: хроника, материалы, исследования. СПб., 2010. С. 246–263.
Коллекция Константиновского дворца. Дар Алишера Усманова. Альбом-путеводитель. М., 2008.
Коллекция Константиновского дворца. Дар Алишера Усманова. Альбом-путеводитель. СПб., 2008.
Интернет-ресурс «Искусство и архитектура русского зарубежья» // URL: http://www.artrz.ru/index.html
Как нарисовать Пьеро поэтапно цветными карандашами
Автор: Decorys Рубрика: Сказка БуратиноО Пьеро знаю многие из сказки или фильме о приключениях деревянного мальчика. Этот персонаж очень грустный на вид, но внутри он добрый и ранимый. Ведь он влюбленный поет, который пишет стихи Мальвине.
Нарисовать Пьеро будет намного проще, если изображать на альбомном листе все детали поэтапно и не спеша. Костюм персонажа белый, но чтобы рисунок в конечном итоге был ярким – придайте ему синих и голубых тонов при помощи цветных карандашей.
Необходимые материалы:
- — карандаши черного, синего и голубого оттенка;
- — простой карандаш для наброска;
- — ластик;
- — альбомный лист бумаги.
Этапы рисования:
- Рисуем овал, который станет головою Пьеро. Затем прочертим в верхней части фигуры дугу, чтобы разделить лицо от шапки.
- В нижней части овала рисуем все черты лица грустного мальчика Пьеро из сказки. Глаза прорисуем в виде овала. Чуть выше рисуем брови в виде двух линий, а вот нос и рот изобразим в форме дуг.
- Теперь приступаем к прорисовки туловища мальчика, который одет в карнавальный костюм для представления.
- Добавим штаны и обувь в нижней части рисунка.
- Затем к туловищу по бокам прорисуем руки, одетые в длинные рукава.
- Добавим на месте шеи большой воротник необычной формы. Детально прорисуем его силуэт и складки в середине. Также на основной части кофты добавим пуговицы большого размера.
- Добавим такой милый аксессуар на туфли в виде помпонов. Изобразим их на верхней части обуви в виде полукруга. Стираем ластиком лишние линии на поэтапном рисунке Пьеро.
- Светло-синим карандашом легким прикосновением на бумагу создаем нежный голубой оттенок на одежде сказочного персонажа. Затем уже более уверенными движениями руки создаем штрихи по контуру предметов и прорабатываем мелкие детали. Например, большие пуговицы на середине кофты и воротник.
- Темно-синим карандашом теперь сделаем усиление цвета всех деталей одежды, а вот воротник можно раскрасить полностью.
- Черным карандашом создаем цвет глаз, шапки и обуви. В том числе и вставки из помпонов. Затем карандашом черного цвета делаем обводку всех деталей в рисунке.
На этом поэтапное рисование Пьеро из сказки «Золотой ключик, или Приключения Буратино» завершено. Рисунок выполнен цветными карандашами, поэтому он выглядит ярким и красочным.
Вам также будет интересно почитать:
Как нарисовать костюм? | Рисуем поэтапно костюм карандашом
В современном мире костюм является элементом классической или деловой, офисной одежды, например, костюм-тройка или же брючный костюм. Классический костюм хорош тем, что никогда не выходит из моды. К тому же, стоит отметить то, что костюм может показать социальный статус человека.
Помимо классических костюмов существуют также маскарадные, народные и праздничные костюмы. Мы выбрали для рисования карандашом простой классической костюм, который видел и носил любой человек.
Рисуем костюм поэтапно:
Шаг первый. Рисуем посередине линию для точного расположения тела человека. Внизу где должны заканчиваться ноги, рисуем линию, которая еще соединяется с левой и правой линией, но эти две линии по бокам прорисовываем только до плеч. Вверху дорисовываем маленькую линию, где голова заканчивается.
Шаг второй. Делаем наброски в каркасе и прорисовываем линии для лица, в низу для рук и ног.
Шаг третий. Дальше рисуем лицо человека и руки в кармане, потом туфли.
[nextpage] Шаг четвертый. Тут намного сложнее, нужно убрать каркас и нарисовать галстук, волосы, карманы к костюму и туфли. Потом добавить тени для реалистичности.
