Арт-терапия с помощью японской живописи Суми-э
Суми-э — древняя японская техника рисования тушью и минеральными красками на рисовой бумаге. Это живопись, самовыражение и философия одновременно, а значит прекрасно подходит для тех людей, которые интересуются не только и не столько рисованием, сколько саморазвитием и арт-терапией.
Исторически суми-э зародилось в Китае, и только в XIV веке было принесено в Японию буддийскими монахами. Название «суми-э» создано из сочетания двух японских слов: «суми» (тушь) и «э» (живопись). Это древнее традиционное искусство близко к современной акварельной живописи. Отличие суми-э в том, что для рисования художники, как правило, используют только черный цвет, создавая широкую гамму серых оттенков туши, растворяя её в воде в разных пропорциях. Так было принято изначально, однако, со временем японские художники стали писать цветными минеральными красками, которые, проникая в рисовую бумагу, закрепляются на ней подобно туши.
Для рисования необходимы чёрная тушь и кисти для каллиграфии, рисовая бумага и немного воды. В суми-э не делают карандашных набросков, рисунок рождается спонтанно, когда рукой мастера руководят его чувства, ощущения и дух. Композиция и фигуры складываются из отдельных мазков. В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности. В отличие от Западной манеры живописи для суми-э более важны техника рисования мазков и умение создать гармоничную композицию, отбросив все второстепенное и представив только суть вещей. Говорят, что в традиционных японских школах суми-э учащиеся первый год рисуют только отдельные мазки, и лишь после этого их допускают к созданию рисунков.
Прекрасные и изящные рисунки кажутся лишь делом техники, однако при их создании гораздо более важен философский смысл или так называемый «дух суми-э». В буддизме изобразительное искусство использовалось в качестве духовной практики. Не только процесс рисования, но и картины в технике суми-э подходят для медитации. Нанесенные на белую бумагу простые черные линии отвечают духу дзен, когда несколько произнесенных слов могут быть результатом многих лет душевных поисков.
Художник не стремится заполнить весь лист бумаги. Само изображение отличается лёгкостью и изяществом. Рисунок будто дышит и живёт своей жизнью. Мастер суми-э нарочно не прорисовывает картину полностью, оставляя кое-что за кадром. Это подарок зрителю, воображение которого откликается на лёгкие штрихи и начинает самостоятельно «дорисовывать» картину. В Японии говорят, что уметь рисовать — это искусство, но не меньшее искусство — уметь любоваться готовым рисунком.
Я сама более двух лет обучалась суми-э и готова подтвердить ценность этого вида искусства для психологической работы. Вот лишь немногое из того, что я подметила:
- Поначалу участники группы стремятся использовать исключительно чёрную тушь, но со временем арт-терапия способствует тому, что монохромных изображений почти не остаётся. Уже к концу второго года обучения все рисунки участников, как на подбор, были цветные. Новоявленные художники жаждали выразить себя с помощью ярких красок. Творчество сняло депрессивное настроение и дало дорогу разноцветным чувствам, ощущениям, проявлениям.
- Занятия японской живописью прекрасно прорабатывается страх совершить ошибку. Работая в стиле суми-э, приходится забыть о предварительных набросках. Если тушь ляжет на лист не так, как вам хотелось бы, то ничего уже изменить не получится, пигмент мгновенно проникает в бумагу и закрепляется намертво. Зато после нескольких месяцев тренировок, страх совершить ошибку отступает, как и стремление всё контролировать. Конечно, такие изменения касаются не того, как человек рисует, но и как ведёт себя изо дня в день. Появляется новое отношение к жизни, большая лёгкость и смелость в проявлениях. Так что рекомендую суми-э тем, кто работает с проблемой внутреннего сверх-контроля.
- Рисование помогает заметить, что каждый художник имеет свой стиль, свою манеру рисования, у каждого появляются излюбленные образы, композиции и материалы. Работу одного мастера никогда не спутаешь с работой другого. На бумаге со всей ясностью проступает индивидуальность человека, тот неуловимый аромат души, который так тяжело описать словами. Занятия суми-э способствуют осознанию и принятию различий между людьми, а также ощущение нашего внутреннего сходства. Это чрезвычайно важный опыт в процессе самопознания и саморазвития.
- Творчество самоценно. К этой мысли приходишь, когда после двух часов рисования, поднимаешься из-за стола, ощущая внутреннее спокойствие и гармонию. В этом проявляется целительное влияние медитации и творчества на человеческую душу.
- Просыпается наблюдательность и ощущение соединенности внутреннего и внешнего миров. Если вы решили рисовать, то в поисках вдохновения, начнёте обращать внимание на всё, что окружает вас, на сезонную смену природы, малейшие проявления красоты там, где раньше вы бы прошли мимо, ничего не заметив.
- Развивается спонтанность. Тушь растекается так, что никогда не знаешь, что получится в итоге. Особенно это характерно для новичков. Однако со временем начинаешь привыкать, что изначальная задумка в реальности воплощается иначе, и при этом не факт, что хуже. Возможно даже лучше, чем предполагалось. Весьма ценная мысль для жизни, не так ли?
В заключении хочу отметить, что в настоящее время суми-э становится всё более популярным видом искусства в России. В мегаполисах вы без труда сможете найти одну или даже несколько студий, занимающихся этим прекрасным видом творчества, а материалы для рисования можно заказывать в интернет-магазинах.
Желаю вам успехов и творческих свершений!
Японская живопись — древнейший вид искусства
Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.
Японская живопись Суми-э является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.
СУМИ-Э — японская монохромная живопись. В переводе с японского «суми-э» обозначает — рисование тушью (суми-тушь, э — рисунок). В суми-э художники используют чёрную тушь и широкую гамму серых тонов, возникающих при смешении туши с водой.
Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.
Курсы японской живописи. Погрузись в очарование монохромного рисунка. Обучение владению кистью, постижение красоты и японского понимания прекрасногоЗвоните по тел. +7 (903) 774-67-01
Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.
Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара. В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.
Следующий период развития японской живописи называется Хэйан. Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.
Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.
В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.
Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.
Оформление комнаты в японском стиле: минимализм в интерьере
Содержание:
Модный японский стиль органично сочетает в себе сдержанность и экзотику. Дизайнерское направление можно использовать для создания гармоничного и уютного интерьера. Оформляя свой дом в данном стиле, можно познать философский смысл и культурные традиции Японии, погрузиться в особую атмосферу умиротворения и гармонии.
Развитие японского стиля
Получите дополнительную скидку на диваны и мягкие кровати от OneAndHome!
Японское дизайнерское направление активно формировалось в 16-17 вв. На стиль повлияли такие факторы:
- сейсмическая активность региона;
- народные традиции страны;
- особенности климата;
- высокая плотность населения;
- ограниченные запасы полезных ископаемых.
Интерьер в японском стиле
Оформление зоны отдыха в японском стиле
В небольших японских комнатах используются раздвижные двери
Сейчас в японских интерьерах используются такие же приемы, которые применялись еще в 16 веке. Национальные традиции, тонкий вкус и стремление к высшим ценностям позволили обойтись без показной роскоши и излишеств в интерьерном дизайне. Японцы стремятся находить красоту в обычных вещах и не перегружать комнаты излишним декором.
Низкий столик в японском стиле
Тонкие перегородки из рисовой бумаги характерны для японского стиля
Японская комната не должна быть перегружена большим количеством мебели
Уважение к культурным традициям и национальный консерватизм позволили японцам сохранить и развить приемы оформления интерьера. В декоре можно увидеть японские иероглифы, цветы сакуры, разноцветный шелк и бамбук. Также используются изображения небоскребов Токио и горы Фудзиямы.
В интерьере часто встречаются таблички с иероглифами
Раздвижные двери в японском интерьере
Лестница в частном доме должна быть изготовлена из натурального материала
Дизайн жилого интерьера обладает природной гармонией. Для прочной связи с природой в отделке используют натуральные материалы.
Декоративная ширма с японскими рисунками
Столы и стулья для японских домов обычно изготавливаются из дерева
Основы японского стиля
Этнические и восточные интерьеры сейчас пользуются большой популярностью.
Японские комнаты оформляются в стиле минимализм
К характерным чертам японского стиля относят:
- минимализм;
- практичность и функциональность;
- любовь к природе.
Для успешного применения японского стиля необходимо изучить основные правила и принципы организации интерьера.
Центральным элементом комнаты является столик для чайной церемонии
Для японцев важно непрерывно ощущать близость к природе. Этому способствуют панорамные окна, выходящие на фонтаны, небольшие сады и ухоженные газоны.
Прозрачные перегородки пропускают в комнату солнечный свет
В японских комнатах часто присутствуют аквариумы с рыбками, растения бонсай в горшках, бамбук и изображения природы на картинах. Для функционального зонирования комнат жители Японии используют перегородки из рисовой бумаги, бамбука или древесины.
В интерьере можно использовать рисунки в восточном стиле
Светлые и просторные помещения освещают рассеянным и мягким светом, идущим из нескольких источников. Сейсмическая активность японских островов принуждает население отказаться от больших потолочных люстр для безопасности.
Часто из японской комнаты открывается красивый вид на сад
Для декора окон применяют компактные рулонные шторы и жалюзи. При оформлении интерьера японцы предпочитают белый, красный или черный цвет. В качестве базового цвета используется бежевый, кремовый, белый или песочный оттенок.
Оформление стен обоями с восточными рисунками
Основная идея дизайна в японском стиле заключается в соблюдении баланса. Каждую деталь интерьера тщательно подбирают под общую концепцию оформления.
Оформление интерьера кухни в японском стиле
Выбор мебели в японском стиле
Для того чтобы оформление комнаты соответствовало требованиям японского стиля, важно правильно подобрать мебель.
В интерьере используется мебель с гладкой поверхностью без лишнего декора
При выборе нужно учитывать такие параметры:
- отсутствие декора на фасадах и поверхностях мебели;
- четкие геометрические формы без лишних изгибов;
- небольшая высота изделий.
К наиболее узнаваемым предметам японского интерьера относят шкафы с раздвижными дверками и низкие столики, всем известные по чайным церемониям.
Столик для чайной церемонии с низкими стульями
Жители Японии являются приверженцами минимализма. В их домах нет крупных комодов, трюмо и громоздких шкафов, а также больших мягких кресел.
Зона отдыха возле окна
Тумбочки у кроватей отличаются небольшими размерами и простотой оформления. Обивка мягкой мебели в японском стиле выполнена из практичных и натуральных материалов: хлопка, кожи или замши. Для хранения вещей используются низкие сундуки. Они являются акцентными интерьерными элементами в восточном стиле.
В отделке японских комнат используются качественные натуральные материалы
Кованая фурнитура подчеркивает фактуру мебельных фасадов. От броских вариантов фурнитуры необходимо отказаться.
Интерьер оформляется в сдержанных природных оттенках
Выбор качественных и экологичных материалов
Чтобы оформить комнату в японском стиле, необходимо подобрать в качестве отделки натуральные материалы.
Мебель изготавливается из дерева и из других натуральных материалов
В оформлении комнат в японском стиле часто применяется:
- рогожка;
- бамбук;
- древесина;
- шёлк;
- плитка из камня;
- рисовая бумага.
В оформлении интерьера используется бамбук, рисовая бумага и дерево
Для отделки современных интерьеров эти материалы можно частично заменить на синтетические аналоги (линолеум или пластик).
Картины с оленями часто встречаются в японских интерьерах
В качестве отделки стен применяют обои с восточными узорами, ротанг, камень, древесину или штукатурку. Стены в японском жилом интерьере являются фоном для мебели. Пол может быть из камня для древесины с матовой поверхностью. Добавить уют в комнату можно с помощью ковриков из нити или лозы.
Пол с орнаментом является акцентным элементом на фоне однотонных стен и потолка
Потолок должен иметь простое оформление, его можно дополнить балками, панелями или окрасить в светлый цвет.
В оформлении стен можно использовать деревянные панели
Текстильные принадлежности из натуральных тканей подчеркнут экологичность стиля. Рекомендуется выбирать текстиль из хлопка или льна.
Интерьерный дизайн для комнат разного назначения
В основе японского стиля лежит стремление к гармонии тела и души человека. В этом проявляется философия жителей данной страны.
Оформление интерьера комнаты в японском стиле
Для комнат разного назначения характерны свои особенности оформления, которые важно учесть при планировании интерьера.
В японских домах обычно делают узкие коридоры
Спальня
В основе цветовой гаммы лежит базовый нейтральный тон, к которому необходимо правильно подобрать подходящие оттенки. Чаще всего, применяют серый, кремовый, реже — черный или белый цвет.
Оформление интерьера спальни в японском стиле
Мягкое освещение создают тканевые или бумажные абажуры. Можно использовать и матовое стекло. Зону отдыха закрывают ширмой.
Небольшая спальня в японском стиле
Детскую спальню декорируют в светлых тонах, применяют натуральную отделку и текстильные принадлежности из природных материалов. Для оформления стен часто используют фотообои с тематикой, интересной ребенку. Декор подбирают с учетом возраста и пола детей.
Гостиная
Данная комната предназначена для семейного отдыха и общения с гостями. Помещение должно быть очень аккуратным, с хорошим светом и минимальным количеством мебели.
Оформление гостиной в японском минимализме
Оформить интерьер можно светлыми оттенками с темными цветовыми акцентами. В гостиной можно использовать небольшие подиумы, выделяющие зону отдыха. Бытовая техника подбирается с учетом всех остальных предметов мебели.
Оригинальный столик с камнями и песком в японском стиле
Рабочее место в гостиной можно отгородить ширмой. При поиске мебели предпочтение отдают невысоким предметам без декора с простыми очертаниями. Требуется организовать комфортный и гармоничный интерьер гостиной, отказавшись от лишних деталей мебели и декора.
Ванная комната
Ванная в японском стиле отличается лаконичным дизайном. Раньше в Японии применяли ванны из древесины, обработанные специальными растворами. Все принадлежности для ухода должны быть спрятаны в скрытых системах хранения.
Оформление ванной комнаты в японском стиле
Отделка стен, пола и потолка должна быть сдержанной. Запрещено использовать сложные орнаменты и узоры.
Прихожая
В прихожей используется минимальное количество мебели. Именно от прихожей зависит общее впечатление от всего дома.
Зона отдыха в прихожей в японском стиле
Для отделки применяют практичные натуральные материалы в спокойной цветовой гамме. Базой может быть серый или коричневый цвет, немного разбавленный яркими акцентами.
Для декора прихожей можно использовать картины с сакурой
78 928 ₽
131 547 ₽
116 870 ₽
119 622 ₽
84 990 ₽
121 500 ₽
135 000 ₽
139 221 ₽
154 690 ₽
80 792 ₽
100 990 ₽
100 791 ₽
111 990 ₽
188 500 ₽
101 990 ₽
Для Вас спецпредложение на мягкую мебель и кровати от OneAndHome!
Для комнаты ограниченной площади рекомендуется подобрать компактную мебель. Популярны встроенные шкафы. Можно выбрать для прихожей освещение с возможностью регулировки уровня света. В качестве декора применяют напольные вазы, постеры и картины в японском стиле.
В центре гостиной можно поставить низкий журнальный столик в японском стиле
Кухня
Для кухни необходима деревянная мебель с простыми фасадами без лишнего декора. Стол и стулья тоже должны иметь простую и четкую форму без вырезов и украшений.
Освещение обычно подбирают рассеянное. При выборе декора требуется соблюдать умеренность. Органично впишутся в интерьер гравюры, свитки с японскими иероглифами и вазы. Также можно использовать живые растения.
Использование натурального дерева в оформлении столовой
Комнатные растения являются важным элементом в японском дизайне. Для интерьера кухни можно приобрести дерево бонсай. Также можно подобрать суккуленты, которые тоже органично впишутся в японский стиль. Зелень поможет оживить пространство, сделает его более уютным и подчеркнет близость к природе.
На тумбочку в качестве декора можно поставить яркие цветы
Растения размещают на подоконниках, низких столиках и тумбах, а также на настенных полках. Можно выбрать и крупные напольные вазы с растениями.
Растения в яркой вазе станут акцентным элементом интерьера
Интересно и привлекательно выглядят композиции, в которых кактусы сочетаются с камнями. Сделать такой живой декор можно самостоятельно, взяв за основу низкий деревянный ящик или короб, а также маленькие кактусы разных видов.
На тумбочку возле телевизора можно поставить цветочную композицию
Элементы японского стиля в оформлении современной спальни
Проявив творческий подход, можно создать уникальный и комфортный интерьер в японском стиле.
Оригинальное оформление кровати и дверей в японском стиле
Оформление домашнего кабинета в японском стиле
На сайте One&Home вы можете заказать кровать, диван и кухонный стол для своего дома. На шоу-руме в Москве дизайнеры компании помогут вам подобрать мебель и декор под ваш интерьер в японском стиле.
Интерьерные картины в японском стиле — делаем сами. Японская живопись.
Японская живопись — популярный традиционный вид японского искусства, который подразделяется на множество жанров и стилей.
Живопись в японском стиле
Мотивы природы нашли наибольшее распространение в живописи в японском стиле. Также на картинах страны восходящего солнца часто изображались всевозможные сцены из обыденной жизни знати, самураев, мифологических героев.
Наиболее известные жанры японских картин
Техника японской живописи уки-ё
В 14 веке большое распространение получил стиль уки-ё, который включал в себя гравюры на дереве, на которых была показана жизнь красивых гейш, актеров театра кабуки , борцов сумо и различные природные пейзажи.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник и весь процесс состоял из нескольких этапов. Вначале живописец рисовал на белой бумаге картину, затем резчик наносил на обратную сторону картины клей и прикладывал ее к деревянной доске. Когда рисунок приклеивался, из него вырезались части, которые не были закрашены, таким образом получалась печатная форма. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них живописец наносил необходимые цвета. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Печатник после обсуждения с художником цветовой гаммы покрывал формы краской и, прикладывая их к слегка влажной рисовой бумаге, создавал гравюру.
Стиль, в котором печаталась японская гравюра стала популярна не только в Японии, но и среди художников западных стран, таких как Винсент Ван Гог, Клод Моне и другие. Это воздействие на европейское искусство носит название «японизм».
Школа японской монохромной живописи Кано
Наиболее известной школой японского изобразительного искусства является школа Кано, картины которой изображали различных птиц, животных, мифологических существ, случаи из жизни обычных людей. Рисунки наносились также на раздвижные двери японских дворцов.
Живопись Кано
Художники школы Кано, ко всему прочему, знамениты своими великолепными монохромными росписями по шёлку. Отличительной чертой таких творений являются сочетания реальных предметов и животных, находящихся на первом плане изображения, с абстрактными, абсолютно отвлечёнными составляющими заднего фона (к примеру, облаками).
В современной Японии живет большое количество художников, которые рисуют в стиле субкультуры аниме и других сферах новой японской культуры. Большое признание получил Такаши Муроками, работающий в студии Каикаи Кики. Он рисует картины, посвященные жизни послевоенного японского государства и аниме, кроме того, создает изваяния и картины в сюрреалистическом стиле и в традиционных национальных жанрах.
Видео о живописи Японии
На протяжении столетий живопись занимала важное место в культуре страны восходящего солнца. Об этом виде искусства и пойдет речь в видео.
Жанр статьи — Живопись Японии
Японская живопись — одно из древнейших направлений в искусстве . Живопись в Японии появилась в самый древний период истории страны. На гончарных изделиях и прочих предметах быта можно встретить самые простые изображения геометрических фигур и различных узоров. Однако, с приходом в страну китайской культуры, произведения японских художников все более и более стали содержать элементы живописи страны Конфуция.
Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж . Японские художники не придавали особенного значения реалистичности композиции. Главным для них являлась передача впечатлений от созерцаемого ими величия природы .
Как нарисовать картину в японском стиле?Японский пейзаж можно изображать обыкновенными акварельными красками. Для закрашивания необходимо использовать больше воды, а для прорисовывания отдельных деталей добавлять больше краски.
Для того, чтобы приступить к работе, вам понадобится картон или акварельная бумага, простой карандаш, ластик, пастельные мелки и, конечно же, акварель.
- Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый . Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей — это забота тонкой кисти.
- Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
- При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
- Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны — цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.
- После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что цвета должны быть невесомыми, воздушными . Для этого необходимо подобрать правильное соотношение воды и краски. Необходимо учитывать способность картона к поглощению воды, а акварели к появлению потеков.
- Для окрашивания фона (например, неба и воды) используйте толстые кисти . Начните этот процесс с крупных деталей, находящихся вверху картины, постепенно спускайтесь вниз, пока не раскрасите всю воду, зелень и детали неба на картине. Затем оставьте рисунок до полного высыхания.
- Теперь можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача — с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
- В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.
- Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное — не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.
Если у вас не очень много времени, да и желания рисовать обширные пейзажи не т никакого, а вот украсить интерьер японской «штучкой» хотелось бы, то можете воспользоваться следующей методикой. Нарисуйте густой черной краской ветку дерева. Затем в одноразовую тарелку налейте немного нежно-розовой краски. В краску окуните дно пластиковой бутылки и сделайте отпечатки на бумаге. Дождитесь, пока рисунок высохнет. Таким образом, вы получите замечательную ветку сакуры, не прилагая собственных усилий.
На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и
Если сказать, что японцы любят своих котов, то это будет неправда. Вернее, не вся правда. Японцы котов обожают, лелеют и восхищаются ими. В интернете много блогов, где главный герой — японский кот, хозяева дневников ежедневно фотографируют своих чад и выкладывают фотки на всеобщее обозрение. У таких кошачьих дневников хорошая посещаемость и много комментариев. Несколько слов о японских котах, в Японии их зовут нэко (Neko), а основная порода — бобтейл, ее особенность — короткий хвост. У всех японских нэко голубая кровь, если точнее — все они восходят к императорскому роду. Дело в том, что в Японии есть дикие кошки, но домашняя происходит не от ним, а впервые прибыла к императору Итидзё в конце Х века вместе с дипломатической миссией из Китая. По легенде монахи секты тендаи везли из Китая в Японию на корабле множество буддийских рукописей, для защиты драгоценного груза от мышей они взяли с собой несколько котов и кошек, которых преподнесли в подарок императору. Коты, обосновавшиеся в императорском дворце, скрещивались между собой, что привело к мутациям и появлению короткохвостых котов типа бобтейлов, каких в Японии сейчас великое множество. Еще по одной легенде, райская жизнь императорских котов закончилась в 1602 году, когда производство шелка оказалась под угрозой из-за нашествия мышей, уничтожавших коконы шелковичных червей. Расставленные повсюду статуи котов не справлялись с задачей запугивания мышей. Указом императора все коты были выпущены на свободу для несения государственной службы — охраны шелковичных коконов от грызунов. Несчастные коты, выброшенные на улицы городов, быстро превратились из дворцовых неженок в ловких охотников, мелких воришек и любимцев простонародья. Причинять какой-либо вред котам строго запрещалось, но разрешалось прикармливать, и некоторые оставались жить там, где сытнее. Через некоторое время потомков императорских котов можно было встретить в домах японцев всех сословий. За пределами Японии о бобтейле узнали сравнительно недавно, после Второй мировой войны, когда кошек привезли на Запад американские солдаты. Хвост японского бобтейла укорочен, в хвосте присутствуют все позвонки, но они укорочены и деформированы. Чтобы компенсировать недостаточно длинный хвост, задние лапы бобтейла гораздо длиннее передних. Это очень умные кошки, они легко поддаются дрессировке, преданны своему хозяину. Японские кошки хорошо и гармонично сложены, они сильные, но очень стройные, изящные и грациозные. По характеру покладистые, дружелюбные и ласковые, прекрасно относятся к детям и очень любят с ними играть. У японцев считается, что белые коты — символ чистоты, черные — отпугивают нечистую силу, а рыжие, которых большинство, привлекают богатство. Трехцветные коты расцветки микэ (комбинация белого-красного-черного) — приносят удачу во всем и считаются талисманом для привлечения богатства и благополучия.
Умиротворяющие виды туманных гор и пейзажи весенних долин, философские сюжеты на фоне безмятежной природы и замершие в стремительном движении звери. Возможно ли изобразить так много лишь несколькими черными штрихами на белой бумаге? Возможно. Художники Древнего Востока создали стиль суйбокуга или суми-э .
Суйбокуга переводится как «картина водой и тушью». Только из одних этих компонентов и состоит весь стиль. Предшествующие суйбокуга техники возникли в древнем Китае. Картины тогда создавались простыми мазками туши. Позже художники стали экспериментировать, пытаясь сочетаниями линий добиться объёмности и выразительности. К первой половине VIII века в эпоху династии Тан зародился полноценный стиль рисования тушью, который сегодня мы называем суйбокуга. Слово, кстати, японское. В Стране восходящего солнца техника стала популярна в XIV веке. Ее приверженцами были дзен-монахи, аристократы, правители и даже один очень известный в Японии мечник. Его имя Миямото Мусаси , но современники прозвали его Кэнсай – Святой меч.
Мусаси до сих пор считается величайшим фехтовальщиком, а также выдающимся живописцем. В своем известном трактате «Книга пяти колец» он писал:
«Говорят, что Путь Воина − обоюдное слияние Путей кисти и меча, и каждый, стремящийся к постижению, должен достичь достаточных высот на обоих поприщах»
И после него многие художники сопоставляли свое ремесло с фехтованием. Ведь вся техника строится на аккуратном, правильном мазке кисточкой, добиться которого можно только в строгом положении тела: спина прямая, рука согнута в локте перпендикулярно телу, движения делаются не пальцами, а кистью. В такой неудобной для многих новичков позе творили и творят мастера, отдавая дань традициям.