театральный костюм и декорации. Иван Билибин
театральный костюм
Иван Яковлевич Билибин (1876-1942), увлеченный русской стариной, подробно и тщательно изучал народный костюм. В начале века он совершил поездку по Архангельской, Вологодской и Олонецкой губерниям, где зарисовывал и фотографировал памятники деревянного зодчества и предметы домашнего обихода. Привезенные Билибиным из северных деревень сарафаны и душегреи, шитые золотом и серебром, расписанные ковши и прялки, резные ларцы и солоницы, набойки и вышивки легли в основу коллекции будущего Музея этнографии. О народном творчестве Билибин написал ряд статей — «Народное творчество Севера», «Остатки искусства в русской деревни». Национальному костюму была посвящена статья «Несколько слов о русской одежде в 16-17 веках», написанная в 1909 году. Свое глубокое знание русского костюма Билибин блестяще проявил, иллюстрируя народные сказки и создавая эскизы к театральным постановкам. Работа над театральным костюмом проходила две стадии, сначала художник делал набросочный рисунок, носящий скорее утилитарный характер. Затем он приступал к главному эскизу, в котором был особенно внимателен к деталям, подчеркивая крой одежды. Обычно рисунок сопровождался многочисленными графическими и словесными комментариями, где Билибин давал подробные указания портному и бутафору, в специальных схемах он показывал, как меняется костюм при движении, какие детали видны из партера, а какие с верхних ярусов. В 1910 году И.Я. Билибин также тщательно исполнил два парных эскиза «Девица» и «Молодец», предназначенных для балетной сюиты «Русские пляски», в которой блистали известные танцовщики Анна Павлова и Михаил Мордкин.
Молодец. Эскиз костюма для балетной сюиты «Русские пляски». 1910
ФГУК «Саратовский государственный художественный музей имени А.Н. Радищева»
На эскизе мужского костюма перед нами предстает молодой человек со светлыми волосами и голубыми глазами. Его наряд состоит из традиционных для праздничного русского костюма составляющих. Шелковый персикового цвета зипун и зеленый суконный кафтан расшиты золотистой тесьмой и жемчугом. Главным украшением всего мужского костюма являются яркий кушак с кистями и круглая шапка, отделанная мехом и драгоценными каменьями. Столь пышный и богатый наряд мог принадлежать только знатному молодцу.
Девица. Эскиз костюма для балетной сюиты «Русские пляски». 1910
ФГУК «Саратовский государственный художественный музей имени А.Н. Радищева»
На эскизе женского костюма перед нами предстает молодая девушка с голубыми глазами и светлыми волосами. Она одета в белую вышитую сорочку с широкими рукавами, которые сужаются к запястьям, на плечи девицы наброшена бордовая косынка. Поверх сорочки надет традиционный русский сарафан красного цвета, украшенный золотистой тесьмой и длинным рядом пуговиц. Самым главным украшением костюма является пышный головной убор — кокошник, которому автор посвятил большую часть комментариев, помещенных на полях листа. Высокое очелье кокошника расшито жемчужными кольцами, стразами, тесьмой и шелком и украшено жемчужными подвесками — поднизями. Подобный наряд напоминает о народном костюме северных областей России.
Эскизы к «Русским пляскам» написаны в сдержанной манере, не свойственной для Билибина, он использует жесткий контур и локальные цвета. Персонажи выглядят статичными с медленными жестами и едва заметными поворотами голов, что подчеркивает обстоятельность и неторопливость русского национального характера. Билибин в своей статье о русском костюме с восхищением писал: «Был ли красив этот костюм? Он был великолепен. Бывает красота движения и красота покоя. Взять хотя бы наш русский танец. Мужчина пляшет, как бес, охватывая головокружительные по быстроте коленца, лишь бы сломить величавое спокойствие центра танца — женщины, а она почти стоит на месте, в своем красивом наряде покоя, лишь слегка поводя плечами».