Японцы свято следовали принципам стиля , который, по сути, был главной альтернативой европейскому изобразительному искусству в древности. В Китае традиции двух культур смешались, в картинах стало прослеживаться влияние Запада.
Японские же художники следовали незыблемым принципам: недосказанность и пустота, а на понятном языке – свобода пространства. Мастера этого стиля всегда оставляли определенную часть холста нетронутой. Этот фрагмент картины при завершенной композиции побуждает зрителя фантазировать, заполнить пустоту своими образами.
Внешняя простота суйбокуга поражает. Как только при такой незамысловатой технике создается эффект красочности, динамичности? Существует множество способов изображения отдельных объектов, видов цветков, животных, пейзажей. Сами художники экспериментируют с игрой света и тени, создают разнообразные оттенки белого и черного. Так, например, на абсолютно белой бумаге появляются снежные сугробы.
Сегодня многие пробуют рисовать цветной тушью на листах с едва заметным узором, или вовсе на окрашенных. Так можно изобразить цветы более живыми. Ведь задача художника суйбокуга – передать мгновение, застывшую часть реальности. Очень напоминает японскую лирику − хайку. Эти стихи нередко изображают каллиграфы на полотнах.
Во всем мире находятся художники, способные передать чувства в «остановившемся мгновении». Архаичное японское искусство ежегодно собирает большое количество новых поклонников. И, кажется, что эта древняя красивая формула пустоты и простоты будет верна всегда.
Монохромная живопись Японии — одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. ИскусствоВостока — это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.
В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории
монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.
ширма «Сосны» Хасэгава Тохаку, 1593г.
То, что мы видим на монохромных картинах — это результат взаимодействия художника сосновной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.
«Пейзаж» Сэссю, 1398г.
Бумага
для японского мастера не просто подручный материал,
который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот — это «собрат», поэтому и
отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы,
к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а
мирно сосуществовать с ней. Бумага — это в прошлом дерево, которое стояло в
определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она
все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера
прежде чем начать работу, долго смотрели
на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали кживописи. Даже сейчас современные японские
художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская
живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных
фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и
фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) —
поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.
«Читая в бамбуковой роще» Сюбун, 1446г.
Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие
известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи
моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить
сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на
которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее
фактуре.
«Мурасаки Сикибу в храме Исияма» Кёсэн
Кисть
— вторая составляющая, это продолжение руки мастера
(опять же — это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но
чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер
кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой
другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе
китайского художника Цзян Шилуня,зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на
мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что
получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и
не знают как правильно ей пользоваться).
«Фудзи» эскиз тушью Кацусика Хокусай
Тушь — третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.
Ямамото Байцу, конец XVIII — XIX век.
Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в
них нет цвета?
Парная ширма «Сосны», Хасэгава Тохаку
Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение — всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность — это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна — они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал — в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.
Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.
В-третьих,это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.
Почему большая часть пространства бумаги не задействована?
«Пейзаж» Сюбун, середина XV века.
Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителяв изображение; во-вторых, изображение
создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот
исчезнет — это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план
выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на
деле это всегда взаимодействие двух материалов — бумаги и туши).
Сэссю, 1446г.
Почему пейзаж?
«Созерцание водопада» Гэйами, 1478г.
Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее
человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять.
Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они
всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин,
которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны — это все символы
мировоззрения.
Мастер класс японская живопись | АРТАКАДЕМИЯ Курсы рисования
ИСПОЛЬЗУЕМЫЕ МАТЕРИАЛЫ ДЛЯ МАСТЕР КЛАССА ПО ЯПОНСКОЙ ЖИВОПИСИ:
- Альбом для акварельной живописи(размер 12 ″ x 16 ″)
- Акварельные краски на 24 цвета
- Карандаш 2B
- Фен
- Рулон туалетной бумаги
-
- Красный краплак
- Кадмий желтый лимон
- Ультрамарин
- Умбра жженая
- Берлинский синий
- Кобальтовый зеленый
- Оранжевая
КИСТИ
- Круглая кисть (№ 12)
- Круглая кисть (№ 8)
ШАГ 1. НАРИСУЙТЕ ЦВЕТУЩЕЕ ДЕРЕВО САКУРЫ
Попрактикуйтесь в рисовании общей формы и оттенков дерева , определив, куда падает свет и где будут отбрасываться тени. В этом уроке наш художник, г-н Шибасаки, создает несколько фигур, чтобы проиллюстрировать затенение самого дерева, а также «дыры», где есть промежутки в листьях, чтобы сделать картину более реалистичной.
Также он рекомендует не делать набросок слишком точным. Он начинает с работы с упрощенным деревом, а затем для настоящей живописи набрасывает реальное колючее дерево с неровными отверстиями. Точно так же, когда вы хорошо поймете, откуда исходит свет и где добавить отверстия, вы можете перейти от практики в своем блокноте к рисованию более детального дерева в акварельном блокноте.
ШАГ 2: ЯПОНСКАЯ ЖИВОПИСЬ МАСТЕР КЛАСС — РИСУЕМ ПЕРВЫЙ СЛОЙ
Среднюю и нижнюю части дерева нарисуйте более плотным слоем тех же цветов, а затем добавьте в смесь немного синего чтобы получить средние тона.
Повторите тот же процесс, но сделайте краски более густыми. Это придаст картине темный фиолетовый оттенок. Вы также можете попробовать разбрызгать краску по направлению к центру для более естественного эффекта.
ШАГ 3: ДАЙТЕ ВЫСОХНУТЬ ПЕРВОМУ СЛОЮ ЯПОНСКОЙ ЖИВОПИСИ
Дайте высохнуть первому слою краски или, если вам не терпится, используйте фен . Помните, что цвета, которые вы использовали на своей картине с деревом, будут выглядеть светлее, когда она высохнет.
ШАГ 4: НАНЕСИТЕ БОЛЬШЕ ЦВЕТОВ НА ВАШИ ЦВЕТЫ САКУРЫ
Создайте такую же смесь цветов, затем сделайте несколько слоев и брызг . Для этого убедитесь, что вы добавили достаточно воды в краску, а бумага полностью высохла, чтобы не подорвать первый слой и не смешать его с текущим. Затем осторожно вводите краску в центр дерева. Вы также можете добавить в краску немного кадмия лимонного для разнообразия, слегка промокнув кисть в салфетке для создания контуров. Данная процедура сложная и если не получается пишите нам в комментарии к мастер классу по японской живописи.
Второй слой придаст вашей картине дополнительный план и определенно поможет сделать ваше дерево более естественным.
ШАГ 5: ПОДЧЕРКНИТЕ ТОНА ТЕНЕЙ НА КАРТИНЕ ДЕРЕВА
Смешав больше красной и синей краски, вы получите более глубокий оттенок фиолетового. Вы можете использовать данную смесь, чтобы закрасить нижнюю правую часть дерева, где меньше всего света . Добавление и усиление этих теневых тонов очень важно, так как они придадут объем вашей акварельной живописи в японском стиле. Используйте легкие мазки для симуляции листвы!
ШАГ 6: КАК СОЗДАТЬ ФОН НА МАСТЕР КЛАССЕ ПО ЯПОНСКОЙ ЖИВОПИСИ
Когда цветочная часть вашего дерева будет готова, вы можете нарисовать небо, которое будет фоном для вашего рисунка дерева. Используя технику «по-мокрому», создайте голубой фон. Используйте синий цвет, чтобы «подчеркнуть» форму дерева. Но помните, что вам не обязательно следовать предварительному рисунку дерева карандашом!
ШАГ 7: ДОБАВЬТЕ ВЕТВИ И СТВОЛ
Заполните «дыры» в дереве тем же синим цветом, что и небо, примерно по своему эскизу, как считаете нужным. Вы можете быстро высушить их феном, прежде чем добавлять сверху небольшие веточки.
Что бы создать реалистичные ветки используйте жженую умбру и фиолетовый цвета, кисть номер 8. Мы рисуем сначала ствол и от него отходящие ветки между массами листвы.
Чтобы подчеркнуть тени, добавьте берлинскую лазурь нанося поверх или вкрапливая в теневые участки ствола и ветвей.
ШАГ 8: ФИНАЛЬНЫЕ МАЗКИ НА ЯПОНСКОМ МАСТЕР КЛАССЕ
Для живописи земли и травы используйте яркие цвета: желтый кадмий, лимон и зеленый кобальт, чтобы нанести несколько мазков, используя методы живописи «по-мокрому» . Совет профессионала: для более мягкого смешивания идеально подходит нанесение влажной краски на влажную поверхность — так называемая техника «мокрое по мокрому»! Затем смешайте Кадмий оранжевый и желтый кадмий и Краплак и слегка нанесите получившийся цвет на землю, чтобы изобразить упавшие на землю лепестки сакуры. Наконец, добавьте легкий мазок разбавленного индиго, чтобы проиллюстрировать тень от дерева.
И вот мы закончили наш рисунок дерева в японском стиле. С помощью всего лишь пары простых акварельных техник вы сможете запечатлеть неземную красоту весны в Японии.
Примеры мастер классов проведенных в студии Артакадемия
Мастер класс по интерьерной живописи расскажет как создавать абстрактные картины большого размера
Мастер класс по интерьерной живописи
Мастер класс японская живопись
Мастер класс японская живопись
Мастер класс по живописи Акрилом — с видео примерами живописи натюрморта с яблоками в стиле импрессионизм
Мастер класс по живописи акрилом (яблоки)
Мастер класс по живописи портрета
Мастер класс по живописи портрета маслом
Мастер класс по рельефной живописи
Мастер класс по рельефной живописи
Мастер класс по кофейной живописи
Мастер класс по кофейной живописи
М=
Мастер класс по китайской живописи
Мастер класс по китайской живописи
Мастер класс по декоративной живописи
Мастер класс по декоративной живописи в Артакадемии
Что такое индивидуальный мастер класс по живописи?
Индивидуальный мастер класс по живописи
Мастер класс по живописи мастихином
Мастер класс по живописи мастихином
Мастер класс по живописи губкой
Мастер класс по живописи губкой
Как выбрать мастер класс по живописи для взрослых
Мастер класс по живописи гуашью
Мастер класс по живописи гуашью
Мастер класс по рисованию пастелью
Мастер класс по живописи пастелью
Картина маслом мастер-класс
Мастер класс по живописи маслом
Мастер класс по Fluid Art — что это такое?
Мастер-класс по рисованию 2020
Как удивить своих близких мастер классом по живописи на праздники?
Мастер класс по акварельной живописи
Мастер класс по живописи акварелью Киев 2020
Масляная живопись мастер класс в Артакадемии — Киев
Мастер класс по живописи с вином
Каково это — посещать мастер класс по живописи с вином без художественных способностей?
Корпоративный мастер класс по живописи в Киеве
Корпоративные художественные мастер-класс по живописи
Мастер класс по абстрактной живописи
Мастер класс по абстрактной живописи
Мастер класс по живописи шерстью — с видеоуроком, а так же несколькими примерами работ наших учеников.
Мастер класс по живописи шерстью
Жанры в японском искусстве
Японская живопись — одна из самых древних и красивейших в мире. Японское искусство оказало большое влияние на европейскую живопись.
Японские гравюры на дереве укиё-э (картины изменчивого мира) были особенно популярна в странах Европы и дали толчок к появлению стилей модерн и импрессионизм.
Появление японизма отмечают в работах Винсента Ван Гога, Клода Моне и др. У Ван Гога хранилось около 400 японских гравюр и есть его произведения скопированные с ксилографии знаменитого Утагава Хиросигэ «Сливовый сад Камэйд» и «Внезапный дождь над мостом Син-Охаси на реке Атака». В своих коллекциях укиё-э имели Анри Тулуз-Лотрек, Анри Матисс, Джеймс Уистлер, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Эмиль Золя.
В конце XIX века исследователь А.В. Вышеславцев привёз из кругосветного путешествия несколько японских гравюр и альбомов, что вызвало интерес к этому необычному искусству, и в 1898 году в Петербурге прошла первая выставка гравюр. Знакомство с ней повлияло на творчество ряда российских художников: Ивана Билибина, Константина Сомова, Анны Остроумовой-Лебедевой, Дмитрия Митрохина, Ореста Верейского и др.
«После Дюрера на меня имели большое влияние японцы… Упрощенность их стиля, краткость и стремительность художественного восприятия и его воплощения всегда поражали меня в японской гравюре… Мои товарищи еще больше меня увлекались японским искусством, и каждый из них стремился собрать для себя хорошую коллекцию гравюр…» (Анна Остроумова-Лебедева)
Историю японской живописи можно разделить на несколько периодов по техникам и особенностям.
Поначалу, в период доминирования китайского искусства техника японской живописи базировалась на технике школы Кано.
Затем при императорской Академии художеств появилась школа японской живописи ямато-э, возникшая на смену прокитайского стиля кара-э. Характерные черты мастеров этой школы — орнаментальные формы облаков, приёмы параллельной перспективы. Школа ямато-э оказала сильное воздействие на школы укиё-э.
|
Абуна-э — эротический жанр, в котором изображали частично обнаженных женщин, участвующих в повседневной деятельности (купание, мытье волос и тп).