И. Я. Билибин. Эскиз костюма Командора к драме Лопе де Веги «Фуэнте Овехуна». Старинный театр. 1911
Иван Билибин
Эскиз костюма князя Владимира к опере А. Бородина «КнязьИгорь». 1934
Билибин И.Я. — Эскиз костюма Пленницы к опере «Борис Годунов» М.Мусоргского. 1930
Билибин И.Я. — Эскиз костюма Польского слуги к опере «Борис Годунов» М.Мусоргского. 1930.
Ист. «Театральная мозаика». Альбом-каталог в галерее «На Ленивке». 2007.
театральные декорации
Наибольшую известность Билибин приобрел как художник русских сказок. Так случилось, что именно иллюстрации к сказкам оказались самыми растиражированными и знаменитыми работами художника. По заказу Экспедиции заготовления государственных бумаг Билибин иллюстрировал сюжеты таких сказкок, как «Иван-царевич, Жар-птица и Серый волк», «;Василиса Прекрасная» , «Перышко Финиста Ясна Сокола», «Царевна-Лягушка», «Марья Моревна», «Сестрица Аленушка и братец Иванушка». Он также создал графические серии по русским былинам: «Вольга и Микула», «Добрыня Никитич», «Илья Муромец», иллюстрации к «Сказке о царе Салтане» и «Сказке о Золотом петушке» А.С. Пушкина. Все эти работы способствовали тому, что за ним утвердилась слава первого на Руси художника книги. Много позднее, характеризуя творческую манеру художника, известный искусствовед и книговед Алексей Сидоров писал: «Билибин с самого начала усвоил себе особую плоскостную систему рисунка и всей композиции, в основе своей его работы, скорее всего, по примеру северных, норвежских или финских художников, содержат мотивы русской народной вышивки и резьбы по дереву».
Художник разработал в технике рисунка тушью, подцвеченного акварелью, особый «билибинский стиль» книжного дизайна, продолжающий традиции древнерусского орнамента. «Билибинский стиль», с его образами и выразительными средствами, сформировался в начале 20 века, неотделим от искусства того времени. Стремление художников «Мира искусства» к возрождению высокой культуры прошлого, к созданию на ее основе нового «большого стиля» обогатило искусство яркими образами и выразительными средствами, способствовало развитию его «нестанковых» видов, долгое время считавшихся второстепенными, в частности театральной декорации и оформления книги. Еще в абрамцевском кружке русские художники стали обращаться к произведениям народного и древнерусского искусства. Книга и театр оказались теми областями, где можно было достичь наибольшего синтеза современных и традиционных форм в искусстве.
Билибин И.Я. – У дворца Дадона.
Эскиз декорации к опере Н.А.Римского-Корсакова “Золотой петушок”.
Опера Зимина. 1909. Ист. Пожарская М.Н.
“Русское театрально-декорационное искусство конца XIX
Билибин И.Я. – Декорации и костюмы для спектакля “Действо о Теофиле” Рютбефа.
Старинный театр. 1907.
Фото. Ист. Пожарская М.Н.
“Русское театрально-декорационное искусство конца XIX – начала
В 1904 г. Билибин впервые обратился к сценографии, оформив для Национального театра в Праге оперу «Снегурочка» Н.А. Римского-Корсакова. Позже художник исполнил эскизы декораций и костюмов к спектаклям «Действо о Теофиле» Рютбефа (1907), «Фуэнте Овехуна» Лопе де Вега и «Чистилище св. Патрика» П. Кальдерона (1911) – для Старинного театра, «Честь и месть» Ф.К. Сологуба (1908) – для театра «Лукоморье», к операм «Золотой петушок» Н.А. Римского-Корсакова (1908-1909) и «Аскольдова могила» А.Н. Верстовского (1912-1913) – для московского Оперного театра С.И. Зимина, «Руслан и Людмила» М.И. Глинки (1913) и «Садко» Н.А. Римского-Корсакова (1914) – для театра Народного дома в Петербурге. В 1908-1909 гг. он участвовал в оформлении оперы «Борис Годунов» М.П. Мусоргского и танцевальной сюиты «Пир» для антрепризы С.П. Дягилева в Париже. В 1907 году Билибин выставил в Париже и Лондоне целый ряд иллюстраций к русским народным сказкам и былинам, затем участвовал в выставках в Праге, Вене, Венеции, в 1910 году – на международной выставке.