В картинах часто изображали внезапный порыва ветра, маленького ребенка или животных, которые тянули женщину за одежду, обнажая ее ноги, бедра или грудь. Считается, что абуна-э была создана в 1772 году, после того как правительство запретило жанр сюнга. |
|
|
Бидзин-га — жанр, изображающий женскую красоту японской женщины, самый популярный жанр укиё-э.
|
|
|
Бундзинга — живопись ученых — жанр, изображающий образованных людей, направление школы ханга.
|
|
| Дзимбуцуга — портретная и жанровая живопись — жанр заимствованный у китайских художников. | |
|
Катё-га — птицы и цветы — жанр пейзажной живописи заимствованный у китайских художников.
Основным правилом было изображать по два разных вида птиц или цветов. |
|
| Кодам-оэ — изображение детей. | |
|
Муся-э — портреты знаменитых самураев.
Изображались реальные исторические личности, хроники и участники средневековых войн. |
|
| Мэйсё-э — изображение знаменитых, прославленных красотой мест — одна из двух основных разновидностей стиля ямато-э. | |
| Нисэ-э — реалистические портреты знаменитостей, основателей учения — разновидность стиля ямато-э | |
| Окуби-э — большие головы — жанр, в котором изображалась крупным планом голова девушки, разновидность жанра бидзин-га. | |
| Оги-э — изображение для вееров. | |
| Омотя-э — картинки-игрушки — изображения для обучения детей. | |
|
Сансуйга — горы и вода — жанр пейзажной живописи заимствованный у китайских художников.
Японские художники стали рисовать пейзажи сансуйга начиная с 15 века. |
|
|
Сики-э — жанр изображающий четыре времени года. |
|
|
Сигадзику — стихоживопись — жанр соединяющий равнозначные составляющие: живопись, поэзию и каллиграфию.
Сигадзику делали на вертикальных свитках — в верхней части писали стихи, связанные с сюжетом картины, в нижней — изобрали пейзаж в жанре горы и вода. |
|
| Сумо-э — жанр, изображающий борцов сумо. | |
|
Сюнга — весенние картины — эротический жанр японской ксилографии стиля укиё-э, изображающий очень откровенные интимные сцены.
Считается, что родоначальниками жанра были иллюстрации из китайских медицинских пособий. Гравюры на эту тему приобрели большую популярность в конце XVIII — начале XIX века. Сюнга официально запрещена в Японии с XVIII века. |
|
| Тиндзо — портреты, которые рисовали дзэнские монахи-художники | |
|
Фуукэй-га — пейзажный жанр.
|
|
| Фудзокуга — картины нравов и обычаев — бытовой жанр, праздники и обряды | |
| Цукинами-э — изображения основных занятий человека в каждый из двенадцати месяцев — одна из двух разновидностей стиля ямато-э. | |
| Эмакимоно — свитки в стиле ямато-э | |
|
Якуся-э — жанр направления укиё-э, изображающий жизнь актеров театра Кабуки, самый популярный жанр укиё-э.
|
Материалы: Искусство Японии, Иван Чудов
Жанры живописи
Жанры в китайском искусстве
Техники изобразительного искусства
Стили и направления живописи
Рубрика: изобразительное искусство, искусствоведение, японская живопись, жанры в японском искусстве, Япония
© Материал подготовлен художественной галереей Арт СПб
При полном или частичном копировании прямая ссылка на сайт — www.art-spb.ru обязательна!
Картины с видами Японии Купить картину горы и вода Купить картину птицы и цветы
Японская живопись
Японская живопись одно из древнейших и изысканных японских изобразительных искусств.
Она берет свое начало в китайском искусстве, поэтому их жанры очень схожи. И даже в наши дни многие японские художники предпочитают обучаться именно в Поднебесной.
Японская живопись охватывает широкий спектр жанров и стилей. Для нее, как и для литературы характерно изображение природы, сцен из повседневной и религиозной жизни, живопись животных и растений, особенно птиц и цветов. Во всех этих жанрах сложились характерные японские традиции.
В своей истории развития живопись в Японии имеет несколько этапов, каждый из которых отличается характерными чертами.
Древняя Япония и периоды Кофуни и Асука (IV век —710)
Наряду с введением китайской письменности (Канджи), китайской режимов государственного управления, и буддизма, многие произведения искусства были привезены в Японию из Китая.После этого в Японии начали появляться произведения живописи в китайском стиле.
Период Нара (710–794).
Период назван по местонахождению первой постоянной столицы Японии в Нара. С дальнейшим процветанием буддизма в Японии развивалась и религиозная живопись. Самые ранние сохранившиеся картины этого периода включают фрески на стенах внутри храма Хорю-дзи.
Эти сцены включат в себя эпизоды из жизни Будды. Стиль изображения напоминает китайскую живопись.
Тем не менее период Нара известен больше бурным развитием скульптуры, чем живописи.
Период Хэйан (794–1185).
Название периода происходит от местонахождения новой столицы — Хэйан(кё) (совр. Киото). С развитием эзотерических буддийских сект, живопись 8-го и 9-го веков характеризуется религиозными образами, в первую очередь Ма́ндала (Ма́ндала — это духовный и ритуальный символ в буддизме, представляющий вселенную).
Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э (大 和 絵, «живопись в японском стиле»). Это считается классический японский стиль, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения.
Характерные черты ямато-э включают в себя множество маленьких фигур и подробное описание деталей зданий и других объектов.
Период середины Хэйан считается золотым веком Ямато-э, который первоначально использовался в основном для раздвижных дверей (фусума) и складных экранов (бōбу).
Появляются новые форматы живописи, в том числе Эмакимоно. Эмакимоно (絵 巻 物, буквально «свиток с картинками»), часто называемый просто эмаки(絵 巻), представляет собой горизонтальную, иллюстрированную повествовательную форму. Emakimono сочетает в себе как текст, так и рисунки, на которых изображали битвы, романтику, религию, народные сказки и истории о сверхъестественном мире.
Период Камакура (1185–1333)
В этот период продолжают развиваться эмаки различных видов, однако период Камакура был гораздо сильнее охарактеризован искусством скульптуры, чем живописи.
Период Муромати (1333–1568)
В течение 14-го века развитие великих дзенских монастырей в Камакуре и Киото оказало большое влияние на изобразительное искусство. Суми-э (墨 絵) или Суйбокуга (水墨画), строгий монохромный стиль чернильной живописи, зародившийся в Китае, в значительной степени заменил полихромные картины свитков предыдущего периода, хотя сохранилась некоторая полихромная портретная живопись.Типичным примером такой живописи является изображение монаха-художника Као, который был известен своим изображением легендарного монаха Кенсу, в тот момент, когда он достиг просветления.Этот стиль живописи был выполнен с быстрыми мазками кисти и минимумом деталей.
Картиной «Поймать сома с тыквой», художник-монах Хосетсу, знаменует поворотный момент в живописи Муромати.На переднем плане изображен мужчина на берегу ручья, он держит маленькую тыкву и смотрит на большого скользкого сома.Центр картины заполняет туман, а фон, горы, кажутся, далеко на расстоянии.Обычно считается, что «новый стиль» картины, выполненной около 1413 года, относится к китайскому ощущению глубины пространства в плоскости картины.
К концу 14-го века монохромная пейзажная живопись стала предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно переходя от китайских корней к более японскому стилю. Дальнейшим развитием пейзажной живописи стал свиток с изображением поэмы, известный как шигаджику.
Главными художниками периода Муромати являются художники-монахи Шубуни Сесшу. Шубун, монах храма Сёкоку-дзив Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще». Сесшу, в отличие от большинства художников того времени, смог отправиться в Китай и изучать китайскую живопись у ее истоков.«Пейзаж четырех сезонов» — одно из самых совершенных произведений Сэссу, изображающее непрерывный пейзаж четырех сезонов.
В конце периода Муромати живопись тушью вышла за стены монастырей Дзэн в мир искусства.
Адзути-Момояма (1568–1600)
Следующий этап Японской живописи Адзути-Момояма, резко контрастировал с предыдущим Муромати. Этому этапу характерен полихромный стиль с широким использованием золотой и серебряной фольги и работами в очень большом масштабе. В то время школа Кано пользовалась большим престижем и известностью.
Её основатель Эйтоку Кано разработал технику для создания монументальных пейзажей на раздвижных дверях, ограждающих помещение.Такие огромные экраны и настенные росписи заказывались для украшения замков и дворцов военной знати.
Период Эдо (1600–1868)
Эдо раннее название города Токио, в этом городе основался сёгунат Токугавы. В течении раннего периода Эдо начали возникать новые тенденции в искусстве. Одной из самых значимых школ была школа Ринпа, которая использовала классические сюжеты, но представляла их в новом, смелом, декоративном формате.
Другим важным жанром, который начался в период Адзути-Момояма, но который достиг своего полного развития в ранний период Эдо, было искусство намбан («южных варваров»). Японцы обычно называли словом намбан всех иноземцев, которых они считали варварами.
Жанр намбан охватывает как произведения, изображавшие «экзотических» иностранцев, так и произведения, созданные ими самими и привезенные в Японию.
Третьей важной тенденцией периода Эдо был подъем жанра Бунджинга (литературная живопись), также известного как школа Нанга(школа южной живописи).Этот жанр расцвел в поздний период Эдосреди художников, считавших себя литераторами и интеллектуалами.Хотя каждый из этих художников был по-своему уникален и независим, все они восхищались традиционной китайской культурой.Их картины, как правило, выполнены однотонными черными чернилами, иногда со светлыми тонами, почти всегда изображающие китайские пейзажи, были созданы по образцу китайской литературной живописи.
Позднее, мастера, работающие в стиле бунджинга, видоизменили технику и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей.
Период Мэйдзи (1868–1912)
Период Мэйдзи (записывается двумя иероглифами — «свет» и «правление») – необыкновенный исторический период радикальных перемен и смелых реформ. В этот период за очень короткий промежуток времени закрытая феодальная Япония вышла из самоизоляции и стала крупной мировой державой. Страна Восходящего солнца превратилась в просвещенное государство.
Это не могло не сказаться на искусстве, ведь Япония переняла многие достижения и опыт Запада. Искусство разделилось на традиционные местные и европейские стили.
Правительство официально продвигало западный стиль Yōga (Ёга, 洋画, буквально «стиль западной живописи»). Этот термин был придуман в период Мэйдзи, чтобы отличать такие работы от традиционных японских картин.
Множество молодых перспективных художников были отправлены за рубеж на учебу. Были приглашены иностранные мастера, для создания учебных художественных программ в японских школах.
Однако после первоначального всплеска энтузиазма в отношении западного искусства, маятник качнулся в обратную сторону. Началось возрождение интереса к традиционному японскому стилю нихонга (日本画, «картины в японском стиле»). Вдохновителями этого движения стали искусствовед Окакура Какузои педагог Эрнест Феноллса. А в 1880-х годах искусство западного стиля было даже запрещено на официальных выставках и подвергалось жесткой критике.
Однако художники, работающие в стиле Ёга, образовали (Общество Изобразительных Искусств Мэйдзи), чтобы проводить свои собственные выставки и способствовать возобновлению интереса к западному искусству.
В 1907 году была основана Японская Академия искусств это способствовало взаимному признанию конкурирующих групп и даже начался процесс взаимного синтеза.
Период Тайсё (1912–1926)
Живопись получила новый толчок развития, испытав сильное влияния Западной культуры. Происходит смешение японских и западных стилей, при чем не только в живописи, но и во всех видах творчества.
На полотнах молодых художников все больше появляются картины, написанные в стиле импрессионизма, постимпрессионизма, кубизма и т.д.
Период Сёва (1926–1989)
В японской живописи в довоенный период Сёва в основном доминировали Сōтаро Ясуи и Рюзабуро Умехара, которые представили понятие чистого искусства и абстрактной живописи в традиции Нихонгаи таким образом создали более интерпретирующую версию этого жанра.Леонард Фужита и Общество Ника разработали эту тенденцию, чтобы охватить сюрреализм.Для продвижения этих тенденций в 1931 году была создана Независимая художественная ассоциация (Dokuritsu Bijutsu Kyokai).
Во время Второй мировой войны многие художники были приняты государственную работу, связанную с пропагандой патриотической тематики.
В послевоенный период в 1947 году была создана финансируемая правительством Японская художественная академия(Nihon Geijutsuin), в которую вошли подразделения нихонга и ёга. Государственное спонсорство художественных выставок прекратилось, но его заменили частные выставки
Послевоенное искусство ждал небывалый подъем. Художники, каллиграфы, печатники процветали особенно в больших городах.
Одними из самых известных художников были Окумура Тогю, прославившийся изображением горы Фудзи, а также Хигасияма Кайи, ставший известным благодаря тому, что создал и отреставрировал росписи на стенах многих японских дворцов и храмов.
Наиболее известным художником, работающем в западном стиле, является Хаяси Такэси. В его работах можно увидеть большое влияние таких прославленных мастеров как Сезанна, Пикассо, Модильяни.
В Японии также есть ряд современных художников, чьи работы в значительной степени вдохновлены субкультурой аниме и другими аспектами популярной и молодежной культуры.Такаши Мураками, пожалуй, один из самых известных и популярных из них. Мураками является основателем и президентом компании«Kaikai Kiki Co», где трудится более двухсот сотрудников. На сегодняшний день офисы компании находятся в Токио, в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе. Компания Мураками — это высокоэффективный механизм, штампующий искусство, исполняющий заказы престижных домов и продюсирующий дюжину начинающих японских художников.
Учитесь рисовать у мастера Хокусая
«Большая волна в Канагаве» — культовая гравюра на дереве, знакомая многим и признанная символом японского искусства. Волна выгибается вверх и, кажется, находится прямо на гребне столкновений с небольшими рыбацкими лодками у побережья Канагавы. Художественное произведение передает движение и напряжение этого активного момента с помощью тщательно прорисованных линий и пестрых цветов. «Волна» — творение Кацусики Хокусая, мастера живописи и художника периода Эдо, чьи работы являются одними из самых популярных и подражаемых.
из Быстрых уроков упрощенного рисования
Менее известный факт о Хокусае заключается в том, что помимо того, что он был плодовитым художником, он также был учителем, который создавал учебные книги по искусству. Он написал содержательную и полезную серию книг «Быстрые уроки упрощенного рисования». Уроки разбиты на три тома. Первый том посвящен рисованию основных геометрических фигур; второй том исследует контур; в третьем томе анализируются различные типы мазков кистью и способы их применения.
из Быстрых уроков упрощенного рисования
из Быстрых уроков упрощенного рисования
из Быстрых уроков упрощенного рисования
Уроки написаны на японском языке, но также представлены в виде иллюстраций, что делает их доступными для тех, кто не говорит по-японски. Quick Lessons in Simplified Drawings — это сокровище для любого студента, изучающего рисунок, или профессионального художника, заинтересованного в обучении ремеслу у одного из самых уважаемых художников всех времен.
Том первый: краткие уроки упрощенного рисования
Том второй: краткие уроки упрощенного рисования
Том третий: Краткие уроки упрощенного рисования
через Open Culture и MetaFilter
Маргарет Пенни — главный редактор Notes on Design. Маргарет — преподаватель, дизайнер, писатель и художник новых медиа, а также основатель компании Hello Creative Co.
.
7 бесплатных уроков рисования манги и суми-э
Эксперты по рисованию в японском стиле делятся советами для начинающих: от первых мазков до создания персонажей
Япония, страна с богатой художественной историей, дала начало методам иллюстрации, которые оказали огромное влияние на творческих людей и аудиторию во всем мире.Среди них манга и суми-э, два выразительных средства со своей собственной яркой идентичностью.
Независимо от того, являетесь ли вы новичком, заинтересованным в изучении этих стилей, или ищете новые приемы рисования, в этой статье учителя Domestika делятся советами по всему: от того, как рисовать блестящие глаза и лица в стиле манга, до того, как создавать выразительные мазки тушью. .
Примеры манги EUDETENIS.Но сначала давайте быстро изучим философию и предысторию этих форм искусства…
Что такое манга?
Относительно японских комиксов и графических романов слово «манга» состоит из двух письменных иероглифов, или кандзи: кандзи для неформального или причудливого (漫 man) и кандзи для рисования (画 ga). Считалось, что восходит к свиткам двенадцатого и тринадцатого веков, медиум начался с изображений антропоморфных животных и мультяшных преувеличений повседневной жизни.
Популяризированная всемирно известными мангаками (художниками манги), сегодня манга включает в себя захватывающий боевик, комедию, романтику и комментарии о современной жизни, рассказанные с помощью иллюстрированных панелей и диалогов.Каждая страница наполнена деталями, в которых читатели могут заблудиться.
Что такое суми-э?
Суми-э переводится как «рисование тушью», образованное иероглифами, обозначающими тушь (墨 суми) и рисование (絵 э). Это многовековая техника рисования, которая пришла в Японию с буддийскими монахами из Китая и с тех пор сочетается с другими техниками и оригинальными интерпретациями.
Суми-э объединяет в себе философию и религию, а его художники представляют суть элементов, не вдаваясь в детали: это техника, которая не ищет реализма, а вызывает у зрителя более абстрактные чувства.
Посмотрите видеоролики ниже и нажмите на заголовки для чтения, чтобы просмотреть полный обучающий пост.
Пример суми-э Мики Такахаши, вдохновленный иллюстрациями индийской тушью.Учебники по иллюстрации манги
Аниме-учебник: Пропорции лица для начинающих
Они могут выглядеть просто, но каждый персонаж манги или аниме обладает уникальным выразительным внешним видом, который можно воссоздать, следуя нескольким простым правилам. Художник-акварелист Джефф Паскуаль (@geoff_pascual) известен своими красивыми композициями в японском стиле.Находясь под сильным влиянием манги и аниме, которые вдохновляли его в детстве, Джефф создает произведения искусства в своей калифорнийской художественной студии Pascual Productions.
Перед тем, как добавить выразительные детали, которые помогают его персонажам выделиться на странице, Джефф следует ряду простых правил, чтобы убедиться, что их пропорции правильные, которыми он делится в этом руководстве.
Учебник по дизайну персонажей: как рисовать глаза манги
У персонажей манги не всегда были огромные блестящие глаза, которые стали характерными для этого жанра сегодня.Этот сдвиг произошел в современной манге (первопроходцем которой в 1940-х годах стал художник Осаму Тэдзука). Однако выразительные глаза всегда были (и остаются) очень важными, когда речь идет об усилении черт и эмоций этого стиля.
Здесь Джована Серафим, наполовину специалист по манга-комиксам EUDETENIS (@eudetenis), обучает основным приемам рисования, чтобы вывести ваши рисунки на новый уровень, создавая интересные выражения с помощью разных форм глаз. Все, что вам нужно, это карандаш и немного бумаги, чтобы начать практиковаться!
Учебник по манге: Придайте глазам цвет и блеск
Как только вы научитесь рисовать глаза манги, вы можете начать играть с цветом, тоном, тенями и блеском.В этом уроке Таня Оксентюк (более известная как @taniidraw) проведет вас через творческое упражнение по работе с цветовыми сочетаниями.
Вдохновленная аниме и другими традиционными японскими видами искусства, в этом уроке она делится своими советами по добавлению цвета и блеска аниме-глазам с помощью фломастеров. Под ее руководством вы обнаружите, что существует столько же типов глаз, сколько и характеров.
Учебник по манге: как нарисовать принцессу Мононоке
Если вы поклонник манги, скорее всего, вы знакомы с Принцесса Мононоке .Написанный Хаяо Миядзаки и опубликованный в 1993 году, он позже был превращен в аниме-фильм Studio Ghibli в 1997 году, побив рекорды, когда он был выпущен в Японии, достигнув кассовых сборов в размере 19,3 миллиарда иен.
В этом уроке профессиональный мангака и иллюстратор Наталья Батиста (@nataliasmanga) научит вас рисовать главную героиню комикса, также известную как Девушка-волк. Начиная с ее лица и заканчивая последними штрихами, Наталья покажет вам, как нарисовать принцессу Мононоке шаг за шагом с помощью карандаша, прежде чем добавлять детали с помощью ручки и туши.
Учебник по манге: как рисовать Танджиро маркерами
Другим персонажем, которого знают поклонники манги, является Танджиро Камадо, герой популярной манги и аниме Убийца Демонов . В этом уроке бразильский карикатурист и иллюстратор Кайо Йо (@caioyo) научит вас рисовать главного героя, используя его любимый материал: фломастеры.
Впервые созданные японским дизайнером Юкио Хориэ во время работы в Tokyo Stationery Company в 1962 году, маркеры универсальны, красочны, доступны и практичны — и Кайо Йо (@caioyo) очарован ими.Смотрите, изучайте и пробуйте этот стиль сами, следуя видео ниже.
Учебники по иллюстрации суми-э
Учебное пособие по иллюстрации: применение техники суми-э в акварельной живописи
Хотя техника суми-э изначально выполнялась тушью, существует ряд мазков, которые можно применять при использовании других материалов, например акварели. Если вам интересно попробовать эти штрихи, то этот урок идеально подходит для вас.
Иллюстратор Флор Канеширо (@florkaneshiro) научит вас всем шагам выполнения различных мазков, уделяя особое внимание давлению, скорости, направлению и ритму. Позвольте себе увлечься нежными и мягкими штрихами этой традиционной техники.
Учебное пособие по иллюстрации: мазки тушью и техника суми-э
Тушь, которой более двух тысяч лет, — это гораздо больше, чем просто средство творческого самовыражения.Предлагая бесконечные, непредсказуемые результаты, этот материал создает уникальные эффекты на бумаге.
Ниже отмеченный наградами художник и иллюстратор Мика Такахаши (@takamiks) пригласит вас в мир Индии и покажет, как владеть кистью и создавать завораживающие мазки.
Полное руководство по терминам аниме и манги
Если вы хотите погрузиться в мир японской манги и аниме, но не знаете, с чего начать, это руководство для вас! Если вы хотите найти свой следующий любимый сериал или фильм, или заинтересованы в том, чтобы научиться иллюстрировать свои собственные комиксы, используя эти стили, откройте для себя некоторые из наиболее часто используемых терминов и узнайте, что соответствует вашим вкусам и потребностям.
Если вы хотите продолжить обучение, вы можете изучить курсы манги и иллюстраций суми-э от Domestika.
Вы также можете найти больше бесплатных руководств по творчеству от профессионалов, следя за разделом списков руководств в нашем блоге.
Вам также может понравиться:
— Каковы ключевые характеристики иллюстрации манги?
— Бесплатный шаблон для создания выражений лица в манге
— Основные материалы для рисования суми-э
— Как создать лист выражений для созданного вами персонажа
— 7 завораживающих замедленных видео персонажей комиксов
Как рисовать в стиле японской манги: серия бесплатных и чрезвычайно популярных видеоуроков от художника Марка Крилли
В Японии слово манга в широком смысле относится к форме искусства, которую мы знаем в английском языке как комиксы.Но в том виде, в каком он используется на Западе, он относится к стилю комического искусства с собственными отличительными эстетическими и повествовательными традициями, происходящему из Японии, но теперь уже не ограничивающемуся им. Точно так же, как в прошлом веке или около того появились западные мастера таких чисто японских вещей, как суши, дзюдо и даже чайная церемония, последние несколько десятилетий принесли нам работу западного мангака , или художника манги. Марк Крилли считается одним из самых известных практиков этой короткой традиции, благодаря не только своему искусству, но и его усилиям научить фанатов рисовать в стиле японской манги.
Помимо серии комиксов, таких как Akiko , Miki Falls и Brody’s Ghost , уроженец Детройта Крилли также опубликовал трилогию Mastering Manga учебных пособий. В интервью Wired он описывает свой собственный процесс освоения манги как проект, похожий на изучение языка: «Когда я поехал на Тайвань, чтобы преподавать английский язык после окончания колледжа, я погрузился в изучение китайского языка с настоящим «туннелем». вид посвящения.В результате я заговорил на мандаринском диалекте примерно за год. Совсем недавно я решил научиться рисовать в стиле манги и, таким образом, сосредоточился исключительно на этом в течение многих месяцев».
Сначала Крилли зашел на Youtube для продвижения своей тогда еще новой серии манги, но «вскоре обнаружил, что люди смотрят мои видео как уроки рисования. По мере того, как все больше людей смотрели, я увлекся передачей советов по рисованию следующему поколению, и поэтому я продолжал выпускать все больше и больше обучающих видео.
Все больше молодежи, похоже, проявляет интерес к рисованию в стиле японских комиксов и анимации, чем когда-либо (по крайней мере, если дети моих друзей являются представительными поколениями), и Крилли считает, что они «ценят наличие учителя рисования, который серьезно относится к манге, и не отвергает его как низшую форму искусства. Я уверен, что многие учителя рисования говорят: «Хватит рисовать этих персонажей с глазами-блюдцами! Нарисуй вместо этого этот натюрморт!»
Нельзя сказать, что Крилли не ценит реализм: он выпустил целую книгу на эту тему, а некоторые из его обучающих видеороликов рассказывают, как рисовать реалистичные глаза (учебник набрал 27 миллионов просмотров и продолжает расти), леопардов, грибов , и многое другое кроме этого.Но для начинающего мангака любой национальности его канал на Youtube предлагает множество уроков о том, как рисовать все: от лиц и одежды до фигур в движении и больших глаз в эстетике манги. Но, как он, конечно, знает — процитировав в интервью Wired широкий спектр влияний от Звездных войн до Журнала Mad до Летающего цирка Монти Пайтона — i если вы действительно хотите найти свой собственный стиль, вы можете не ограничивайте себя каким-то одним источником вдохновения.Приобретайте навыки, конечно, но потом переносите их в новые места.