В 1927-1931 гг. Билибин работал над эскизами костюмов и декораций для спектаклей русских оперных сезонов в Театре Елисейских полей: «Сказка о царе Салтане» (1929) и «Царская невеста» (1930) Н.А. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А.П. Бородина (1930), «Борис Годунов» М.П. Мусоргского(1931). В 1931 г. он оформил балет «Жар-птица» И.Ф. Стравинского в постановке М.М. Фокина для театра Colon в Буэнос-Айресе.
Справочная информация
Анна Павловна Павлова (1881-1931) — одна из величайших балерин 20 в. Родилась в Петербурге 31 января (12 февраля) 1881, в 1891 поступила в Петербургское театральное училище. Сразу после выпуска (1899) дебютировала на сцене Мариинского театра. Ее талант быстро получил признание, она стала солисткой, а в 1906 была переведена в высший разряд — примы-балерины. В том же году Павлова связала свою жизнь с бароном В.Э.Дандре. За пределы России Павлова впервые выезжала на гастроли в 1907 и 1908, выступая в разных городах Северной Европы. Она участвовала в спектаклях дягилевского «Русского балета» в 1909 в Париже и в 1911 в Лондоне, а в США появилась в первый раз с собственной труппой на сцене «Метрополитен-опера» (1910).Последнее выступление Павловой в России состоялось в 1913, затем она обосновалась в Англии и гастролировала с собственной труппой по всей Европе, а также в Северной и Южной Америке, Индии, Индонезии, в странах Востока, в Африке, Австралии и Новой Зеландии. Мордкин Михаил Михайлович (1880-1944) — артист балета, балетмейстер, педагог. В 1900-1918 танцевал в Большом театре. Участник Русских сезонов. В 1910-1911 гастролировал с А. П. Павловой и собственной труппой в США и Великобритании. С 1924 жил и работал в США, где в 1926 создал труппу (с 1927 «Балет Мордкина»). В репертуаре многих трупп мира идет балет «Тщетная предосторожность» П. Гертеля в его постановке.
Зипун — мужская наплечная одежда типа куртки, короткая, облегающая фигуру, с неширокими рукавами. Его надевали поверх рубахи под кафтан. Вероятно, в боярском костюме этого периода зипун играл роль современного жилета.
Кафтан — верхнее, долгополое мужское платье разного покроя: запашное, с косым воротом, чапан, сермяга, суконник, армяк; обычно кафтан шьется не из домотканины, а из синего сукна; он бывает круглый, с борами, кучерской, немецкий или разрезной сзади, короткий или полукафтан, сибирка, прямой или кафтанчик, казачий, казакин.
источник 1
источник 2
источник 3
источник 4
источник 5
источник 6
источник 7
источник 8
источник 9
источник 10
Дизайн сценических костюмов — Музей Виктории и Альберта
Frieze, демонстрирующий дизайн костюмов Питера Граймса из оперы Бенджамина Бриттена «Питер Граймс», Аликс Стоун, Шотландская опера, 1968
Коллекции театра и перформанса насчитывают более 3500 сценических костюмов и аксессуаров — от полных нарядов до отдельных головных уборов. Все это дань творчеству и навыкам дизайнеров и мастеров костюмов с середины 18 века до наших дней во всех видах живых представлений — драме, опере, танцах, мюзиклах, пантомиме, рок и поп, мюзик-холле, кабаре, цирке.
До XIX века создание больших придворных зрелищ и театральных декораций обычно было второстепенным занятием к главной работе художника. Примеры этих художников включают Иниго Джонс, Леонардо да Винчи и Филип де Лутербург.
В XIX веке, когда преобладал реализм, декорации обычно создавались художниками. Костюмы могли быть разработаны исполнителем и мастером, либо нарисованы специалистом и изготовлены мастерскими театра и надомными работниками.
В 20-м веке появились профессиональные дизайнеры, а затем были открыты курсы повышения квалификации. Но сценический дизайн все еще остается неопределенной задачей, и даже сегодня дизайнеры часто совмещают работу в театре с карьерой художника или учителя.