Здесь вы можете посмотреть плейлист из 256 видеороликов с инструкциями по рисованию Крилли. Или серию небольших плейлистов для рисования здесь.
Родственный контент:
Большой список бесплатных уроков рисования на YouTube
Как рисовать человеческое лицо и голову: бесплатный трехчасовой урок
Посмотрите, как новаторский художник комиксов Мебиус рисует своих персонажей в реальном времени
Художник-мультипликатор Линда Бэрри показывает, как рисовать Бэтмена, на своем курсе UW-Madison «Создание комиксов»
Вт.Стихотворение Б. Йейтса «Когда ты стар», адаптированное в японском комиксе-манге
Колин Маршалл, живущий в Сеуле, пишет и ведет передачи о городах и культуре. Его проекты включают книгу Город без гражданства: прогулка по Лос-Анджелесу 21-го века и видеосерию Город в кино . Подпишитесь на него в Твиттере @colinmarshall или на Фейсбуке.
Санкционная политика — наши внутренние правила
Эта политика является частью наших Условий использования.Используя любой из наших Сервисов, вы соглашаетесь с этой политикой и нашими Условиями использования.
Как глобальная компания, базирующаяся в США и осуществляющая операции в других странах, Etsy должна соблюдать экономические санкции и торговые ограничения, включая, помимо прочего, те, которые введены Управлением по контролю за иностранными активами («OFAC») Департамента США. казначейства. Это означает, что Etsy или любое другое лицо, использующее наши Сервисы, не может принимать участие в транзакциях, в которых участвуют определенные люди, места или предметы, происходящие из определенных мест, как это определено такими агентствами, как OFAC, в дополнение к торговым ограничениям, налагаемым соответствующими законами и правилами.
Эта политика распространяется на всех, кто пользуется нашими Услугами, независимо от их местонахождения. Ознакомление с этими ограничениями зависит от вас.
Например, эти ограничения обычно запрещают, но не ограничиваются транзакциями, включающими:
- Определенные географические области, такие как Крым, Куба, Иран, Северная Корея, Сирия, Россия, Беларусь, Донецкая Народная Республика («ДНР») и Луганская Народная Республика («ЛНР») области Украины, или любое физическое или юридическое лицо, работающее или проживающее в этих местах;
- Физические или юридические лица, указанные в санкционных списках, таких как Список особо обозначенных граждан (SDN) OFAC или Список иностранных лиц, уклоняющихся от санкций (FSE);
- Граждане Кубы, независимо от местонахождения, если не установлено гражданство или постоянное место жительства за пределами Кубы; и
- Предметы, происходящие из регионов, включая Кубу, Северную Корею, Иран или Крым, за исключением информационных материалов, таких как публикации, фильмы, плакаты, грампластинки, фотографии, кассеты, компакт-диски и некоторые произведения искусства.
- Любые товары, услуги или технологии из ДНР и ЛНР, за исключением соответствующих информационных материалов, и сельскохозяйственных товаров, таких как продукты питания для людей, семена продовольственных культур или удобрения.
- Ввоз в США следующих товаров российского происхождения: рыбы, морепродуктов, непромышленных алмазов и любых других товаров, время от времени определяемых министром торговли США.
- Вывоз из США или лицом США предметов роскоши и других предметов, которые могут быть определены США.S. Министр торговли любому лицу, находящемуся в России или Беларуси. Список и описание «предметов роскоши» можно найти в Приложении № 5 к Части 746 Федерального реестра.
- Товары, происходящие из-за пределов США, на которые распространяется действие Закона США о тарифах или связанных с ним законов, запрещающих использование принудительного труда.
Чтобы защитить наше сообщество и рынок, Etsy принимает меры для обеспечения соблюдения программ санкций. Например, Etsy запрещает участникам использовать свои учетные записи в определенных географических точках.Если у нас есть основания полагать, что вы используете свою учетную запись из санкционированного места, такого как любое из мест, перечисленных выше, или иным образом нарушаете какие-либо экономические санкции или торговые ограничения, мы можем приостановить или прекратить использование вами наших Услуг. Участникам, как правило, не разрешается размещать, покупать или продавать товары, происходящие из санкционированных районов. Сюда входят предметы, которые были выпущены до введения санкций, поскольку у нас нет возможности проверить, когда они были действительно удалены из места с ограниченным доступом. Etsy оставляет за собой право запросить у продавцов дополнительную информацию, раскрыть страну происхождения товара в списке или предпринять другие шаги для выполнения обязательств по соблюдению.Мы можем отключить списки или отменить транзакции, которые представляют риск нарушения этой политики.
В дополнение к соблюдению OFAC и применимых местных законов, члены Etsy должны знать, что в других странах могут быть свои собственные торговые ограничения и что некоторые товары могут быть запрещены к экспорту или импорту в соответствии с международными законами. Вам следует ознакомиться с законами любой юрисдикции, когда в сделке участвуют международные стороны.
Наконец, члены Etsy должны знать, что сторонние платежные системы, такие как PayPal, могут независимо контролировать транзакции на предмет соблюдения санкций и могут блокировать транзакции в рамках своих собственных программ соответствия.Etsy не имеет полномочий или контроля над независимым принятием решений этими поставщиками.
Экономические санкции и торговые ограничения, применимые к использованию вами Услуг, могут быть изменены, поэтому участники должны регулярно проверять ресурсы по санкциям. Для получения юридической консультации обратитесь к квалифицированному специалисту.
Ресурсы: Министерство финансов США; Бюро промышленности и безопасности Министерства торговли США; Государственный департамент США; Европейская комиссия
Последнее обновление: 18 марта 2022 г.
Японское искусство — самые известные японские художники и произведения искусства
Японское искусство имеет долгую и яркую историю, уходящую корнями в 10-е тысячелетие до нашей эры и до наших дней.На протяжении всей истории этого региона различные империи вторгались в страну и оставляли свое влияние на традиционное японское искусство. Со временем японские художники выбрали элементы вторгшихся культур, которые соответствовали их предпочтительной эстетике, впитывая и усваивая из них концепции, техники и мотивы, создавая таким образом уникальные стили японского искусства из этих иностранных влияний.
Известные японские художники и их произведения
Буддизм был важным компонентом в создании сложного искусства в 7-м и 8-м веках в Японии.Религиозные сюжеты были распространены в древнем японском искусстве, но японские произведения искусства в конечном итоге распространились на другие предметы, отражающие повседневную жизнь и окружающую среду местных жителей.
Сегодня мы рассмотрим десять известных японских художников и японские картины, которые привлекли к ним внимание публики.
Тэнсё Шубун (1414–1463)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Киото, Япония |
| Связанные перевозки | Период Муромати |
| Известные произведения искусства | Чтение в бамбуковой роще (1446)
Цвет воды, Свет на вершинах (ок.15 век) Выпас быков Серия (ок. 15 века) |
Тэнсё Сюбун родился в провинции Оми в Японии в конце 14 века. Позже он переехал в Киото, став директором бюро придворной живописи, учреждения, состоящего из влиятельных японских меценатов. Историки считают Шубуна отцом живописи тушью Суйбоку, стиля, зародившегося в Китае, но который Шубун помог внедрить в традиционное японское искусство.
№ 6. Дом верхом на быке (ок. 15 века) Тэншо Шубуна. Это одно из серии из десяти изображений, широко известных на английском языке как (или пасущих быков) изображений, созданных японским монахом Риндзай Дзэн XV века Сюбуном. Говорят, что это копии утерянных оригиналов, которые традиционно приписывают Какуану, китайскому мастеру дзэн XII века; Tenshō Shūbun, общественное достояние, через Wikimedia CommonsПосле изучения китайских мастеров, таких как Ма Юань и Ся Гуй, Сюбун взял элементы их работ и создал стиль рисования тушью, продвигая его, пока он не стал местным стилем той эпохи.Затем Шубун стал наставником японской живописи для будущих мастеров, таких как Кано Масанобу и Сесшу Тоё. «Чтение в бамбуковой роще» , написанная в 1446 году, считается самой известной картиной Сюбуна, получившей звание национального достояния Японии.
Чтение в бамбуковой роще (1446)
| Дата создания | 1446 |
| Средний | Светлый цвет на бумаге |
| Размеры | 134.8 см х 33,3 см |
| Текущее местоположение | Токийский национальный музей |
Отражая более ранние работы китайских художников Южной Сун, этот ранний образец древнего японского искусства изображает пейзаж и поэзию, написанные на поверхности свитка. Он принадлежал дзен-монаху из храма в Киото, но, как говорят, был создан Сюбуном, другим монахом из храма в Сёкоку-дзи.
Деталь картины «Чтение в бамбуковой роще » (1446) Тэнсё Сюбуна.Полная прокрутка: 134,8 х 33,3 см; Tenshō Shūbun, общественное достояние, через Wikimedia CommonsМногие дзэнские монахи добавили к свитку предисловие и дополнительные стихи, что затрудняет определение того, кто именно создал это древнее японское произведение искусства. Тем не менее, он считается одним из немногих существующих примеров японских рисунков той эпохи, которые соответствуют фирменному стилю Сюбуна.
Таким образом, эта картина передавалась из поколения в поколение в храме Мёти-ин в Киото как оригинал Сюбун.
Сэссю Тоё (1420–1506)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Битчу, Япония |
| Связанные перевозки | Период Муромати |
| Известные произведения искусства | Пейзажи четырех сезонов (1469)
Сансуи Чокан (Длинный свиток пейзажей) (1486) Хуике предлагает свою руку Бодхидхарме (1496) |
Сэссю Тоё был одним из немногих традиционных японских художников периода Муромати, который пользовался большим уважением не только в Японии, но и в Китае.Это произошло из-за влияния художников китайской династии Сун на его работы, которым он затем придал свой собственный японский характер. Он считался крупнейшим представителем японской живописи тушью, которая была основана Тэнсё Сюбуном, его мастером, который научил его японским художественным стилям, таким как суми-э (рисование тушью).
Портрет Сэссю Тойо, ок. 16-ый век; 不詳 неизвестно, общественное достояние, через Wikimedia CommonsТоё взял традиционный стиль своего мастера Сюбуна и придал ему особый японский характер за счет использования более плоского пространственного пространства, более толстых линий и большего контраста между тенью и светом.Его сверстники, а также историки считали Тоё величайшим художником Японии, и его влияние до сих пор можно увидеть в японских картинах.
Пейзаж четырех времен года (1486)
| Дата создания | 1486 |
| Средний | Чернила и светлый цвет на бумаге |
| Размеры | Свиток 40 см x 15 м |
| Текущее местоположение | Музей Мори, Ямагути, Япония |
Считающийся величайшим образцом японской живописи тушью, «Пейзаж четырех времен года» историки считают шедевром Сесшу Тоё.На 15-метровом свитке изображены различные времена года, начиная с весны и заканчивая зимой.
СЛЕВА: Пейзаж четырех времен года, зима (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Wikimedia Commons | СПРАВА: Пейзаж четырех времен года, лето (15 век) Сесшу Тойо; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Wikimedia CommonsКитайское влияние прослеживается как в стиле, так и в теме композиции, однако Тоё привнес в это произведение японский характер, что отличает его от искусства китайской династии.
Тоё также рисовал другие стили японского искусства и предметы, такие как японские рисунки Будды и другие картины под влиянием дзэн.Тем не менее, именно Пейзаж четырех времен года больше всего определяет стиль, благодаря которому Тоё считается мастером традиционного японского искусства.
СЛЕВА: Пейзаж четырех времен года, осень (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Викисклад | СПРАВА: Пейзаж четырех времен года, весна (15 век) Сесшу Тоё; Sesshū Tōyō, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хасэгава Тохаку (1539–1610)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Нанао, Япония |
| Связанные перевозки | Школа Хасэгава |
| Известные произведения искусства | Клен (1593)
Сосны и цветочные растения (1593) Сосны (1595) |
Хасэгава Тохаку родился в 1539 году в городе Нанао, Япония.Он начал свою карьеру художника, рисуя картины Будды в своем родном городе, и добился достаточного успеха, чтобы стать профессиональным художником к двадцати годам. К середине 30-х он переехал в Киото, чтобы продолжить обучение в уважаемой школе Кано. Многие из ранних работ Тохаку написаны в стиле этой школы.
После этого он начал развивать свой уникальный стиль живописи суми-э, который был ближе по стилю к его минималистским предшественникам.
Он считался пятым преемником мастера Сесшу Тоё и мастером периода Адзути-Момояма вместе со своим соперником Кано Эйтоку.Тохаку уважают по всей Японии за его невероятное японское искусство, и многие из его работ внесены в список национальных сокровищ Японии.