Эти сокровища демонстрируют воображение, знания, навыки и изобретательность дизайнеров и мастеров, которые переводят свои двухмерные конструкции в трехмерные формы.
Часто повторяющееся клише состоит в том, что театральные костюмы сделаны плохо, безвкусно, недоделаны и не подлежат тщательному изучению.Однако только крупным планом можно по-настоящему оценить изобретательность и находчивость дизайнера и мастера. То, что на первый взгляд кажется грубым, на самом деле является смелостью, поскольку костюм также должен «читать» из задней части зала как можно ближе к сцене. Цвета, которые кажутся яркими при дневном свете, смягчаются под ярким сценическим освещением.
Костюмы также должны быть очень хорошо сконструированы, чтобы выдержать напряжение выступления, и многие костюмы несут на себе шрамы долгой жизни. Модную одежду можно носить всего несколько раз, но в успешной постановке костюм надевают каждую ночь в течение месяцев или лет.Одежда должна выдерживать жесткое обращение, быструю смену, театральную грязь и пот, вызванный нервами, и невероятный жар сценического света. Таким образом, безупречные костюмы, скорее всего, появятся в результате неудачных постановок, хотя они все же могут быть прекрасным образцом дизайнерского и художественного мастерства.
Страница альбома для набросков «Венецианского купца», Софи Федорович, 1947. Номер музея. S1338-1986
После выбора пьесы и ее постановщика выбирается творческая группа.Сюда входят дизайнер и, в зависимости от типа шоу, композитор, хореограф и дирижер.
Внешний вид шоу определяется директором (или хореографом танцевального произведения) по согласованию с дизайнером. Затем дизайнер исследует обстановку, что часто приводит к файлам справочных материалов из книг, фильмов, журналов, фотографий, музеев и галерей; из этого возникает «мир» производства.
Дизайн создается для каждого набора и персонажа; подобранная одежда и цвет передают информацию о персонаже — личность, возраст, статус, род занятий, национальность, настроение.
Дизайнер должен уметь визуализировать, как каждый индивидуальный костюм будет вписываться в общую сценическую картину, придавая каждому надлежащее место, будь то ведущий актер или актерская роль. Каждый индивидуальный дизайн должен вписываться в общую концепцию, принимая во внимание исполнителя, который будет носить костюм, и какие движения он должен делать, а также бюджет и масштабы театров, в которых будет проходить постановка.
Фактический дизайн — это рабочий чертеж для производителя.Это может быть запоминающийся эскиз, наиболее подробный, аннотированный рисунок или диаграмма, коллаж или компьютерная графика. Если дизайнер точно знает, какие ткани и отделку он хочет использовать, к рисункам прилагаются образцы; другие дизайнеры могут обсудить вопросы с создателями костюмов или (если они известны и им доверяют) оставить эти решения на их усмотрение. Например, дизайнер Аликс Стоун часто создавала «фризы» на длинных свитках, показывая костюмы вместе, часто с прикрепленными образцами ткани.
Реализм или впечатление?
Некоторые дизайны представляют собой реальную одежду, а рисунки просты, без стилизации или специальной презентации. Другие дизайнеры более импрессионистичны, вызывая, а не изображая готовый костюм, часто работая в тесном сотрудничестве с производителями. Ведущие костюмеры Карл Бонн и Колин Маккензи сочли, что самые расплывчатые модели больше всего подходят для работы:
«Чем точнее был дизайн, тем скучнее было его делать… каждая пуговица и все, что на ней надето. Что делаешь? Вы не переводите. Если это художественный рисунок, вы говорите о нем, вы создаете его вместе с (дизайнером) ».
Эскиз костюма для« Гильды », Майкл Анналс, 1973 г. Музейный номер S.505-1991
Эскиз костюма для« Беллы » ‘в «Свадьбе в летнее время», Аннена Стаббс, 1976. Музей № S.1140-1982
Эскиз костюма для «La Fête étrange», Софи Федорович, 1940. Музейный номер S.1328-1986
Все или ничего?