Сосна и цветущие растения (1593) Хасэгава Тохаку; Хасэгава Тохаку, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Сосны (1595)
| Дата создания | 1486 |
| Средний | Пара шестистворчатых экранов; тушь на бумаге |
| Размеры | 156 см x 356 см |
| Текущее местоположение | Токийский национальный музей |
В этой серии из шести экранов изысканных японских рисунков Тохаку удалось запечатлеть свет и движение, используя только тушь в качестве выбранного им носителя, что позволило ему придать своим произведениям ощущение пространства, применяя три различных слоя затенения.Своим уникальным манипулированием мазками он смог создать впечатление, что картина удаляется, когда вы приближаетесь к ней.
Сосны (1486) Хасэгавы Тохаку; Токийский национальный музей, общественное достояние, Wikimedia CommonsНа этой картине мы можем видеть, как грубое нанесение его мазков на бумагу создает ощущение едва заметных сосен на отдаленном фоне.
Зритель может почувствовать ветер, гуляющий по роще, благодаря использованию художником специально размещенных в композиции сосен.Тохаку хотел создать впечатление, будто его втянули в картину, и он добился этого, добавив слои затенения, чтобы создать эффект частей сосен, выходящих за пределы самой картины.
Кано Эйтоку (1543–1590)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Киото, Япония |
| Связанные перевозки | Период Момояма |
| Известные произведения искусства | Картина с изображением кипариса (1590)
Сцены в столице и ее окрестностях (ок.1590) Птицы и цветы четырех времен года (ок. 1590) |
Кано Эйтоку родился в 1543 году в Киото, Япония, внук мастера Кано Мотонобу. Мотонобу обучал своего внука в стиле, на который сильно повлияли китайские движения. Наряду с другими членами своей семьи, такими как его отец, Эйтоку был известен своей работой в храмах, где он устанавливал красиво раскрашенные потолки и картины на раздвижных дверях, а также украшал стоячие ширмы.
Птицы и цветы четырех времен года (16 век) Кано Эйтоку, часть росписей на перегородках комнат в покоях аббата Дзюко-ин в Дайтоку-дзи, Киото, Япония, тушь на бумаге. На этом рисунке показаны четыре из 16 панелей фусума (раздвижных дверей) в ритуальной комнате; Кано Эйтоку (狩野永徳) и его отец Кано Сёэй (狩野松栄), общественное достояние, через Wikimedia CommonsЕго самым большим вкладом в выбор стилей школы Кано был его монументальный стиль, также известный как Тайга , , который обычно характеризуется использованием смелой кисти, фигур, которые непропорционально велики для их фона, и акцентом на переднем плане. аспекты.Эйтоку был очень популярен в свое время и имел много покровителей, которые заказывали его работы.
Самым известным из этих произведений является восьмипанельный экран с изображением кипариса.
Изображение кипариса (1590)
| Дата создания | 1590 |
| Средний | Чернила на бумаге с золотыми листьями |
| Размеры | 170 см x 460 см |
| Текущее местоположение | Токийский национальный музей, Токио |
Эта картина-ширма состоит из восьми панелей, на которых изображен пейзаж с кипарисом на переднем плане.Эти экраны, сделанные из нескольких панелей, соединенных вместе, использовались для разделения внутренних пространств, чтобы обеспечить некоторую конфиденциальность на больших площадях.
Однако изначально Эйтоку не нарисовал это на ширме, а сначала нарисовал на раздвижной двери. Затем ширма использовалась в аристократической резиденции, построенной в 1590 году.
Эйтоку нарисовал деревья силой кисти, создав эффект подавляющей силы, а фон покрыл сусальным золотом.Общий контраст произведения был достигнут за счет этих сильных линий, а также за счет ограничения количества цветов, используемых в композиции.
Кипарисы (16 век) Кано Эйтоку; Кано Эйтоку, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Таварая Сотацу (1570–1643)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Киото, Япония |
| Связанные перевозки | Школа Ринпа |
| Известные произведения искусства | Водоплавающие птицы в пруду с лотосами (ок.1630)
Бог Ветра и Бог Грома (ок. 1630) Секия и Миоцукуси (1631) |
Хотя точная дата рождения Таварая Сотацу неизвестна, предполагается, что это около 1570 года. Он наиболее известен своим сотрудничеством с Хонами Коэцу, созданием декоративных и каллиграфических работ, а также его удивительными складными ширмами, многие из которых стали национальным достоянием Японии, в том числе Бог Ветра и Бог Грома и Секия и Миоцукуси.
Бог ветра Фудзин (справа) и Бог грома Райдзин (слева) работы Таварая Сотацу, 17 век; 俵屋宗達 (Таварая Сотацу) (1570-1643), общественное достояние, через Wikimedia CommonsСотацу был известен как японский дизайнер мебели, а также японский художник школы Ринпа, которая не была школой в традиционном смысле, а скорее коллективом художников, создающих японские рисунки и другие произведения искусства под влиянием Коэцу и Сотацу. Он также известен тем, что впервые применил тарашикоми, технику, при которой краску добавляют каплю за каплей, пока предыдущий слой еще влажный.
Секия и Миоцукуси (1631)
| Дата создания | 1631 |
| Средний | Чернила, цвет и золото на бумаге |
| Размеры | 152,6 см x 355,6 см |
| Текущее местоположение | Художественный музей Сейкадо Бунко |
Эта красивая работа Сотацу считается шедевром японских искусствоведов.Изображая личную интерпретацию художника традиционного стиля живописи Гэндзи, Сотацу адаптирует стиль миниатюрных японских рисунков Гэндзи к формату большего масштаба, помогая трансформировать элемент визуального повествования иллюстрации Гэндзи за счет использования упрощенной и чистой геометрии.
ВВЕРХУ: Глава I «Повести о Гэндзи, Сэкия и Миоцукуси» (XVII век) Таварая Сотацу; Tawaraya Sōtatsu, общественное достояние, через Wikimedia Commons | ВНИЗ: Глава II «Повести о Гэндзи, Сэкия и Миоцукуси» (17 век) Таварая Сотацу; Таварая Сотацу, общественное достояние, через Wikimedia CommonsЭтот фрагмент состоит из двух экранов, каждый из которых представляет случайную встречу Гэндзи и его бывшей возлюбленной.На каждом экране изображены ворота, представляющие собой путешествие, что, вероятно, является основной причиной того, что они были соединены вместе. Эта картина — одна из двух работ Сотацу, датированных с достаточной точностью, и поэтому она считается жизненно важной для понимания истории этого художника, о которой мы до сих пор мало знаем.
Огата Корин (1658–1716)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Киото, Япония |
| Связанные перевозки | Школа Ринпа |
| Известные произведения искусства | Ирисовая ширма (1705)
Хризантемы (1706) Красные и белые цветы сливы (1710) |
Огата Корин родилась в 1658 году в богатой семье, которая занималась продажей и дизайном тканей для богатых женщин города.Его отец познакомил его с различными искусствами, и он часто работал вместе со своим братом Кензаном. Он не только рисовал в различных стилях японского искусства, но также был дизайнером и лакировщиком. Однако Корин наиболее известен своими украшенными складными ширмами.
Важный арт-объект Цветущие растения осенью (18 век), приписываемый Огате Корин; Приписывается Огате Корин, общественное достояние, через Wikimedia CommonsКорин также известен тем, что возродил школу Ринпа, основанную 50 лет назад мастерами Сотацу и Хонами Коэцу.Корин пренебрег обычными условностями и идеалами натурализма, создав свой уникальный стиль, воплощенный в использовании упрощенных форм и импрессионистской эстетике.
Он сосредоточился на использовании цветовых узоров в абстрактной манере, и его работы передавали ощущение плоского, одномерного декоративного дизайна.
Красные и белые цветы сливы (1710)
| Дата создания | 1710 |
| Средний | Цвет на серебре и сусальном золоте на бумаге |
| Размеры | 156 см x 172 см |
| Текущее местоположение | Художественный музей МОА, Атами |
Красные и белые цветы сливы — одна из самых известных картин в Японии, которая в настоящее время находится в Художественном музее MOA в Атами и зарегистрирована в Японии как национальное достояние.Эта простая, но красиво стилизованная двухпанельная ширма изображает текущую реку с узором из закручивающихся плоских волн и сливовыми деревьями по обеим сторонам. Наличие цветов сливы предполагает, что сцена представляет собой весенний период.
Красные и белые цветы сливы (1710) от Огаты Корин; Огата Корин, общественное достояние, через Wikimedia CommonsЭта работа считается прекрасным примером школы живописи Ринпа, где Корин применил технику, называемую Тарашикоми, для создания крапчатого вида деревьев.Эта текстура создается путем игры серии капель друг на друге без обычного периода высыхания, обычно практикуемого при покраске. Считается, что, судя по датировке картин и другим свидетельствам, это, скорее всего, было последнее нарисованное произведение Огаты Корина перед смертью через несколько лет после его создания.
Китагава Утамаро (1753 – 1806)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Эдо, Япония |
| Связанные перевозки | Период укиё-э |
| Известные произведения искусства | Три красавицы современности (1793)
Рукоделие (1794) Женщины, играющие в зеркале (1797) |
Китагава Утамаро родился в Эдо в 1753 году.Он считается одним из самых известных японских художников, занимающихся живописью и гравюрами на дереве в стиле укиё-э. Он также хорошо известен своими японскими рисунками красивых большеголовых женщин. Кроме того, известно, что Утамаро занимался естественными исследованиями, в частности, серией иллюстрированных книг о насекомых.
Портрет Утамаро, нарисованный в 1931 году; 井上和雄編 渡辺版画店 1931, общественное достояние, через Wikimedia CommonsРабота Утамаро в конце концов достигла берегов Европы, где была очень хорошо принята.Говорят, что его акцент на тени и свете и применение частичных взглядов сильно повлияли на европейских импрессионистов.
Когда европейские художники говорят о «японском влиянии», они обычно имеют в виду, в частности, творчество Утамаро.
Три красавицы современности (1793)
| Дата создания | 1793 |
| Средний | Цветная гравюра на дереве |
| Размеры | 37.9 см х 24,9 см |
| Текущее местоположение | Музей изящных искусств, Бостон |
Эта композиция изображает трех женщин в треугольном строю. Все женщины были знаменитостями в то время и были постоянными героями работ художника. Каждая женская фигура украшена одеждой с фамильным гербом. Несмотря на сильно стилизованные лица, все же можно различить индивидуальные черты, изображенные на каждом лице, которые отличались от обычных типовых лиц, изображенных в работах художников, предшествовавших Утамаро.
Три красавицы наших дней (ок. 1793 г.) Китагавы Утамаро; Китагава Утамаро, общественное достояние, через Wikimedia CommonsЭтот вид искусства был очень популярен в 17-19 веках, его сюжеты были сосредоточены на обычных людях, таких как актеры кабуки и куртизанки, а также на тех, кто связан с районами удовольствий японской культуры. Чаще всего такого рода принты создавались для рекламы местных развлекательных заведений.
Сегодня этот шедевр считается лучшим представителем ранних работ Утамаро.
Кацусика Хокусай (1760-1849)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Эдо, Япония |
| Связанные перевозки | Укиё-э |
| Известные произведения искусства | Большая волна у Канагавы (1829 г.)
Тридцать шесть видов на гору Фудзи (1830) Экскурсия по водопадам провинции (1832) |
Кацусика Хокусай родился 31 октября 1760 года.Он был известен тем, что преобразовал стиль, который был в основном ориентирован на актеров, куртизанок и красивых женщин, расширив предмет, представив работы, включающие растения, животных и пейзажи. Из большинства японских художников Хокусай, скорее всего, является наиболее всемирно известным, в основном благодаря картине «Большая волна у Канагавы, », которая считается лицом японского искусства во всем мире.
Автопортрет Кацусики Хокусая в возрасте 83 лет; общественное достояние, ссылкаГоворят, что Хокусай использовал более 30 различных псевдонимов, с помощью которых он создавал японские картины и другие стили, такие как ксилография.Однако его самый важный вклад в японское искусство был написан только в последние годы его жизни после того, как ему исполнилось 60 лет. Это включает в себя его изображение священной горы в течение сезонов, известное как Тридцать шесть видов на гору Фудзи .
Большая волна у Канагавы (1829)
| Дата создания | 1892 |
| Средний | Ксилография |
| Размеры | 25.7 см х 37,8 см |
| Текущее местоположение | Метрополитен-музей и другие |
Большая волна у Канагавы известна как самая узнаваемая японская картина в мире и самая известная работа художника Хокусая. Он был опубликован примерно в 1892 году как первое издание серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи» . На картине изображена огромная угрожающая волна, возвышающаяся над тремя небольшими рыбацкими судами в заливе Сагами, на фоне горы Фудзи.
Размер волны заставил некоторых предположить, что на картине изображено цунами, в то время как другие согласны с тем, что это скорее изображение огромной волны-убийцы.
После периода изоляции от Запада стили японского искусства были экспортированы в Европу, где они были быстро приняты, термин, называемый японизмом. Это конкретное произведение было известно своим влиянием на европейскую художественную культуру, и даже Винсент Ван Гог , большой поклонник работ Хокусая, высоко оценил качество линий в японском рисунке, заявив, что визуальные эффекты оказали влияние, которое можно описать как «эмоционально ужасно.
Большая волна у Канагавы (1829 г.) из 36 видов на гору Фудзи Кацусика Хокусай. Хотя он часто используется в литературе о цунами, нет причин подозревать, что Хокусай намеревался интерпретировать его таким образом. Волны в этой работе иногда ошибочно называют цунами, но более точно их называют окинами, поскольку они представляют собой большие волны в открытом море; После Кацусики Хокусая, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Томиока Тессай (1837 – 1924)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Киото, Япония |
| Связанные перевозки | Движение Нихонга |
| Известные произведения искусства | Абэ-но-Накамаро (1918)
Встреча с бессмертными женщинами (1919) Танец двух божеств (1924) |
Родившийся в 1837 году как Томиока Юсукэ, Томиока Тессай — псевдоним этого японского художника.Он известен как последний практик традиции Бундзинга, а также как родоначальник стиля Нихонга. Родившийся в купеческой семье, его неспособность слышать заставила его семью поощрять его стать ученым, а не торговцем. Он изучал литературу и философию.
Портрет Томиока Тессай, до 1923 г.; Неизвестный автор Неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia CommonsПосле смерти отца Тессай переехал в синтоистское святилище. Проведя там более десяти лет, он начал учиться у многих опытных художников и вскоре разработал свой уникальный стиль.Западное искусство начало оказывать влияние на восточный мир, и Тессай призывал художников вернуться к традиционному стилю живописи, тем самым положив начало движению Нихонга.
Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическое стихотворение, глядя на луну (1918)
| Дата создания | 1918 |
| Средний | Цвет на шелке |
| Размеры | 52 см х 145 см.2 см |
| Текущее местоположение | Художественный музей Адачи |
Этот прекрасный шедевр был создан Томиокой Тессай в 1918 году. На этом шелковом полотне изображен пейзаж сельской Японии, яркие красные и зеленые цвета оживляют бежевую композицию. На картине изображена спокойная сцена, в которой можно увидеть фигуру, сидящую под одной из пагод.
Фигурка Абэ-но-Накамаро, поэта и ученого периода Нара.Как следует из названия картины, он занимается написанием стихов, за что его очень почитали, наблюдая, как полная луна поднимается над далекими холмами.
Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму, любуясь луной (1918) Томиока Тессай; Томиока Тессай, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Такаши Мураками (1962 – настоящее время)
| Национальность | японский |
| Где жил художник | Город Итабаси, Токио, Япония |
| Связанные перевозки | Superflat, Современное искусство |
| Известные произведения искусства | Гладкий кошмар (2000)
Мой одинокий ковбой (1998) Тан Тан Бо (2014) |
Такаши Мураками () родился 1 февраля 1962 года, что делает его самым последним дополнением к нашему списку известных японских художников.Он современный художник, работающий не только с живописью и скульптурой, но и с анимацией, товарами и модой.
Он известен тем, что придумал термин «Суперплоский», описание, отражающее эстетический стиль современной японской культуры в послевоенную эпоху.
Этот стиль указывает на лежащее в основе наследие двухмерных плоских изображений, которые пронизывали японское искусство и кино. Подобно движению поп-арта, «Суперплоский» стремился переработать визуальные элементы, которые обычно считались «низким искусством», и переупаковать их по-новому, подняв их до уровня «высокого искусства».
Абстрактное изображение «Superflat» художника Такаши Мураками в лондонской галерее; Тадеас Навратил, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons
Гладкий Кошмар (2000)
| Дата создания | 2000 |
| Средний | Печать с ПК, ручка, маркер и лента |
| Размеры | 40 см x 40 см |
| Текущее местоположение | Отпечатки доступны для покупки онлайн |
Такаши Мураками был удостоен звания Энди Уорхола Азии и считается самым известным японским художником 21 века. Smooth Nightmare является представителем его «суперплоской» эстетики, используя изображения, которые не представляют видимой глубины пространства.
На картине изображены различные объекты, которые превращаются из человекоподобных фигур в грибы. Центральная фигура гриба с глазами занимает большую часть холста, а фон выполнен в плоском полутоновом оттенке.
Сегодня мы узнали о десяти известных художниках-мужчинах в истории японского искусства, от ранних стилей 15-го века под влиянием Китая до современных ультрасовременных стилей последних художников, расширяющих границы с помощью новых техник и средств.
Взгляните на нашу веб-историю японской живописи здесь!
Часто задаваемые вопросы
Отличается ли японское искусство от других восточных культур?
Короче говоря, да. Хотя на начальном этапе китайская династия Сун оказала большое влияние, ранние японские художники вскоре адаптировали стили и техники, чтобы они лучше соответствовали их собственной эстетике, и вскоре искусство начало подниматься из региона, носившего отчетливо японский характер. .После периода изоляции от остального мира из-за войны стиль японского искусства в конечном итоге покинул границы Японии и продолжал влиять на остальной мир, например, на Европу.
Самая известная картина Японии?
Большая волна у Канагавы , несомненно, самая известная японская картина в мире. Он был опубликован примерно в 1892 году как первый оттиск серии «Тридцать шесть видов горы Фудзи», созданной японским мастером Кацусика Хокусай .
Как рисовать мангу и аниме — 6-шаговое руководство для начинающих
Как рисовать мангу.
Нет установленных правил рисования манги. Однако определенные советы и подходы могут помочь вам в этом разобраться, выработать собственный стиль рисования манги и улучшить свои навыки. Используйте следующие советы и приемы рисования манги от опытных иллюстраторов, художников комиксов и инструкторов, чтобы начать.
1. Тренируйтесь на копировании.
Начинающие художники манги могут учиться, пытаясь воспроизвести определенные комиксы или мультфильмы, которые их вдохновляют. «Первый шаг — позволить себе этот период полного отсутствия оригинальности», — говорит автор и преподаватель манги Марк Крилли. «Считайте себя учеником, который учится у мастера».
Писательница и иллюстратор Милдред Луи тоже начинала так. «Я начала рисовать, копируя аниме, — говорит она.
«Изучая навыки, считайте себя учеником, который учится у мастера.
Вы не только отточите зрение, но и приучите руку к ручке или стилусу. «Ваши мышцы еще не натренированы, а рисование во многом зависит от мышечной памяти», — говорит художник комиксов Итан Янг.
Однако копирование сильно отличается от плагиата. Хотя копирование других работ в качестве упражнения по рисованию ценно, не выдавайте их за свои собственные.
2. Понимать пропорции манги. Анатомические пропорции
персонажей манги являются частью того, что делает их мгновенно узнаваемыми.Существуют большие различия между частями тела по сравнению с обычным реалистичным искусством и методами рисования манги, используемыми для их создания.
Обычно в манге:
- Глаза больше, чем в реальной жизни.
- Рты меньше.
- Высота подбородка, носа и лба значительно отличается от реального человеческого тела.
- Волосы манги часто бросают вызов гравитации.
- Выражение лица совсем не похоже на то, что можно увидеть в искусстве, стремящемся к реализму.
Эта стилизация, однако, не означает, что рисовать мангу просто. «Когда я начал рисовать лица в манге, я прошел этот двухэтапный процесс, — говорит Крилли. «Я подумал: «Это не может быть так сложно. Это мультяшно». Но как только вы начинаете пытаться это делать, вы понимаете, что это действительно сложно. Есть этот тщательный баланс с чертами лица, на которые вы должны обратить внимание — если вы не прибьете его, все развалится».
3. Попробуйте рисовать с натуры.
Хотя это может показаться нелогичным, попрактикуйтесь в рисовании реальной анатомии.«Самое главное, что я рекомендую, — это рисование с натуры», — говорит Луис, отмечая, что во многих городах есть уроки, достаточно доступные для публики. «Вам нужно хорошее понимание пропорций, чтобы вы могли лучше настроить их, когда хотите стать суперстилистичными».
Пройдите ускоренный курс рисования в стиле манга.
На первом из трех уроков рисования манги посмотрите, как Марк Крилли покажет вам пошаговые иллюстрации манги.
Научитесь иллюстрировать в стиле манга у японских профессионалов
Преподаватели Академии Искусств Аниме
Название: Эби Блю
Роль: Редактор урока
Информация:
Профессиональный японский иллюстратор, который заключил контракт на публикацию манги после того, как зарекомендовал себя как самый продаваемый художник на знаменитом съезде «Комикет» в Токио.Его стенд на Comiket находится в очень популярном месте, где постоянные поклонники выстраиваются в очередь, чтобы заполучить его популярные комиксы!
Фирменный художественный стиль Эби Блю, «гесу-гао», известен как среди японских, так и среди международных поклонников аниме, достигнув полномасштабного статуса мема после того, как был показан в видео на Youtube «U Got That» (с более чем 75 миллионами просмотров на сегодняшний день!)
Сообщение для студентов:
Когда дело доходит до учебы, любовь — это сила!
Если вы хотите стать лучше в рисовании, возьмите любимое аниме, мангу или игру и нарисуйте своих любимых персонажей или сцены как можно больше.Страсть, которую вы испытываете к этим персонажам, обязательно проявится в вашей работе и даст вам мотивацию и энергию для продолжения усердной работы.
Здесь, в Anime Art Academy, мы хотим помочь вам изучить технические аспекты иллюстрации, чтобы вы могли создавать работы, которые вам нравятся!
Наша команда занимается разработкой курсов, которые дадут вам инструменты и методы, необходимые для эффективного совершенствования.
Спасибо, что являетесь частью Академии! Я с нетерпением жду возможности увидеть все ваши работы!
Имя: Мана Ко
Роль: Директор-постановщик уроков
Информация:
Работая иллюстратором с подросткового возраста, Мана имеет опыт работы над созданием многих популярных игр.Ее работы были включены в журнал Square Enix, и она получила приз от Mag Garden.
Сообщение для студентов:
«Надеюсь, ваше творение будет обновлено. Радоваться, веселиться!»
Имя: Сатору Танака
Роль: Директор-постановщик уроков
Информация:
Бывший профессиональный внештатный аниматор, Сатору работал над популярными аниме, такими как Naruto Shippuden и Heroman.Его работа также приобрела значительную популярность в Интернете; став лучшим фан-художником в своей категории на японском сайте иллюстраций Pixiv и заняв первое место на Nico Nico Douga со своим PV Hatsune Miku.
Сообщение для студентов:
«Я просто хочу научиться рисовать!»
Я считаю, что каждый, кто приходит в Академию с сильным чувством в сердце, имеет все необходимое для улучшения.
Всем привет, я Сатору Танака.
Хотите заниматься самостоятельно, но не знаете с чего начать? Стараетесь изо всех сил в самообучении, но не развиваетесь так сильно, как надеялись? Давно рисуете и хотите выйти на профессиональный уровень?
Академия аниме-искусств ждет вас! Мы научим вас методам, которые вам нужны, чтобы начать учиться или вывести свое искусство на новый уровень.
В Академии мы предоставим вам знания, инструменты и советы, необходимые для подпитки вашей учебы, и покажем вам всевозможные советы, чтобы сделать вашу работу более эффективной.Знание того, что наш контент состоит из проверенных методов, разработанных профессиональными японскими иллюстраторами, не только даст вам душевное спокойствие, но вы также сможете значительно ускорить свое обучение.
Однако! Есть одна вещь, которую я хотел бы прояснить, прежде чем мы начнем. Академия аниме-искусств — это не волшебное решение. Вы не можете просто проглотить один из наших курсов за день и за одну ночь стать гением! Чтобы стать хорошим в чем-то, что бы это ни было, требуется много личного упорного труда и практики.
Позвольте нам присоединиться к вам в этом путешествии и поддержать вас эффективными и действенными советами по обучению!
Прежде всего искусство связано с чувством. Если вы страстно любите аниме и мангу и больше всего на свете хотите стать лучше в рисовании того искусства, которое вам нравится, вы, безусловно, добьетесь успеха здесь, в Академии Искусств Аниме.
Будем рады сотрудничеству со всеми вами!
Имя: Тошина (1047)
Информация:
Тошина — иллюстратор, работающий в Токио.Подростком Тошина получил официальную награду манги от Shounen Jump и с тех пор работает профессиональным мангакой и иллюстратором, собирая огромное количество поклонников на японском сайте иллюстраторов Pixiv и привлекая толпы фанатов на свои выставки.
Сообщение для студентов:
Привет всем, меня зовут Тошина, я преподаю в Академии аниме-искусства.
В Академии я хочу помочь всем, от новичков до случайных художников, осуществить свою мечту стать профессиональными иллюстраторами манги и аниме.Я покажу вам, как воссоздать потрясающие сцены из вашей любимой манги, аниме и игр, а также дам вам навыки, необходимые для разработки собственного оригинального стиля. В своих лекциях я показываю вам точные процессы, через которые я прохожу при создании своего искусства, с комментариями, рекомендациями и профессиональными советами.