Дизайнеры также должны учитывать технические элементы своих костюмов.Например, дизайн для частично одетых танцовщиц создает особые проблемы, в том числе, какие части тела выделить и как, а какие скрыть, как долго и когда.
В своих лучших проявлениях многие из этих костюмов обладают остроумием и радостным шармом, далекие от представлений большинства людей о захудалых ночных клубах и кабаре. Роланд Кобб спроектировал для Евы ночной клуб в подвале на Риджент-стрит в Лондоне. Темы шоу часто были неожиданными — например, Шекспир и Ван Гог. Или девушки иллюстрировали разные песни, например, «Мисс Отис сожалеет» Коула Портера или «Если бы ты мог прочитать мои мысли» Гордона Лайтфута.
В 1960-х и 1970-х годах нагота стала более приемлемой как на публике, так и на выступлениях (топлесс официантки и артисты впервые появились в 1960-х, The Sun опубликовала «Girls» в 1969 году и первую модель топлесс в 1970 году). Кобб акцентировал внимание на обнажении до пояса, окружив грудь сложными рукавами, образными головными уборами и остроумными стрингами, и все это было связано с определенной темой. Сложные, высокие головные уборы были точной конструкцией, идеально сбалансированной, пока владелец двигался и стоял правильно.
Для стрингов Кобб убрал поддерживающие ленты вокруг бедер. Вместо этого он создал плотно прилегающую проволоку С-образной формы, невидимую при ношении, с небольшой задней перемычкой, которая удерживала ее на месте; спереди — скрывающая панель, остроумно оформленная в соответствии с тематикой костюма. Их, должно быть, было неудобно носить, и, возможно, неудивительно, что, когда производитель представил c-образную струну для повседневной носки в 2007 году, испытатели восприняли ее с очень измененным восторгом.
Эскиз костюмов к «Антонию» и «Клеопатре», Рональд Кобб, 1970 г.Музей № S712-1996
Эскиз костюма танцовщицы, Рональд Кобб, 1970. Номер музея. S720–1996
Эскиз костюма танцовщицы для «Виселицы» в «Мисс Отис сожалеет», Рональд Кобб, 1970. Номер музея. S734-1996
Заметки для производителя
Некоторые дизайнеры прикрепляют образцы тканей к своим проектам, в то время как другие хранят образцы для всего костюма или продукции на отдельных листах с указанием стоимости и поставщика. Эти образцы выбираются дизайнером или выбираются по согласованию с производителями.Когда костюма еще нет, они помогают людям визуализировать готовый костюм, а также указывают на различные ткани, доступные дизайнерам в разное время. Например, дизайнер Аликс Стоун использовала тяжелый темный бархат и дамасскую ткань для «Шахты серы», которые затем были потрепаны или «сломаны», в то время как Мария Бьёрнсон использовала излюбленные ткани 1980-х годов для «Призрака оперы» — вышитого сари. ткани, марли и ламе.
Иногда рисунки включают примечания для изготовителей.Эскизы Бьорнсон должны были быть созданы во время разработки производства, потому что ее аннотации включают как информацию для костюмеров, так и напоминания, чтобы попросить режиссера уточнить определенные моменты, прежде чем она завершит дизайн.
Эскиз костюма для хора в «Призраке оперы», Мария Бьорнсон, 1986. Номер музея. S272-1999
Эскиз костюма для «Шеррин» из «Серных рудников», Аликс Стоун, 1965. Номер музея. S220 -2001
Фэнтези
В конце 19-го и начале 20-го веков пантомима превратилась в экстравагантные зрелища, в том числе сцены, которые были не более чем парадом из десятков роскошных и оригинальных костюмов, основанных на теме.
Они варьировались от цветов до почтовых марок, изделий из фарфора и свадебных подарков Спящей красавицы, и потребовали от дизайнеров предельного воображения и изобретательности, чтобы воплотить их в носимых костюмах.
Еще одна ветвь фэнтези — конструирование животных или сверхъестественных существ. Некоторые костюмы представляют собой реалистичные полные скины, как в традиционной пантомиме кота Дика Уиттингтона, в то время как другие — всего лишь указания, такие как колючие волосы и случайный хребет сквозь куртку в дизайне ежей Марка Томпсона в фильме «Ветер в ивах» в Национальном театре в США. 1990 г.
Аттилио Комелли разработал эти костюмы насекомых для девочек, которые они могли носить в рамках пантомимы «Младенцы в лесу» на Друри-лейн на Рождество 1907 года. В сцене леса фигурировало двенадцать пар насекомых. Среди других животных, танцующих в этой пантомиме в лесной сцене, были восемь аистов и двенадцать малиновок.
Drury Lane гордится тем, что производит самые визуально впечатляющие постановки в стране, как это было с тех времен, когда продюсером был Огастес Харрис.В то время Артур Коллинз руководил Друри-лейн и был соавтором этой пантомимы.
По традиции в «Детях в лесу» в сюжет входили персонажи Робин Гуд, Дева Мэрион, Маленький Джон и Уилл Скарлет. Однако не все сцены полностью соответствовали сюжету, например, сцена в Lollipop Land, почти полностью разыгранная детьми, с декорациями, созданными знаменитым Брюсом Смитом «Сенсация».
Эскиз костюма к балету «Кот в сапогах» из оперы «Спящая принцесса» Леон Бакст, 1921 г.Музей № 2006AU7772
Эскиз костюма для насекомых, Аттилио Комелли, Королевский театр, Друри-лейн, Англия, 1907. Номер музея. 2006AH6350
Дизайнер как художник
Немногие театральные проекты достигают статуса «искусства», но уже в 1911 году Леон Бакст стал первым художником-постановщиком, который провел персональную выставку в крупной лондонской галерее. По образованию он художник, но его театральные работы с жадностью собирались в Лондоне и Париже. Сегодня его чувственные, эротические рисунки стоят дорого.Многие с переменным успехом пытались подделать его работу.
Оригинальные рисунки Бакста обычно не отправлялись изготовителям, но были скопированы в его студии, прежде чем он добавил примечания. Он также подготовил презентационные чертежи костюмов, например, этот рисунок, основанный на эскизе балета Мясина 1917 года «Хорошие юмористические дамы». Это показывает, что таланты Бакста не ограничивались чувственным ориентализмом, но и в старинном костюме он чувствовал себя как дома. Он, конечно, не ожидал, что в готовом костюме обнажатся груди.
Подробнее о Леоне Баксте
Еще одним художником-дизайнером был американец японского происхождения Исаму Ногучи, который заработал себе репутацию скульптора, а также работал с пионером современного танца в Америке Мартой Грэм. Его необычный подход сделал вещи мастерами костюмов интересными. В 1955 году ему было поручено оформить «Короля Лира» для труппы Мемориального театра Шекспира с Джоном Гилгудом в главной роли и режиссером Джорджем Девайном. Его костюмы были выполнены в виде бумажных кукол, что создавало головную боль мастерам костюмов Карлу Бонну и Колину Маккензи:
«Ты… вот так это подрежь…это не человеческое существо, а маленькая бумажная фигурка … О, это был настоящий ад ».
— Колин Маккенси
Чертежи не указывают, должны ли детали быть плоскими на ткани или в трехмерном пространстве, и все полосы должны быть точно подогнаны по размеру для конкретного актера, носящего костюм.
Согласно слухам, Девайн хотел подчеркнуть универсальные, вневременные и мифологические качества пьесы, поэтому первое предложение Ногучи заключалось в том, что актеры должны быть голыми.Отказавшись от этой идеи, его последние проекты напомнили некоторым критикам космонавтов, в то время как шлемы Эдмунда и Эдгара напомнили другой из угольных баков, которые носили Туеледум и Твидлиди в «Алисе в Зазеркалье». Филип Хоуп-Уоллес думал, что плащи «… как перфорированные автобусные билеты», в то время как декорации были «как огромные порции сыра Чеддер, часто в движении». Дыры в костюме Лира становились все больше по мере развития спектакля (что символизировало его упадок), а за кулисами постановка была известна как сырное шоу Грюйера.
Эскиз для «Феличиты» в «Хороших юмористических дамах», Леон Бакст, 1917. Номер музея. S.341 -1988
Эскиз костюма к «Королю Лиру», Исаму Ногути, 1955. Музейный номер. Circ.68 / 73-1960
Кутюрье
С конца 19 века ведущие дома моды и кутюрье поставляли модную одежду для ведущих актрис. То, что их одежду видели на сцене элегантные актрисы, было отличной бесплатной рекламой в дни, предшествующие показам мод.Парижский дом моды Worth, основанный англичанином Чарльзом Фредериком Уортом в 1858 году, одевал оперных див Аделину Патти и Нелли Мельба. Люсиль одела звезду мюзиклов Герти Миллар, модную Лили Элси в «Веселой вдове» и диву Габи Десли в Париже.
Шанель предоставила шикарную пляжную одежду для «Le Train Bleu» для Русского балета Дягилева в 1924 году, в то время как Молинье предоставил Гертруду Лоуренс многие из ее платьев на сцене и вне ее в 1930-х годах. В 1950-х годах Баленсиага одел Кэтрин Хепберн.Среди других модельеров, создавших известные сценические костюмы, — Норман Хартнелл, Кристиан Диор, Ив Сен-Лоран, Армани, Версаче, Джаспер Конран, Red or Dead, Александр Маккуин и Зандра Родс.
Эскиз костюма к фильму «Вамп» Виктора Штибеля. Музей № S545-1983
Эскиз костюма к «Мэри Эллис» из мюзикла «Музыка в воздухе» Виктора Штибеля, 1934 г. S544-1983
.Художник по костюмам театра
5 лет
Продолжительность курса
$ 13 000 в год
цена
специальная программа
академиков
Обзор курса
Студенты изучают следующие профессиональные дисциплины:
- История костюма;
- Основы композиции;
- Академический рисунок;
- Академическая живопись;
- Технология фона Performance;
- Сценическое оборудование и оборудование;
- Театральный грим и постиче;
- C компьютерная графика;
- Театральные здания и оборудование;
- Сценическая дизайнерская композиция;
- Основы перспективы.
Студенты-театральные художники по костюмам изучают как общие предметы (например, историю искусства, историю театра, философию), так и специализированные теоретические дисциплины (например, составление костюмов, грим, моделирование и дизайн). Помимо изучения теоретических основ профессии, студенты имеют возможность применить полученные знания на практике, участвуя в международных выставках или работая в Учебном центре ГИТИСа. Здесь будущие выпускники получают полезный опыт сотрудничества с коллективом и сотрудниками производственного отдела.
Теория
В ходе курса студенты изучают следующие гуманитарные дисциплины: история, история русского и зарубежного театра, история русской и зарубежной литературы, история кино, музыка, философия, эстетика, история театрально-декорационного искусства, история искусства и многие другие.
Практика
Иностранные студенты изучают русский язык 5 лет, поэтому получают хорошее знание русского языка в качестве бонуса.
Язык
Студенты могут проходить производственную практику в крупнейших театрах Москвы.
Диплом
Выпускники получают государственный диплом, действующий во всем мире.
Вступительный экзамен
Иностранные граждане сдают только специальные дисциплины.
Академический рисунок и живопись (профессиональный практический экзамен)
На чертеже показано умение претендентов расположить изображение на листе, взять точные пропорции, построить фигуру человека с сохранением характерных пропорций модели, довести изображение до завершенного этапа.Живопись — натюрморт в свободной технике (акварель, темпера, гуашь, масло). Необходимо составить натюрморт в пространстве, показать основные колористические и цветовые соотношения в композиции.
Композиция (творческий практический экзамен)
Композиция предполагает умение соискателя определить основную идею драматического произведения (список пьес предлагается заранее) и умение отразить эту идею в персонажах на бумаге любыми средствами (акварель, темпера, гуашь, карандаш, аппликация) и реализовать это в объеме на манекене.Это может быть один общий набросок или покадровая раскадровка. Основное внимание уделено композиционной аранжировке эскиза.
Коллоквиум (устный)
Коллоквиум направлен на раскрытие профессиональных способностей поступающих. На собеседовании проверяется способность к творческому мышлению и эрудиция, это свободный разговор на широкий круг вопросов театра и культуры в целом.